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Música

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 Anónimo
19/02/2021 7:01 pm
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On The Road Again🎚️🎧🍺🍻🏴‍☠️🎙️

La Movida Aragonesa renacio en Binéfar durante 17 días con una muestra, charlas y conciertos
Se pudo admirar admirarse joyas procedentes de grandes colecciones.
Transcurridas cuatro décadas de su nacimiento y eclosión, La Movida sigue instalada en el imaginario colectivo. Un movimiento contracultural que cristalizó en los albores de la Transición y cuyos ecos todavía retumban. Binéfar invoco el espíritu de esos años legendarios con una amplia agenda que incluyen una exposición, coloquios, conciertos, un mercadillo e incluso actividades escolares.

"Hace tres años el Ayuntamiento creó un evento llamado Somos Música que cada año se dedica a un tipo de música. El primer año se dedicó al soul; el segundo, al hard rock, y este año, a la Movida. Consiste en involucrar a toda la población a través de los comercios, la hostelería y también los centros docentes", asevera Javier Tarazona, el organizador.

Sin duda, el reclamo que cohesiona la iniciativa es la muestra que acoge la sala de exposiciones del consistorio. En las vitrinas y en las paredes pueden admirarse auténticos tesoros que Tarazona ha recolectado de grandes coleccionistas. "Quizás el artículo más importante sea la entrada y el ‘flyer’ del mítico Concierto de Primavera que se celebró el 23 de mayo de 1981 en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, momento cumbre de la Movida en el que actuaron Farenheit 451, Alaska y los Pegamoides, Los Secretos, Nacha Pop... Y hay una pieza muy especial para mí, el cartel del concierto Frecuencias que tuvo lugar en Zaragoza el 14 de mayo de 1983. Eduardo Benavente, líder de Parálisis Permanente, falleció en un accidente de tráfico de camino a este concierto, y eso hace muy especial este cartel que nos ha cedido Linacero", relata. Junto a estas rarezas también brillan un sinfín de discos y otros artefactos de las bandas que protagonizaron el fenómeno.

La aportación deAragón a la Movida fue generosa y queda perfectamente documentada en la exhibición. "Están las maquetas y el programa original de la Primera Muestra de Pop Rock y Otros Rollos de Zaragoza, y también del Medio Kilo de Rock. Hay material de los locales de conciertos de Zaragoza como la sala Metro, de la que se expone la invitación a su inauguración. Y hay discos de todos los grupos aragoneses de los 80: Más Birras, Distrito 14, Ferrobós, Héroes del Silencio o el buscado elepé ‘Sangre española’ del programa que presentaba Cachi en Radio Zaragoza", prosigue Tarazona. Como la exposición se halla en Binéfar, se ha hecho un esfuerzo para reunir los discos de los grupos de la provincia de Huesca: Proscritos, Mestizos, Escoria Oriental, Víctimas, Inusitados, Eje Berlín, Alta Sociedad…
A la proyección de películas icónicas como ‘Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón’ y de documentales, se une el próximo jueves 10 de mayo una charla en la que participarán actores destacados de la Movida aragonesa:Juanjo Javierre (Mestizos), Felipe Puy (Proscritos), y el saxofonista Justo Bagüeste. Un menú rematado por los conciertos de versiones a cargo de Rey del Glam, Los Conejos Verdes y Esquimales en el Sáhara.

El programa de la I Muestra de Pop Rock y Otros Rollos de Zaragoza.
Los días 23, 24 y 25 de marzo de 1984, medio centenar de grupos aragoneses protagonizaron en el Pabellón Francés de la Feria de Muestras tres días históricos. Participaron, entre otros, Golden Zippers, Pedro Botero, Ferrobós y Doctor Simón, Los Enfermos Mentales, Proceso entrópico, Zumo de Vidrio... Fue el punto de partida y el acicate para que emergieran muchas vocaciones musicales.

Cartel histórico.

El 14 de mayo de 1983 estaba programado en la plaza de toros de Zaragoza un festival con la aristocracia de la Movida: Alaska y Dinarama, Derribos Arias, Aviador Dro, Nacha Pop, Polansky y el Ardor y Parálisis Permanente. Eduardo Benavente, el cantante de este último grupo, falleció en un accidente camino de Zaragoza.


Versión Grecas Too Much🚬😎

Aunque sea todo lo contrario, más PA allá que PA AQUÍ.
Sentirse tan bien es tan fácil...
Sentirse bien 📸
Sonríe al pajarito 🤭


Juan José Javierrre y los Mestizos de Huesca con una portada que hizo historia...
LLuis YES, YES, YES🎸✊

Dos canciones de Escoria Oriental para cerrar el círculo Oscense...
Locos, pasados, divertidos, alcohol, letras y otras historias para no dormir 🎚️☠️

Memorable muñeca muerta 📻👶

Aquello de Aragón también tiene Sed ☝️🏔️
Con Simón antes y ahora Abellán...
Manda EGGS Virgilio, en bólido de carreras🍺🍻🏎️

Una de Tino Casal y los COSTUS, y otros artistas maravillosos de aquellos tiempos...
📀de oro 🌟

Tino Casal
(Oviedo, 1946 - Aravaca, Madrid, 1991) Compositor y cantante español de música pop. Figura controvertida, Tino Casal no cesó nunca de ir más allá de lo convencional. Luchó por una estética barroca, sobrecargada, en la que creyó desde el principio, y jugó con una imagen ambigua a medio camino entre el glam de David Bowie y las drag queens. Pero, sobre todas esas características, prevaleció su enorme ingenio.

Tino Casal

Antes de ser famoso formó parte de Los Archiduques, uno de los grupos asturianos más importantes de la década de los sesenta y setenta. Actuaba con una especie de orquesta-conjunto con la que recorrió todo el Principado amenizando veladas juveniles. Con este grupo grabó varios discos; destacan temas como Lamento de gaitas o Si mi padre fuera rey. Con la experiencia y las tablas adquiridas se dedicó a producir a una de sus bandas preferidas, Obús, pionera del heavy español, respetando siempre las ideas del grupo, y apoyó los inicios del cineasta Pedro Almodóvar.

Tras varios intentos de debutar en solitario como cantante melódico, en 1981, de la mano del productor Julián Ruiz, Tino Casal lanzó uno de los discos más originales del pop español, Neocasal. El single Champú de huevo tuvo por su lado una extraordinaria acogida: fue número uno de ventas en España y su éxito permitió a Casal desarrollar sus ideas innovadoras. Casal y Ruiz intentaban introducir en España la corriente entonces dominante de los Nuevos Románticos, aderezados con cierta estética glam en la música y toques punkies en los diseños de ropa e imagen y de portada de los discos.

Tino Casal potenció el culto a la estética cuidando cada detalle con mimo y con un perfeccionismo a veces hilarante. El resultado más sobresaliente fue el single Embrujada, apoyado promocionalmente en un vídeo espectacular y en un diseño impactante. El tema se incluyó en su segundo elepé, Etiqueta negra (1983). Su éxito se prolongó con Hielo rojo (1984), pero en pleno triunfo sufrió un accidente que se complicó con una enfermedad y lo obligó a retirarse durante tres años.

Ya recuperado, y de nuevo con el apoyo en la producción de Julián Ruiz, en 1988 editó Lágrimas de cocodrilo, disco que incluía una excelente versión del clásico Eloise de Barry Ryan y con el que volvió a los primeros puestos de las listas de ventas. En 1990 publicó el que iba a ser su último disco, Histeria.

Un domingo de otoño, en septiembre de 1991, Tino Casal sufrió un accidente automovilístico en Aravaca en el que perdió la vida. Por pura coincidencia, al día siguiente se publicó, siguiendo el calendario previsto, su colección de Grandes éxitos, disco que repasaba sus mejores canciones. Su figura fue llorada; dejaba un hueco esteticista que no sería ocupado por nadie durante las décadas siguientes. Muchos músicos e intépretes, entre ellos Alaska y Marta Sánchez, le han rendido homenaje desde entonces, versionando sus canciones o dando a conocer temas inéditos suyos.0


Original con letra traducida.
Cover divino e increíble,Tino voz, imágen, sentimiento 👽🌈🌃

Perseverance aterriza con éxito: la búsqueda de vida en Marte puede comenzar
El quinto rover de la NASA en el planeta rojo superó los temidos 'siete minutos de terror'.

🤭👽👩‍🚀👾🚬🛸🚀

Un genio asturiano de corta vida que respondía al nombre de Tino Casal creó en 1983 una de las numerosas joyas musicales que nos dejó tras su caminar por esta vida. Rodeado de los bajos Chapman Stick y Manolo Aguilar, el guitarrista Carlos G. Vaso, los teclistas Javier Losada y A. Quintano, y el batería Javier de Juan, consiguió el mayor aldabonazo de su carrera de la mano del productor Julián Ruiz y el ingeniero de sonido Luis Fernández Soria. Hablamos, como ya han descubierto los seguidores del genial cantante y compositor, de ‘Embrujada’.

Fue la multinacional EMI la que lanzó al mercado esta genialidad de cuatro minutos y veintitrés segundos. Nada más llegar a las tiendas se catapultó hasta lo más alto de las listas de ventas en la primavera de 1983, sobre todo en la de los 40 principales, el hit parade más prestigioso español por aquellas fechas. Su logro quedó registrado el 9 de abril de aquel año. Por supuesto, consiguió también el disco de oro, que entonces premiaba la venta de cincuenta mil copias de vinilo.

La fórmula que triunfó se basó más en el talento que en los medios, todavía escasos en un pop español que comenzaba a modernizarse y digitalizarse. El teclista y arreglista Losada tuvo mucho que ver, gracias al extraordinario sonido que supo extraer a su modesto Korg y sin un solo secuenciador. Toda la grabación tuvo que realizarse de modo manual, por medio de cuatro pistas sincronizadas, tras un trabajo de dos semanas.

‘Embrujada’ materializó el espíritu de innovación que siempre caracterizó a Tino Casal, quien, por cierto, nada tenía que ver con la también asturiana Luz Casal. Bebió del trepidante ritmo dance basado en los vientos que nos llegaban de Gran Bretaña en los ochenta.

El VIDEOCLIP promocional, tan doméstico como innovador, ayudó a la promoción, aunque fue el boca a oreja y la radio quienes realmente hicieron que ‘Embrujada’ fuera una de las canciones que más sonaron en fiestas y locales en aquel verano. Jugaba con un estilo que bebía de los manuales del cine de horror de serie B -o C, o D, o…..- barato con hadas, brujas y demás. El Madrid underground y efervescente de aquella época fue elegido como escenario.

La obra, oscura en cualquier caso, fue una de las primeras que se hizo a nivel nacional. Surgió gracias al talento del desaparecido realizador audiovisual José Luis Lozano, pionero en este país. Pese a sus escasos veintipocos años , con ‘Embrujada’ dio toda una lección del manejo de los planos, la velocidad de rodaje y formatos impensables hasta el momento.

«El montaje apoya a la canción de forma maravillosa, tanto en su esencia conceptual, como en su estructura métrica, a la vez que plasma plásticamente el espíritu del Madrid lisérgico de los primeros 80», sostuvo en su día el experto en imagen Luis Cerveró.

Su grabación fue de un cortometraje de ocho minutos que describe su proceso creativo. «Encierra un drama: su propia vaciedad», se aseguraba en el programa de mano que se repartió entre los presentes en el estreno de la obra, que se proyectaba en los cines minutos antes del comienzo de las películas.

Por cierto, la joven que encarnaba el papel principal era Paola Bosé, hermana de Miguel Bosé. Tino Casal sólo aparece en la escena final.

La LETRA, también bastante lograda, retrataba los últimos días de una gran modelo en su ocaso, consumida por el alcohol y el desamor. Pretendía transmitir en todo momento una imagen de la decadencia de esas mujeres fatales que arrasan por donde pisan hasta que caen en la trampa del amor y son víctimas de sus propias armas, ahora manejadas por otras manos.

Hay quien sostiene que realmente es un tema autobiográfico. Los defensores de esta teoría leen entre estrofas una referencia al aspecto felino que adoptó Casal en ese período –qué de seguidores generó Kabir Bedi en su visita a España para promocionar la serie televisiva ‘Sandokán’–- y en algunos aspectos icónicos del vídeo que –como dicen quienes tuvieron oportunidad de visitarlo– recuerdan al domicilio del cantante. Además, las alusiones a las fans con la misión de ‘capturar al viejo tigre bengalí’ parecen evidenciar otra de sus canciones.

Hace tiempo que vive en un cuento,
del cual no quiere salir,
encantada duerme con la almohada,
y se olvidó de reír

Dicen que es la bruja,
con tacón de aguja,
aliada de Lucifer,
cuentan que era estrella,
pero la botella,
acabó con ella hasta hacerla enloquecer

Stop mi hada
estrella invitada
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche,
olvida tu mal humor

Embrujada vive encadenada,
a un viejo televisor,
ideas a manta,
cuentan que fue musa,
de algún mediocre pintor.

Todo era derroche,
reina de la noche
¿quién te ha visto y quién te ve?
cuentan que eras sexy
rutilante estrella
pero la botella acabó con tu poder

Ésta es mi bruja,
con tacón de aguja,
víctima del desamor,
date prisa envuélvete en la brisa,
olvida tu mal humor

Ésta es mi hada
estrella invitada
víctima del desamor.

Ésta es mi bruja,
con tacón de aguja,
víctima del desamor,
date prisa envuélvete en la brisa,
olvida tu mal humor,
stop

Ésta es mi hada,
juegos de venganza,
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche,
olvida tu mal humor

Ésta es mi hada,
estrella invitada,
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche
olvida tu mal humor🥂🍾

Otra versión a cual mejor 😎🚬

Y cuentos chinos...
🎚️📻🎙️
Costus...mañana el resto, domingo de SPAIN is very diferent 🤭

Los COSTUS:
Desde su encuentro en la Escuela de Artes y Oficios de Cádiz en 1974, Enrique Naya y Juan Carrero Galofré, iniciaron una relación de amor y creatividad artística que generó una obra vibrante y de cierta manera ayudó a transformar un momento particular de la cultura española.
Enrique Naya nacido en Cádiz el 12 de septiembre de 1953 y Juan Carrero, nacido en Palma el 4 de mayo de 1955, pero gaditano de adopción, a partir de ese primer encuentro, se convirtieron en una pareja sentimental y artística, que en 1981 asumiría el nombre de «Costus” en un homenaje al gremio de las costureras con el que se sentían identificados. Juan y Enrique tenían una asombrosa capacidad de trabajo y vivían pegados a sus lienzos, como las costureras pegadas a su máquina de coser. Cómo equipo, Los “Costus” se convirtieron en icono de lo que fue la Movida madrileña, el movimiento contracultural que vino a mover los cimientos de una Madrid que aún mostraba el letargo en que la había sumergido la larga dictadura franquista. Su Casa de la Calle de la Palma se convirtió en el epicentro del movimiento: De Pablo Pérez-Mínguez a Pedro Almodóvar (fue en “Casa Costus” donde se rodó Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980 primera película de Almodovar en la que recreó el ambiente que se vivía en la casa de Los Costus). De Tino Casal a Fabio McNamara, Alaska, Nacho Canut o Carlos Berlanga y tantos otros, tenían la casa de los Costus como su refugio. No es exagerado entonces decir que en “Casa Costus”, se creó el germen de lo que lo que más tarde se daría a conocer como La Movida.

Paradójicamente, esta asociación con La Movida, entendida como un fenómeno «de moda», actuó como un freno al reconocimiento de la obra de Costus y del lugar que merecía dentro de la pintura española, algo que el tiempo comienza a corregir y al día de hoy, Costus y su obra trascienden La Movida como dos artistas a los que, dentro y fuera de nuestras fronteras, se les reconoce su importancia dentro de la vanguardia artística española.
La ascendente estela de los Costus se ve truncada por la muerte prematura de estos jovencísimos artistas: Enrique Naya fallece El 4 de mayo de 1989, por causas derivadas del SIDA y un mes más tarde, Juan Carrero sumido en una profunda depresión, decide seguirle, suicidándose en la madrugada del 3 al 4 de junio de 1989. No obstante su temprana desaparición, dejaron el legado de una amplia obra que ha ganado en reconocimiento con los años. Sin duda, no parece exagerado decir que a 24 años de su desaparición física los Costus, están hoy más vivos que nunca.


Ocaña que estás en los cielos 🌠✨

 Anónimo
20/02/2021 6:29 am
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Conexión 🌃🏴‍☠️🖌️🎨🌙🌈
Barcelona madrugadas Underground.

Ocaña, el último caníbal
La gran conquista del emblema de la contracultura en la BCN de los 70 fue construirse desde principios estéticos una nueva vida; basta asomarse a sus piezas para arañar episodios de su biografía.

Llegó a Barcelona desde un pueblo de Sevilla con maneras de campo y una carpeta de dibujos pinzada bajo el sobaco. Había que estar en aquella ciudad, pensó, que empezaba a convertirse en los años finales de la dictadura de Franco en un hervidero de lo nuevo. En pocos años armó una biografía en la burbuja experimental de las Ramblas que sólo tomó sentido según el protagonista fue abriendo escándalos a su paso. Hasta quedarse a morir en uno de ellos.
Ocaña (Cantillana, 1947-1983) se hizo a sí mismo ese encargo: vivir aquello como si no hubiese en el mundo otra opción. Iba con el pelo volado, los ojos miopes y la quijada fuerte. Quería ser artista. Tenía veintitantos años. Le chiflaba la liturgia católica. Era anarquista. Y maricón. “Yo no conocía la palabra homosexual hasta que vine a Barcelona”, confiesa en Ocaña, retrato intermitente, la película-testimonio que le grabó Ventura Pons.
Primera aparición: un ángel
Atesoraba un talento inédito y, para darse a conocer, la tarde del 18 de diciembre de 1975 se puso un traje de ángel, plantó un lienzo frente al Liceo y se puso a pintar. Cultivó, desde entonces, una moral disipada en una lógica lúdica que todo lo convertía en fiesta. "¡Neeeenas, para nosotras todo el año es carnaval!", fue su grito de guerra. En aquellos años, Ocaña despeinó España a la cabeza de una patrulla de irreverentes surgidos de la acracia catalana y de la caverna del underground. Con ellos, sus amigos, formó una alegre corte por las Ramblas.

"Ocaña allí representaba la emancipación estética de las fuerzas productivas de Barcelona en la sombra”, señala Germán Labrador Méndez en el estudio Culpables por la literatura (Akal), de reciente publicación. Es cierto: él, disfrazado de folclórica, se ponía a cantar las coplas que los niños-bien de la gauche divine detestaban. Y lo hacía al completo, entonando y reclamando toda la atención sobre ellas. Ni las ridiculizaba ni hacía parodia. Eso sí, nada más acabar la canción se levantaba la falda. Si estaba vestido de mujer, enseñaba el pene. Si estaba desnudo, lo escondía entre las piernas.

Exhibicionista y preso.
Era fácil así verlo en el Café de la Ópera cantando Ojos verdes vestido a lo Juanita Reina. Otras, directamente, en bolas. Pero nada como el desparrame de las "Jornadas Libertarias celebradas en julio de 1977 en el Parc Güell"?. Hasta los anarquistas se plantearon prohibirle a él y a toda su tropa que volvieran a subir al escenario tras un delirio de estriptis y felaciones. También dio con sus huesos en la Modelo tras un choque con la Guardia Urbana. “Por las galerías de la cárcel oímos gritos desde otros pisos llamando a Ocaña y preguntando qué hacía allí”, recuerda Nazario en el primer tomo de sus memorias, La vida cotidiana del dibujante 'underground' (Anagrama).

Cualquiera de sus acciones públicas desplegaba un ventarrón de vanguardia. De algún modo, ponían del revés la vida. Hacían posible cosas de todo punto improbables. No iban dirigidas a un público ya existente, sino que lo creaba a través de una alteración de lo cotidiano, dinamitando las distancias entre participantes y espectadores. La mutua diversión era el único propósito. Ese calambre suyo todavía tiene un voltio que conmueve: Ocaña se construyó desde la estética, desde el arte, una vida radicalmente nueva. “Su obra es una suerte de huellas de vida”, explica Pedro G. Romero, comisario de la exposición que le dedicó La Virreina Centro de la Imagen en la primavera de 2010.

Amplio repertorio
Basta asomarse, por tanto, a algunas de sus piezas para arañar biografía. Los cuadros, por ejemplo, están llenos de autorretratos y de retratos de los amigos, de los familiares, de los conocidos, de los amantes, pero también de entierros, de viejas, de devociones marianas. "Muchos de sus cuadros no son otra cosa que rostros maquillados sobre lienzo”, ha visto con acierto Nazario. Como puede verse en la exposición Ocaña. La pintura travestida (Espacio Turina, Sevilla, hasta el 1 de octubre), pintó, y pintó mucho. En ese conjunto de acrílicos que ejecutó de forma frenética en los últimos meses de vida probablemente esté lo más destacado de su producción pictórica.

Otro tanto ocurría con sus exposiciones, donde daba más prioridad a la intervención en el espacio de exhibición que a los propios cuadros, con enormes piezas de papel maché que representaban devociones marianas, monaguillos, ángeles detenidos en el instante previo a la inocencia. En Un poco de Andalucía (Galería Mec-Mec, 1977) trasladó su casa; en La primavera, su gran éxito, sin duda, celebrada en 1982 en la capilla del Hospital de la Santa Cruz de Barcelona, recreaba las fiestas de la Asunción de su pueblo natal. El lienzo Sagrado Corazón de Jesús marica daba la bienvenida a los visitantes.

Viaje por Europa.
Gracias al éxito del documental de Ventura Pons, Ocaña viajó por Europa. En Cannes paseó con mantón y peineta por la Croisette y, en la rueda de prensa más divertida en la historia del certamen, le cantó en verso a la Macarena. En Berlín, Gérard Courant lo grabó vestido de folclórica cantándole a una Marilyn Monroe de cartón en la Puerta de Brandeburgo, con los soldados de la RDA apuntando a aquel tipo extravagante que asomaba sobre el Muro. El resultado fue el cortometraje Ocaña, el ángel que canta en el suplicio, uno de sus trabajos audiovisuales junto a Manderley de Jesús Garay y Silencis de Xavier Daniel.

"Ocaña, Nazario y Camilo pasean por las Ramblas, en el documental 'Ocaña, retrato intermitente' de Ventura Pons".

Pero Ocaña llegó a la inmortalidad por el camino más corto: morir antes de tiempo. A los 36 años falleció a consecuencia un fallo hepático mientras se reponía de las quemaduras sufridas a la conclusión de un desfile infantil en su pueblo natal. Su disfraz de sol acabó envuelto en llamas tras el encendido de las bengalas que lo remataban. Dejó una cierta cantidad de obra como para saber de su talento, pero también para especular hasta dónde habría llegado. Bien mirado siempre hubo algo de caníbal en todo lo que propuso. Pero de un caníbal que aceptaba el principio de su deseo: estar dispuesto a dejarse comer.


Con Terenci🌚 Moix

Ocaña MARE MEVA🖌️🎨🌙

Nazario VÍBORA 🍺🍻🌈


Que rápidamente los ponía a todos a trabajar de nuevo🤭⚽

'El Víbora', 40 años de historietas venenosas
El MNAC rinde homenaje a la revista que llevó el cómic underground a los quioscos, de cuyo nacimiento se cumplen 40 años
En la portada del suplemento especial que celebraba los primeros diez años de la revista El Víbora (1979-1989) aparece Snoopy sodomizando a Woodstock, su pequeño y fiel amigo plumífero. Los responsables de la revista que llevó a los quioscos españoles el llamado comix o cómic underground, cultivado hasta entonces por un puñado de autores en la más absoluta marginalidad, no podían haber elegido una imagen más elocuente como declaración de principios: su razón de ser consistía en transgredir las pautas éticas y estéticas de la historieta clásica y las convenciones morales de la sociedad.
“El Víbora rompió los esquemas de lo que estábamos acostumbrados a ver en el terreno del cómic adulto, al presentarnos historietas costumbristas y paródicas, punzantes, subversivas, críticas con el poder y, sobre todo, libres en todos los sentidos”. Así define la línea de la revista Antoni Guiral, director de Ficomic (entidad responsable de eventos como el Salón del Cómic de Barcelona) y comisario de El Víbora. Comix contracultural, la exposición del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) que recuerda la historia de la publicación, ahora que se cumplen 40 años de su nacimiento. La revista llegó a imprimir tiradas de 80.000 ejemplares y publicó 300 números hasta su desaparición en 2005.

Con un centenar de portadas y 35 obras originales, entre las piezas expuestas destacan los dibujos de Max e Isa Feu para el histórico número especial sobre el golpe de Estado de 1981 o el original de Nazario para la cubierta del número 1 de la revista.

"EL cómic underground de España era heredero del 'comix' americano, pero también de algo muy nuestro: la escuela Bruguera". Antoni Guiral

Ligada a la escena contracultural barcelonesa y con firmas como los mencionados Max e Isa Feu, Nazario, Mariscal, Roger, Marta Guerrero, Laura Pérez Vernetti, Gallardo, Pons, Martí, Carratalá, Montesol, Ceseepe, Max, Calonge, Jaime Martín y Pamies, El Víbora reflejó los postulados del comix que había surgido al calor de la contracultura de finales de los años sesenta en Estados Unidos, con autores hoy tan canónicos y reverenciados como Robert Crumb y Art Spiegelman, responsables de las revistas Zap Comix y RAW, respectivamente.

No obstante, el cómic underground llevaba en estas latitudes un ingrediente adicional: la celebración de las libertades recuperadas con el nacimiento de la democracia, con hambre atrasada de 40 años. Un ansia que explotó en forma de viñetas cargadas de sexo, drogas y toda clase de excesos. Por otra parte, opina Guiral que el cómic underground que se hacía en España era heredero del comix americano, “pero también de algo muy nuestro: la escuela Bruguera” y su tratamiento de la realidad de la calle, aunque dándole bastantes vueltas de tuerca.

“El Víbora llega en el momento adecuado, en plena consolidación de la democracia tras la Constitución de 1978. Con la recuperación de la libertad de expresión hubo un boom del cómic adulto, primero con la revista Tótem y luego con 1984”, recuerda Guiral. En esta tesitura y con la herencia recibida de quienes cultivaron en la más absoluta marginalidad el cómic underground, “surge una historieta más libre, no adscrita a géneros”, recuerda Guiral. El editor Josep Maria Berenguer quería lanzar una revista y su colega Josep Toutain, principal impulsor de las revistas de cómic de entonces, “le prometió respaldar económicamente el proyecto si lo dedicaba al cómic underground para satisfacer la demanda de los lectores que habían leído este tipo de historietas desde la década anterior”.

Así fue como nació El Víbora y su empresa editora, La Cúpula, que hoy sigue siendo una de las principales editoriales de cómics de España, especializada en cómic underground y alternativo, sobre todo de Estados Unidos, Europa y España, y que hoy dirige Emilio Bernárdez, que también estuvo ligado al proyecto de El Víbora desde sus comienzos.

Cómic en vivo:
“En los años 80, los autores que publicaban en El Víbora se hicieron muy populares, les invitaban a todas las jornadas y salones y pusieron de moda el cómic en vivo”, explica Guiral. Dentro de esta práctica cabe destacar Amor en Vallvidrera, un cómic de 15 por 3 metros dibujado en directo y con público en 1980 en la escuela EINA de diseño, pieza que acaba de incorporarse a la colección. Aunque Amor en Vallvidrera aún no puede verse en la exposición porque se encuentra en proceso de restauración, se muestran las fotografías del evento tomadas por Manel Esclusa y diversa documentación.

En aquella ocasión, como en muchas otras, se congregaron algunos de los colaboradores más importantes de la revista tanto de Barcelona como de Madrid. “Participaron Gallardo, Max, Martí Riera, Isa Feu, Roger, Mariscal… pero también autores que estarían después en el germen de la Movida madrileña, como El Hortelano, Montesol y Ouka Leele”, apunta Guiral. “Es un testimonio de los vínculos tan fuertes que había entonces entre la contracultura barcelonesa y Madrid”.

Otro colaborador habitual de El Víbora y personaje importante de la Movida fue Ceesepe, a quien La Casa Encendida de Madrid dedica estos días una exposición sobre la temprana y poco conocida faceta de historietista del pintor. Paralelamente, la editorial Fulgencio Pimentel recopila en una cuidada edición con cubiertas de madera casi todas las historietas de Ceesepe.

Del papel al museo.

“El cómic forma parte de la historia de la imagen y es necesario que esté en los grandes museos”, afirma Álex Mitrani, conservador del MNAC que ha colaborado con Guiral en el comisariado de la exposición El Víbora. Comix contracultural. Famoso sobre todo por su colección de arte románico y gótico, la horquilla temporal de los fondos y la programación museística del MNAC abarcaba anteriormente hasta la guerra civil española, pero hace unos años la amplió hasta la segunda mitad del siglo XX. Y precisamente el cómic “es una de las expresiones más características de esta época desde el punto de vista sociológico y estético”, opina Mitrani. “Es cierto que el cómic underground se sitúa deliberadamente en la marginalidad del sistema, pero es para nosotros algo que confirma la esencia vanguardista de este tipo de cómic. Es un arte basado en la honestidad, en el impacto, en la visión crítica de la realidad, en la transgresión de lenguajes formales y valores ideológicos y morales, que es exactamente el tipo de posición que define a las vanguardias desde principios del siglo XX”.

En efecto, el acercamiento de los museos al mundo del cómic ha sido cada vez mayor en los últimos años y ya es habitual que importantes museos de todo el mundo encarguen historietas relacionadas con sus exposiciones. En España el Thyssen-Bornemisza fue pionero en este sentido, con títulos como Mitos del pop, de Miguel Ángel Martín, Dos holandeses en Nápoles, de Álvaro Ortiz, sobre Caravaggio o Museomaquia, de David Sánchez y Santiago García, con motivo del 25.º aniversario del centro. Por su parte, a raíz del Premio Nacional de Cómic concedido en 2014 a Las meninas, de Santiago García y Javier Olivares, el Museo del Prado toma conciencia del potencial de una posible alianza con el noveno arte, y más tarde encarga a Max el álbum El tríptico de los encantados (Una pantomima bosquiana) con motivo del quinto centenario del Bosco, así como El perdón y la furia, de Keko y Antonio Altarriba, como complemento a su exposición Ribera, maestro del dibujo, o Historietas del Museo del Prado, de Sento, con motivo del bicentenario de la pinacoteca.

"El cómic underground transgrede lenguajes formales y valores ideológicos y morales, igual que las vanguardias del siglo xx". Àlex Mitrani

Pero además del encargo de títulos, algunos museos han ido un paso más allá y han abierto sus salas al cómic organizando exposiciones dedicadas a este medio de expresión. El IVAM es uno de los museos que más ha apostado por ello, con exposiciones como Valencia Línea Clara o la que actualmente acoge dedicada a Paco Roca. Por su parte, el Museo Reina Sofía celebró recientemente la exposición George Herriman. Krazy Kat es Krazy Kat es Krazy Kat, dedicada a uno de los pioneros del género (y cuyas actividades complementarias incluyeron una conferencia de Art Spiegelman).

Por su parte, el MNAC ha exhibido originales de Santiago García y Javier Olivares, Premio Nacional de Cómic 2015, y ha organizado otras exposiciones como De viñeta en viñeta y Ego Sum Lux Comic, con la escuela Joso, o la dedicada a Las nuevas aventuras de Corto Maltés. También impulsó la publicación del primer ensayo en cómic sobre un museo, Gótico, una obra de Jorge Carrión y de Sagar dedicada a sus colecciones medievales, publicado el año pasado.

El dibujante, pintor y, ahora, cronista audiovisual de la barcelonesa plaza Reial, Nazario, público La vida cotidiana del dibujante underground (Anagrama). Es la crónica sentimental y el dietario erótico de los arrumacos, amores y aventuras de la tropa que protagonizó el lado libertario de la Barcelona de los setenta y ochenta. En el libro, como en su vida, uno de los verbos más conjugados es “follar” y habla de “maricones” porque no le gustan los eufemismos. “Por llamarte gay no eres menos maricón”. En el libro apenas habla de su obra y apenas pone fechas. ¿Por qué? “Porque ya hay muchos catálogos y obras antológicas. Además, tengo mala memoria para las fechas, y quien quiera saberlas puede consultarlas en la biografía de la web, nazarioluque.com”, comenta charlando en su casa.
No todo fueron risas. Los escombros de las resacas, el suicidio de amigos o la aparición del sida están muy presentes en el texto

A Nazario le interesaba explicar la vida cotidiana para que se sepa que no todo en la peripecia del underground fueron risas. Los escombros de las resacas, el suicidio de amigos, la muerte por sobredosis, el trágico final de Ocaña (abrasado con un disfraz de papeles de seda) o la aparición del sida están muy presentes en su relato biográfico. “Nos movíamos por el ambiente como por campos de minas. Éramos unos supervivientes”. Y también quería contarla porque, “a diferencia de la movida madrileña, con un alcalde como Tierno que la apoyaba, aquí no se ha hecho nada. La movida barcelonesa es una desconocida. No se ha interesado nadie por ella”. No era una Barcelona confortable. Nazario explica, por ejemplo, la verbena de 1977, cuando él, Ocaña y el Osito fueron detenidos en el Café de la Ópera por cantar y mariconear con unos amigos. Las malas pulgas de unos guardias urbanos provocaron un motín de la gente. Total, tres días de cárcel, donde coincidieron con los actores de Els Joglars. Una Barcelona, sin embargo, con un fulgor que, considera, se ha apagado. “Ahora es una ciudad más reprimida”.

De cuando Nazario era ‘underground’
El underground eran los tebeos del grupo El Rollo; era que la traducción inglesa de un cómic solo pudiera venderse en Estados Unidos en las sex-shops y envuelto en celofán, o era tener que imprimir (1975) en una vietnamita de la universidad 200 ejemplares de La Piraña Divina, donde Nazario reunió sus trabajos más impublicables. Curiosamente, un año después pudieron editarse legalmente las mismas historietas y únicamente hubo una multa porque, en el prólogo, Terenci Moix nombraba las palabras “paja” y “masturbación” más de veinte veces en una página y media. Pero el underground, para Nazario y sus amigos, también era provocación cotidiana. El despelote, y más en público, en los años setenta, en Canet Rock o en las Jornadas Libertarias fue casi un ritual. En otro sitio Nazario ha escrito que ellos eran unos pequeñoburgueses pasotas y drogadictos para la izquierda comunista y socialista, y basura anarquista, rayando en terroristas, para la derecha. El libro permite dibujar una ruta de los bares y locales predilectos de aquella tribu: Las Cuevas, Kike, La Gran Cava, London, Zeleste, Cúpula Venus, Magic…

Nazario, sin embargo, siempre ha sido muy estricto al aplicar el concepto underground a una obra. “Ha de cumplir tres condiciones: que la edites con tu dinero, que te niegues a autocensurarte y que distribuyas tu material por circuitos paralelos”. De hecho, en el libro da como una fecha del entierro del underground cuando el suplemento Arte y pensamiento de EL PAÍS (20 noviembre de 1977) publicó unas páginas dedicadas a Ceesepe, Mariscal, Hortelano y él. Sin embargo, en 1981, cuando clausure en Barcelona su primera exposición individual, convocará a los amigos, pondrá crespones negros en la obra expuesta y con un ataúd celebrará las exequias del underground. “Cómo me voy a seguir creyendo underground cuando te dan la Medalla de Oro de Bellas Artes. Sería jugar al equívoco”, comenta ahora.

“Los exhibicionistas nos volcamos en nuestros diarios como el náufrago que mete un escrito en la botella y lo lanza al mar”

Evidentemente, las cosas han cambiado. Tentación, Martirio y Triunfo de San Reprimonio, Virgen y mártir tuvo que publicarlo en la revista francesa Zinc. Hoy está en el Reina Sofía. Este mes tiene una exposición en Córdoba donde, todavía en 1990, tuvo problemas para exponer y la imprenta Tipografía Católica se negó a editar el catálogo alegando cláusula de conciencia. Claro que Facebook le ha cerrado cinco veces su cuenta. “No voy a poner otro desnudo para que me la vuelvan a cerrar”. Nazario dejó el cómic por la pintura, que también ha abandonado. “Me di cuenta de que hacía una obra demasiado refinada y temí repetirme, caer en el manierismo. Además, las dos galerías con las que trabajaba han cerrado”.

Dedicado a escribir su biografía y, como un voyeur minucioso, a fotografiar desde el balcón de su piso lo que sucede en la plaza Reial, Nazario ha estado esperando unos tres años a que una editorial se interesara por el libro, que dedica a “mi Alejandro”, su pareja, fallecido en 2014. Educado en las confidencias del confesionario, Nazario escribe en él: “Los exhibicionistas nos volcamos en nuestros diarios como el náufrago que mete un escrito en la botella y lo lanza al mar”.

Un libro en el que las escenas libertinas se mezclan con iconos de vírgenes y toreros. Donde se cita al inevitable Jean Genet, que vivió otra Barcelona más canalla, pero también a Bataille o Dreyer. Donde en la larga lista de amantes tiene cabida un novio guardia civil. Ahora es abstemio, no fuma y, dice en el libro, la única droga que no piensa abandonar es el sexo. Nazario entendía el underground también como una forma de vida. Por eso no cree que sus amigos se enfaden por lo que ha escrito. “Todo lo cuento como una cosa normal”. Y ahí está el relato de este, como dijo Vázquez Montalbán y BARCELONISTA de pro, agitador moral.

Interludio musical de una época:
🎚️🎙️🎶🎵🎧


Homenaje a Rubén Blades y Willie Colón en el mejor VINILO de la música salsa de todos los tiempos; SIEMBRA😎Barcelona 70,s- 80,s🌠✨

La gran Atalaya de la rumba catalana.

Zeleste, un local mític per a la música dels anys 70.
La mítica Zeleste va ser el símbol del moviment de la música laietana i la contracultura barcelonina.

Aquesta històrica sala de concerts va néixer al número 65 del carrer de l’Argenteria l’any 1973. A finals dels 60, amb l’explosió del rock psicodèlic, Víctor Jou va fer una visita a Londres i es va enamorar dels locals com The Marquee, al Londres perifèric i situats a naus industrials. Va obrir la Zeleste al Born, llavors un barri amb lloguers més barats.

El segell Zeleste.
Va ser el primer local amb ambientació londinenca d’estil Art Nouveau i que feia música en directe i amb segell discogràfic propi. Discos com ‘Qualsevol nit pot sortir el sol’, de Sisa, van sortir de la Zeleste. Artistes com Gato Pérez o l’Orquestra Plateria també són criatures creatives nascudes a la Zeleste.

Endevina el nom de discoteques i locals mítics de Barcelona?
La música laietana?
El terme “música laietana” és una etiqueta que es va inventar i va fer popular Gato Pérez i que agrupava totes les bandes de la Zeleste de rock, rumba o jazz, amb una etapa daurada entre el 1973 i el 1978. La marca Zeleste va ser força popular també a l’estat espanyol amb la promoció de grups amb grans esdeveniments a Madrid i Sevilla i l’organització del primer Canet Rock. Per Àlex Gómez-Pons, autor del llibre ‘Zeleste i la música laietana’, la història de la música catalana no es pot entendre sense la Zeleste.

“Si dic que qualsevol nit pot sortir el sol, el barri del Born o la rumba de Barcelona anem a parar al Zeleste perquè forma part de l’imaginari col·lectiu d’aquesta ciutat”

Els 80.
Durant els 80 es van fer seu el local bandes de rock, punk i mod, como Loquillo, Los Rebeldes, Brighton 64 i El Último de la Fila. El 1986 el local es va establir al carrer dels Almogàvers, al barri del Poblenou. La sala va tancar l’any 2000 i es va obrir amb el nom de Razzmatazz.

Y si nos vamos al Canet Rock y a la vuelta chapuzón en la Barceloneta ✊💙❤️

El 26 de julio de 1975 se celebró la primera edición de Canet Rock, festival que se anunció como 12 de horas de música i follia. Organizado por La Trinca, la sala Zeleste y sin solicitar la preceptiva autorización gubernamental, alrededor de 25.000 jóvenes disfrutaron de las actuaciones de, entre otros, Maria del Mar Bonet, Pau Riba, Companyia Elèctrica Dharma y Orquestra Plateria. También estaba prevista la actuación de Jaume Sisa, pero unas declaraciones del cantante en las que se declaraba anarquista provocaron que el gobierno le prohibiera actuar durante todo ese verano. Como la sanción solo impedía actuar, el cantautor galáctico asistió como público al evento y, al final del festival, cuando la gente se retiraba del recinto, interpretó El setè cel para unos pocos espectadores y las cámaras de Francesc Betriu que, un año más tarde, estrenaría un documental sobre el festival.

El éxito de ese primer Canet Rock hizo que los organizadores repitieran al año siguiente. En 1976, el festival perdió la K del final para denominarse Canet Roc, algo que no acabó de convencer a los críticos de La Vanguardia, que llegaron a escribir: «Por cierto, observamos que en la fiebre catalanizadora en curso se le ha suprimido la última letra del enunciado, en la propaganda oficial, de manera que se lee en realidad “Canet Roc” y resulta que “roc” será un vocablo muy catalán pero tiene un significado muy distinto [“trozo de piedra”] del que se pretende distinguir como “música rock”. De manera que por muy plausible que sea el espíritu legitimizador (sic) de la lengua catalana, no estará de más evitar excesos que no son otra cosa que lo que se conoce como “ficar-se de peus a la galleda”. Después de todo, no cuesta nada aceptar un neologismo como “rock” cuando significa algo que no se puede decir con ningún otro vocablo».

Aunque con una afluencia de público menor que la del año anterior, la de 1976 también fue un éxito, por lo que un año después, se celebró una nueva edición. La de 1977 sería recordada por, entre otras cosas, la actuación de Pau Riba con Peruchos. El músico catalán interpretó una especie de poema musical que fue silbado por el público y despellejada por la crítica. Tanto es así que en 1998 Riba publicó Astarot universdherba, un disco en el que se contenía la actuación y que incluía copias en papel de esas críticas negativas arrugadas y pisadas personalmente por el músico.

A pesar de los esfuerzos de los implicados, la de 1977 no fue una buena edición. Además de la mala experiencia de Riba, el número es espectadores había descendido de nuevo porque, según los organizadores, el público prefería ver a esos grupos en salas como Zeleste, en el centro de la ciudad, que en un descampado de Canet, al sol con todas las incomodidades que ello supone. Por eso y con objeto de recuperar el terreno perdido, la edición de 1978 presentó algunas novedades, comenzando por la filosofía del evento, sintetizado en un aforismo latino que decía «Contrita contradictio. Virgo inseminanda», que vendría a significar, «Completada la contradicción. Hay que inseminar a la virgen».

Según la organización, la razón para ese lema era que «de alguna u otra forma, todos entendemos, o por lo menos sentimos, que estamos viviendo en una época caótica que está sufriendo importantes cambios, más o menos trascendentales, que se desarrollan en todos los sentidos e inciden en todos los campos. Es un momento de crisis ideológica y total revisión de todos los dogmas y postulados. Los sistemas de funcionamiento y los “modus vivendi” están en su punto máximo de decadencia, porque se ha conseguido todo menos la salud física y mental. La vida nos ofrece infinitas posibilidades, pero todas ellas carecen de magia, de sentido. Vivir es morir en el peor sentido».

Además, añadían que «el día 2 [de julio] es luna nueva: la luna nueva corresponde al momento en que todas las cosas están vacías y las fuerzas de la Naturaleza en reposo. Por otro lado, esta luna nueva corresponde a Virgo, la tierra virgen, signo de pureza inviolada y puerta de todos los misterios. Es, por tanto, el mejor momento para la concepción de una nueva historia. Además, la luna nueva de Virgo cae entre la luna llena de Acuario y la luna llena de Piscis, signos respectivos de la era que empieza y la era que acaba. El día 2 es, por tanto, el punto cero, por derecho y por la cara».

De hecho, la selección de los artistas del festival –entre los que estaban Blondie, Nico, Ultravox, Bijou, Tequila, Los Masturbadores Mongólicos, Música Urbana, Teta Atómica, La Banda Trapera del Río, David Allen y Kevin Ayers que, finalmente no actuó porque se había roto un dedo–, se había hecho en base a criterios astrológicos: «Nico es una cantante de la era Piscis por su forma de música, por su entorno […], Kevin Ayers, un poco como Nico... David Alien, supercósmico, en relación con la inseminación de la tierra, con la era virgen, con Acuario…», explicaban desde la organización.

Partiendo de esos conceptos, Pau Riba diseñó un cartel que sintetizaba todo ese universo astrológico. En él aparecía una virgen de Filippo Lippi sobre la que caía una gota de lo que se suponía era semen que se desprendía del rótulo de Canet Roc. Un precioso póster que fue arrancado de las calles de Barcelona por sectores de ultraderecha que, además, realizaron amenazas telefónicas a los organizadores.

Por su parte, la delegación gerundense de Pax Christi, movimiento católico internacional por la paz, se pronunció a favor del afiche, argumentando que «la derecha ha realizado una lectura equívoca del cartel», e invitando a la Generalitat a que se pronunciase sobre si también deberían ser retirados cuadros semejantes de Salvador Dalí. Asimismo, señalaban que «el cartel ha de mirarse con ojos del espíritu, con ironía y procurando entender el misterio. Es un auténtico bálsamo en medio de la basura pornográfica fomentada por el dinero a espaldas de los hombres, hijos de Dios y herederos del cielo a través de Cristo».

A pesar de ese apoyo y aunque hacía ya casi tres años que había fallecido Franco, muchas de las leyes e instituciones franquistas seguían en vigor. Por ello, lejos de dejar pasar el tema, el gobernador civil de Barcelona, Santiago Belloch padre, y otras fuerzas vivas de la ciudad, entre las que se encontraban el obispo y el jefe de la policía, se reunieron en casa de Belloch. Allí discutieron cuál era la mejor vía para proceder contra Riba y los organizadores, argumentando que el cartel era blasfemo y «atentaba contra la convivencia social».

«Al final entró la mujer del gobernador y les hizo ver que cualquier cosa que hicieran redundaría en mi favor y daría alas a los que estaban de mi parte», recordaba Pau Riba, que destacaba que cualquier cosa que hicieran iba a magnificar un problema que «bien mirado, no tenía tanta importancia. Aunque en el cartel aparecía una virgen de Filippo Lippi, en realidad la modelo era una monja que se había fugado con él. O sea, que no era tan virgen».

A pesar de todo, diseñador y organizadores fueron juzgados y condenados a pagar una multa de 500.000 pesetas, cantidad bastante elevada, habida cuenta de que el presupuesto de Canet Roc 78 era de ocho millones de pesetas.

Divina y jodida transición...

Retoques, recuerdos del artisteo de Madrid, de última hora y Bonus Tracks 🎸🏴‍☠️👍

En Málaga también se generó uno de los mejores grupos de aquélla época:
😎


Edad de ORO 🤔😸

Azagra un poquito de PGB🍺🍻

Recordando indirectamente el Rock Radical Vasco y Plástic, circuito catalán y IBERO por la 2🎙️📺📼

Eskroto de diez🤔genio y figura de COLLONS muy prietos.
Iruña Underground ✊

Para cuando la revolución???

Aquellos 80,s🚬

En Asturias se vivía otra revolución del 34.
Stukas hazañas bélicas.


🤟🥀❄️🕶️💣

Ilegales les pillo con su rebelión en Mongolia ⚽🎸📻

Mucho PGB🍺🍻

Carlos Azagra
Morón de la Frontera (Sevilla), 1957

Nació en Morón de la Frontera (Sevilla), en 1957, pero se crió en Zaragoza y lleva años viviendo en Barcelona. Conocido por sus viñetas reinvindicativas, sobre todo 'Pedro Pico y Pico Vena', publicada durante muchos años en El Jueves, en los últimos años ha emprendido una frenética producción en tierras aragonesas de la mano de GP Ediciones y Malavida. Ha publicado junto a Encarna Revuelta y David Terrer 'El último aragonés vivo', 'La amenaza robótica' y 'Revuelta porcina' (GP Ediciones) y junto a Xcar Malavida y Encarna Revuelta 'Estoy hecho un cocinicas', 'Sigo siendo un cocinicas' y 'Todos somos cocinicas' (Editorial Cornoque). Otro de sus trabajos recientes es 'Descubriendo a Mosén Bruno', con guión de Maxi Campo.

En 2018 el dúo Azagra-Revuelta presentan dos novedades: 'TeBeO Labordeta' (GP Ediciones), con guion de Daniel Viñuales, y 'Fonda Pascual' (Editorial Cornoque).

Alumno del grandioso váyanse a la mierda 💩




Recuerda tiempos nuevos tiempos salvajes, coge un arma, no voy a luchar por TÍ 🏴‍☠️

Bárbara Allende Gil de Biedma; Madrid, 1957) Fotógrafa española. Su primera vocación fue la pintura, y de hecho cursó Bellas Artes, aunque abandonó la carrera para iniciar estudios de piano, al tiempo que acudía al Photocentro de Madrid para aprender fotografía. Tras publicar sus primeros trabajos en un libro llamado Principio, comenzó a exponer en 1978. Sus fotos eran habitualmente en blanco y negro (odiaba las fotos en color), y al serle encargada una fotografía en color para una portada, decidió inventar ella misma el color de la imagen. Fue así como empezó a colorear sus instantáneas, aunando su vocación de pintora con la fotografía.

El beso (1980), de Ouka Leele

Su carrera continuó con exposiciones en España, Europa, Estados Unidos y Japón, sin olvidar el trabajo puramente personal; destacan, entre ellas, su participación en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sao Paulo (Brasil) y su primera exposición retrospectiva en el Museo Español de Arte Contemporáneo (Madrid), ambas en 1987. Excepto en contadas ocasiones, en la obra de Ouka Leele no hay fotomontajes: lo que aparece en la fotografía se prepara antes de la instantánea, en lo que, para la autora, es el momento más interesante de la creación, por el hecho de crear un mundo irreal.

Sus primeras obras se distinguen por la combinación de elementos pop y neodadaístas con una gama de colores ácidos e intensos; posteriormente evolucionó hacia composiciones más ricas, basadas en la tradición barroca y en la utilización de colores más calmados, para volver con colores eléctricos a finales de la década de 1990. Autora de diversos libros en los que combina sus imágenes con sus propias poesías, Ouka Leele se ha dedicado también al diseño de objetos.

 Anónimo
20/02/2021 7:26 am
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Biografía: Alberto García-Alix (León, España 1956). Se traslada a estudiar a Madrid en 1967, donde primero lo intentará con Derecho y después con Periodismo, sin insistir en ninguna. En 1976 publica sus primeras fotografías en blanco y negro y en 1979 en color, aunque se hará conocido por sus fotografías en blanco y negro en una suerte de Street photography madrileña y personal, en la que asoman personas y personajes de su vida y de su entorno, construyendo una autobiografía visual. Premio Nacional de Fotografía en 1999.

Obra: Mi habitación. Visión épica en Beijing, 2010. Foto realizada en uno de sus viajes a China. En la tradición que mantiene desde el inicio de su carrera de colgar sus fotos favoritas en las habitaciones de los hoteles y fotografiarlas. En esta imagen se reúnen la historia de las carreras de motos, su segunda gran afición, con el decorado floral de la pared del hotel, formando una imagen poética ultraísta, cercana a la idea del haiku.


Silvio y ROCKBERTO.
Descaro generacional y anarquía 🚬🍺🍻


Del Sevilla MANQUE pierda ⚽🎸

Ceesepe.

Carlos Sanchez Perez. Ceesepe. Madrid 1958. Madrid viernes 7 de septiembre de 2018 a los 60 años de edad.

Define su arte como un mezcla de poesía y artesanía.

CEESEPE. Pintor, ilustrador, artesano, ebanista. dibujante, grabador; pero sobre todo, un gran creador que posee, un inconfundible sello propio. Últimamente su paleta de colores y sus pinceles estaban en los programas de dibujo de su ordenador; con él, cortaba, pegaba, dába, y quitaba luz, o colores.

Obra de Ceesepe:

El collage siempre le ha interesado y lo seguiria trabajando siempre, su estudio se encontraba, habitualmente, alfombrado por múltiples recortes de papel y cartulina; imágenes y colores alfombraban el suelo; el pintor trabajaba con las manos tocaba los materiales, fumaba en su trabajo.

No le interesaba la nostalgia, «no volvería a dibujar cómics»; se estrenó en el mundo del arte allá por los años setenta, donde empezó a ser conocido por sus ilustraciones en la revista Star de Barcelona ( ciudad a la que se trasladará a vivir unos años). En (2018 año de su fallecimiento) reside en Madrid pero lo que le llama…, es dejarlo todo de una vez, perderse dulcemente, en una isla idílica y paradisiaca, donde le acompañé el calor, (Que la tierra le sea leve).

Los Años de la Movida:

Ya en los 80 se adentrará más en la pintura. Son unos años de mucho trabajo en los que el artista, reside entre Madrid y Barcelona. En esta pasada época recibe muchos encargos; carteles de cine, como, Pepi, Luci, Bom, y otras chicas del montón, 1980, y La ley del deseo, 1986; (ambas de Pedro Almodovar), portadas de discos (KiKo Veneno).

En la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid, Arco 88, vende algunos dibujos y es una autentica celebridad (Se convierte en uno de los artistas más significativos de la movida, en uno de sus símbolos más mediáticos) Ceesepe goza en esos momentos de una enorme popularidad que por desgracia no se vé traducida en cash.

Madrid. El Hortelano y Ceesepe. y Alberto García-Alix.

CEESEPE. Fue Amigo, de El Hortelano, Nazario, Ouka Lele, Mariscal, Alberto García-Alix, Barceló, Almodovar, Kiko Veneno y más… Le gustan, Fellini, David Hocney, Lucian Freud.

Obra de Ceesepe. 2008.

Residente en Madrid (tenia, su estudio a escasos metros de la Puerta del Sol), reconocía, que él, había cambiado más, que la Gran Metrópoli. A mi, me gustó ese cambio. Tiene mérito dedicarse a la creación tan cerca del caos de la gran urbe; su estudio, también era su casa; y su vida domestica se mezclaba peligrosamente con su trabajo; muchas veces, no sabe si debe hacer, lo que se supone que debe, (por ejemplo dormir); pues tal vez, esto que supone, no lo haga, y se ponga finalmente (y a deshoras), a trabajar.

Obra de Ceesepe. 2008

Ceesepe, ha vivido en Río de Janeiro, Nueva York, Buenos Aires, París ( Ciudad, en la que residió varios años), en ella, coincidió con Barceló, con el que le unia, una buena amistad y que durante su estancia parisina, le presto un ático lleno de libros. Últimamente, reconocía, estar cansado de viajar, «La globalización consiguió, que todos los sitios me parezcan igual», había declarado recientemente.

En 2011, le fue concedida la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

«Sigo aprendiendo cada día. No sabría vivir, sin inventarme a mi mismo cada mañana»

Ultimas noticias. 25/11/14. Se presentaba, en el Circulo de Bellas Artes de Madrid, el libro, Manual Practico de Pintura. #3. Su autor Ceesepe. El tema…, sus obras y su vida.

Carlos Sanchez Perez. Ceesepe. Falleció, (Leucemia), en Madrid, el 7 de septiembre, de 2018.

Recortes en el suelo (ahora abandonados), unas tijeras abiertas y tantos, y tantos de sus amigos, irremediablemente, un poco más solos.




Plástic que Plástic???
🤭🕶️📺

En ese sanedrín multitudinario que es Forocochesmierda hay un debate sobre si «Plastic» fue el mejor programa musical de la historia de España. Lo cierto es que los ha habido muy buenos, como «La Edad de Oro» –que no era solo musical–, «Popgrama», o, para públicos más reducidos, aquel «Jazz entre amigos» que nos seducía con saxofones a la madrugada. Uno de los usuarios, en un ataque de nostalgia, dice que «ha habido buenos programas», pero «ahora no hay nada más alla de la basura de OT». Hace esa reflexión ignorando el robusto hilo que une Plastic» con «Operación Triunfo» . No es que haya seis grados de separación entre ellos, no, es que no hay siquiera uno.

Para los fans más recientes de OT mierda, Tinet Rubira es ese señor que aclara dudas sobre asuntos «triunfales» en Twitter y que, además, es padre de un mozo que trabajaba en la academia y que le gustaba a Amaia. Para los que éramos jóvenes en los estertores de los 80, Tinet Rubira es el más formal de los dos alocados presentadores de «Plastic», el programa musical más gamberro –en esto pienso que hay consenso– emitido en la historia de la televisión española.

Su primer programa fue una declaración de principios, todo un puñetazo en la mesa del salón. Lo primero que vimos en pantalla fue a dos pimpollos que parecían haber asaltado el ropero de los Modestia Aparte. Eran David Bagès y Tinet Rubira. Uno moreno y otro rubio. Parecían los nuevos Pecos. Pero no. Enseguida empezaron el estriptís y acabaron no desnudos, sino en vaqueros y camiseta. Vestían como se vestía en la calle. Más que unos presentadores, parecían dos personajes extraídos de «The Young Ones», aquella memorable serie británica que triunfó en las autonómicas, especialmente en TV3 y TVG.

Aquello ocurrió un 19 de abril de 1989 y fue toda una revelación para una generación.

Aquel plató que simulaba un garaje lo atronaron en ese primer programa un grupo madrileño de rock and roll que aún no había publicado «La vida mata», Los Enemigos, y una banda de flamenco-rap, de nombre Las Xoxones, en la que la voz cantante la llevaba una joven Chus Gutiérrez, la misma que después haría carrera en el cine. Vía vídeo musical sonaron, entre otros, el grupo de trash metal Antrax. Ya en esa «gala» inaugural está la principal seña de identidad de «Plastic»: el eclectismo. En aquel contenedor cabían el rock, el punk, el flamenco, el pop, el ska, el heavy... y todos los estilos salvo el pop-rock comercial que entonces dominaba la mayoría de las emisoras privadas.

El programa se completaba con un concurso que, visto en perspectiva, convierte la trampilla de «Ahora caigo» en un chistecillo: los participantes sufrían «torturas» en una silla eléctrica que era literalmente impulsada hacia atrás en cada fallo, y de postre se llevaban un «tartazo» de un vomitivo mejunje cuyo contenido nunca quedó muy claro. Pero a finales de los 80, la chavalada estaba dispuesta a eso y a mucho más por ganar un ordenador Spectrum 48K, que entonces valía toda una fortuna, 10.000 pesetas (60 euros).

Al poli malo (el punki David) y al poli bueno (Tinet) del programa pronto se les unió en las labores de presentación Marisol Galdón, una joven DJ que era la respuesta catalana a Paloma Chamorro. Entre los tres montaban un teatrillo en el que guión, que al parecer existía, era continuamente vapuleado por la improvisación, o esa era la impresión que daba a los que estábamos detrás de la pantalla. A Marisol la recordamos de enviada especial entrevistando a Peter Gabriel –de vez en cuando la producción toleraba esos lujazos–.

El programa se grababa en Barcelona, ciudad que tanta cultura musical, sobre todo escrita (allá se editan las revistas «Rockdelux», «Ruta 66» y »Mondosonoro», todas ellas referenciales), ha aportado. Eran 55 minutos de adrenalina en oído. Turbadores y perturbadores. Nos educaron los oídos con la voz que vino del hielo –la joven Björk de The Sugarcubes–, y también con Paul Weller, My Bloody Valentine, The Primitives, The Pretenders… Los de «Plastic» eran «indies» cuando aquí solo eran «indies» tres enterados que habían ido a Nueva York.

Pero no caigamos en paletismos. Porque hubo momentos «nacionales» incluso superiores a los internacionales.

Escuchen a Antonio Vega en la cima de su talento, «Esperando Nada».

Abran la ventana a la ingenuidad pop –acaso precursora de Nosoträsh– de Los Romeos:

De la ingenuidad de Los Romeos a la honestidad brutal de Evaristo, de La Polla Records:

Y, por supuesto, una de las diez actuaciones musicales más memorables de la historia de la televisión en España (algún día haremos un top ten, en el que estarán la teta derecha de Sabrina, el pendiente de Lola Flores... y también este «número»).

Afortunadamente, aquel día habíamos puesto a grabar el programa en el vídeo VHS. Una vez asistimos en diferido a aquel torbellino irreverente, a aquella cinta se le quitaron las pestañitas –aclaración para «millennials»: al hacer eso, quedaba imposibilitada toda nueva grabación–. Aquella cinta dejó de verse –cosas del VHS– después de ser reproducida más de un centenar de veces en casa propia –se la poníamos a las visitas– e incontables en casa ajena, pues la prestábamos a amigos como si fuese una novedad de videoclub. Estamos hablando de la actuación de unos desconocidos Extremoduro cantando «Extremaydura». Ocurrió un 19 de enero de 1990. Desde Las Vulpes no se había visto nada parecido.

Así de imprevisible era «Plastic». Aquel programa te volaba la cabeza todas las semanas. Aunque después saltó a la primera cadena, empezó a emitirse en La 2. Entonces –y ahora– era el canal cultural de RTVE, destinado –eso decía la publicidad– a «las inmensas minorías».

Eso es lo justamente lo que éramos: una inmensa minoría. Algún día le contaremos a nuestros nietos que entre 1989 y 1991 hubo en la televisión pública un programa gamberro, desfasado, fresco y sorprendente que hoy habría sido fulminado el día de su primera emisión por los apóstoles de lo políticamente correcto.


En Septiembre tal vez ya no esté...
👀💀🦴
📻

Extrema y muy dura...🖕🤞🤙

Breve referencia a la ya comentada Bola De Cristal.

Resulta imposible definir qué era o es aún La Bola de Cristal. Sí, era un programa infantil de esos que se llaman contenedores que suelen ser un cajón de sastre donde la televisión mete todo lo que cree que gusta al público infantil con unos presentadores que les gritan como si fueran sordos, en una mezcla de payaso y vendedor de calle. Pero éste no era como los programas infantiles que hubo hasta entonces.

Lolo Rico, su creadora, se dio cuenta de que a los niños les gustaba ver en la tele las mismas cosas que a los adultos. Más que nada, porque los programas de adultos tenían más calidad y los programas para niños se hacían con unos medios bastante pobres.

Para toda la familia:

El resultado fue un programa para adultos que divertía también a los niños, ¿o era al revés? El caso es que fue el primer programa infantil que sentó a los niños con sus padres delante del televisor, y no con contenidos fáciles de digerir para el espectador precisamente.

En 'La Bola' se contaban historias de todo tipo. Sin temor al rechazo, se hacía referencia a la literatura, el cine y el arte clásico en general, una apuesta arriesgada que caló en gran parte gracias a una carga critica ácida de bastante profundidad en temas muy delicados para la época, algo impensable en la televisión de antes.

El objetivo de Lolo Rico fue hacer un programa para que las mentes de sus espectadores se mantuvieran activas y aprendieran a crear jugando mientras cultivaban su sentido crítico de la realidad. Y lo consiguió. Prueba de ello es que todos y cada uno de los que vieron La Bola de Cristal lo siguen recordando, y eso que entre tanto ha pasado ya un cuarto de siglo y numerosos programas infantiles que no han dejado una huella tan profunda en la memoria colectiva.

Desde su primera emisión el 6 de octubre de 1984 hasta su final en el año 1988, el programa no paró de recibir elogios por parte de todos los sectores de la sociedad. Un reconocimiento que se ve reflejado en los dos premios 'TP de Oro' al mejor programa infantil, logrados en 1985 y 1987.

'Los electroduendes' y sus inimitables Hada Vídeo, Bruja Avería, Bruja Truca, Maese Sonoro y Maese Cámara, 'El librovisor', 'Acordes en espiral', 'La cuarta parte'... La originalidad de todas las secciones del programa (algunas de las cuales se fueron transformando sobre la marcha) sirvió para que cada una de ellas tuviesen su público, desde los más pequeños hasta los adolescentes, pasando por los padres.

Presentadores y colaboradores de lujo

Otro aspecto importante que puso el broche de oro al éxito del formato fue el elenco de talentos con los que contó 'La Bola'. Además de Alaska, Javier Gurruchaga, Isabel Bauzá o Gerardo Amecharruza, fueron protagonistas nombres de la talla de Santiago Auserón, Loquillo, Pablo Carbonell, Pedro Reyes, Miguel Ángel Valero, Anabel Alonso, Enrique San Francisco o Fedra Lorente, entre otros.

La Bola de Cristal ocupó nada menos que dos horas semanales (y a veces tres) de la parrilla televisiva durante sus casi cuatro años de existencia. Ahora, 25 años después, tenemos la excusa perfecta para zambullirnos en el archivo, rescatar y compartir contigo todos esos vídeos, canciones y momentos inolvidables que nos dejó

Además, dentro de la sección «Acordes en espiral»también se emitían videoclips, algunos de ellos creados específicamente para el programa, con los últimos éxitos de artistas como Franco Battiato, Ángel Altolaguirre, Radio Futura, Mecano, Los Nikis, Eskorbuto, Javier Gurruchaga, La Unión, Los Toreros Muertos, Golpes Bajos, Glutamato Ye-ye, La Frontera, Nacha Pop, Gabinete Caligari, Ramoncín, El Último de la Fila y otros. Grupos que representaban el conjunto de artistas y gustos musicales de la etapa de La Movida en los años ochenta y otros extranjeros. Fue el programa el verdadero impulsor del videoclip en la España de la década, y los temas[3]​ que se beneficiaron incluyen Sildavia, La sangre de tu tristeza, Querida Milagros, Insurrección, Al calor del amor en un bar, A quién le importa, No es serio este cementerio o El imperio contraataca.


De los Ramones de Algete al hotel Son Vida de Palma de Mallorca.
Tessa My Love y el gran Bernardo...
Principios de los 80,S🚬🍺🍻

Nos pasamos por la huerta para acabar con el adelanto de la penúltima🎚️🎙️ más tres Bonus Track para mis amiguitos CaricatosIPS 🤭📼

Mods all CONS!!!
😎

José Alfonso Morera Ortiz, más conocido como el Hortelano, nace en Valencia, en 1954. A los diez años, y tras una larga enfermedad, descubre su vocación por la pintura. Abandona por ello sus estudios universitarios de farmacia. En 1974 se traslada a Madrid y poco después a Barcelona, Nueva York y México. Las revistas “Star”, “Ajoblanco”, “El viejo Topo” y “Triunfo” publican muchos de sus primeros trabajos. Forma parte de los círculos intelectuales de la llamada Movida Madrileña y su estudio se convierte en el punto de referencia de artistas como Alberto García-Alix, Pedro Almodóvar, Guillermo Pérez Villalta y Ouka Leele. Desde los 90 su paleta evoluciona hacia colores más sobrios, con una técnica más elaborada. Fallece en Madrid, en 2016.

 Anónimo
20/02/2021 8:04 am
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Satanása yo te invoco con un moco y mucho suck to me...
👄

Va a ser mamá...Fabio reconvertido 🤔

Padrino Jesús Ordovas🎚️🎙️

Adelanto próxima semana Blue Beat- Ska- Reggae- Dub- OI!!- TWO TONE-Red Skins ✊💙❤️

No pasa nada...

This lonely street
Trying to find, find a future
New pair of shoes are on my feet
Cos' fashion is my only culture

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

People say to me just be yourself
It makes no sense to follow fashion
How could I be anybody else
I don't try, I've got no reason

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

I'm just living in a life without meaning
I walk and walk, do nothing
I'm just living in a life without feeling
I talk and talk, say nothing

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

I walk along this same old lonely street
Still trying to find, find a reason
Policeman comes and smacks me in the teeth
I don't complain, it's not my function

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

They're just living in a life without meaning
I walk and walk, do nothing
They're just playing in a life without thinking
They talk and talk, say nothing
I'm just living in a life without feeling
I walk and walk, I'm dreaming
I'm just living in a life without feeling
I talk and talk, say nothing
I'm just living in a life without meaning
I walk and walk, do nothing

Cada dia camino en esta calle desolada
Intentando encontrar, encontrar un futuro
Un nuevo par de zapatos están en mis pies
Porque la moda es mi cultura

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

La gente dice que sea yo mismo
No tiene sentido seguir la moda
Como podría ser alguien mas
No lo intenes, no tengo ninguna razón

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

Solo estoy viviendo en una vida sin significado
Camino y camino, no hago nada
Solo estoy viviendo....

de una vida sin sentimiento
Y hablo y hablo, di nada

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

Camino por esta misma vieja calle desolada
Sigo intentando buscar, una razón
El policía viene y me pega en los dientes
No me quejo, no es mi función

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

Ellos solo estan viviendo una vida sin significado
Camino y camino, hago nada
Ellos solo están jugando una vida sin pensar
Ellos solo están hable y hable, no dicen nada
Solo estoy viviendo una vida sin sentimiento
Camino y camino, solo estoy soñando
Estoy viviendo una vida sin sentimiento
Hablo y hablo, digo nada
Solo estoy viviendo una vida sin significado
Camino y camino , y no hago nada
Escucha "Do nothing"...


Hablando de fiestas ya vividas 👍✨

Y las que quedan...
Temazo 🌌

Escuchar atentamente...
No tiene desperdicio.
Los mejores se fueron al cielo de lo cierto.
Agur!!!
Muxus 🚬🍺🍻🏴‍☠️⚽

Lucha y resistencia ROBERT dentro de una GRAN A🕶️

Antonio y compañía.
📼🕶️


🛵💌

 Anónimo
20/02/2021 5:28 pm
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Como oscila la horca...
🤔
🏴‍☠️🕶️

Ladrones, apesebrados, chaqueteros, vividores y lacayos.

La Frontera fue creado a mediados de los años ochenta. Después de empezar en el festival de rock de Madrid con su "Duelo al sol" y conseguir el primer premio, editaron en 1.985 su primer LP titulado La Frontera, un disco trepidante y lleno de granes canciones como La Ley de la Horca, Pobre Tahúr o Cuatro Rosas Estación, además de una gran adaptación de Viva las Vegas.

Tras el buen sabor de boca del primer LP, en 1986 grabaron Si el Whisky No te Arruina y siguieron viajando a ritmo de rock por las praderas de los escenarios españoles, donde la potencia y fuerza de temas como Volverán los Buenos Tiempos o La Ciudad, se mezclaban con baladas inconfundibles e inolvidables para los que seguimos admirando la banda de Javier Andréu y Toni Marmota. Y cómo olvidar ese Cielo del Sur, que nos introdujo en un viaje sin fin a los lomos de un camión sin ruedas y vibrar con la fuerza de una banda que siempre permanecerá entre nosotros.

De ahí, iniciaron otro viaje pero esta vez en un Tren de Medianoche, el que sería su tercer trabajo, un disco donde la sapiencia artística de José Battaglio, Javier Andréu y Toni Marmota, no nombro a Quino Maqueda pues lo considero un desertor de la causa, nos dejaron temas como "Mi Destino", "Siete Calaveras" o el "Siempre Hay Algo que Celebrar", por citar algunos. En este tercer LP no estuvo presente Toti Árboles, que si colaboró en el segundo y volvería después en el trabajo discográfico que le hizo conocidos al público en general como fue el "Rosa de los Vientos". Pero antes de hablar de este disco, quisiera tener un recuerdo para el gran Toti Árboles, que nos abandonó para irse, espero a un mundo mejor y que si es verdad que existe, seguro que se encuentra presente y saltando como el que más en cada concierto de La Frontera.

Como dije, con este cuarto disco se dieron a conocer al público en general con canciones que sonaron por todas las emisoras españolas, como El Límite, Juan Antonio Cortés o Nacido para Volar, cosechando gran éxito y siendo uno de los grupos punteros del panorama musical de finales de los ochenta y principio de los noventa.

Tras este éxito con el cuarto Lp volvieron en 1991 con Palabras de Fuego, un tema que personalmente no me pareció malo, pero sí me llamó la atención las pocas veces que lo llevaron a sus actuaciones en directo. De este disco sonó Hambre de tu Amor, Solos Tú y Yo y me quedo sin duda y a buen seguro que ellos también con Viento Salvaje. que parece una continuación de la historia que contaron en Cielo del Sur".

Y en 1992 llegó un Lp que les hizo demostrar a todo el público la potencia de sin duda uno de los mejores directo del panorama musical español "Capturados Vivos" donde la voz desgarradora y potente de Javier Andreu se unió a la fuerza en la música acompañada con temas donde la reflexión es importante para entenderlos como Lluvia, Aunque el Tiempo nos Separe y muchos más, que hicieron de este directo una recopilación de lo que había sido La Frontera desde sus inicios, aunque personalmente hubiera introducido temas como La Puerta de Atrás del Paraíso o La Ciudad. Después de esto estuvieron dos años de giras por todo el país ofreciéndonos un espectáculo musical muy difícil de superar por cualquier grupo español de nuestros días, para entonces el ínclito Quino Maqueda ya había abandonado el grupo.

Y fue en 1994 cuando sacaron al mercado su sexto trabajo, La Rueda de las Armas afiladas, que grabaron en Londres y no gozó de la suficiente promoción como para ser un gran disco en lo que a ventas se refiere, como en una entrevista con Javier Andreu el señor Lucki vaticinó, aunque hay temas que son una auténtica joya. En este disco hubo cambios en la banda como fueron Javier Pedreira a la guitarra y Mario Carrión a la batería, y por supuesto siguieron las dos almas del grupo Javier Andreu y Toni Marmota.

Tras este pequeño descalabro volvieron a la fórmula del directo en este caso en forma de básico Siempre Hay Algo que Celebrar, título sacado de una canción del mismo nombre y que incluyen en el nuevo disco. Incluyen 4 temas inéditos de los que destaco Tu Vida en un Papel y Pedro el Gitano, demostrando de nuevo su capacidad para hacer música con el contacto del público.

Tuvieron un parón importante hasta el año 2.000, cuando editaron Nuevas Aventuras, del que destacó la canción de la Pepsi No Vuelvas si Ella, Aleluya y Los Amigos de la Calle, no estando este disco a la altura de los anteriores debido a problemas de productoras que no les dejaron prepararlo como ellos hubiesen querido.

A pesar de no vender lo que ellos hubieran deseado siguieron en contacto con sus fans con la formula del directo, pues hay que dejar bien claro que a pesar de algunos parones y discos en solitario como el Libro de Cuentos de Javier Andreu (1999), La Frontera nunca se ha retirado del panorama musical español.

En 2003 se incorporan a la banda dos nuevos guitarristas procedentes de una banda madrileña que un buen día Javier Andreu fue a verlos en directo y les propuso unirse al nuevo proyecto de La Frontera, el grupo es Garaje Jack y estos dos fenómenos son Oscar Rama y Nico Álvarez, dando un sonido más guitarrero y sureño a La Frontera. A finales de este año ya está a la venta Tú Revolución, donde vuelven al sonido de antaño además de continuar en algunos temas con la línea de sus últimos trabajos. Se le da cierta promoción en cadena 100 y otras emisoras de radio pero sin darle toda la importancia que este trabajo se hubiera merecido. Para entonces ya habían roto con su anterior manager siendo llevados hasta la fecha por Music Bus.

Y llegamos a 2005 y a la espera de su último trabajo de estudio se publica 20 años y un Día, donde se seleccionan 20 temas de toda la carrera del grupo y en los cuales están muy bien resumidos esos 20 años que llevan en la música con sus altibajos, pero demostrando una gran profesionalidad y cariño por la música que hacen y por el público que les respalda. Suerte con este último disco y a subirse de nuevo en ese camión sin ruedas que os lleve directo al éxito.

En febrero de 2011 publican Rivas Creek, excelente trabajo que se compone de once temas y un bonus track, compuesto en su totalidad por el lider del grupo Javier Andreu. Este trabajo supone un regreso definitivo a sus raíces con el típico sonido fronterizo, además de temas muy personales. Y para presentar al disco se lanzan a un gira por toda España, pero por locales pequeños.

2015 marca el 30º Aniversario de La Frontera. Tras la salida de Nico, se incorporan Harry Palmer a la guitarra, Angelo Mancini a la trompeta y Charli Fierro... al piano. El grupo vuelve a Universal Music y el 2 de junio se edita el pack 2CD+DVD 30 Años en el Límite del concierto grabado en la sala El Sol de Madrid en febrero del mismo año. En mayo el grupo comienza una gira de más de 20 conciertos para celebrar sus 30 años en los escenarios.

🎸😎👎💅🥃


Cabalguemos...


Con la inolvidable voz de uno de los mejores dobladores de toda la historia de IBERIA...
Luke yo soy tu padre...
Constantino Romero 🎙️🎚️💣

 Anónimo
23/02/2021 8:58 pm
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 Anónimo
25/02/2021 9:34 pm
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Un paso adelante mañana para la penúltima y la carta de ajuste Bluebeat and Ska y otros rollos( Regaee y Dub...)
Hazlo tú mismo 🏴‍☠️🦶👌

Gran verdad 🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲
Enjoy It (Enjoy Yourself)
Prince Buster.
Enjoy yourself, it's later than you think
Enjoy yourself, while you're still in the pink
The years go by, as quickly as you wink
Enjoy yourself, enjoy yourself, it's later than you think

Hello, I'm Terry, and I'm going to enjoy myself first

It's good to be wise when you're young
'Cos you can only be young but the once
Enjoy yourself and have lots of fun
So glad and live life longer than you've ever done

Enjoy yourself, it's later than you think
Enjoy yourself, while you're still in the pink
The years go by, as quickly as you wink
Enjoy yourself, enjoy yourself, it's later than you think

Never right, yes I know
Get wisdom, knowledge and understanding
These three, were given free by the maker
Go to school, learn the rules, don't be no faker
It's not wise for you to be a foot stool

Enjoy yourself, it's later than you think
Enjoy yourself, while you're still in the pink
The years go by, as quickly as you wink
Enjoy yourself, enjoy yourself, it's later than you think

Enjoy yourself, it's later than you think
Enjoy yourself, while you're still in the pink
The years go by, as quickly as you wink
Enjoy yourself, enjoy yourself, it's later than you think

Disfrútalo (Disfrútalo)

Disfrútalo, es más tarde de lo que crees
Disfrútalo, mientras sigues en el rosa
Pasan los años, tan rápido como guiñas el ojo
Diviértete, disfruta, es más tarde de lo que crees

Hola, soy Terry, y voy a divertirme primero

Es bueno ser sabio cuando eres joven
Porque sólo se puede ser joven, pero una vez
Disfrútalo y diviértete mucho
Tan feliz y vivir la vida más tiempo de lo que nunca has hecho

Disfrútalo, es más tarde de lo que crees
Disfrútalo, mientras sigues en el rosa
Pasan los años, tan rápido como guiñas el ojo
Diviértete, disfruta, es más tarde de lo que crees

Nunca está bien, sí lo sé
Obtener sabiduría, conocimiento y comprensión
Estos tres, fueron dados libres por el hacedor
Ve a la escuela, aprende las reglas, no seas un farsante
No es sabio que seas un taburete...

Disfrútalo, es más tarde de lo que crees
Disfrútalo, mientras sigues en el rosa
Pasan los años, tan rápido como guiñas el ojo
Diviértete, disfruta, es más tarde de lo que crees

Disfrútalo, es más tarde de lo que crees
Disfrútalo, mientras sigues en el rosa
Pasan los años, tan rápido como guiñas el ojo
Diviértete, disfruta, es más tarde de lo que crees


Potato VITORIA cover ♥️👍🎸📻🎙️

Skaaaaaaaaa!
Rude Boys and Girls!
Red Skins!
Two Tone!
✊🇯🇲🏴‍☠️🖤♥️

R.A.S.H.

Hasta Tomorrowland ⚽⚡
Unos buenos pasitos...

🤍🖤🤝🙌✋👊



Cuando el “Empire Windrush”, un barco militar de transporte, atracó en Tilbury (puerto de Londres) el 21 de junio de 1948, pocos podían imaginar que la música y la cultura inglesas estaban a punto de cambiar para siempre.

Había salido de Kingston (Jamaica) el 23 de mayo con 1027 personas a bordo, de las cuales 802 tenían nacionalidad jamaicana. Aprovechando una ley migratoria todavía benevolente con las colonias, los caribeños pagaron entre £28 y £48 por el pasaje y a su llegada poblaron barrios como Brixton y Notting Hill, que desde entonces se transformaron completamente.

La savia nueva constituía mano de obra barata para un Imperio Británico en decadencia, pero su aportación clave se produjo en el ámbito cultural. En sus maletas, los inmigrantes traían ritmos locales como el mento o calypso de Trinidad, que mezclaban con los sonidos negros de Estados Unidos. En este sentido, compartían con Inglaterra la subordinación, pues ambos países se habían rendido a la nueva metrópoli.

El HMS Empire Windrush es el origen de la inmigración jamaicana a Inglaterra. Como curiosidad, era un barco expropiado a los nazis tras la IIª Guerra Mundial.

Corrían los años 40 y la hegemonía yanqui se traducía, en lo tocante a la música, en el predominio de estilos como el jazz y un blues más movido llamado R&B. Los clubes ingleses los programaban para su público blanco, casi exclusivo en la isla, pues a pesar del origen negro de aquel sonido, traía el marchamo elitista de Norteamérica.

Así, surgieron locales como el Flamingo, cuyo nombre rendía tributo a un clásico de Duke Ellington y daba pistas sobre su estilo. Fundado en 1952 en Leicester Square, acabaría por trasladarse a la calle Wardour cinco años más tarde. Fue en ese local de fachada minúscula donde se haría célebre, pues programaban jazz vanguardista en directo y todo tipo de música afroamericana.

Gracias a artistas como el nigeriano Billy Olu Sholanke o el jamaicano Joe Harriott, el club pionero del Soho y otros como el Americana se convirtieron en referentes para la población negra, nutrida como hemos visto por jamaicanos que se asentaban en Londres en cantidad creciente y por soldados de Estados Unidos.

Para finales de los 50, el predominio de la música yanqui era ya universal y dio paso a un nuevo estilo que lo cambió (casi) todo. Mezclando R&B con country, gospel y aportaciones que daban protagonismo a la melodía, nació un pegadizo estilo que se llamó rock and roll. Causó un terremoto de proporciones bíblicas, pues lo escuchaban no solo los negros y aquellos blancos que pretendían el malditismo, sino también las audiencias blancas y biempensantes de todo el mundo.

Pese al éxito relativo de artistas como Fats Domino, el rock & roll pasó desapercibido en Jamaica. Indirectamente, esto permitió que naciese el ska.

Quizá por ello, los negros de ambos lados del charco se distanciaron del nuevo estilo que, como todos, también habían creado ellos. Puede que no les gustase su comercialidad, por eso apostaron por nuevas versiones de sus estilos de siempre, un jazz moderno y distorsionado que llegaría a desdibujarse, y un R&B más bailable que de costumbre.

El Londres de finales de los 50 también fue testigo de esta efervescencia sonora, y por vez primera en su historia, lo hizo como protagonista. El viejo imperio basado en comercio, industria y navegación podía por fin presumir de su música, aunque fuese gracias a gente venida de otros países.

Lo cierto es que en los clubes del Soho que marcaban la pauta en lo musical, la tradición inglesa pintaba bastante poco. El modern jazz había sido su principal propuesta desde principios de los 50, atrayendo no solo a afroamericanos, sino a una juventud vanguardista y blanca que, a imitación de los hipsters de los Estados Unidos, buscaba en el bebop un toque de malditismo sofisticado. Como venía ocurriendo allí desde hacía décadas, para ser hip había que bajar al infierno. Fue así como nacieron los mods.

Flamingo en el sótano del Hotel Mapleton, cerca de Leicester Square. Sería el punto inicial de encuentro de los Mods.

Sin embargo, la pretensión y el refinamiento tenían poca cabida entre los inmigrantes negros establecidos en Londres. Si iban a clubes como el Flamingo era porque pinchaban su música y porque podían bailar. Por eso, a medida que su presencia iba aumentando, el jazz preciosista de los modernos fue dando paso al ritmo bailable del R&B.

Cuando a finales de los 50 el terremoto del rock lo sacudió todo, la mayoría de sellos americanos dejaron de producir R&B. Respecto a eso, los jamaicanos nadaron contracorriente. Tanto en su isla de origen como en Inglaterra, pasaron del rock y siguieron pinchando rhythm and blues en sus fiestas, ya fuese en los conocidos sound systems de nombres extravagantes (V-Rocket, Sir Nick The Champ) o en los garitos de Londres.

En ambos casos, la exclusividad de los temas era un objetivo para los promotores, por lo que, si la producción de R&B decaía, alguien debía cubrir la demanda. Fue así como los dueños de los sound systems de Kingston se convirtieron en productores improvisados, haciendo en la isla el rhythm and blues que Estados Unidos ya no creaba. La evolución autóctona de este estilo dio lugar al ska, un ritmo más pegadizo que dominó Jamaica a principios de los 60.

Mientras tanto, los jamaicanos de Londres exploraban la vía abierta por sus paisanos. Pese a su doble condición de subordinados (respecto a Inglaterra y a Estados Unidos), la música creada por ellos mismos era el nuevo canon en clubes como el Flamingo o Americana, donde el rock tampoco tenía excesivo predicamento.

Americana Club (1955). Su carácter interracial sería impensable en Estados Unidos, pero en Londres, los soldados americanos gozaban de un status cosniderable.

Interrogado sobre el motivo, el musicólogo y periodista Lloyd Bradley responde de forma clara: “pregunta a cualquiera que estuviese metido en la escena en aquel momento y te dirá que, simplemente, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis y compañía no eran lo bastante emocionantes”. A esto habría que sumar el exceso de comercialidad, una causa apuntada por Phil Etgart en un estudio de 2011 sobre la música que se pinchaba en los primeros sound systems.

Debido a esta mezcla de autenticidad y capacidad de baile, el R&B jamaicano derivó en un estilo nuevo que arrasó entre la población local. Exportado a clubes de Londres repletos de inmigración jamaicana y de blancos que se acercaban al lado salvaje, el ska surgido a principios de los 60 se convirtió en negocio jugoso a ambos lados del Océano Atlántico.

En poco tiempo surgieron sellos dispuestos a explotar el filón, no solo en la Jamaica materna, sino en el Londres cosmopolita dispuesto a sacar tajada.

LA HISTORIA DEL SKA.

Primero, ubiquémonos en Jamaica en el momento particular de la historia en el que nace este ritmo...

Después de la II Guerra Mundial el Imperio Británico se encuentra en una situación particularmente difícil. Es por eso que este se ve obligado a independizar sus colonias. Ya para 1962 Jamaica como país independiente empieza a ver reflejado un nuevo optimismo en su cultura y música proveniente de las masas recién liberadas.

Dicho optimismo esta caracterizado por el nacimiento de un gran numero de bandas que adoptaban y adaptaban muchos de los estilos musicales provenientes de Estados Unidos.

Ya antes de ser declarada un estado independiente, bandas como Eric Deans Orchestra (con el trombonista Don Drummond y el guitarrista Ernest Ranglin en primera línea) basaban su música en los estilos de Count Basie, Duke Ellington, Glen Miller y Woody Herman.

Sin embargo en EE.UU. las grandes bandas estaban siendo remplazadas por formaciones un poco más pequeñas, orientadas hacia el blues.

Mas tarde esta nueva moda llega a Jamaica y es adaptado por los SOUND SYSTEMS de Sir Nick the Champ, the Blues Blaster, entre otros.

Hacia 1950 el Jazz, el Rythm and Blues y el mento son fusionados por las bandas de la epoca dando forma a un nuevo estilo de música llamada "Shuffle".

(El shuffle se vuelve muy popular gracias a bandas como the Overtakers, Neville Esson y the Matador Allstars)

Es gracias a este nuevo ritmo que se da un auge tanto en el nacimiento de estudios de grabación y compañías como en la búsqueda de nuevos talentos que llenaran las necesidades del creciente publico.

Duke "the Trojan" Reid y Clement "Sir Coxsone" Dodd y Vincet "King" Edwards fueron piezas clave en la evolucion del Sound System jamaiquino de 1950.

Cabe destacar la importancia del aporte dado por la comunidad China-Jamaiquina de la cual salen excelentes productores asociados a los dueños de los Sound Systems. Algunos de los más importantes fueron: Lesie Kong, Byron Lee, Charlie Moo y por supuesto el más prolífico de todos, Vincent "Randy" Chin.

Otro personaje importante fue Cecil Campbell, conocido después como Prince Buster, quien fue el primero en tener la visión y darse cuenta de la necesidad de un nuevo estilo. Es así como recomienda a su guitarrista (Jah Jerry) enfatizar el sobretiempo, es decir no en el beat o golpe rítmico, sino después de este. Es así como nace el Ska.

Los Sound Systems empiezan a grabar sus propias canciones para ganar ventajas competitivas entre ellos. La guerra entre sound systems escala al punto del envío de saboteadores por parte de la competencia para arruinar las fiestas. Estos saboteadores eran conocidos como "Dance Hall Crashers".

A pesar de la baja calidad de las grabaciones de ska de este tiempo, los entusiastas de dicho ritmo lo llevan a un punto de popularidad altísimo. El ska es reconocido como baile y música NACIONAL de Jamaica.

Cabe destacar como "dato rossa" que el Ska como tal hizo su debut mundial e internacional en la feria mundial de New York de 1964, en el pabellón de Jamaica. Fue un gran exito!!!

Ahi se mostraron varios temas de bandas de la epoca (Byron lee & The Dragonaires, Prince Buster y Jimmy Cliff) hubo una gran demostración de baile donde Ronnie Nasralla y Jannette Phillips enseñaron a mover el eskeleto con este contagioso ritmo.

LOS RUDE BOYS

Durante los 60´s (1964-1967 + o -), en los ghettos de Jamaica vivía toda una generación de jóvenes que no había tenido la oportunidad de experimentar el nuevo optimismo generado por la independencia, esto debido a su pésima situación económica y a la falta de empleo.

Estos jóvenes salidos de la clase obrera jamaiquina y marginados por el sistema se comienzan a identificar a sí mismos como RUDE BOYS.

(El ser un Rude Boy en ese momento significaba, de alguna forma, ser "alguien" cuando la sociedad les decía que no eran "nadie")

El Ska en esa época era la música de moda y los mismos Rudies adoptan este estilo de música como propio. Siendo el tema principal de las canciones que salen entre el ’64 y el ’67.

La manera en que los Rude Boys bailaban el ska era diferente también: Lo hacían más despacio y con una postura más imponente.

Los Rude Boys se conectan con la gente que vivía fuera de la ley (scofflaws) y esto se reflejaba en su música, sus letras y su manera de vestir. Muy parecidos a algún tipo de Gangster o criminal.

Se forman muchas pandillas de Rudeboys con serios problemas de actitud. Convirtiendo las calles en verdaderas guerrillas. El contacto que había entre el movimiento Rude y los scofflaws originaba una enorme facilidad para el Rude Boy de adquirir un arma y eso potenciaba la violencia y la lucha entre pandillas en ese tiempo.

Muchos de los jóvenes que llegaban a Kingston en busca de fama y dinero solo se topaban con una vidas de crimen y violencia cuando el dinero se les acababa.

(La película que refleja esto con mayor veracidad es el film de Perry Hanzel "THE HARDER THEY COME", interpretada por Jimmy Cliff protagonizando al anti-héroe ’Ivanhoe Martín Rhygin’)

La música ska cambia a partir de esto, va reflejando los sentimientos de los rudies con más tensión en el bajo, a diferencia del estilo previo, el cual era un poco mas ligero y libre.

En este periodo los rude boys se convirtieron en el centro de atención.

La opinión publica estaba rotundamente en contra de ellos y en contra de las armas. Se pasó una ley con la cual cualquier persona con posesión de armas o municiones seria detenida por un tiempo indefinido.

Esto, naturalmente, influyó en el ska pues los artistas y productores de este tiempo apoyaban las acciones de los rude boys.

Canciones como "Lawless street" de los Soul Brothers y "Gunmen coming to town" del grupo The Heptones reflejaban la influencia de este movimiento anti-armas, Muchas otras bandas se sumaron a esto pero con una política contra la lucha entre pandillas de Rude Boys.

Clement Dodd apoya, en este momento en especial, a una banda de jóvenes que se auto proclamaban rude boys- los Wailers (Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer).

El ska y los rude boys fueron el tema de importancia hasta finales de los ’60 en el que el ska es remplazado por el ROCK STEADY.(este es luego remplazado por el REGGAE, y este por el DUB y luego este por el DANCE HALL, etc).

Este momento marca el fin de la primera era del ska y el comienzo de la segunda era... donde el Rude Boy tomaría una tonalidad absolutamente distinta que la de los legendarios rudies jamaicanos.

SEGUNDA GENERACION (TWO-TONE)

La segunda era comienza en Inglaterra a principios de los 70´s cuando los ideales de los rudies son revividos por bandas de punk como THE CLASH. Bandas como The Coventry Automatics empiezan a reutilizar las bases del ska para hacer música. Esta banda se llegaría a convertir en todo un símbolo de la época al luego cambiarse el nombre a The Automatics, luego The Specials AKA the Automatics, luego solo The Specials AKA y por ultimo THE SPECIALS.

A finales de los 60 empezaba la explosión Rocksteady–Reggae y temas como "My Boy Lollypop" de Millie Small (uno de los primeros exitos en el Reino Unido) y temazos de Desmod Dekker y Laurel Aitken empezaban a sonar en las radios inglesas.

La inmigración de rudeboys jamaicanos crean el movimiento Skinhead al fusionarse con los Hard-Mods de la época.

Nacen bandas como Simaryp (mítica banda skinhead reggae), los Boot Boys (inicio de los actuales Hooligans), Redskins, el Northern Soul y la explosión reggae a finales de los 60.

En la decada de los ‘70 un ex-skinhead llamado Jerry Dammers decide crear un movimiento que reviva el Ska con nuevos codigos e ideologias. Así nace en la ciudad de Coventry el sello 2tone, The Specials, The Selecter y un pensamiento Rudeboy mucho mas contestatario (y definitivamente menos violento) que el originario de Jamaica luchando contra el creciente racismo y fascismo que trataba de imponer el National Front y otras organizaciones de ultra derecha de esa época con una letras mucho mas sociales (como en las canciones "Why", "Rudeboys out of jail", "Racist Friend" o "Free Nelson Mandela" donde se critica abiertamente el racismo y se habla de esta nueva tendencia Rudie).

Los 2 tonos (blanco y negro) representaban un intento de unión racial en una época llena de odio e intolerancia. Walt Jabsco, el logo del sello 2Tone (dibujo basado en una fotografía de Peter Tosh cuando tocaba en los wailers) usaba un traje de vestir negro con camisa blanca, anteojos para el sol, sombrero, medias blancas y un delgada corbata negra. Moda que adopto la ola de nuevos Rudeboys y Rudegirls como una forma de mostrar su ideal de unión racial (blanc@s y negr@s vestid@s de blanco y negro).

Nacen varias bandas; las que provenían de Coventry se llamaban a si mismas the Specials, The Selecter y The Swinging Cats. Las de Londres se convirtieron en Madness, The Bodysnatchers, the Birningham y The Beat. Pero aunque las bandas del sello 2Tone eran las mas populares, no eran las únicas, también existían The Tigers, Ska City Rockers, The Employees y muchas otras más.

Para estas épocas el trombonista Rico Rodriguez, alumno del ya fallecido (bajo complicadas circunstancias) ex -miembro de los Skatalites y uno de loss más pulentos compositores de la primera era del ska, Don Drummond, vuelve en esta época y participa ya sea con los Specials o continuando su carrera como solista. (La que empezó en Jamaica en los 60´s).

Rico es solo uno de varios artistas de la primera generación que vuelve para esta época y se junta con las bandas de la 2Tone.

El fin de esta era llega con la caída del sello 2Tone, Dammers se encontraba en banca rota y en deuda con la Chrisalys (sello disquero que patrocinaba a 2Tone) La popularidad de estas bandas duró aproximadamente seis años pero marcaría la influencia de la música en el futuro.

Se puede rescatar de la era two-tone el renacimiento del rudeboy como un tipo alegre, divertido, contestatario y siempre dispuesto a disfrutar de una baile o una buena cerveza. Mucho menos violento que los originales de Jamaica pero con la lucha contra el sistema a flor de piel.

Las letras de las canciones y los pensamientos ideológicos en esta época tomaron un papel protagónico (talvez muy influenciados por la corriente punk y skinhead) lo que definiría la corriente ska desde ese momento en adelante.

TERCERA GENERACION(Third Wave)

La tercera época o Third Wave es la que estamos viviendo en este momento. Bandas como The Toasters, Bim Skala Bim y Fishbone comienzan a revivir de nuevo las raíces de esta música a principios de esta era. Acá en Latino América podemos ver a bandas como Desorden Publico en Venezuela o Los Fabulosos Cadillacs en Argentina tomando la misma iniciativa e influenciando mas bandas a hacer lo mismo.

Nacen también nuevas fusiones, el ska se combina con casi todo. Nace el ska-core, ska-metal, ska-punk, ska-funk, etc etc etc.

Empiezan a nacer bandas que fusionan varios ritmos o "Ritmo Mundial" como Mano Negra.

En España cabe destacar la banda independiente Kortatu que a pesar de su fama nunca firmo con una multinacional (cosa que considero aplaudible).

Aparecen en todo el mundo bandas de Ska tradicional como Hepcat, Don Khumalo, The Slackers, Skatalá y Dr Calypso.

La fuerte influencia de ritmos latinos en el ska actual da cabida a lo que creo yo es todo un mundo de oportunidades llamado ska latino o latin ska.

La imagen del rude boy se mantiene como la originada en la era 2tone, ya no como un "bandido" sino como un fanático del ska, con conocimiento sobre las raíces del mismo y con todos los ideales anti-racistas y revolucionarios que han caracterizado siempre a esta música.

Esta época da cabida al nacimiento de grupos culturales como los SHARP (Skinheads against racial prejudice o Skinheads en contra de los prejuicios raciales), los striaght edgers, etc. Todos disfrutando de un mismo ritmo considerado en estos momentos como un "Ritmo Mundial".

Así en estos tiempos el Ska a tomado una tonalidad de música de unión. Uniendo asi a los Punks, Skins, sXe, hXc, Rudes, Skaliticos, Rastas, Hip Hoperos, Okupas, Raperos, Anarkistas, Libertarios, Negros, Blancos, Chinos, Europeos, Asiáticos, Amantes de la música latina, Natty Dreads, etc (perdón si se me fue algún grupo...) bajo un mismo baile, una misma vibración y una misma lucha contra el sistema... sin distinción de raza, religión, status social, preferencia sexual, etc.




Rocksteady.🤍🖤🤝

JAMAICA
Es sabido por quienes nacieron y crecieron escuchando música, que el norte de la brújula de los sonidos ha sido básicamente (al menos del '50 hasta el presente): Gran Bretaña y EE. UU.

Ritmos latinos, africanos y orientales, no han tenido, dentro del mercado musical mundial, mejor lugar que el destinado al de un localismo pintoresco o al de un efecto agradable que nos regresa digerido por un halo globalizador (por llamarlo de alguna manera) de la mano de músicos "etnógrafos". Habrá quien me llame la atención sobre el origen negro del blues, jazz, rock, etc. Habrá quien marque la vigencia de los ritmos locales en los diferentes países o de esos hijos bastardos del rock y el tango, el rock y el candombe o el rock y el flamenco, etc. Sin embargo esto no pretende ser un profundo estudio sobre las corrientes musicales, que como todo fenómeno artístico esta en permanente proceso hermeneútico. La intención de éste escrito es acercarse a la historia de un caso curioso dentro de esas corrientes. Si el norte es ese bloque hegemónico configurado por los padres del rock ¿De dónde salió Jamaica?

Tres cosas pueden marcarse a favor de quienes no vean en la difusión del reggae una victoria de lo emergente. Primero, el reggae sólo dio la vuelta al mundo a partir de su difusión a través de las discográficas del "norte"; segundo, el género fue más conocido cuanto más híbrido; tercero, la lengua del reggae fue el ingles y eso facilitó su "mundialización".

Por otro lado, aunque con claras influencias externas, el reggae fue mucho más que un ritmo cansino y pegadizo, calificable o no de original. No es paradojal que los punks del norte brindaran homenaje a ese ritmo como el único aceptable después del propio. Si tenemos en cuenta algunas variables y agudizáramos el análisis, encontraríamos en el reggae las características de una práctica cultural emergente. Pero no es el caso acercarse a intelectuales como Gramsci o sus herederos de los Estudios Culturales de Birmingham para abordar los términos de hegemonía, ideología (como visión del mundo) o prácticas emergentes. Tan sólo se trata de revisar de dónde salió ese "ritmo mundial".

historia del reggae - jamaica

Para quienes se empeñan en no advertir el cruce entre cultura y política, haremos un breve recorrido por la isla de Jamaica hacia la década del '60. En 1962 la isla se independiza del Reino Unido y el rock que llegaba por la inmigración, más la sintonización de radios de la costa este norteamericana, eran la constante; de hecho músicos locales como Jackie Edwards o Laurel Aitken no se diferenciaban demasiado de los artistas continentales. Pero trabajando de manera independiente hubo quienes empezaron a engendrar un sonido particular. Cuando los '60 estaban terminando, un disco de Toots & The Maytals se tituló Do the Reggae, y esa es aparentemente la primera vez que se emplea la palabra con que se bautizaría todo producto made in Jamaica.

Es en los mediados de los sesenta donde el sello Island de Chris Blackwell adquiere renombre internacional. Pero los '70 lo colocaran bien arriba, figuras como Bob Marley y Jimmy Cliff popularizan el género más allá de la isla y zonas de influencia.

Músicos rastafaris en Etiopia - jamaica reggae musicNo es casual que los grupos punks más pensantes vieran en el ritmo de Jamaica un digno aliado de su ideología. Pero ¿En qué se parecía musicalmente el reggae al punk? Absolutamente en nada, pero basta tomar una estrofa al azar: "Si vos sos un árbol grande, nosotros somos el hacha pequeña, afilada para derribarte" (Small Axe. Bob Marley). Creo que con el ejemplo basta. Gente como The Clash notó que era mucho mayor el parecido esencial entre el punk y el reggae que la aparente diferencia estructural.

El reggae logra una contundente estética y una prodigiosa solides en el mensaje basándose en el rastafarismo. La pertenencia al movimiento rastafari no es precisamente una moda en el cabello ni el consumo indiscriminado de ganja (marihuana). El movimiento rastafari nació en Jamaica como religión a partir de la distorsionada comprensión de las doctrinas de Marcus Garvey. La teoría de volver al África llevó a confundir la coronación de Haile Salassie, rastafari, con la venida de Dios a la tierra para liberar a los sometidos. Yasí, los verdaderos "rastas" mantienen sus lógicas culturales: no consumen carne de cerdo, son profundamente religiosos y sueñan con el regreso en peregrinación a una Etiopía emancipada.

La difusión de las ideas del rastafarismo se debe casi exclusivamente a la adopción del reagge como su exclusiva forma de comunicar y alzar la voz: "Prefiero la tumba a vivir como un esclavo, tan cierto como que hoy el sol brilla, voy a tener lo que me pertenece" dice Jimmy Cliff en The Harder They Come).

Bob Marley reggae en el más puro estado puede complicarse. Predecesores y descendientes del reggae han aportado, adaptado, deteriorado, modificado, comercializado, etc. más de un concepto. De hecho los caminos se fueron bifurcando y creciendo para mantener pocas cosas en común. Ratafarismo y reggae ya no van de la mano y quizás la prematura muerte de Bob Marley ha sido lo que lo ha transformado en Leyenda indiscutible del género y en el más fiel exponente. En los distintos lugares del mundo el reggae se fue fusionando dando origen a innumerables variantes. El reggae blanco de los UB-40, el reggae más comercial de la mano de músicos como Eddy Grant, el reggae denso de quienes se acercaron más al continente negro, el reggae ultra FM recorrido por productos como Ziggy Marley & The Melody Makers, etc.

En el caso puntual de Argentina, bandas como Los Pericos (de dilatada carrera), algunas incursiones de Todos Tus muertos, Los Cafres, La Bonzaire y piezas fundamentales de Sumo (en una opinión muy subjetiva, los mejores reggaes compuestos fuera de Jamaica) han sabido difundir, entre otros, de una manera más o menos lograda, la esencia de aquel ritmo jamaiquino. Y así, los fanáticos de la Reggae Music del mundo adaptaron sui generis la premisa rasta del viaje a Etiopía; el que más, el que menos, sueña con viajar a Jamaica y beber el agua de la fuente.

Puntualmente, en lo que a la historia del reggae refiere, vale repasar algunos nombres. Burning Spear fue un grupo casi mítico que practicando con exclusividad un canto religioso e hipnótico llevaron la concepción rasta casi al limite, luego su líder (Winston Rodney) disuelve la banda y funda su propio sello llevando al máximo su compromiso religioso entonando con su voz casi en transe obsesivos cantos místicos (ejemplo de esto es el disco Marcus' Children que hiciera en colaboración con los británicos Asward). Eddy Grant: nacido en Guyana, lanza su carrera solista en 1972 luego de la disolución de The Equals; en 1979 aparece Living in The Front Line, el tema que lo haría conocido en todo el mundo. Sly & Robbie: constituyeron la base rítmica más importante del género; acompañaron a todos los grandes y en la actualidad son productores y músicos fijos del estudio Compass Point en las Bahamas donde más de una estrella de rock los busca cuando necesita acompañamiento. Peter Tosh - reggaeThird World: ex miembros de Inner Circle (M. Cooper y S. Cat Coore) tienen como curriculum el haber acompañado a Marley en su gira por Inglaterra; buscando reconocimiento internacional llegan a colaborar en 1982 con Stevie Wonder en Try Jah Love; siempre en el equilibrio entre la lucha racial y el buen ojo para lo comercial. La lista es quizás demasiado extensa y quien la sita corre el riesgo de dejar fuera figuras trascendentales para el género, así que solo avanzaremos sobre un nombre más: Pete Tosh. Winston Hubert McIntosh (Pete Tosh) nació en 1944 y fue uno de los integrantes de los Wailers (Bob Marley & The Wailers) más reconocidos (compuso entre otros temas como Get Up Satnd Up). Tras la disolución de la banda, Tosh toma como bandera la Legalización de la marihuana, costándole esto varias prohibiciones. En 1979 Jagger y Richard lo integran a la Rolling Stones Records y debuta bajo el nombre de Bush Doctor. A partir de entonces su carrera no fue del todo feliz, dicen que en su afán por llegar al público blanco ha ido en detrimento de sus composiciones, mientras que otros ex Wailers como Neville O'Really Livingston (Bunny Wailer) han sabido mantener la dignidad intacta.

Si hasta aquí esto ha intentado ser un acercamiento a la música Reggae, ustedes se preguntaran por que no he hecho demasiado hincapié en su ícono máximo: Bob Marley.

Mañana del inicio al final 📻🎙️🇯🇲🚬

Llegando a la estación del recordado tren Jamaicano.
🚂🌅🇯🇲🎙️📻


🌚

 Anónimo
27/02/2021 12:22 pm
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Sírvase usted mismo, en paradas constantes en absoluto nada disonantes; vamos poco a poco hasta la última estación hertziana sin emisora existente o discordante.
Sabor, fusión, identidad, lucha, mensaje y sonoridad.
Internacionalismo e igualdad ✊🏴‍☠️
📻🎙️🎸Mods ALL CONS!
EKOOOOOO!!!
ECOOOOOO!!!

Para comenzar, antes de hablar propiamente de la música, debemos realizar un recorrido histórico entorno a la isla jamaicana. Antes de sufrir la invasión por parte de Occidente, las etnias que allí convivían eran los Arahucanos y Taínos, pueblos libres con cultura propia que fueron explotados, esclavizados y ridiculizados culturalmente.

Pero la isla sufrió dos grandes invasiones, una de ellas tras la invasión de Cristobal Colón en 1492 que produjo la llegada de centenares de esclavos africanos, quienes fueron obligados a migrar violentamente trayendo consigo su cultura y musicalmente, algunos instrumentos como el Gumbé y el Abeng.

En 1655, Jamaica volvió a ser invadida por Reino Unido, lo que produjo también que la cultura isleña se viera afectada por la cultura inglesa, incluyendo las influencias musicales.

Pero también se ve influenciada la educación que reciben los jóvenes jamaicanos en las escuelas, situando la propia cultura y esencia de la isla oprimida por la inglesa, lo que en términos antropológicos denominaríamos como la violencia simbólica que sufrieron todos los pueblos de Centro y Sur de América. Bob Marley en su canción “Get Up, Stand Up” ya recitaba acertadamente que “La mitad de la historia nunca se ha contado”.

Después de más de 300 años, Jamaica logra su independencia de Reino Unido en 1962, convirtiéndose en una Monarquía Constitucional Parlamentaria.

Con la llegada de la independencia jamaicana el pueblo continuaba en condiciones muy duras, por lo que comenzó a proclamarse a finales de los años sesenta la voz de los pueblos negros. Y qué mejor manera de hacerse oír, se empezaron a utilizar los potentes altavoces del Sound System que se convirtió en su medio de comunicación particular, convirtiéndose así en el «periódico del pueblo».

El Sound System se empezó a configurar como un conjunto de altavoces con una mesa de mezclas y un amplificador. Consistía en hacerse con los reproductores de sonido más potentes que pudiesen encontrarse en el mercado, solían transportarse en una furgoneta o algún vehículo, creando algo así como una “discoteca móvil”, los comerciantes aprovechaban para vender bebidas o comida. Los supercoop se colocaban en una explanada grande y este lugar pasaba a convertirse en el dancehall.

Y se manifestaron como el arte tras la victoria del pueblo jamaicano tras la independencia de Reino Unido. Poco a poco la aparición de los Sound System desbanca la música en directo. Discos como «Independent Jamaica» de Lord Creator o «Miss Jamaica» de Jimmy Cliff sumergidos en los emergentes ritmos del ska, daban fuerza a una nueva generación negra en Jamaica.

Los primeros estilos de los que se nutrieron los sound fueron los trillados ritmos americanos, pero esto suponía problemas para sus organizadores y propietarios, que comenzaron a crear su propia música. Así, los sonidos del R&B, el folk, el rocksteady, calipso, entre otro que se fueron fusionando, desembocando en el ska, primer estilo propiamente jamaiquino, que iría a parar al reggae y el dub. Con un añadido importante, se sembró el germen de la creación, y cientos de jóvenes curiosos y activos hicieron que creciese.

Con el boom y la repercusión del Sound System, pronto aparecieron en escena las Dancehall, que además de ser un estilo musical dentro del reggae (especialmente dominante en la segunda mitad de los 80) era también el lugar físico del baile. Claro que el dancehall no era solamente eso, sino que se convirtió, ya en sus orígenes en los años 40, en una amenaza al poder, pues era un punto de reunión para los esclavos negros.

Hacia 1940 un convento abre las puertas de una escuela que cambiaria la escena, Alpha Boys School: en ella se ofrece la oportunidad de aprender música a los más jóvenes de la isla.

En el ’57, Coxsone Dodd, Duke Reid y Prince Buster empiezan a grabar vinilos para utilizarlos exclusivamente en sus propios bailes de Sound System.

En los años sesenta en Jamaica, el boom de los Sound System popularizó la música en las calles, que lo impregnaba todo, esta salió de la isla y se hizo internacional. El primer estilo puramente jamaicano fue el ska, que fue evolucionando por la influencia británica del R&B, fusionado con sonidos puramente africanos. Han pasado veinte años desde la aparición de los primeros Sound System en las calles, y las reuniones de los bailes ejercieron una importante presión social y cohesión de la población negra.

El rocksteady hizo que muchas miradas extranjeras quisieran grabar su música en Jamaica. Y es que 1968 fue un año de reconocimientos y grandes éxitos: el rocksteady se presenta como un estilo muy rico musicalmente, resultado de la fusión de ska, soul, mento, calipso, influencias del sonido británico del R&B y la raíz de la que nacería el más puro reggae roots. La música en estos años ejerce una gran influencia.

Durante los años 60 y 70, cuando se hicieron populares surgió prácticamente un Sound en cada barrio y así comenzaron las batallas de DJs (Sound Clash). Cada barrio tenía su propio equipo y lo defendían como suyo, esto creó un gran sentimiento de unidad e identificación, al comienzo había una gran competencia sana que no hacía sino motivar a los grupos de cada zona para ser cada vez mejores, para conseguir cada vez sonidos y temas de mayor calidad, para ser el mejor. Cada barrio tenía su Sound y sus fieles seguidores, solían hacerse sanas competiciones para demostrar quiénes eran los mejores. Cada Sound tenía sus propios temas.

Las canciones comenzaron entrando en la isla por barco, antes de que en Jamaica hubiese casas de discos; quienes no podían salir para ir a Reino Unido a comprar acetatos encargaban a algún chico que trajese vinilos inéditos. Una vez en manos del DJ este los rallaba para que su competencia no pudiese saber de qué tema ni de qué artista se trataba. Cada equipo contaba con sus propios temas y en eso consistía gran parte de la competición.

Los adeptos de cada Sound conocían las canciones de sus DJs, estos silenciaban unos segundos los temas para que su público los cantase y demostrar así a los Sounds de alrededor que la comunidad cantaba sus temas, era un signo de poder. El dancehall se convirtió en un punto de encuentro trascendente. La población negra de todos los barrios se juntaba y no sólo para bailar, sino también para crear un «foro político» con ideas de mejora de la situación política y civil de la población. De hecho, algunas de las canciones de reggae se utilizaban en campañas políticas.

Era un sitio en el que crecer y hacer contactos, ya que cualquier jamaicano interesado en la música podía ir a los bailes y participar en todo el «espectáculo» creado, si valía pronto se uniría a algún Sound. La mejor forma de averiguarlo era sometiéndose al público, pues eran ellos los que dictaminarían y hacían el papel de jurado. Era por tanto una «agencia de contactos».

De-Jamaica-al-mundo.

Punto de creación colectiva, optimismo unión y fuerza. Las vibraciones positivas a ritmo de rocksteady, ska y reggae eran mucho más que una distracción divertida, se transformó en un “ritual de autoestima que celebra la identidad propia”.

En 1973 asistimos a los inicios del dub, la costumbre de grabar versiones en las caras B de los acetatos se extiende a los primeros álbumes de dub. The Wailers saca con Island Records “Catch a Fire”, que se introduce en el mercado global. El influyente jamaicano Kool Herc comienza a hablar en los bailes de Nueva York de los “Reggaerrhythms” dando inicio a la influencia del reggae en el hip-hop.

Sugar Minott llega a Studio One en 1974 y revoluciona el sonido reggae. Comienza a cantar sobre cintas originales de los 60 en lugar de utilizar banda, aporta una lírica nueva, y creando el dancehall.

Sound system.

En 1976 da a luz “King Tubby meets Rockers Uptown” grabado por Augustus Pablo y producido por el indudable padre del dub, King Tubby.

Espectacular 🏴‍☠️🇯🇲🍻🌚🎺


Sentimiento a flor de piel...
🇯🇲🚬🤝🤍🖤
Un poquito de Jukebox ⚡

Moneda por favor...
Evolucionando 🙌

Insert coin🎛️🎚️🎧🎙️🕗
💳💵

Gangster ALL!
Un bailecito con el maestro!

Mento🇯🇲🎚️

Los comienzos de la música jamaicana, al igual que su historia contemporánea, están manchados y construidos con la sangre y el sudor de esclavos africanos. Antes de la emancipación de la esclavitud, en 1838, muchos africanos que podían tocar un instrumento o tenían algún talento para la música o el baile eran utilizados para el entretenimiento de colonos ingleses con espectáculos musicales en sus fiestas y reuniones.

Estas agrupaciones de entre tres y cinco músicos contaban con instrumentos de origen africano como la mbira o sanza, el banjo, tambores de tamaño medio e instrumentos europeos como la guitarra. La Mbira da lugar con el tiempo a la creación de la caja de Rhumba Box o Marumba Box, que es la encargada de llevar la parte del “bajo” en el Mento.

Para acompañar a esta música de reciente creación se utilizaba el baile en cuadrilla original de la Francia de la época, que consistía en cuatro bailarines que formaban dos parejas de baile.

A finales del siglo XIX y hasta más o menos los años cuarenta, el Mento evoluciona en forma de música popular. Entre aquellas primeras canciones ya se pueden encontrar lo que serán las temáticas que luego se seguirán repitiendo a lo largo de la historia de esta música en los diferentes géneros musicales de la isla y que hablan sobre la pobreza y el sufrimiento, la situación económica, los buscavidas, historias de amor y también letras con doble sentido normalmente haciendo referencia a temas sexuales.

Ella quiere el Bambú grande, siempre largo
El Bambú grande crece robusto y fuerte
El Bambú grande se levanta recto y alto
El Bambú grande complace a todas...🤭

En los años 50, el mento jamaicano ya ha tomado una importante popularidad en el Caribe y se ha ido fusionado con el Calypso de Trinidad y Tobago. Algunos de los artistas más populares, dentro y fuera de la isla, de la época son Harry Belafonte, Lord Flea, Lauren Aitken y Byron Lee.

Según los historiadores este último, Byron Lee, a parte de ser el líder de una de las bandas de Ska más famosas de Jamaica (The Dragonaires), parece ser el responsable de la introducción del bajo eléctrico en la música Jamaicana. Según cuenta la leyenda no lo escogió por su sonido sino por su ligereza y fácil transporte para los conciertos en
comparación con el contrabajo que utilizaban en aquellos tiempos algunas formaciones de Mento.

La introducción del bajo eléctrico y la captación de emisoras de radio americanas en la isla, en las que se escuchaban bandas de Jazz y Swing, jugaron un papel decisivo en la creación del Ska.

En la actualidad en Jamaica al Mento se le llama coloquialmente Calypso y no es una música común en la isla. Como ejemplo musical de la influencia del Mento y su patrón de pregunta y respuesta característico he elegido la siguiente canción y versiones:

HILL & GULLY RIDE.
La canción original narra la bajada a caballo (o en burro) desde la colina pasando por los barrancos. Mas tarde, King Yellow Man utiliza el título y crea una nueva canción dedicada a la gente que conduce motos y nombra algunos moteros de aquellos tiempos.

En el Dancehall actual, Busy Signal es el encargado de comparar el baile y el movimiento de cintura de una mujer con la bajada de la colina en su tema sobre el Energy Up Riddim.

Uno de los grandes pioneros en Español...
Grandes músicos, amantes de la música a todos los niveles 🇯🇲🙌👉👈

Tributo y homenaje:


🎺⚽🎚️


Live rotundo ⚡

Dentro del inicio


777

Johnnie “Dizzie” Moore (trompeta), Tommy McCook (saxo tenor y cubano de nacimiento), Lester Sterling (saxo alto) y Don Drummond (trombón) eran todos alumnos del Alpha Cottage School for Boys, una institución educativa de Kingston para chicos problemáticos que, aún hoy en día, regentan monjas católicas. Además de por su férrea disciplina, la escuela es famosa por la educación musical de primer nivel que ofrece (la banda de la escuela data de 1892). Así que los chicos revoltosos acababan convirtiéndose en músicos de postín. Sin embargo a mediados de los años 50 las salidas laborales que ofrecía la aún colonia británica para un músico eran muy limitadas. En realidad no existía ningún tipo de escena musical aparte de la del tradicional mento. Lo habitual para un músico era integrarse en alguno de los combos que tocaban en los hoteles haciendo versiones para que los turistas bailasen.

Las cosas comenzaron a cambiar en 1959 cuando Duke Reid editó el primer vinilo en su sello Treasure Island. Desde ese momento hasta 1962 (año de la independencia de Jamaica) prácticamente todos los futuros miembros de The Skatalites trabajan regularmente como músicos de estudio para Reid y toman parte en multitud de grabaciones de jazz, R&B y boggie woogie. En 1962 Clement “Coxsone” Dodd también abre su propio estudio de grabación, Studio One, y los futuros The Skatalites se van con él.

The Skatalites cristalizaron en 1964. El nombre fue una ocurrencia de McCook ( Ska + Satelites = The Ska-talites) y además de los ya mencionados la alineación la completaban: Roland Alphonso (saxo alto y también cubano de nacimiento), Jerome "Jah Jerry" Haynes (guitarra), Lloyd Brevet (bajo), el quinceañero Jackie Mittoo (piano) y Lloyd Knibbs (bateria). Por si fuera poco reclutan a los vocalistas Jackie Opel, Tony DaCosta, Dorren Schaeffer y Lord Tanamo. En primavera de 1964 graban su mítico primer LP: “Ska Authentic” (no editado hasta 1967) y el 27 de junio de 1964 debutan en directo en el club Hi-Hat Al poco tiempo ya eran banda residente en varios clubes de Kingston.

La fiebre del ska en Jamaica era total. Studio One crecía sin parar y el grupo no daba a basto. Además de sus propias actuaciones como The Skatalites eran backing-band de la mayoría de los artistas del sello: Alton Ellis, Ken Boothe, The Maytals, Delroy Wilson, Bob Marley... Actuaban al menos dos veces por noche por toda la isla y se pasaban el resto del tiempo en el estudio de grabación trabajando para Duke Reid y Coxsone pero también para Prince Búster y otros.

La Nochevieja de 1964 The Skatalies tenían actuación en el club La Parisienne de Kingston pero lo que debía haber sido la celebración del exitoso año que concluía acabó en tragedia. Poco antes de subir al escenario el trombonista Don Drummond en un ataque de ira apuñaló hasta la muerte a su novia Marguerita Manfood que era también vocalista de la banda. Drummond ya había dado anteriormente muestras de inestabilidad. Fue arrestado y algún tiempo después internado en un hospital psiquiátrico. The Skatalites continuaron durante otros 6 meses pero la chispa se estaba perdiendo tras el incidente y en julio de 1965 decidieron parar.

II.
Jackie Mittoo, Roland Alphonso, Johnnie Moore y Lloyd Brevett formaron The Soul Vendors. Tommy McCook por su lado montó The Supersonics que era el grupo del estudio de Treasure Island y Lester Sterling se fue a trabajar con el productor Sir Clancy Collins. Pero la hiperactividad de los estudios jamaicanos hizo que, como ocurrió en sus inicios en el circuito de los hoteles, todos acabaran tocando juntos de nuevo. En 1975 la mayoría de los miembros de The Skatalites tomaron parte en la grabación del disco en solitario de Lloyd Brevet, “African Roots” y en 1977 se edita el álbum “Hot Lava” de Tommy McCook & The Skatalites. El productor Bunny Lee también consigue juntarlos para grabar el álbum The Skatalites with Sly & Robbie & the Taxi Gang”. En 1978 Chris Blackwell de Island Records les convence para que graben nuevo material bajo el nombre de The Skatalites pero las disputas con el magnate británico hicieron que el disco “The Return of the Big Guns” no se publicara hasta 1984.

En 1983 unos reformados The Skatalites actuaron en el Reggae Sunsplash de Montego Bay. El retorno fue tan exitoso que se vieron obligados a ofrecer unos cuantos conciertos más por la isla.

III.
Pero no es hasta 1986 cuando se hace oficial la noticia de que The Skatalites son de nuevo una banda estable que va a actuar en directo de manera regular. Así, fieles a su propia tradición en 1989 estuvieron de gira mundial como backing-band de Bunny Wailer y el siguiente año hicieron lo mismo para Prince Búster. En 1990 hacen su primera gira por EE.UU. como cabeza de cartel. La formación era: Tommy McCook, Roland Alphonso, Johnny Moore, Lloyd Brevett, y Lloyd Knibb (+ Dion Knibb, Devon James y Ken Stewart). Por desgracia Jackie Mitto ya estaba convaleciente de cáncer y murió en diciembre de ese año.

En 1993 se edita “Skavoovee” álbum con material nuevo que tuvo muy buena acogida. El tiempo había hecho que el sonido de la banda retornara a sus raíces jazz pero los jóvenes fans del revivalismo ska que EE.UU. estaba viviendo lo recibieron con entusiasmo. Roland Alphonso retorna definitivamente a la banda en 1994 para grabar el disco de celebración de su 30 aniversario, “Hi Bop Ska” (nominado a los premios Grammy).

En 1995 Tommy McCook sufre un ataque cardiaco que le aparta de los escenarios aunque trabaja como uno más en las sesiones de grabación del álbum de 1996 “Greetings from Skamania” que les supuso una segunda nominación a los Grammy. El gran saxofonista fallecería a los 71 años en mayo del 98.

A finales de 1998 publican “Balls of Fire” álbum en el que repasan muchos de sus grandes éxitos de acuerdo con su nuevo estilo jazz. Por desgracia el 2 de noviembre Roland Alphonso se desvanece durante una actuación, entra en coma y unos días más tarde fallece.

Pero el show debe continuar y The Skatalites siempre han sido una realidad superior a la mera suma de sus miembros. Las giras por todo el mundo continuaron y se complementan con la publicación de nuevo material: “Bashaka” (2000) y grabaciones en vivo como “From Paris Whith Love” (grabado en 2001 y publicado en 2003). En 2004 realizan la gira de celebración de su 40 Aniversario y en 2005 una nueva gira mundial trae como fruto la edición de “The Skatalites In Orbit vol. 1” grabado en directo en Buenos Aires. En 2006 vuelven al estudio y graban 11 temas nuevos que verán la luz en 2007 en el álbum “On the Right Track”.

En la actualidad The Skatalites son: Lloyd Knibb, Lester "Ska" Sterling, Dorren Schaeffer, Andrae Murchison, Cameron Greenlee, Kevin Batchelor, Aurelien Metsch, Azemebo Osikhena y Val Douglas.

Maestros y alumnos.
Segunda ola SKA, Two TONE...
🤍🖤


En directo con Rico Rodríguez otro de los pilares de la historia del Ska📻🎙️

Emmanuel Rodríguez, más conocido como Rico Rodríguez, nació el 17 de octubre de 1934 en la Habana, Cuba. Sin embargo, durante su infancia junto a su familia se mudó a Kingston, Jamaica. Su padre era cubano y su madre jamaiquina.

De pequeño, Rico aprendió a tocar la trompeta y el saxo, pero fue en la escuela Alpha Boys, una escuela especializada en música, donde aprendió a tocar el trombón junto a otros grandes instrumentistas que pasaron por la misma escuela: Tommy Mc Cook, Roland Alphonso y Don Drummond (otro trombonista).

En los años 50, Rico se convierte al movimiento rastafari y a principios de los 60 emigra a Inglaterra. Para ganarse la vida, esos primeros años, trabaja como electricista para British Telecom.

Tal como sucede con muchas otras formas de expresión cultural, la música logra transmitirle a Rico de manera inmediata diferentes sensaciones que otras formas de artes quizás no pudieron. Rico llevaba en sí una amplia gama de estilos musicales basada en sus orígenes, la música cubana con origen europeo y africano, la música jamaicana que es el árbol genealógico del reggae, y de allí el jazz, el ska, el sound system, el rock steady, reggae, dub, entre otras. Fue un trombonista con diversos estilos arraigados y colega de muchos instrumentistas de la época que se dedicaron en tiempo y forma a los placeres de los bronces.

Rico acompañó a Bob Marley en su primera gira europea y así lo explaya años más tarde: «Lo adoro, tanto por lo que significa como inspiración artística como por lo que hizo por mí, personalmente. Bob Marley fue el primer artista jamaiquino que me invitó a salir de gira con él. Siempre me ayudó mucho, y creo que nadie ocupará ese lugar que ocupa él en mi corazón. En el mío, en el de los músicos y en el de la gente de Jamaica.»

Su madre, una mujer humilde Kingston, fue quien inscribió al joven Rico en Alpha Boys. Dirá él años más tarde trayendo este recuerdo: «Éramos muchos músicos y pocos instrumentos; era difícil disponer de uno. Con el tiempo empezó a haber más, pero tenías que arreglártelas con lo que hubiera. Yo toqué el triángulo, por ejemplo, y recién a fines de la década del cuarenta tuve la oportunidad de tocar el trombón».

Rico no tenía noción que al momento de salir de Alpha Boys se convertiría en un artista que sellaría con su imagen y estilo la música durante varias décadas. “La vida era tan difícil”, expresa. “Por eso muchos de mis amigos se rindieron: cuando terminamos la escuela y no había trabajo, las únicas posibilidades para un músico parecían ser la banda del ejército y las orquestas oficiales. Por suerte yo seguí tocando, nunca me rendí, y tuve mi recompensa.”

La recompensa fue haber tocado con The Skatalites, Bob Marley, Lee Perry, The Police, Madness, Specials, Paul Weller. Haber recorrido el mundo con su trombón y convertirse en el instrumentista más prolífico del auténtico reggae de raíces.

You Said "Ramoncin"... remenber(CaricatosIPS)🤭
Pelos de punta, Rico con ese maravilloso trombón de fondo...
A Message to YOU RUDY, en mayúsculas (*)


Pedazo de VÍDEO 🎙️📻

Según el historiador del reggae Steve Barrow, durante aquellas sesiones, Prince Buster pidió al guitarrista Jah Jerry que “cambiara la marcha” (“change the gear, man, change the gear”). El guitarrista empezó a enfatizar el segundo y cuarto pulso, dando origen al nuevo sonido. La percusión se obtuvo de los estilos tradicionales jamaicanos y de marchas. Lo que hizo Prince Buster fue invertir los “shuffles” de “rhythm & blues”, acentuando los “offbeats” con la ayuda de la guitarra y un ritmo de batería 4/4, acentuando el segundo y cuarto pulsos.

Más historia 🇯🇲🤝

Toots and the Maytals es una de esas bandas que quienes siguen el reggae jamaiquino deberían atender a la hora de buscar referentes. Aunque nunca lograron el éxito comercial o el impacto cultural de Bob Marley, The Wailers o Peter Tosh, fueron cruciales en el desarrollo de la línea musical del género. Esa línea que se originó a principios de los 60´s con el ska, que más tarde tuvo vida en el rocksteady y que finalmente se transformó en lo que conocemos como reggae.

Diez años después de su último disco de estudio y liderados por su histórico líder Frederick “Toots” Hibbert, vuelven a las raíces. Lanzaron una versión de “Three Little Birds”, de Bob Marley, con dos invitados de lujo: Ringo Starr y Ziggy Marley. La canción será parte del próximo álbum, Got To Be Though, cuyo lanzamiento será a finales de este mes. La ocasión amerita un recorrido histórico por la historia de la banda y, con ello, la del ska y del reggae.

I´ll never Grow Old (1964)

Hibbert conoció a Henry “Raleigh” Gordon y a Nathaniel “Jerry” Mathias en 1962 Kingston. Esa fue la primera formación de The Maytals como un trío vocal que rápidamente cambiaría de nombre poniendo como protagonista a Toot. El impulsor de este cambio fue Chris Blackwell. El dueño del sello Island Records, un sello clave a la hora de establecer el vínculo musical entre Jamaica e Inglaterra, aconsejó que los vocalistas y los músicos que acompañen las canciones fueran “los Maytals”, algo que fue aceptado sin problemas. La banda que grabó instrumentalmente las canciones fue la reconocida “The Skatalities”, que funcionaba como “backing band” del estudio Studio One (uno de los referentes de la época, manejado por Clement “Coxsone” Dodd). La canción homónima al disco es la primera reconocida de la banda. Su letra que repite “Nunca envejeceré / Porque camino y camino / Y hablo y hablo / Busco hasta que encontré una manera” es un primer manifiesto de lo que acompañará a Los Maytals a través de los años: una búsqueda incesante por propagar los sonidos de la libertad.

54-46 that’s my number (1968-1969)

Es considerada una de las primeras canciones “Reggae” que tuvo éxito fuera de Jamaica. La historia de la canción es bastante particular: nace luego de que Toots fuera arrestado por posesión de marihuana, aunque hay versiones que niegan que él haya sido el verdadero culpable. Lo cierto es que la canción es una verdadera defensa de su inocencia y de la situación que coartó su carrera durante 1966 y 1967.

Do the reggay (1968)

La canción, además de ser uno de sus éxitos más reconocibles, es la primera que incluye la palabra “reggae”. El mismo Toots explica la historia: “Hay una palabra que solíamos utilizar en Jamaica llamada streggae. Si una chica pasa y los chicos la miran y dicen ‘tío, ella es streggae‘, eso significa que no viste bien, que se ve reggay [andrajosa]. Las chicas dirían lo mismo de un hombre también. Esta mañana yo y unos amigos estábamos jugando y yo dije, ‘dale amigo, hagamos el reggay‘. Fue solo algo que me vino a la cabeza. Así que empezamos a cantar ‘do the reggay, do the reggay‘ (haz el reggay, haz el reggay) y creamos un beat. La gente me dijo después que le habíamos dado al sonido ese nombre. Antes de eso la gente lo llamaba blue-beat y de un montón de maneras distintas”.

The harder they come (1972)

La película protagonizada por el legendario Jimmy Cliff representa una interesante manera de dar a conocer el movimiento Reggae a nivel mundial. Nuestros protagonistas aportan dos canciones a la banda de sonido: “Sweet and Dandy” y “Pressure Drop”. También aparecen en algunas escenas.

Funky Kingston (1973)

Otro de los grandes hits de la banda y un manifiesto de lo que era vivir en Jamaica en la época. La letra incluye referencias al sufrimiento de la clase de trabajadora, las dificultades de vivir en el campo y termina con una celebración de la vida más allá los problemas sociales y económicos. También tiene la particularidad de ser una de las pocas canciones de la época que no incluye arreglos pensados para captar la atención internacional, que se había despertado a raíz de la película “The harder…”. Así, funciona como un testimonio de cómo sonaban realmente las bandas en aquel tiempo.

“Pressure Drop” por The Clash (1980)

Entre 1978 y 1980 la banda tiene un interesante protagonismo en una especie de revival del ska, reggae y punk en Inglaterra. Allí, los legendarios “The Specials” realizan un cover de “Monkey Man” en su primer disco. Luego, The Clash hace lo mismo con “Pressure Drop”: primero en la cara de b del single “English Civil War” y luego en un disco de compilados y b-side llamado Black Market Clash en lo que sería una puerta de entrada a la relación entre el punk, el reggae y el ska. En el 2006 Toot explicó el sentido de la canción: “Trata sobre la venganza, pero en forma de karma: si haces cosas malas a personas inocentes, te sucederán cosas malas. El título era una frase que solía decir. Si alguien me hizo mal, en lugar de luchar contra ellos como un guerrero, diría la presión va a caer sobre vos”.

True Love (2004)

Los años ochenta fueron bastante erráticos para la banda. Toot lanzó su carrera solista y quiso entrar al libro de record Guinness como “el grupo que más rápido grabó y editó un álbum”. No lo logró ¡por no haber avisado a la gente responsable de fiscalizar los records! Finalmente, luego de una reunión a principios de los noventas y de recuperar cierta notoriedad, en el 2004 lanzaron un álbum de reversiones con presencias de Bonnie Raitt, Willie Nelson, Eric Clapton, Keith Richards, Trey Anastasio, No Doubt, Ben Harper, the Roots, y Shaggy, que ganó un Grammy en la categoría mejor grupo de Reggae.

Unplugged on Strawberry Hill (2012) / Agresión (2013)

La versión desenchufada de sus canciones fue otros de los momentos interesantes de la última época de la banda, que un año después sufrió una situación inesperada: Hibbert recibió un feroz botellazo desde el público que le causó una conmoción cerebral y desembocó en importante tratamiento mientras actuaba en un festival de Richmond, Virginia, en Estados Unidos. Las secuelas lo tuvieron por tres años con pánico de subir a un escenario y sin presentaciones. Aún hoy lo acompañan: pérdida de memoria, estados de ansiedad extrema y cierto miedo de actuar en público.

Three Little birds (2020)

Luego de diez años sin lanzar discos en estudio este año tan particular es el elegido para traer música nueva y versiones. El nombre del disco y del primer single, “Got To Be Tough”, refleja que aún hoy y después de más de 50 años de carrera las ideas y las acciones de Toots and The Maytals son coherentes: su postura aún está del lado de los desposeídos y de la denuncia de la opresión. Por otro lado, y como un homenaje a aquella historia que ayudó a crear, eligió el clásico de Bob Marley “Three Little Birds”. En la versión participan Ziggy Marley, Ringo Starr, Zak Starkey en la guitarra y Sly Dunbar en batería. El álbum completo se lanzará a través de Trojan Jamaica

🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲
En el ecuador del viaje, recordando en breves la segunda ola del Ska, para pasar después al Reggae y derivados ☀️
Con los últimos Bonus Track...
Se acerca el fin de trayecto 🎸🏴‍☠️🍻
Primera pregunta de qué país son los Specials?
Música "NON" STOP 👈👉

Monkey MAAAAAAAAN!
🤭🎙️🎚️⚽

Después del partido más...


Paso SKA...
💙♥️🏴‍☠️

 Anónimo
27/02/2021 9:40 pm
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Conectando mínimamente antes del repaso de grupos del Two TONE, ☀️🇯🇲🎸Regaee y derivados con las últimas en el punto y aparte 👈🖤🤍👉
Otro de los grandes 🎙️🎚️🏴‍☠️

777 forever...

Desmond Dacres nació el 16 de julio de 1942 en Kingston (Jamaica). Huérfano desde muy pequeño, Desmond se ganaba la vida trabajando como soldador mientras intentaba en vano conseguir una audición con el principal productor del naciente ritmo llamado Ska, Leslie Kong, propietario de Berveley's Records.

Un día, cansado del rechazo diario de Leslie Kong, Desmond irrumpió en su oficina y quedó cara a cara con él y con dos de sus jóvenes estrellas: Jimmy Cliff y Derrick Morgan.

Después de explicarle su frustración al productor, Kong le pidió a Desmond que cantara una de sus canciones. Éste se despachó con una interpretación de "Honour Your Mother and Father" que impresionó tanto a los presentes que Kong aceptó grabarle el tema al joven cantante. La sesión tuvo lugar la semana siguiente y Desmond grabó dos canciones: "Honour Your Mother and Father", cara A del single, y "Madgie" en la cara B. Para el lanzamiento en 1963 del single debut, Desmond reemplazó su apellido Dacres por Dekker.

Inmediatamente el single se convertiría en hit, pero, como ocurría en esa época, Desmond, lejos de convertirse en cantante profesional, repartía su tiempo como soldador mientras grababa hits junto al cuarteto vocal "Four Aces" para Kong. En la primera sesión con los Aces, que incluyó la colaboración de los Maytals en coros, Desmond grabó "King of Ska". Para el 66 la formación de los "Four Aces" se reduciría a dos y el grupo pasaría a llamarse "Desmond Dekker and the Aces", iniciándose uno de los períodos más fructíferos de la historia de la música jamaicana. A finales del 66 graban el himno Rude-Boy por excelencia "007 (Shanty Town)", que fue creciendo lentamente desde el underground jamaicano hasta ocupar el puesto 14 en Inglaterra en julio de 1967.

Asombraba la cantidad de hits que se sucedían: "Mother Young Gal", "Rudy Got Soul", "Rude Boy Train" y "Sabotaje" entre muchos otros. Desmond terminó segundo en la edición del festival de la canción jamaicana del 67 con su tema "Unity", pero al año siguiente se consagraría con el primer puesto de la canción "Intesified". A finales del 68, Desmond lanza "Israelites", un tema que describe la dura vida de un trabajador pobre y que deja asomar el sugimiento de un nuevo ritmo que desplazaría al RockSteady, el Reggae.

El impacto fue aún mayor que el de "007 (Shanty Town)" e "Israelites" ocupó el nº 10 en el top de Estados Unidos, y sacó del primero puesto a Marvin Gaye y su clásico "I Heard it Throght The Graverine"
en Inglaterra. Si no hubiera sido por los Beatles, Desmond hubiera disfrutado más de una semana en lo alto del chart.

Desmond viajó a Inglaterra a promover el single, y ante el éstito de su siguiente tema "It Mek", que alcanzó el puesto nº 7, decide establecerse en Londres, disolviéndose su relación con los Aces.

En agosto del 70, un tema cedido por Jimmy Cliff llevó a Desmond al puesto nº 2 de Inglaterra. "You Can Get it if You Really Want" fue el último gran éxito de Desmond. En 1971 su padre musical, Lelie Kong moriría de un ataque al corazón y eso afectó definitivamente a Dekker como músico. Poco a poco, el nombre de Desmond fue desapareciendo de la escena musical, salvo un fugaz nº 10 en Inglaterra con la reedición de "Israelites" en 1975.

Internacionalmente Desmond también había sido olvidado, pero a finales de los 70 la discográfica británica "2-Tone", responsable del resurgimiento del Ska en Inglaterra, lo rescató del anonimato mostrando interés por su música. Al año siguiente firma para el sello independiente "Stiff Records" (que también era el sello de "Madness") y lanza el disco "Black and Dekker", con reversiones de sus viejos clásicos. En 1984, la corte británica declara la quiebra de Desmond, pero el mítico sello "Trojan" lanza el sensacional compilado "The Original Reggae Hitsound of Desmond Dekker" y de ahí en adelante Desmond mantendría un alto prestigio.

En 1993 graba el disco de reversiones de clásicos del ska jamicano "King of Kings", junto a los "Specials" originales. Desmond fue el primer artista jamaicano en triunfar internacionalmente.


A veces se puede hacer más de lo que quieren hacer⚽🇯🇲

El lunes al fin la tierra prometida.

Raíces🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲
🎙️🎚️🏴‍☠️


🚬🍻🍺

 Anónimo
28/02/2021 7:54 pm
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 Anónimo
01/03/2021 8:45 pm
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Algo después de la explosión punk, el espíritu skinhead resurge de nuevo, tomando fuerza de esta nueva rebeldía, pero conservando sus valores estéticos y culturales aun compartiendo con los punks el enfrentamiento a la autoridad. En el año 1979 se produce un hecho crucial: la TWO TONE. Esta fue una casa de discos que aglutinó a los grupos pioneros y más conocidos del llamado "revival" ska, con la única diferencia de que esta vez los grupos también eran multirraciales. Este revival es ideado por un skinhead, Jerry Dammers que funda los Automatics en 1979. Sin embargo el nombre debe cambiarse por problemas de registro por The Special A.K.A. (Also Known as Automatics) o sea, también conocidos como los Automatics. La fórmula utilizada por Dammers como medio de protesta consistía en un fondo musical de ritmos antillanos, unido a la agresividad verbal punk y a un mensaje directo en las letras. En la 2 TONE nacen también grupos como Madness, The Beat, The Bodysnatchers... por sólo nombrar unos pocos. Los skinheads pronto se agrupan ante los nuevos grupos que tocan su música, y otra antigua corriente renace, también multirracial, en la forma de los nuevos rude boys trajeados. A partir de este momento nació el "ska moderno" o "ska revival", que es el que suelen practicar la mayoría de los grupos desde entonces, aunque últimamente hay mucho interés por recuperar el sonido más antiguo.

Siempre se necesita una aclaración sobre Madness al hablar de la 2Tone. Pese a ser uno de los grupos de ska revival, por no decir el único, que continuamente se relaciona con los cabezas huecas de los neonazis, y que ellos mismos escuchan muchas veces, su propio nombre fue tomado de una clásica canción de Prince Buster, y en su repertorio se pueden encontrar varias versiones más. ¿Cómo se puede ser nazi y gustarte música inventada -y tocada- por negros? Seguramente en esto tenga mucho que ver la historia publicada por Garry Bushell en un periódico sensacionalista británico (incluyendo fotos) acerca de la supuesta amistad de Suggs con nada más y nada menos que Ian Stuart. Suponiendo que aparecer juntos en una foto los convierta en "camaradas", ¿que se puede pensar de las decenas o cientos de fotos de Suggs con miembros de color de otras bandas ?

Muchos boneheads iban a los conciertos de la 2Tone, y algunos grupos se negaron a tocar para la Anti-Nazi League. Pero siempre amparándose en que creían que la mejor manera de luchar contra el racismo era llevar a la gente de todas las razas a una sala a que bailasen bajo la misma música. De esta manera reconocían que en más de una ocasión habían visto entrar a gente con chapas del NF y salir sin ellas después de una conversación con alguno de los miembros de color de los grupos o el público, y preferían hacer cambiar así a su público racista antes que darle motivos para el odio prohibiéndoles la entrada. Es en este contexto en el que hay que interpretar otra polémica frase de Suggs, que dijo que no pensaba hacer nada por impedir la entrada de nazis a sus conciertos.

Para tener una idea de la manipulación que realizó la prensa sobre los skins, llegaron a colocar junto a una foto de The Selecter el titular "No bailes con los sieg-heilers" ¡Y eso que este grupo solo tenía un blanco en toda la formación!

✊💙♥️⚽


🎙️🎚️🚬🍺🏴‍☠️

On My radioooooooooo!


Baby I LOVE YOU♥️

The Selecter fue una de las bandas que protagonizó el fenómeno Two Tone, junto a The Specials, Madness, The Beat, Bad Manners y The Bodysnatchers, principalmente.

Originaria de Coventry, ésta se formó en 1979, como resultado de la suma de diversos músicos que provenían de músicas diferentes: Pauline Black, vocalista anglo-nigeriana, auténtico estandarte del grupo, Neol Davies, guitarra inglés y único miembro blanco de la banda, Charles Bembridge, bajista jamaicano que acabará siendo el batería, Compton Amanor, ghanés, como segundo guitarra, Gaps Hendrickson vocalista nacido en San Cristóbal, Desmond Brown, teclista jamaicano y Charley Anderson, bajista jamaicano. Esta fue la primera formación de un grupo que ha sufrido múltiples transformaciones en sus filas.

Su primer single, grabado en otoño de 1979 para el sello Two Tone de Jerry Dammers, fue On My Radio / Too Much Pressure. En febrero de 1980 sale al mercado su primer Lp, Too Much Pressure, grabado también bajo el sello Two Tone y la discográfica Chrysalis y que llegará a ser disco de oro. A este disco le seguirá una larga gira. Una vez concluida, el grupo comienza a tener cambios de músicos. En febrero de 1981 aparece el segundo Larga Duración del grupo, Celebrate The Bullet, un disco que no cuajará de la misma manera que el primero por varias razones, entre las cuales se encuentra el progresivo alejamiento de la juventud inglesa de los sonidos two-toneros y el acercamiento de ésta a la nueva moda, la New Wave.

En marzo de 1981, la banda se separa. En 1991, coincidiendo con el segundo ¨revival¨ ska, The Selecter vuelven a la carga para realizar una serie de conciertos, aunque de la formación original solo quedarán Pauline Black y Neol Davies. En octubre de 1994 firmarán su tercer Lp, The Happy Album, en el que abandona Neol Davies y regresa Gaps Hendrickson. Un año después publicarán Hairspray. A cada disco le seguirá su correspondiente gira por medio mundo. Finalmente, en 1999 publicarán su, hasta ahora, último disco, Cruel Britannia

Buenos días, tardes, noches...muy moviditas, entre aire, lluvia, nublado y FRÍO 👉🤍🖤⚡🎸🎺⚡📻
Two TONE ☀️
Interludio dos joyitas muy individuales 🤝


Cover ♥️

The Details versus Spencer Davies Group.
🤍🖤


Single de ORO, rara Avis los dos temas.

2 pequeñas licencias, y segunda pregunta.
Que grupo de Tecno- Pop y derivados saldría de este grupo?
Mad World...

Mod and SKA 🇯🇲🚬🍺🏴‍☠️

Dance!!!

Y con un START de platino de nuevo al camino.
🤝🎚️🎙️

Return to The Sender🇯🇲👉

The Specials es una banda británica de ska (más precisamente del estilo que se conoce como 2 Tone) formada en 1977 en Coventry. Junto a Madness es una de las bandas más importantes que haya dado el género.
Empezaron tocando ska, punk y pop, y más tarde fusionaron todos estos estilos, creando un nuevo sonido que fue conocido como 2 Tone. Pertenecientes a la cultura Rude Boy de finales de los 60. Sus temas más conocidos incluyen A Message To You Rudy, Ghost Town (su máximo hit), Too Much Too Young y su debut, Gangsters.
The Specials ha influido a multitud de bandas alrededor del mundo, desde Rancid a No Doubt, pasando por los argentinos Karamelo Santo, Los Fabulosos Cadillacs y Los Pericos. Los miembros originales de la banda fueron Jerry Dammers, Terry Hall, Roddy Radiation, John Bradbury, Sir Horace Gentleman (también conocido como Horace Panter), Lynval Golding y Neville Staples.
Naturalmente al pertenecer al estilo de la música "Ska" tenían una visión antirracista y de unificación por la libertad, haciendo canciones como por ejemplo a Nelson Mandela, quien en ese entonces se encontraba preso

Por mediación de los músicos Mike Barson, Chris Foreman y Lee Thompson, se formó en Londres, en Inglaterra, el grupo “Madness”, en el año 1976. El género musical del grupo es Ska.

Los componentes tocan cada uno de ellos un instrumento, Barson en los teclados y voz, Thompson en el saxofón y coro y Foreman en la guitarra, pero aún se juntarían más adelante otros componentes para completar un grupo muy armónico.

Los componentes que se unieron en el año 1978 fueron Graham McPherson, en los líricos, Daniel Woodgate' en la batería y Mark Bedford, en el bajo. Pocos años más tarde, se unió también Carl Smyth, en la trompeta.

El grupo musical editó su primer sencillo, en vinilo, en el año 1979, con el nombre de “The Prince”, en la cara A. El título de la canción es un tributo a un músico jamaicano llamado Prince Buster, cantante de música ska. Por la cara B, salió la canción con el nombre de “Madness”.

En ese mismo año salió otro sencillo con el título “One Step Beyond”, canción que también era un tributo a The Prince.

Este sencillo estuvo durante más de un año en los primeros lugares de las listas británicas, consiguiendo una buena crítica por parte de la prensa especializada.

Fue tal el éxito de la banda durante el final de la década de los 70 y principios de los 80, que el grupo creó su propio sello discográfico, al que llamarían “Zarjazz Records”.

Madness editó otro sencillo durante esta época, al cual llamaron “House of Fun”, y con el cual consiguieron alcanzar el número uno en ventas en el Reino Unido, manteniéndose en los primeros lugares de las listas europeas y de Estados Unidos.

Este sencillo también sirvió al grupo para aparecer en una serie de la televisión británica BBC, llamada “The Young Ones”, que después se emitiría en la Televisión de Catalunya, en España, con el nombre de “Els Joves”.

Aunque el grupo musical tuvo escasa repercusión en los Estados Unidos, sus videos fueron una referencia para muchos grupos musicales, sobre todo de género Ska.

En el año 1984, Barson deja el grupo para marcharse a vivir a Ámsterdam, aunque “Madness” editó un nuevo título, “Mad Not Mad”, el cual no tuvo demasiada repercusión en las listas británicas.

En el año 1986, y después de lanzar un álbum homónimo de la banda, el grupo decidió separarse.

A principios de la década de los 90, en concreto en el año 1992, se dió la noticia de que el grupo se volvería a juntar con sus siete integrantes originales. Lanzaron en ese mismo año el álbum “Virgin Divine Madness”, el cual fue número uno en ventas en las listas británicas.

El grupo,`para celebrar su vuelta a los escenarios, realizó un concierto en el Madstock en Finsbury Park, delante de más de 75.000 espectadores, donde cantaron la canción “One Step Beyond”.

A partir de ese momento, el grupo musical, prometió que estaría cada dos años en el festival, cosa que cumplieron hasta el año 1998.

A comienzos del siglo XXI, Madness, después de 14 años de existencia, lanza su primer disco de estudio, el cual llevaría el nombre de “Wonderful”.

En el año 2002, se estrenó en las salas de teatro un musical en honor al grupo, la primera representación fue en Cambridge Theatre en West London, la cual se estuvo representando prácticamente durante un año. El espectáculo fue un éxito muy aclamado, hasta tal punto que ganó el premio Olivier Award al mejor musical y posteriormente se realizó una gira con este mismo espectáculo, comenzando por la ciudad de Tokio, en Japón.

En el año 2005, Foreman deja la banda, siendo sustituido por Kevin Burdett.

El grupo Madness siempre ha realizado conciertos en apoyo de causas, como la que realizó a favor de la protección de bosques en el año 2005.

En el año 2007, la banda musical comenzó a realizar una gira por Asia, en concreto por Japón, país hacia el cual, los miembros de Madness, dicen sentir una especial admiración.

El grupo también ha realizado diversas giras por países sudamericanos y por España, habiendo conseguido siempre muy buenas asistencias a sus conciertos.

Madness confirmó el día 5 de marzo del año 2007, que tenia previsto el inminente lanzamiento de su nuevo sencillo “Sorry”.

En el año 2008 y con motivo del 30 cumpleaños desde su primer sencillo, la banda realiza diversas giras y actuaciones, destacando una que realizaron en la calle.

La banda continúa trabajando en nuevos proyectos musicales que pronto verán la luz.

Pantalones holgados
travieso chicos en desagradable escuelas
Los directores rompen todas las reglas
Diversión y jugando a los locos
Rompiendo las herramientas de carpintería
Todos los profesores en el pub
Pasando alrededor del prefrote
Tratando de no pensar en cuándo
La campana a la hora del almuerzo volverá a sonar

Oh, qué divertido nos divertimos
Pero, ¿realmente salió mal
Todo lo que aprendí en la escuela
Fue cómo doblar no romper las reglas
Oh, qué divertido nos divertimos
Pero en ese momento parecía tan malo
Intentando diferentes maneras
Para marcar la diferencia en los días

El director ya ha tenido suficiente hoy
Todos los niños se han ido
Se fue a pelear con la escuela de al lado
Cada término, esa es la regla
Se sienta solo y dobla su bastón
Los mismos traseros de siempre otra vez
Todos los pequeños cuentan historias altas
Caminando a casa y aplastando caracoles

Oh, qué divertido nos divertimos
Pero, ¿realmente salió mal
Todo lo que aprendí en la escuela
Fue cómo doblar no romper las reglas
Oh, qué divertido nos divertimos
Pero en ese momento parecía tan malo
Intentando diferentes maneras
Para marcar la diferencia en los días

Un montón de chicas y un montón de chicos
Mucho olor y mucho ruido
Jugar al fútbol en el parque
Pateando Pushbikes después de la noche
Pantalones holgados, camisa sucia
Tirando del cabello y comiendo suciedad
El maestro viene a romperlo
En la parte trasera del 'ead con una taza de plástico

Oh, qué divertido nos divertimos
Pero, ¿realmente salió mal
Todo lo que aprendí en la escuela
Fue cómo doblar no romper las reglas
Oh, qué divertido nos divertimos
Pero en ese momento parecía tan malo
Intentando diferentes maneras
Para marcar la diferencia en los días

Pantalones holgados, pantalones holgados, pantalones holgados
Pantalones holgados, pantalones holgados, pantalones holgados


Un paso más allá decía...
Cover de Luis Cobos 👈🎷🎷🎷🎷🎷🎷🎷

Aquel único canal 📺


Mañana es otro día, sin duda alguna...

El fin del mundo está cercano...


Con hombres anuncios incluidos 🎚️🎙️🤔

Buster!!!
Buster!!!
La historia es un proceso escrito de interpretación. Un pequeño
vistazo a los archivos del ska muestra que la Diosa de la Historia será
generosa con Bad Manners porque la banda se merece una historia
decente. El primer artículo sobre la historia de Bad Manners espera que
la gente se plantee qué puede añadir o cómo mejorarlo: ¡Adelante, por
favor!

La veterana familia de músicos británicos de ska formada en sus inicios por Buster Bloodvessel, Simon Cuell, Lee Thompson, Richie Downs, Matt Goodwin, Matt Bane, Colin Gram y Russel Wynn actuará en el Rocket Festival después de un largo periodo sin visitar España. Los fanáticos de la mítica banda nacida en la década del setenta BAD MANNERS, son los máximos responsables del 2Tone y del ska revival del 79. Los Bad Manners, creados por el vocalista Douglas Trendle, más conocido como Fatty "Buster" Bloodvessel, orondo skinhead y auténtico hombre-espectáculo en directo, pertenecen a la segunda ola de bandas ska británicas, junto a Madness y The Specials. Después de una parada creativa a mediados de los ochenta, decidieron seguir grabando discos tras cerrar contrato con Moon Ska Records.

En 1980 sacan a la luz su primer single "Ne-Ne Na-Na Na-Na Nu-Nu / Holidays" es todo un himno mundial, poco después editarían su primer Lp "Ska'n'B", título que anticipaba el tipo de música por la que estaban influidos, el ska y el rythm 'n' blues. Después vendría su segundo disco, "Looney Tunes". A partir de este momento las giras por toda Europa serán continuas. En 1981 grabarán su tercer álbum, "Gosh It's", último disco de Bad Manners englobado en el período Two Tone. A partir de este momento, Bad Manners seguirá editando material durante toda la década de los ochenta: "Forging Ahead" (1982), "The Height of Bad Manners" (1983), "Mental Notes" (1985), "Shake a Leg" (1987), "Eat The Beat" (1988), "Return of The Ugly (1989) y ya en los años noventa, "Fat Sound" (1992) y "Don't Knock The Balhead" (1997). Actualmente (2006) Bad Manners sigue dando conciertos, aunque de la formación inicial sólo sobrevive Fatty "Buster" Bloodvessel.


Más que un sentimiento 🍺🏴‍☠️🤝👈


Divertido video de vida y nuevo día al sol 🍻🎷

Ska a ritmo de Ácid😃SMILE...

The Beat NOW!!!

En la época de la new wave existió en el Reino Unido un grupo de artistas que crearon, sin perder en sus textos lugar para el comentario social y político, movidos ritmos inspirados por el ska jamaicano, al que impregnaban de pop y punk.

Así, al estilo de los Specials, The Selecter o los Madness, se formó en el año 1979 en la ciudad inglesa de Birmingham el grupo The Beat, un conjunto compuesto por el cantante y guitarrista Dave Wakeling (nacido el 19 de febrero de 1956), el cantante Ranking Roger (Roger Charlery, nacido el 21 de febrero de 1963), el guitarrista Andy Cox (nacido el 25 de enero de 1956), el bajista Dave “Shuffle” Steele (nacido el 8 de septiembre de 1960), el batería Everett Moreton (nacido el 5 de abril de 1951) y el saxofonista jamaicano Saxa (nacido el 5 de enero de 1930), todo un veterano del estilo en su isla natal que se llamaba realmente Lionel Martin.

Se hacían llamar simplemente The Beat, pero para evitar confusiones con la banda angelina de Paul Collins, adoptaron posteriormente lo de English en los Estados Unidos.
Debutaron en el sello 2-Tone con una versión del “Tears Of a Clown” de Smokey Robinson & The Miracles, para poco tiempo después crear su propia compañía discográfica, Go-Feet Records, en donde aparecieron temas como “Mirror In The Bathroom”, “Twist And Crawl” o “Hands Off She’s Mine”, que se convirtieron en triunfos comerciales incluidos en su LP debut, el mejor trabajo de la banda, “I Just Can’t Stop It” (1980), un disco producido por Bob Sargeant en el que sonaban, con chispeantes músicas propicias al baile, sus referencias ska, pop, punk, soul y reggae.

En el álbum incluyeron adaptaciones de Prince Buster, con “Rough Rider”, tema compuesto por Eddie Grant en su etapa 60s de los Equals, y también una versión de “Can’t Get Used To Losing You”, escrita por la importante pareja de compositores Doc Pomus/Mort Shuman e interpretada previamente por gente como Andy Williams, Paul Anka o Amen Corner.
“Stand Down Margaret” ejemplificaba bien las tendencias sociales y políticas de la banda.

El segundo disco del grupo, “Wha’ppen” (1981), resultó inferior a su debut, recuperando la buena forma con “Special Beat Service” (1982), LP que hace sonar canciones como “Save It For Later” o “I Confess”.
Este álbum sería su último trabajo antes de la ruptura del grupo en 1983 a causa de problemas internos y disensiones musicales.

Posteriormente, Cox y Steel consiguieron el éxito con la banda pop Fine Young Cannibals, de gran éxito comercial en Europa en la parte final de los años 80, mientras que Wakeling y Roger también tuvieron su momento de gloria con General Public.
Wakeling también grabó en solitario un LP llamado “No Warning” (1991).

En el año 2000 se editó un recopilatorio titulado “Beat This: The Best Of The Beat” (2000).

Saxa murió el 3 de mayo del año 2017.
87 años.
Ranking Roger falleció, tras padecer cáncer, el 26 de marzo del año 2019.
Tenía 56 años.

Cinco apuntes Ska de la PIEL de 🎸🥁🎧🐃

Para mañana si estamos vivos tras la que está cayendo.
😷🧻💩
😎🎚️🎙️

Oi!!!
Adelante ✊
Mañana ya veremos 👍

 Anónimo
02/03/2021 12:45 pm
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Tercera pregunta, de dónde son Kortatu ✊🎸🏴‍☠️🍺???

Quizás no sea exagerado decir que Kortatu fue una de las bandas imprescindibles en el panorama del Rock Radical Vasco de los 80. Aunque, como muchos otros grupos, manifestaron no sentirse excesivamente contentos con semejante etiqueta, su incondicional compromiso político con la causa nacionalista vasca, su aparentemente inagotable energía que les llevó a participar con su música casi en cualquier sitio desde el que les llamasen, les convirtieron en uno de los motores de todo aquel movimiento. Así describía Fermín Muguruza, cantante y guitarra del grupo, aquellos días: “..estábamos organizados. Era todo muy punk pero también muy radical. Ahora falta un poco esa (sic) ansia de sentirse libres, entonces no. Estábamos todos los grupos en contacto siempre; pasaba cualquier cosa y estábamos como una piña; en ese sentido también fue un movimiento real”.

El entramado de asociaciones, movilizaciones, gatztetxes, centros sociales llegó a ser de tal densidad que, tal y como describe Roberto Moso, cantante de Zarama y cronista de excepción de aquellos días, en su libro “Flores en la Basura” (Colección Zirkus, 2003), para muchos grupos llegó a ser complicado atender a todas las peticiones que recibían para actuar. Actuaciones que por otro lado suponían, no ya no cobrar nada, sino un desembolso económico por parte de las propias bandas. Llegó incluso un momento en el que casi todos se vieron obligados a tener que elegir entre las diferentes invitaciones recibidas, con los consiguientes problemas que eso acarreaba. Con todo, de algún modo, Kortatu estaba en absolutamente casi todos los lados, se involucraban en todas las protestas. El sentimiento de pertenencia a un movimiento, no sólo musical, sino social, la concepción del punk, no como una mera estética, sino una filosofía y compromiso, están detrás de semejante derroche dinámico. Por algo se les ha denominado en más de una ocasión un fenómeno sociológico.

Componente fundamental y distintiva de la música de Kortatu, fue su impronta política. Su visión personal del panorama en el Euskadi de los 80 constituía la temática, especialmente en sus últimos discos, sobre la que componían sus letras. Se decía de los Clash que bastaba leer la primera página de los periódicos para saber de qué iban a ir sus canciones. Algo similar ocurría con los de Irún. No tuvieron problema alguno en denunciar las muertes de integrantes de ETA a manos de policía nacional o del GAL, criticar pactos de gobierno en el parlamento vasco, burlarse de medidas represivas de los Ministerios del Interior socialistas... Kortatu (como luego haría Fermín en los proyectos que pone en marcha mucho después) lucha rabiosamente, no por convencerte con su mensaje u opinión, sino en disponer de entera libertad para ponerla delante de las narices del que los escucha.

Los orígenes del grupo se remontan a la vuelta de Fermín de Salamanca tras cursar estudios de Pedagogía, Filosofía y Sociología (carreras que por entonces compartían los tres primeros años). Durante ese tiempo ha estado en contacto con su hermano Íñigo Muguruza, que como él se ha comprado una guitarra y con el que se intercambia toda la música que escucha y los esbozos de canciones con las que empezar un posible grupo. Por otro lado, las escapadas a casa de Fermín, que vivía en la capital charra con gente de Mondragón, cada vez que podía a ver los conciertos de los grupos que empezaban a despuntar aquella época, alimentan las ilusiones de los hermanos de hacer algo juntos. Ilusiones que se materializan en 1984, fecha en la que vuelve Fermín e Íñigo decide dejar sus estudios de Periodismo para así poder formar Kortatu. Fermín a la guitarra y voz, Íñigo al bajo y Mattin a la batería conforman el trío. Este último, pasado apenas un año y tras participar en la grabación de las primeras maquetas, deja el grupo para irse a Inglaterra. En su sustitución, y para quedarse hasta la disolución final del grupo, entrará Treku Armendariz.

Varias son las hipótesis que han circulado acerca del origen del nombre del grupo. Se ha dicho que proviene del apodo (Korta) utilizado por un militante de ETA muerto a tiros por la policía. Así lo decía Fermín en una entrevista para la televisión francesa. Pero de igual forma también llegaron a hablar de una foto que vieron en un periódico de un korrikolari (corredor de fondo) de Legorreta, que respondía a dicho nombre porque el caserío en el que vivía se llamaba así.

La andadura del grupo comienza con los tres temas que graban en los estudios Tsunami para el recopilatorio “Kortatu, Cicatriz, Jotakie y Kontuz Hi!” (Soñua, 1985), el famoso "disco de los cuatro", que comparten, como presentación en sociedad con otras tres bandas; entre ellas, Cicatriz, que terminarían por convertirse años después en banda de referencia de todo aquel movimiento. Los temas con los que participa Kortatu son tres píldoras ska: "Nicaragua sandinista", "Manolo Rastamán (el último ska)" y "Mierda de ciudad", que es una versión del "Drinkin' and driving" de The Bussines. A diferencia de la letra original, que venía a ser una burla contra una campaña del gobierno inglés para evitar la conducción en estado de embriaguez, Kortatu lo convierte en un himno contra el aburrimiento que provoca la continua pérdida de tiempo del día a día en un medio urbano amuermante.

Soñua, el sello con el que se graba el recopilatorio, parece ver posibilidades en el grupo y le ofrece la grabación de un LP en solitario. Kortatu coincide entonces en una compañía fundamental en el devenir de esos años con bandas como Barricada, La Polla Records, los propio Cicatriz... El disco en cuestión "Kortatu" (Soñua, 1985), que salió a la venta en octubre, resulta todo un acierto. Un puñado de grandes canciones de lo que ellos mismos definieron como ska-hardcore, punk-rock. Una combinación justa entre irreverencia, diversión y compromiso político lo hacen un disco fundamental de esos primeros años. Aizkolari en la portada, pequeñas dosis de trikititxas y un par de temas completamente en euskera se encargan de poner la denominación de origen.

Uno de los temas más celebrados de ese disco, "Sarri, sarri", se compuso para celebrar la fuga de dos presos etarras de la cárcel Martutene escondidos en los altavoces de Imanol, tras el concierto que dió el cantautor allí. Es una versión, personal y enérgica de "Chatty Chatty" de Toot and the Maytals. La banda hizo incluso un video, que salió un mes antes que el LP, en el que incondicionales bailan el ska acelerado de la canción en el estrecho pasillo que deja la barra de un bar. Los Refrescos compusieron su "Aquí no hay playa" con la misma línea de bajo. Contaba Fermín en una entrevista que ésta no fue la única coincidencia, ya que la marca de chicles Boomer, tras recibir la negativa de la banda para cederles la canción para una campaña promocional, compusieron una especie de plagio.

La banda se recorre prácticamente todo el País Vasco en una infinidad de conciertos, ganando una popularidad que no les abandonará nunca. Copan los primeros puestos (como mejor grupo vasco del 1985, a "Kortatu" mejor disco de ese año, Iñigo mejor bajista) en la mayoría de las encuestas hechas en la prensa vasca. De la mano de compañeros de "escudería" comienza a extender la geografía de sus actuaciones: con La Polla Records va a Galicia, junto a ellos y Cicatriz tocan en Zeleste en Barcelona, y con Barricada visita Madrid. Es precisamente de este concierto, en la sala En Vivo de la que tanto Fermín como Iñigo, en entrevistas por separado, hablan con cierto sarcasmo. Aparentemente la mayor parte del público, compuesto sobre todo por seguidores de heavy-metal, estuvo dándoles la espalda durante toda la actuación en protesta, cuestiones estilísticas aparte, por las canciones en euskera.

Llegan incluso a tocar en Suiza; en 1986, unos meses antes de la salida al mercado de su maxi "A la Calle" (Soñua, 1986). El disco, aperitivo previo al segundo larga duración de la banda, es un auténtico canto a la lucha callejera; desde la propia portada además, que presenta a jóvenes en actitud de kale borroka. Contiene tres temas, recuperados sólo para completar reediciones de otros discos, que lo hacen casi de adquisición obligada: "Hay algo aquí que va mal", que es versión de "Doesn't make it alright", tema de The Specials, pero que Kortatu parece oir de Stiff Little Fingers; "A la calle", quizás el mejor de los tres, y una versión dub del "Desmond Tutu" que se incluía en el disco "Kortatu" como protesta a la concesión del premio Nobel al obispo surafricano, que tiene mucho de pionera en estas latitudes.

En septiembre de 1986 graban y editan su segundo trabajo, "El Estado de las Cosas" (Soñua, 1986). Queriendo huir del éxito que les ha aportado los temas más irreverentes, dan una vuelta de tuerca a las letras de sus canciones, apuntando a la guerra sucia del GAL, la necesidad de seguir la lucha ("En cualquier adoquín está la primera línea", "Deja de beber tanta cerveza y lucha")... Con "Jaungoikoa eta lege zarra" parecen querer dar la razón a aquellos que dijeron ver en temas del disco anterior como "Tolosa, inauteriak" adaptaciones a registros punk acelerados de música de raíz vasca. Musicalmente, resulta imposible no rendirse a semejante derroche de energía.

Tan sólo un mes después de la salida al mercado, Kortatu vuelve de gira por Europa: Suiza, Alemania y Holanda. 1987 no supone ningún respiro para la banda, van a Italia, Francia, de nuevo a Alemania, e incluso a Polonia. Precisamente, como testimonio de esta visita, existe grabación de la entrevista que el grupo concedió a la televisión de dicho pais. En la misma, jugando a "niños terribles", sobre todo Fermin e Iñigo, ponen en dificultades a la esforzada traductora, que se ve obligada a traducir al polaco alguna que otra barbaridad. Para finalizar y ante los ruegos de los presentadores, los tres terminan cantando el "Eusko Gudariak" y apuntan las primeras frases del "Gure olentzero", canción de navidad infantil.

Tal y como habían anunciado casi desde sus principios, el grupo afronta la grabación de un disco cantando completamente en euskera. Los hermanos Muguruza no lo hablaban y, para acometer la empresa, tuvieron que dedicar su tiempo a estudiarlo. Con todo, y con alguna ayuda externa, sacan al mercado el tercer larga duración "Kolpez Kolpe" (Oihuka, 1988). En el que para muchos es el mejor disco de la banda, Kortatu depliega un sonido duro, dentro de un amplio espectro de posibilidades que incluyen incluso apuntes de hip-hop, anuncio quizás del que sería el proyecto que los Muguruza desplegaráin en el futuro con Negu Gorriak. Aportan la versión de un tema de M-Ak, el grupo en el que milita Kaki Arkarazo, productor junto a la banda del disco y dueño de los estudios Iz donde se graba. Kaki pasará incluso a empuñar con los de Irún la guitarra en el siguiente disco, la grabación en directo de su último concierto.

"Azken Guda Dantza" (Oihuka, 1988), fue el concierto número 280 de la banda, el último que dieron, la danza de guerra que bailaron en el pabellón Anaitasuna de Pamplona. Y para su despedida, Kortatu se descuelga con una grabación en directo espectacular. Inusual para la época y el género. Mereció una historieta completa del dibujante Azagra, soporte gráfico del espíritu punk de los 80. El público entregado se lanzó además a festejar la ocasión con todo tipo de proclamas en favor de la independencia para el País Vasco, la agrupación de presos políticos y demás. En concreto, los gritos en favor de ETA durante la canción "Aizkolari" quedaron ocultos en la edición en vinilo doble de Oihuka, pero no así en la que sacó en CD Esan Ozenki. El cuadernillo interior, en venganza con la censura aplicada entonces, desvela la identidad del androide que incluía en "El Estado de las Cosas": el rey Juan Carlos I.

La decisión de poner fin al grupo nada tiene que ver con lo que apuntaban algunas leyendas urbanas, que colocaban a alguno de sus miembros peleando con la guerrilla nicaragüense. Fermín descartó este tipo de historias indicando sobre todo la necesidad de empezar de cero con un grupo que cantara exclusivamente en euskera. Apuntaba la necesidad de tener total autogestión, pero sobre todo “necesitábamos un descanso de unos cuatro años, habíamos hecho casi trescientos conciertos y encima teníamos un nivel de popularidad altísimo y decidimos parar. Y cada uno se fue por su lado”. Todavía hay gente que me pregunta a ver porque nos separamos y yo ya ni me acuerdo. Aunque fueron cuatro años reales, para mí fueron diez, y de ello responde mi cabeza y mi estado físico.” Fermín entró en radio Egin, con un magazine (“Igo bolumena! -¡Sube el Volumen!")-, pero tardó poco en poner en funcionamiento, junto a Iñigo y Kaki, otro grupo con el que marcaría el devenir de la música vasca de los últimos 80: Negu Gorriak. Treku, tras grabar baterías con Les Mecaniciens, grupo en el que figura Jabier Muguruza, volvió a su trabajo de antes, “de papeleo en las aduanas” e Iñigo se enroló rápido en Delirium Tremens.

Antes de la despedida total, eso sí, publican "A Frontline Compilation" (Oihuka, 1988), que salió inicialmente sólo en el extranjero, pero que Oihuka rescató para el mercado estatal. Decisión, por otro lado, que no contó con todo el apoyo del propio grupo ("Se decidió publicar en el extranjero y ahora sale aquí. Han tenido el mal gusto de no avisarnos. Si lo hablan seguramente no hubiera pasado nada, pero ...”). Pruebas adicionales del tirón que tiene Kortatu por el resto de Europa son las reediciones de LP y sencillos en compañías como Red Rhinos (para el mercado británico), Organik (en Suiza) y Bondage International (para el mercado francés).

Kortatu constituyen, en definiitiva, una pieza angular del punk-rock vasco, hasta el punto que se haría duro concebir toda la onda sísmica generada en Euskadi en los años 80 sin su participación. Durante los no más de cuatro años de existencia mostraron una coherencia envidiable con su visión de la sociedad vasca de aquellos años, con la frialdad justa además para terminar cuando y cómo quisieron.


Más Plástic con muchos decibelios 🎚️🎙️🏴‍☠️🍺

Recién llegado del servicio militar, Carlos Treviño -Fray- decide ponerse manos a la obra y comienza a buscar a un "batería suicida" que le acompañe a él y a sus amigos Maciá y Xavier Vilaró, que tocan la guitarra, en su intento de formar una banda. Al anuncio ofreciendo el puesto, responde Miguel Alférez, que tocaba en una banda pachanguera. El puesto es suyo, y finalmente el del bajo será para su hermano Manuel Alférez -Manolo-, músico también en el mismo grupo que Miguel. Aunque en un principio funcionaron bajo el nombre de dB -abreviatura de decibelio- terminarán decantándose por el nombre completo. Pocos meses después, Maciá se va, dejando el grupo. Decibelios comienza su andadura como cuarteto, formado por Fray, Xavi, Miguel y Manolo.

El primer concierto de la banda tiene lugar el 13 de abril de 1980 en un pub del Prat de Llobregat llamado Negrito. En sus comienzos, el sonido de la banda, autodenominado por ellos mismos como "rock putrefacto", tenía mucho de rock duro impregnado de aires punk. Para sus actuaciones hacen uso de disfraces, pelucas y todo tipo de atuendos posibles. En un esfuerzo por impactar en la audiencia, no dudan en utilizar vísceras, carne cruda de animales y herramientas variadas como motosierras, extintores, televisores etc. Muchos medios los llegaron a tildar de repugnantes. En cualquier caso, la banda, aun reconociendo lo duro de su apuesta, aclaró en más de una ocasión, para evitar que las exageraciones se tomasen por ciertas, que nunca se llegó a matar a ningún animal.

A pesar del recelo que levanta este tipo de actitud, Decibelios consigue un número razonable de bolos por la escena barcelonesa, hasta que llega la posibilidad de grabar su primer sencillo con el madrileño sello discográfico DRO. El acuerdo entre la banda y la compañía en la que milita lo más granado de los grupos que conforman el ambiente musical del Madrid de los 80 resulta posible principalmente por la buena química que se establece entre Servando Carballar, el responsable de DRO y Miguel, encargado, dentro de la filosofía de autogestión mantenida por la banda, de las labores de promoción y contratación. El resultado es el primer vinilo de la banda, el sencillo "Paletas Putrefactos" (DRO, 1982), título con el que recogen dos de los aspectos principales con los que el grupo pretende identificarse en esta primera etapa: su condición y origen obrero, trabajadores de extracción humilde y el carácter provocador, repulsivo y escabroso que caracterizan sus letras y actuaciones. El sonido del grupo, todavía en estado de gestación, da claros síntomas sin embargo, de toda la rabia que pueden llegar a transmitir.

Al debut discográfico sigue la salida del grupo de Xavi, aparentemente motivada por la poca gracia que le hacía a su novia la participación de éste en un proyecto como Decibelios. Su despedida se produjo tras el concierto que dio la banda como teloneros de Dr.Feelgood en la plaza de toros Monumental de Barcelona. Será sustituido por Manel Domènech, que había tocado ya en diversos combos punk de Barcelona.

En febrero del 1983, la banda vuelve a grabar un nuevo sencillo "Paletas... y Bolingas" (DRO, 1983). Para la ocasión se desplazan a Madrid, y como relata Fray en la carta incluida en la biografía del grupo escrita por Carles Viñas "Botas y Tirantes: Una Historia de Decibelios" (Street Music Publishing, 2008), la experiencia incluyó más actividades aparte de la estrictamente musical: "La verdad es que pasamos los días de los estudios Track yendo al bar y del bar a los estudios, por lo menos recorrimos treinta bares diferentes. El diploma de bolinga se lo llevó el Manel, que casi rompe un tabique de la pensión de un cabezazo debido a que perdió su centro de gravedad al intentar ir al váter a mear. No veas la cara que pusieron los del estudio cuando nos vieron entrar con los instrumentos y una caja de treinta cervezas". La incorporación de Manel al grupo, amén de para disputar los primeros puestos en las competiciones internas para determinar al mejor bebedor, supone un importante empujón en el cambio de rumbo experimentado en el estilo de la banda. Su experiencia resultó vital para la incorporación de registros ska en el espectro musical de la formación.

Quien también entró a formar parte de la plantilla del grupo fue Boris Porter. Por 1982 tocaba en Ultratruita y tras coincidir en conciertos con los miembros de Decibelios, le proponen tocar el saxo en su segundo sencillo. A partir de entonces, su presencia en discos y conciertos le valieron la condición de un componente más de la banda.

Y es que desde este segundo trabajo, Decibelios se orienta por canciones de combate, que destilan rabia y amenaza de acción directa, de violencia callejera. Se encargarán de transmitir la llama encendida por las bandas inglesas oi! surgidas al amparo de la explosión punk vivida desde finales de los 70. De hecho, la banda puede considerarse como pionera y máximo exponente de este estilo, no sólo en Cataluña, sino en el resto del estado. Tal y como relata Carles Viñas en su biografía, a principios de los 80, no era exagerado afirmar que el censo de skinheads en la ciudad condal se reducía, casi exclusivamente a Fray y a Enric -Quique- Gallart, quien fuera con posterioridad cantante de Skatalá. Fue precisamente con la consolidación de Decibelios y del referente que supusieron, cuando empezó a surgir una auténtica escena skin, formada por chavales que vieron en la mezcla de los sonidos combativos del sonido oi! y una personal lectura del ska, la forma ideal con la que canalizar su rabia y frustración. Cabezas rapadas, botas, tirantes y cazadoras bomber comenzaron a ser componentes habituales en la estética recién importada desde Inglaterra por los seguidores de la banda.

La banda graba entonces "Caldo de Pollo" (DRO, 1984), un larga duración que cabría catalogar, aun a riesgo de exagerar, como auténtico hito en el punk-oi! estatal. Un trabajo pionero, en el que se recoge por vez primera, toda la intensidad y rabia que hasta entonces sólo había sido posible escuchar en los vinilos de 4-Skins, Blitz, Cockney Rejects, Sham 69 y demás combos británicos. El disco contenía balazos varios mezclados con ska, una adaptación de "La muerte tenía un precio" y una versión de un tema de Angelic Upstarts. La presentación del disco tiene lugar el 22 de septiembre en la sala Zeleste de Barcelona. Como sencillo, un pildorazo con el tema del larga duración con mayor capacidad para dejar a uno petrificado, "Matar o Morir" (DRO, 1984).

Precisamente y relacionado con el tema de dicho sencillo está la conexión que la banda tuvo con IV Reich de Zaragoza, y más directamente con Isa, su batería y Juanra, el bajista que perdiera la vida en lo que realizaba el servicio militar. A él le dedicaron la canción "Matar o morir". Además en junio de 1984 acudirían a un concierto celebrado en la capital maña donde también tocarían IV Reich, Golden Zippers, Vómito Social (banda de la misma Zaragoza que no hay que confundir con la de Irún que se llamaría posteriormente Vómito), Shit S.A. y Kangrena.

Llegan a tocar en el mítico Rockola de Madrid, y en algunas de los conciertos que dan en el País Vasco coinciden con La Polla Records y Eskorbuto. En sucesivas visitas a tierras vascas llegarían a tocar también con Kortatu y M.C.D. La conexión de Decibelios con la banda de Bilbao se intensificó a raíz de la relación que en su etapa en Barcelona tuvo Loles Vázquez (Vulpess), hermana de Niko, Bernardo y Karmelo (integrantes y mánager de M.C.D., respectivamente) con Manel. De hecho este último llegó a tocar en algún concierto con ellos por el País Vasco.

El siguiente disco, publicado un año después, "Oi!" (DRO, 1985), con tan sólo nueve temas, los confirma como banda puntera del género. Concebido por la banda como un modo de "romper un poco con la historia de 'Caldo de Pollo'", apuntala sin embargo los logros del primero. No tiene un momento de desperdicio, y como versión, en esta ocasión, la banda incluye un tema de 4-Skins. Zeleste fue de nuevo la sala elegida para su presentación en directo. Como promoción sale el sencillo "Ningún Nombre de Mujer" (DRO, 1985), una de las mejores canciones compuestas por el grupo. Fue precisamente con un videoclip de esta canción con la que aparecieron en el programa de "La Bola de Cristal" (TVE). Realizado en tono burlesco, presentaba a la banda emparejando a Fray con una vaca a las puertas de lo que parece un cementerio. La participación en otro programa de televisión, "Auanbabuluba-Balam-Bambú" (TVE), dirigido por Carlos Tena, recoge un momento anecdótico, cuando Decibelios interpreta junto al mismísimo Servando Carballar, sin la cobertura de sus trabajadores especializados, una versión de "Monkey man", tema habitual del repertorio de The Specials. Cuestiones estilísticas aparte, la buena relación con el responsable de DRO fue una constante que perduró hasta la grabación del que sería el último disco de Decibelios.

El tercer disco de larga duración constituye una verdadera ruptura con el estilo duro desplegado en los trabajos anteriores. Preguntados por su entonces recién estrenada "Vacaciones en el Prat" (DRO, 1986), la banda manifestaba "ya nos habíamos comprometido bastante. Y aparte de esa dureza o la denuncia que podía contener creíamos que también debía ser divertido y tener bastante coña". Y desde luego lo intentaron desde la misma portada. Nadie diría a partir de la foto de los integrantes del grupo simulando su llegada a una playa, que se trata de los mismos que perpetraron el derroche de rabia, ira y energía reflejado un par de años antes. La banda sigue dedicando parte de sus esfuerzos a críticas varias e incluso se permite ramalazos como los de antaño, pero efectivamente el tono violento ha dejado paso, bien a un palpable ambiente de juerga o incluso a cierto aire entrañable para hablar de su barrio, del lugar donde iniciaron su carrera, o su pertenencia a los bares. La nota negativa del disco la puso la inclusión del tema "Estos macarrones aún no están hechos", versión del tema "Angelitos negros". Grabada como resultado de una propuesta hecha a la banda en el programa de Carlos Tena, hizo que la banda fuese demandada por los familiares de Manuel Álvarez Maciste, autor de la música original. Como resultado, se condenó al pago de una fuerte multa, costeada por el grupo y la compañía DRO, y a destruir las copias que incluyesen la canción, por lo que el disco tuvo que ser reeditado de nuevo sin ésta.

A pesar de la crítica contenida en "Achuntament", el tema en catalán del disco anterior, consiguen, mediante constantes presiones en la concejalía correspondiente, un concierto en la Plaza de Catalunya del Prat de Llobregat, para presentar el nuevo álbum. La banda compartió el escenario con Shit S.A., también de Barcelona, en una actuación en la que dicha plaza se llenó hasta rebosar. El grupo tiene ya para entonces cierta experiencia en lo referente al ejercicio de medidas de presión para poder tocar en directo: trataron de irrumpir, sin conseguirlo, cargados con sus instrumentos, en el concierto que daba la Orquesta Mondragón en las fiestas patronales de la ciudad, llegaron a tocar en mitad de la Gran Vía barcelonesa sin permiso alguno...

El tono de burla del disco continúa en muchas de sus apariciones, que a veces encuentran a la banda actuando en programas de televisión impensables en el principio de su carrera. Un ejemplo es probablemente la representación en play-back de su tema "Camaleón" en una cadena autonómica. En la misma ponen en práctica, ante una audiencia que difícilmente puede llegar a captarla, la que parece una broma privada suya consistente en el intercambio de papeles: Miguel, pelo teñido de platino, y que llega a marcarse unos pasos de baile agarrado a una señora del público entrada en años y kilos, hace las veces de falso cantante, Fray y Manolo simulan la sección de vientos. Muchos de sus seguidores no entienden el cambio de rumbo emprendido por el grupo y Decibelios se ven en la tesitura de tener que aclarar una y otra vez en distintos medios que la banda no se ha vendido a nadie ni a nada para hacerse más comercial. En cualquier caso, sí reconocen haber abandonado el lenguaje crudo, de la calle, con el que se expresaban en sus primeros discos.

Junto con este larga duración, Decibelios publica dos sencillos "Sangre Dorada" (DRO, 1986) y "Vacaciones en el Prat" (DRO, 1986). En el primero de ellos, auténtica oda a la cerveza, utilizan para su portada, el logo de la cerveza Estrella Dorada, de la casa Damm. La compañía cervecera, encantados con semejante publicidad, les ofrecerá la posibilidad de grabar el correspondiente videoclip promocional en sus fábricas. Para la ocasión, los miembros de la banda, en traje como ejecutivos de la marca, simulan guiar una visita por las dependencias de la misma.

Pero los verdaderos problemas de Decibelios con sus seguidores estallan un año después, en 1987, cuando el grupo decide acometer la grabación del que luego sería su disco en directo "Vivo's 88" (DRO, 1988). Para la ocasión, se elige la sala Zeleste. El día del concierto empezó con muy malas premoniciones. Por un lado, aparecieron pintadas en contra de la banda en las proximidades del recinto. Además, un aviso de bomba obliga a una inspección minuciosa del lugar. Solucionados estos contratiempos y algunos ajustes con respecto a la iluminación, llega el momento de la gran cita. Y al poco de comenzar la banda a tocar, y a pesar de las rigurosas medidas de seguridad impuestas para el acceso a la sala, una treintena de jóvenes, aparentemente pertenecientes a las Brigadas Blanquiazules del equipo de fútbol del Espanyol, se hacen con el protagonismo desde las primeras filas. Una de las fotos recogida en la biografía de Carles Viñas sobre el grupo muestra bien a las claras cómo el público abre un claro en la sala para desmarcarse de los bárbaros que pretender reventar el acto. Y de hecho consiguen que los numerosos medios de comunicación presentes para cubrir el evento atiendan mucho más a los desmanes que a lo Alex y sus drugos está causando el grupo de extrema derecha. El grupo hace caso omiso de las provocaciones y sigue tocando hasta concluir la grabación de los temas previstos.

Y es que, junto a la escena que se ha ido formando alrededor de Decibelios desde sus comienzos, y atraídos por sus provocativas proclamas de violencia callejera, aparecen elementos de tendencias filonazis, prestos a buscar en el grupo la banda sonora alentadora de su conducta agresora. Mucho se ha discutido acerca de la posible ideología de la banda. Son pocos los que cuestionan la veracidad de lo manifestado por todos ellos en numerosas ocasiones de una total ausencia de afinidad política por corriente alguna. En ese sentido, el caso de Decibelios nada tiene que ver con el de otras bandas del panorama skin británico, por ejemplo, que se colocaron sin pudor alguno en la vertiente más rabiosamente politizada hacia la margen derecha del espectro político: Skrewdriver, que tras su refundación en los 80 se dedicaría a veleidades acerca de la pureza étnica; Last Resort, con discos llenos de Union Jacks (la bandera británica) y cánticos de exaltación al nacionalismo inglés; Condemned 84, que cantaban contra los agresores que vienen a quitarles sus tierras... nada de esto se puede encontrar en la propuesta de Decibelios. Las críticas más encendidas contra el grupo sin embargo están dirigidas contra la aparente permisividad con las demostraciones como las vividas en el concierto de la sala Zeleste.

No fue ésa la única vez en la que el grupo desaprovechó la oportunidad de desmarcarse o condenar in situ el apoyo de este sector de sus seguidores. Dos años antes por ejemplo, durante el concierto dado en la barcelonesa sala Nekronomikon, ante la irrupción en el escenario de uno de estos ultras, Fray no reacciona, y de hecho, sigue cantando con la bandera que le da éste.

Tampoco ayudó en nada a calmar posibles suspicacias lo confuso de las aparentes provocaciones lanzadas por Fray. En concreto, las banderas españolas de la camiseta que lució en el vídeo de la canción "Botas y tirantes" para la película "Gritos a Ritmo Fuerte" (José María Nunes, 1984) o del vídeo "Oi!, oi!, oi!" en su local de ensayo, y en especial la camiseta con motivo del European Tour de Adolf Hitler, causaron estupefacción en gran parte de los seguidores de la banda. Esta camiseta, utilizada en sesiones fotográficas de promoción, incluía a modo de broma macabra, la relación de países conquistados por el ejército nazi durante la Segunda Guerra Mundial con la fecha de la ocupación, de igual forma que los grupos musicales especifican el nombre de las ciudades o países visitados en sus giras. Países que no llegaron a caer bajo el yugo alemán, como Inglaterra o la extinta URSS aparecían como fechas "canceladas" en el tour del dictador. Si bien dicha prenda no es producto exclusivo de tiendas de tendencias filo-nazis, no es descabellado que su utilización por parte de una banda skinhead lleve, cuando menos, a levantar sospechas acerca de las tendencias políticas de la misma. Sobre el grupo empieza a planear el espectro del final al que se vieron abocados bandas como Sham 69, Cockney Rejects o incluso los mismos 4-Skins, que fagocitados por la fracción racista más extrema del movimiento skin, vieron como les llegó a resultar imposible actuar en directo sin que se produjesen disturbios.

La fractura abierta entre el grupo y una gran masa de seguidores es cada vez mayor. Unos, decepcionados por su poca firmeza en alejar incómodos compañeros de viaje, otros por su presunta frivolidad para dejar atrás la contundencia y energía desplegada en sus primeros trabajos y algunos pocos por no encontrar en ellos los referentes políticos extremos que quisieron leer en su actitud violenta, parecen dar la espalda a Decibelios.

Repuestos a duras penas de las adversidades surgidas tras la grabación de "Vivo's 88", vuelven a la carga incorporando a un nuevo guitarra, Antoni Hernández -Tony-, que aporta una imagen mucho más rockera. Y es que su nuevo trabajo "Con el Tiempo y una Caña" (Twins, 1989), grabado con una nueva compañía tras dejar a DRO, a la que la banda acusó de poco apoyo en la convulsión que siguió a los incidentes del directo en Zeleste, es una nueva vuelta de tuerca en su evolución musical. Grabado con un productor impensable años atrás, el mítico Rosendo, el disco presenta a Decibelios en su versión más cercana al rock duro, guitarrero, leñero.

A finales de 1989, Manel deja el grupo al no poder compaginar su actividad en Decibelios con la nueva formación con la que colabora: Las Flores del Mal. Será sustituido por David Ocaña. La banda, tras la pobre acogida que ha recibido su último trabajo, entra en un período de inactividad, y salvo un par de apariciones en televisión, apenas se prodigan en directo. Su último concierto, en febrero de 1990, quiso ser un homenaje a los diez años de vida del grupo. El evento, para el que se llama a Manel, "chocó contra un muro de frialdad" tal y como recoge la crónica del Periódico de Catalunya. Los intentos de resucitar la banda en 1995 no funcionaron, y desde entonces, salvo la publicación de una serie de directos y recopilatorios no hubo señales de vida de los Decibelios en su versión original.

Sin duda, resultaba triste final para una banda vital en el panorama punk y oi! nacional. Su reconocimiento internacional del grupo ha sido importante. Sus primeros trabajos han sido reeditados en Francia, Argentina o Alemania. Hubo incluso un intento, con la banda todavía en activo, de publicar algún trabajo en Inglaterra, que no llegó a fructificar por falta de empeño propio.

Sin embargo en 2013, David y los hermanos Alférez participan en el proyecto Subtrabelios, formado junto a Morfi (La Banda Trapera del Río) y Boliche (Subterranean Kids) que es quien se encarga de la batería. El supergrupo, en el que Miguel comparte con Morfi las labores de voz principal, da una serie de conciertos con un repertorio formado por temas de los tres grupos implicados. La participación de los componentes de Decibelios sirve de rodaje, ya que junto a Fray, deciden resucitar al grupo.

Se programa la gira "¡A Por Ellos! 2014" que arranca con la presentación ante una audiencia reducida con amplia presencia de medios en la sala El Monasterio de Barcelona el 24 de julio. Fray, interlocutor de la banda con el exterior, se muestra rotundo a la hora de desmarcarse de cualquier intento de posicionar a Decibelios con la derecha y de hecho, radicaliza el discurso antisistema denunciando la corrupción de una clase política que en cambio da vía libre a los bancos para desahuciar familias.

Decibelios visitaría Bilbao el 15 de noviembre donde tocaría con Suspenders, San Sebastián de los Reyes (Madrid) el 22 de noviembre junto a Proyecto Kostradamus y volvería a Barcelona donde el éxito de venta de entradas le obliga a un doble pase, 6 y 7 de diciembre compartiendo escenario con Malas Cartas. La banda aprovechó para reencontrarse con un público que llenó los conciertos y supo sobreponerse a los contratiempos surgidos en Madrid con cambio de sala y amenaza de suspensión horas antes de tocar. Repasaron toda la discografía y primaron la presencia de un trío de viento, en el que estaba su inseparable Boris. Conscientes de la importancia de que todo transcurriera bien en su reaparición ante el público, Fray agradecía en la capital el comportamiento de una audiencia que superaba con creces el aforo permitido de la sala Charango de San Sebastián de los Reyes, sin olvidar a la hora de acompañar temas como "Oi! Oi!" las llamadas a la unidad entre todas las tribus urbanas en su lucha contra el sistema.

Aceptan entonces la oferta de Malicia Records, filial de VomitoPunkRecords para material de bandas que no sean de los 80, de editar un sencillo para vender durante los conciertos. Antes de ponerse en la carretera, en septiembre, entran en el estudio Cal Jaume para registrar dos temas: "Barna 92" y "Voca de Dios" que conformarán el vinilo "¡A Por Ellos! 2014" (Malicia, 2014). La elección de sólo un par de canciones no resultó tan difícil como cabría esperar de un grupo con repertorio tan extenso como Decibelios. "Fue bastante unánime, se propusieron esas dos y hubo consenso", nos cuenta Miguel. Tampoco cree que respondiera a un intento de evitar los temas más combativos: "No, no ha sido nuestra intención, los temas combativos siempre están presentes y es un sello de identidad de Decibelios", y de hecho en sus conciertos se tocaron prácticamente todos. "Matar o morir", por ejemplo, sirvió como excusa en Bilbao para invitar a Mamen de Vulpess y a Manolo (La UVI) en Madrid para acompañar al grupo sobre el escenario. El sencillo supuso una oportunidad de escuchar a Decibelios en su vuelta además de los escenarios, como adelanto del CD/DVD de la gira que el grupo firmó con Maldito Records.

Decibelios OI!!!
👈🤝👉

Fiel compañera, haga frío o calor...


📻⚡

Sección de viento SKALITICA TOTAL 😎🎺🎷

Potato RULA O QUE???


No se entera la Clase Obrera desde Gasteiz al resto del mundo ✊🤔

Adivina, adivinanza: ¿qué cumple en Gasteiz y en este 2014 treinta años “on the road” y no tenía todavía su propio espacio en este blog de Vitoria? Pues muy fácil: Potato. La de grandes momentos que hemos vivido con este grupo genuinamente gasteiztarra, maestro del reggae en Euskal Herria y autor de estrofas tan brillantes como “capital artificial de un país singular” al referirse en la mítica “Rula” a nuestra ciudad. Disfrutamos con algunas anécdotas y varios de los grandes éxitos de…

Potato, en 1985. La foto pertenece a la página potatobanda.com/wordpress
Potato, en 1985. La foto pertenece a la página potatobanda.com/wordpress

Potato: el eco del reggae y el ska, en Vitoria
Antes de nada, algunos datos sobre el grupo:

¿Cuándo y dónde nació Potato? En septiembre de 1984 y en Vitoria. En Nochevieja de aquel mismo año ofreció su primer concierto.

¿Cuántos discos han sacado a la calle? Nueve, estos de aquí:

Potato & Tijuana in Blue (Oihuka, 1986). Por cierto, qué grandes eran también Tijuana in Blue :-).
Punky, Reggae, Party (Oihuka, 1987).
Erre que erre (Oihuka, 1990).
Crónicas de puerto sin más (Oihuka, 1993).
Plántala (Oihuka, 1995).
PKO original (Gazteizko Langabetuen Asanblada, 1997).
Directo, directo (Soviet Records, 1999).
Como en sueños (Maldito Records, 2003).
Potato en Fueros (Aianai Kultur Elkartea, 2007)

¿Quiénes fundaron Potato? Juan Borikó, también conocido como Johnny Brusco, y Pedro Espinosa, “Aianai”. Juan falleció en 2006. Pedro, además de cantante del grupo, es escritor y periodista, habitual colaborador en prensa, radio y televisión. Es autor de diversos libros relacionados con la historia del rock vasco; firma, junto a la también excomponente de Potato Elena López, un libro sobre los Hertzainak -otros que seguro tendrán aquí su propio post más pronto que tarde- que se puede considerar como el definitivo de esta otra mítica banda. Pako Pko, además, es el único que ha estado durante todos estos años en Potato (aunque hay alguna que otra polémica en torno a ello, todo hay que decirlo).

Algunos hitos de los inicios de Potato (ah, aquellos dorados ochenta):

– Nace, como ha quedado dicho, en septiembre de 1984.
– Nochevieja de 1984: dan su primer concierto.
– Agosto de 1985: los miembros del grupo se van hasta Jamaica.
– Diciembre de 1985: junto a Hertzainak y Kortatu, organizan, en Lekeitio, el primer Festival Tropikal de Euskadi.
– Primavera de 1986: actúan en Bilbao, ante más de 10.000 personas.

Rula firme y adelante, acojonante video, con estructuración compacta de todo el grupo y la marchante sección de viento, el mensaje no cambia ✊⚡🎚️🎙️🏴‍☠️🍺
Dos recuerdos vibrantes MÁS.
MAQUINA en marcha hacia la última estación de Jamaica 🇯🇲🚬 con Regaee y derivados Bonus Track del final...


🤍🖤👌

Bartolino el fugitivo 📻


Siempre...
🎸

Vacilón 🏴‍☠️⚽💙♥️✊


Next Station🎧

Iruña Underground:
Skalariak es una formacion skatalitica que surge en Iruñea – Pamplona (Esukal Herria) a finales de 1994 porque, en aquel entonces, no habia en la ciudad ninguna banda de ese genero (ska) y sus mentores, los hermanos Juantxo y Peio Skalari (skinheads casi todos), se morían de ganas de bailar ska. De todas formas, no será hasta la primavera de 1995 cuando comiencen a dar que hablar; la discográfica mas importante Ska a nivel mundial (Moon Ska Records, NYC) produjo un compilatorio internacional en el que incluia lo que fue la primera grabacion de Skalariak.
En Junio del ’97 registraron para GOR Records su primer trabajo con la produccion de Marino Goñil y grabado en los estudios Sonido XXI de Esparza de Galar (Navarra) bajo la direccio tecnica de los hermanos San Martin. Pero antes de eso ya estuvo sonando su single “O, neurre erri”, que vió la luz en Mayo ’97 y que fue uno de los temas mas bailados del verano allí. Fue utilizado como sintonia en un programa festivo de la television vasca (ETB), y ademas otro tema, “Jaia” (Fiesta), fue de lo mas sonado de cara a las famosas fiestas de San Fermin. Asi, el Cd fue escuchado a lo largo y ancho del estado español en cualquier ambito skatilico, reproducido en multitud de radios y tambien televisiones (ETB, Canal 4…). Por la prensa fué considerado el mejor disco de ska del año ’97, y la revista independiente “Bad” lo consideró el quinto mejor disco del año ’97.
En el ’98 Skalariak rompió fronteras, y Francia e Italia (gira de 10 dias) probaron el directo arrebatador de esta banda de ocho musicos, y su aceptacion en paises como Mexico, Puerto Rico, USA, Argentina, Venezuela.. comenzó a ser buena en el cada vez mas crecido, circulo del Ska.
Ahora, con su segundo album, “Klub Ska” (1999 Gor Discos), Skalariak se ha consolidado como una de las bandas mas potentes de la musica alternativa estatal, estando presente en los festivales mas importantes, presentando su disco en Madrid, Barcerlona, Galicia, Pais Vasco, etc.. y apareciendo regularmente tanto en medios televisivos, radiofónicos, como en la prensa escrita.
Desde el auténtico Ska de los 60 hasta el rapido Ska de los 90 pasando por el reggae y con algun toque punk, Skalariak ha conseguido abrirse paso poco a poco como banda internacional (en menos de 2 años ha ofrecido cerca de 100 conciertos). Y es que el ska abre fronteras y conquista las culturas mas diversas; asi es el ska y asi es Skalariak, conformada actualmente por: Juantxo Skalari en la voz, Peio Skalari en batería, Javier Etxeberría en la guitarra, Luisillo Kalandraka en el bajo, Mario Memola en el saxo y Hiart Leitza en el teclado, mas el apoyo de Kike en el trombón y Ernesto en la trompeta.
Skalariak tambien tiene un zine llamado Skalari Rude Club, fanzine con noticias sobre el ska en general...
Recuerdos 🤔

Iruña- Barcelona🇯🇲🤍🖤✊🎸

⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽🏴‍☠️🇯🇲🍺🎙️🎚️🚬

Don't Stop Croasant and Café con Leche In Square MAYOR!!!


TOKIO SKA PARADISE🇯🇲✊🎸🥁🎺🎷

El ska es un género que se ha masificado en Japón. No es una nueva tendencia, es un ritmo que llegó a la isla con los sonidos del reggae jamaiquino a comienzos de los años 80, no por la puerta grande del streaming y las masivas reproducciones, sino en una escena underground lo suficientemente grande para animar a jóvenes japoneses a interesarse en bandas como Skatalites.

Así comenzó la historia de Tokyo Ska Paradise Orchestra, o por lo menos la de sus integrantes, con los sonidos caribeños que poco a poco, como ellos han señalado, los fueron juntando como los siete guerreros samuráis: interesados por los mismos sonidos, la música los fue uniendo. Comenzaron siendo más de diez músicos que vieron en los vientos el camino para experimentar con sonidos de Occidente.

La música de los Skarapa, como también se conoce a la Tokyo Ska Paradise Orchestra, es una mezcla de ska, jazz y rock que ha ido evolucionando con los años. Así como al iniciar su carrera se vieron influenciados por figuras como los británicos The Specials y bandas orientales que también experimentaban con el ska, como Determination y The Ska Flames, con el paso del tiempo han aprendido a admirar a los Fabulosos Cadillacs y a los Auténticos Decadentes.

Su historia comenzó a finales de los 80. Con un sonido establecido publicaron Xmonster Rock, una de las canciones con las que hicieron sus primeros toques sobre el escenario del Budokan en Tokio, donde se catapultaban los más reconocidos artistas de la escena underground oriental.

Así se comenzaron a hacer reconocidos. A pesar de que no eran los primeros en experimentar con el género, sus canciones instrumentales enfocadas en la potencia de los vientos hicieron que en sus primeros años tuvieran más de 12 éxitos en su país. Ya para ese momento no hacían música que pocos escuchaban; hacían canciones que se convirtieron en influencia para muchos otros músicos que se han formado a lo largo de estos últimos 30 años.

La experimentación los llevó a consolidar un sonido propio y un gran número de producciones en las que comenzaron a incluir letras en japonés y en inglés, interpretadas por ellos y con artistas locales en colaboración. Así aterrizaron en Glastonbury y en el Montreaux Jazz Festival, entre otros festivales de Europa que les dieron nuevos matices, algunos más enfocados en el jazz, como Perfect Future, y otros más experimentales, como Stroke of Fate, en el que se incluyeron guitarras con un toque español.

El éxito llegó con la tragedia. En menos de cuatro años murieron dos de los integrantes originales de la banda. Primero fue Cleanhead Gimura, el frontman y uno de los miembros fundadores, quien padecía de un cáncer cerebral, y posteriormente el baterista Tatsuyuki Aoki, quien murió en un accidente ferroviario.

Por ello, la década de los 90 marcó un cambio para la banda, tanto en su estructura como en su sonido. Aparecieron canciones más cercanas al pop japonés, así como su acercamiento a Occidente se comenzó a consolidar.

Con Paradise Blue marcaron un regreso a los primeros sonidos que produjeron en la década de los 80 y con esta estructura llegaron en 2011 a Brasil y luego a México, donde participaron en el Vive Latino. De allí salieron temas como Brazil y Aranjuez, en los que la bossa nova, la samba y las rancheras mexicanas aparecen fusionadas con el ska, pero es sólo hasta su más reciente disco, Paradise Has No Border, en que las voces latinas y en español comienzan a aparecer.

Además de canciones instrumentales, como la que da nombre al disco, hay temas interpretados por artistas japoneses como Takuma y Ken Yokoyama, y otros latinos. Los Fabulosos Cadillacs, los Auténticos Decadentes e Inspector, de México, le dan al disco todo el toque latino del ska regional. Así llegaron por primera vez el año pasado de gira por la región.

El Espectador en video:
En Colombia se presentaron junto a Los Elefantes en un concierto de homenaje al ska. La curiosidad se centró en que fueran japoneses los que estuvieran en tarima tocando un ritmo que no les es propio y que terminó haciendo bailar a más de uno.

Luego de esa gira llegaron nuevas colaboraciones. Manifestaron en entrevistas por la región su satisfacción de estar cerca de los Auténticos Decadentes, así como de otras figuras representativas del género. En su paso por el país reconocieron su gusto por Bomba Estéreo y mostraron su interés por hacer colaboraciones con ellos.

“Para nosotros ha sido muy importante fortalecer nuestra relación con Latinoamérica y con su música, y qué mejor que colaborar con sus artistas más representativos. Queremos crear algo totalmente nuevo, algo que jamás se haya creado antes con artistas latinoamericanos”, aseguraron en entrevista con Radiónica en su primera visita.

Luego de esto, Nargo (Kimoyoshi Nagoya), Masahiko Kitahara, Gamo, Atsushi Yanaka, Tsuyoski Kawakami, Takashi Kato, Yuichi Oki, Hajime Oumori, Kinichi Motegi y Tatsuyuki Hiyamuta, los siete integrantes de la banda, han hecho más colaboraciones en la región. Recientemente hicieron parte del primer álbum de iLe, la hermana de Residente y Visitante, que hacía las voces femeninas de Calle 13, en el que hicieron una versión de Te quiero con bugalú.

A Rock al Parque llegan por primera vez con el compromiso de hacer un recorrido por sus más de 30 años de música. Si bien Paradise has no border es su primer ingreso en Latinoamérica y los sonidos en español, su evolución ha sido parte importante para entender la música que se hace y llega desde uno de los países más lejanos de Oriente.

En la década del 60, la voz de Ikuo Abo, un japonés que interpretaba tangos en español a la perfección sin saber hablar la lengua, conmocionó a los argentinos. Hoy, siendo el k-pop y el j-pop los más próximos acercamientos a la música de Oriente, termina haciendo de Tokyo Ska Paradise Orchestra tanto un ejemplo de que los sonidos del mundo son cada vez más locales como de que la música es un idioma que une y permite mezclar diferentes culturas.

En su paso por la región, los Skapara han dicho que, al igual que Abo, se han visto influenciados por el tango. Un ejemplo es Uradorino Futari (Una pareja en el callejón), que hicieron inspirados en Astor Piazzolla.

Su principal meta ahora es seguir experimentando con los sonidos de la región y entrar en la escena local. “La felicidad no tiene barreras, ni lengua, ni país, ni cultura, ni sexo: la música es ese lugar. Todos podemos estar unidos a este lugar en Colombia”, aseguraron en su anterior visita al país...

Arround The WORLD!


🇯🇲👉😎👈

 Anónimo
02/03/2021 5:24 pm
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🏴‍☠️🎌🏴🚩🏁🏴‍☠️

 Anónimo
03/03/2021 6:46 pm
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El movimiento rastafari, también conocido como rastafarianismo, se originó en Jamaica en los años 30. El rastafarianismo se suele considerar como una religión, pero no lo es. Se trata de una filosofía, una forma de vida o una mentalidad espiritual. Las rastas y el cannabis son probablemente los dos aspectos más emblemáticos de los rastafaris, y la cultura fumeta y el rastafarianismo parecen estar hoy en día íntimamente relacionados.

El movimiento rastafari nació básicamente entre las comunidades trabajadoras afrojamaicanas más pobres, y a menudo se considera parte de un movimiento de rebelión frente al colonialismo británico (Jamaica se independizó de Gran Bretaña en 1962).

También se vio muy influenciado por otros movimientos políticos como el panafricanismo, adoptando la idea de que el legado africano debería volver a su lugar de origen para fortalecer a sus países y ayudarles a superar la opresión a la que el mundo occidental les sometía.

El rastafarianismo gira en torno al emperador etíope Haile Selassie I. Selassie se suele considerar el mesías, el profeta o una encarnación de Dios, y su coronación se suele ver como la consumación de una profecía bíblica.

La historia del rastafarianismo y el consumo de marihuana.

El rastafarianismo suele carecer de una autoridad central que dicte claramente las creencias y las prácticas del movimiento. Hay varias ramas dentro del rastafarianismo, aunque las más numerosas son Nyahbinghi, Bobo Ashanti y las Doce Tribus de Israel.

Aunque ahora el movimiento rasta se acepta en términos generales en Jamaica, entró en conflicto con la sociedad jamaicana convencional en los años 50 y también se extendió a más islas del Caribe, los Estados Unidos y otras partes del mundo.

Los 50 también vivieron el desarrollo de una rama más radical del rastafarianismo, que culminó en varios conflictos violentos, como un intento de las milicias rastas por conquistar ciertas ciudades de Jamaica, como Kingston y Spanish Town.

Sin embargo, estas tensiones fueron apaciguándose, y en los 60, el movimiento rasta comenzó a recibir un apoyo más generalizado, incluso por parte de los sectores más privilegiados de la sociedad jamaicana. En este periodo de tiempo también se produjo un giro en las creencias rastas tradicionales, especialmente sobre la idea de que la salvación requería a sus miembros migrar de nuevo a África. El movimiento también comenzó a inspirarse en otros movimientos políticos que protagonizaron esa época, fundamentalmente en el Black Power que tomaba fuerza en los Estados Unidos.

El rastafarianismo llegó a alcanzar fama mundial en los años 70 con la ayuda de la música reggae. Artistas como Bob Marley, Bunny Wailer y Peter Tosh, entre muchos otros, obtuvieron éxito en todo el mundo con sus característicos sonidos.

Hacia el final de los años 70 y principios de los 80, sin embargo, el movimiento rasta perdió mucha fuerza. Probablemente, entre otras razones, se debió a la muerte de Haile Selassie en 1975 y, posteriormente, la de Bob Marley en 1981. El declive en la popularidad de la música reggae, que difundía muchos mensajes religiosos profesados por los rastas, quizás también tuvo mucho que ver con esto.

Hoy en día, se estima que hay aproximadamente un millón de rastas en todo el mundo. La mayor concentración de comunidades rastafaris sigue encontrándose en Jamaica.

¿EN QUÉ CREEN LOS RASTAS? ¿QUE PRÁCTICAS REALIZAN?
¿en qué creen los rastas? ¿que prácticas realizan?Como mencionábamos anteriormente, los rastafaris no tiene ninguna autoridad central que influya en sus creencias y prácticas. Además, la religión podría dividirse en realidad en unos 6 grupos diferentes (comúnmente conocidos como "mansiones"), cada una de ellas con sus reglas y prácticas.

Los miembros rastas suelen seguir parcialmente las doctrinas del movimiento o la mansión, y en ocasiones ninguna de ellas. Esto deriva de la creencia general en la libertad de conciencia y del desapego y la desconfianza hacia las prácticas institucionalizadas.

Esto complica mucho la definición en términos generales de este estilo de vida. Sin embargo, podemos resumir algunas de las creencias más extendidas y asociadas con el rastafarianismo:

La veneración de Jah, un Dios singular, en forma de una santa trinidad similar a la del catolicismo (el padre, el hijo y el espíritu santo). Los rastas creen que Jah vive dentro de todos los seres humanos, lo que básicamente convierte a todos en el mismo ente.
La veneración del emperador etíope Haile Selassie I. Sin embargo, la adoración de Selassie es diferente entre las diferentes mansiones de la religión. En cualquier caso, se suele considerar el mesías cuya llegada se predecía en el Antiguo Testamento como la segunda venida de Jesús. Otros rastas también veneran a Selassie como encarnación divina, mientras otros sólo lo ven como un representante de Jah en la Tierra. A menudo se le conoce como Dios Todopoderoso, Rey de Reyes o Señor de los Señores, León Conquistador de la Tribu de Judas y muchos otros nombres.

El afrocentrismo. El rastafarianismo suele llamar al empoderamiento del pueblo negro y al redescubrimiento de su identidad y cultura, todo ello oprimido por la sociedad occidental. Las creencias tradicionales del rastafarianismo se centran en volver físicamente a África para alcanzar la salvación, mientras algunas interpretaciones más modernas giran más en torno a la reapropiación del patrimonio africano y la identidad negra, para aliviar la opresión y la inferioridad. Los rastas suelen considerarse descendientes de los israelitas y escogidos por Dios, y normalmente se dice que los rastas que viven fuera de África viven en "Babilonia" y se les anima a volver a "Zion", es decir, a África.

Una interpretación alternativa de la Santa Biblia. Los rastas han llegado a reinterpretar escrituras sagradas y usan muchos términos e historias de la Biblia en su religión. Como acabamos de mencionar, el término Babilonia, por ejemplo, se usa tanto en el Antiguo como en el Nuevo Testamento y ha sido adoptado por los rastas.

Reencarnación. Los rastas no creen en la vida después de la muerte, en cambio creen que los espíritus iluminados renacerán, mientras el resto simplemente morirán. Se considera que quienes se reencarnan conservan su identidad personal a través de la reencarnación.
Moralidad y "leyes de la naturaleza". El rastafarianismo ha adoptado muchos de los valores compartidos por diversas religiones, como el cristianismo. También muestran una gran conexión con la naturaleza y creen que la sociedad occidental ha envenenado y se ha desvinculado de la naturaleza con los avances tecnológicos.

Al igual que los rastas suelen adoptar sus propias creencias en lugar de seguir una doctrina estricta, también utilizan formas de practicarlo muy personales. A continuación veremos algunas de las prácticas rastafaris más habituales, pero como decimos, no todos los rastas las siguen estrictamente.

CEREMONIAS DE "RAZONAMIENTO".
Estas celebraciones son un tipo de ceremonia rastafari que consiste en la reunión de rastafarianos ante una personalidad ilustre. Normalmente incluyen música, cantos, tambores y consumo de cannabis.

Una de las principales finalidades de las ceremonias de "razonamiento" es el debate entre los miembros rastafaris, su interpretación de él y cómo lo relacionan con los acontecimientos actuales. Estas celebraciones suelen ser exclusivas para hombres.

ROL FEMENINO( No compartidos por todos).
Las prácticas rastafaris presentan roles claramente diferenciados para cada género. Las mujeres quedan al margen de ceremonias de razonamiento y otras reuniones oficiales, y deben vestirse de forma distinta al hombre. También se consideran impuras debido a su ciclo menstrual y una distracción sexual para el hombre. Las mujeres se educan para buscar el liderazgo masculino y para vestirse de forma que cubran el contorno de su cabeza y su cuerpo para no atraer a los hombres.
LGTBI gran problema ( asesinatos y homicidios) desde siempre dentro del movimiento igual que en el resto de Jamaica 🇯🇲.

VIDA NATURAL.
Como ya comentamos, el movimiento rastafari se centra mucho en la conexión de sus miembros con la naturaleza. Una de las principales formas de conseguirlo es a través de una dieta concreta, conocida a menudo como "ital". Se basa en alimentos completamente naturales, y algunas mansiones del rastafarianismo hasta producen su propia comida y viven de manera autosuficiente.

Marihuana.

Algunos rastas deciden ser completamente vegetarianos, mientras otros escogen seguir las directrices del Antiguo Testamento (aunque evitando el cerdo y los crustáceos). Algunos rastas también prescinden del uso de aditivos como sal o azúcar en sus comidas.

Aunque el consumo espiritual de cannabis no es exclusivo de los rastafaris, sin duda es uno de los aspectos del movimiento que más llamó la atención a la sociedad occidental cuando apareció en escena en los años 60 y 70. Los rastas consumen cannabis, al que normalmente se refieren como "ganja". Lo fuman, lo ingieren o lo utilizan para hacer tés y cocinar. Algunos rastas creen que el consumo de cannabis debería limitarse a las ceremonias de "razonamiento", mientras otros lo consumen a menudo. Lo consideran una sustancia muy potente con el poder de acercar al consumidor a Jah.

En las ceremonias de razonamiento, los miembros rastafaris suelen sostener un porro mientras recitan una oración a Jah. Una vez terminan la oración, encienden el porro y lo fuman. En otros casos, los rastas también consumen cannabis mediante grandes pipas de agua conocidas como "cálices".

Los motivos exactos que llevaron al consumo de cannabis a formar parte del movimiento rasta no están claros. Algunos creen que viene de Kumina, una religión profesada por los sirvientes congoleños que llegaron a Jamaica a principios del s.XIX y también usaban el cannabis en sus prácticas religiosas.

APARIENCIA.
Los rastas tienen un sentido único de la vestimenta y la apariencia. El uso de rastas en el pelo es, obviamente, muy característico y habitual entre algunos rastas, aunque otras variantes lo prohíben. Algunas sectas, como las Doce Tribus de Israel o Bobo Ashanti, utilizan un estilo de vestimentas para distinguirse, que puede incluir togas y turbantes.

MÚSICA
La música es fundamental en el movimiento rastafari y juega un papel importante en la vida rasta. Coros, cantos y percusiones forman parte de los rituales del "razonamiento", mientras la música reggae sirve de plataforma clave para comunicar el mensaje.

La música se usa para alabar a Jah, y se considera que tiene propiedades curativas únicas. Algunas canciones rastas se cantan con melodías de antiguos himnos cristianos, mientras otras son originales. La música rasta otorga un papel fundamental al ritmo y a la base de graves, a los cuales se les otorga un papel muy simbólico y representan las creencias centrales de su forma de vida.

Tortazos rítmicos directos, música combativa y mensajes directos al corazón✊👍♥️💙🇯🇲 pasito a pasito hasta el final🎙️🎚️📻🎧😎🎷🎺👈

Un bailecito atrevido con cover incluido para animar a la concurrencia ✊👍♥️💙🏁🇯🇲🏴‍☠️⚽


Great!!!
👍✊👈🎸🚬🍻🍺

Jonathan Richman and The Modernlovers.


Dos referencias como ejemplo.
Mejor la primera.
Mensaje para realizar el segundo 😎🤔🏴🚩🏴

Para cuando BUCANEROS???


✊🏴‍☠️⚽🇯🇲

Todos unidos, de cualquier forma, con o sin aditivos, siempre combativos, más con la que tenemos y se viene encima 😎🤭⚡🤝

Levántate y lucha por tus derechos YA!!!

Africa, unite
'Cause we're moving right out of babylon
And we're going to our fathers' land

How good and how pleasant it would be
Before God and man, yeah
To see the unification of all Africans, yeah
As it's been said already let it be done, yeah
We are the children of the Rastaman
We are the children of the higher man

Africa, unite 'cause the children wanna come home
Africa, unite 'cause we're moving right out of babylon
And we're grooving to our fathers' land

How good and how pleasant it would be
Before God and man
To see the unification of all Rastaman, yeah

As it's been said already, let it be done
I tell you who we are under the sun
We are the children of the Rastaman
We are the children of the higher man

So Africa, unite, Africa, unite
Unite for the benefit of your people
Unite, for it's later than you think

Unite for the benefit of your children
Unite, for it's later than you think
Africa awaits its creators, africa awaiting its creators
Africa, you're my forefather cornerstone
Unite for the africans abroad, unite for the africans a yard
Africa, unite

África Unidos
África, uníos
Porque nos estamos moviendo de Babilonia
Y vamos a la tierra de nuestros padres

Qué bueno y lo agradable que sería
Antes de Dios y el hombre, sí
Para ver la unificación de todos los africanos, sí
Como se ha dicho ya deja que se haga, sí
Somos los hijos del Rastaman
Somos los hijos del hombre superior

África, uníos porque los niños quieren volver a casa
África, uníos porque estamos saliendo de Babilonia
Y nos estamos yendo a la tierra de nuestros padres

Qué bueno y lo agradable que sería
Ante Dios y el hombre
Para ver la unificación de todo Rastaman, sí

Como ya se ha dicho, que se haga
Te digo quiénes somos bajo el sol
Somos los hijos del Rastaman
Somos los hijos del hombre superior

Así que África, uníos, África, uníos
Únanse para el beneficio de su gente
Uníos, porque es más tarde de lo que crees

Únanse en beneficio de sus hijos
Uníos, porque es más tarde de lo que crees
África espera a sus creadores, África espera a sus creadores
África, eres mi antepasado piedra angular
Uníos por los africanos en el exterior, uníos por los africanos un patio
África, uníos

Get up, stand up
Get up, stand up: stand up for your rights!
Get up, stand up: stand up for your rights!
Get up, stand up: stand up for your rights!
Get up, stand up: don't give up the fight!

Preacherman, dont tell me,
Heaven is under the earth.
I know you dont know
What life is really worth.
Its not all that glitters is gold;
alf the story has never been told:
So now you see the light, eh!
Stand up for your rights. come on!

Get up, stand up: stand up for your rights!
Get up, stand up: dont give up the fight!
Get up, stand up: stand up for your rights!
Get up, stand up: dont give up the fight!

Most people think,
Great God will come from the skies,
Take away everything
And make everybody feel high.
But if you know what life is worth,
You will look for yours on earth:
And now you see the light,
You stand up for your rights. jah!

Get up, stand up! (jah, jah!)
Stand up for your rights! (oh-hoo!)
Get up, stand up! (get up, stand up!)
Dont give up the fight! (life is your right!)
Get up, stand up! (so we cant give up the fight!)
Stand up for your rights! (lord, lord!)
Get up, stand up! (keep on struggling on!)
Dont give up the fight! (yeah!)

We sick an tired of-a your ism-skism game -
Dying and going to heaven in-a jesus name, lord.
We know when we understand:
Almighty God is a living man.
You can fool some people sometimes,
But you cant fool all the people all the time.
So now we see the light (what you gonna do? ),
We gonna stand up for our rights! (yeah, yeah, yeah!)

So you better:
Get up, stand up! (in the morning! get it up!)
Stand up for your rights! (stand up for our rights!)
Get up, stand up!
Dont give up the fight! (don't give it up, don't give it up!)
Get up, stand up! (get up, stand up!)
Stand up for your rights! (get up, stand up!)
Get up, stand up! ( ... )
Dont give up the fight! (get up, stand up!)
Get up, stand up! ( ... )
Stand up for your rights!
Get up, stand up!
Dont give up the fight!

Levántate, ponte de pie
Levántate, ponte de pie: en defensa de tus derechos!
Levántate, ponte de pie: en defensa de tus derechos!

Levántate, ponte de pie: en defensa de tus derechos!
Levántate, ponte de pie: no renuncies a la lucha!

Predicador, no me diga,
El cielo está bajo la tierra.
Sé que usted no sabe
El valor real de la vida.
No todo lo que brilla es oro;
alf la historia nunca se ha dicho:
Así que ahora ves la luz, eh!
En defensa de tus derechos. ¡anímate!

Levántate, ponte de pie: en defensa de tus derechos!
Levántate, ponte de pie: no renuncies a la lucha!
Levántate, ponte de pie: en defensa de tus derechos!
Levántate, ponte de pie: no renuncies a la lucha!

La mayoría de la gente piensa,
El Gran Dios vendrá de los cielos,
Se llevara todo
Y hara que todos se sientan eufóricos.
Pero si sabes lo que vale la vida,
Buscaras la tuya en la tierra:
Y ahora que ves la luz,
Defiende tus derechos. jah!

Levántate, ponte de pie (jah, jah!)
En defensa de tus derechos! (oh-hoo!)
Levántate, ponte de pie (levántate, ponte de pie!)
No renuncies a la lucha! (la vida es tu derecho!)
Levántate, ponte de pie (asi que no renuncies a la lucha!)
En defensa de tus derechos! (Señor, Señor!)
Levántate, ponte de pie (sigue luchando!)
No renuncies a la lucha! (yeah!)

Estamos enfermos y cansados de su engañoso juego -
Morir e ir al cielo en nombre de jesus, Señor.
Sabemos cuando entendemos:
Dios Todopoderoso es un hombre viviente.
Puedes engañar algunas veces a las personas,
Pero no puedes engañar a toda la gente todo el tiempo.
Así que ahora vemos la luz (que vas a hacer?)
Vamos a defender tus derechos! (yeah, yeah, yeah!)

Así que mejor:
Levántate, ponte de pie (por la mañana! consiguelo!)
Stand up para sus derechos! (de pie por nuestros derechos!)
Levántate, ponte de pie
No renuncies a la lucha! (no la dejes, no la dejes!)
Levántate, ponte de pie (levántate, ponte de pie!)
Stand up para sus derechos! (levántate, ponte de pie!)
Levántate, ponte de pie(...)
No renunciar a la lucha! (levántate, ponte de pie!)
Levántate, ponte de pie (...)
En defensa de tus derechos!
Levántate, ponte de pie
No renuncies a la lucha

76 años del nacimiento del Rey de Reyes celestiales del Regaee y aún nos queda...
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Bob Marley, rey del reggae y amante del fútbol
El 6 de febrero de 1945 nació el icónico cantante jamaicano. "El fútbol es libertad", fue una de las frases más recordadas del músico.

La música de Bob Marley trascendió por siempre y hoy su legado es indescifrable. El artista jamaicano, sin embargo, no sólo tenía pasión por el reggae, sino también por el fútbol.

Internet está plagado de videos con el cantautor jugando fútbol con sus músicos y otros amigos. Incluso, una de las tantas teorías del intérprete de "No woman, no cry" señala que un melanoma maligno en un dedo del pie tras jugar un partido fue el motivo de su muerte, acaecida el 11 de mayo de 1981.

Este 6 de febrero se cumplen 76 años del nacimiento del legendario músico y queremos recordar su otra pasión, la que gratificaba con frases como esta: "Libertad, el fútbol es libertad... El fútbol es todo un arte, es todo un universo. Cuando jugamos fútbol, tocamos música".
🎸🎙️🎚️📻🎧⚽🇯🇲

Tran, tran...tran, Tran, tran...tran...
El tren mañana llega a la última estación...
Traqueteo y Tracks finales, ojalá sea con una alegría en la Copa del "KING"🤔
ETERNO MARLEY!

Bob Marley, nacido como Robert Nesta Marley, nació el 6 de febrero de 1945, en Nine Mile, una pequeña localidad al norte de Jamaica. No podía imaginar que llegaría a convertirse en uno de los mitos musicales de este siglo.

Bob Marley era hijo de Cedella Booker, una mujer africana afincada en Jamaica, de 18 años y de Norval Marley, un capitán del ejército británico, de 50 años que se desentendió de su hijo.

A finales de los años cincuenta, Robert se trasladó con su madre a Kingston, la capital. Era la ciudad donde los habitantes de las zonas rurales acudían en pos de mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres y míseros.

Influencia rastafarí
Gran influencia tuvo en la biografía de Bob Marley la religión Rastafarí, mezcla de profecías bíblicas, filosofía naturista y nacionalismo negro. En 1930 Ras Tafari Makkonen fue coronado emperador de Etiopía, pasando a llamarse Hailè Selassiè. Según una vieja profecía, este rey libertaría a la raza negra del dominio blanco. Muchos jamaicanos, creyentes en la profecía, lo eligieron como el representante de su nueva religión.

Bob Marley

Fue en este ambiente donde Bob Marley conoció a Neville O'Riley Livingstone (Bunny) y a Peter McIntosh. Juntos comenzaron a tocar, influenciados por la música de Ray Charles, Fats Domino, Brook Benton o Curtis Mayfield.

En 1963 forman un grupo, 'Wailing Wailers', lanzando un primer single que alcanzaría el primer puesto en las listas jamaicanas. Bob Marley se convirtió en uno de los primeros en escribir canciones sobre los jóvenes delincuentes del ghetto de Kigston.

En 1966, Bob Marley se casó con Rita Anderson, y se marchó a vivir con su madre unos meses. Esta estaba viviendo en Estados Unidos, con su nuevo esposo. A su vuelta a la isla, la creencia en la religión Rastafarí creció, reflejándose en sus canciones.

Bob Marley & The Wailers
Con sus amigos Bunny y Peter, crean un nuevo grupo, 'The Wailers'. Debido a la 'espiritualidad' que emanaba de sus canciones, tuvieron problemas para encontrar representantes, lo que les resta gran parte del éxito que esperaban.

A principios de los setenta, se alían con Lee Perry, un productor que revoluciona su trabajo, dando como resultado algunas de sus mejores obras, como 'Soul Rebel', 'Small Axe', '400 Years', etc.

Primer álbum
album Soul Rebels de Bob Marley
En 1971 Bob Marley & The Wailers publican su primer álbum, "Soul Rebels", con el que se dan a conocer al otro lado del Atlántico ya que fue lanzado en Reino Unido. El álbum incluye algunos de los temas clave en los inicios de Bob Marley.

En 1972, el grupo edita su segundo álbum, 'Catch a Fire', que tuvo gran éxito, lo que llevó a la casa discográfica a realizar una gira por Inglaterra y Estados Unidos. En 1973 salió a la luz su nuevo disco, 'Burnin', con nuevas versiones de sus viejos temas.

En 1975 Bunny y Peter dejan el grupo para dedicarse a su carrera en solitario. Les sustituyen en el grupo la mujer de Marley, Marcia Griffiths y Judy Mowatt. El grupo pasó a denominarse 'Bob Marley & The Wailers'.

album Rastaman Vibrations de Bob Marley
En 1976 se publicó 'Rastaman Vibrations', encaramándose a las listas de éxitos y siendo considerado como el más claro exponente de las creencias de Bob Marley.

El 5 de diciembre de 1976, Marley se disponía a dar un concierto en Jamaica, como reivindicación de la paz y los derechos de los ciudadanos de su patria. Pero unos desconocidos le atacaron antes del concierto, aunque sin herirlo. Tras este atentado, Bob Marley abandona Jamaica y se traslada a Florida, multiplicando sus giras por USA, Europa y Africa.

album Exodus de Bob Marley
Al año siguiente se editó el álbum 'Exodus', que se convirtió en un superventas en Inglaterra. En 1978, publicaron el álbum 'Kaya', un nuevo éxito con canciones de amor y de homenaje a la marihuana.

Tras la publicación del álbum 'Babylon By Bus', fruto de una gira por Europa y América, Marley visita Africa, hecho que le inspiró su nuevo álbum 'Survival', homenaje a la patria africana.

En 1980 publica el álbum 'Uprising', cuyo éxito fue arrollador, propiciando una nueva gira europea que batió todos los records de asistencia. Al finalizar la gira europea, Marley cayó gravemente enfermo de cáncer, causado por una herida que se había hecho unos años antes.

Muerte de Bob Marley
El 11 de mayo de 1981 Bob Marley fallecía en un hospital de Miami a los 36 años. Su cuerpo fue trasladado a su ciudad natal, Nine Mile, donde descansa en un mausoleo. A su funeral acudieron el primer ministro y altas personalidades de su país.

Este cantante Jamaiquino ha sido icono para muchos; no solo porque musicalmente revolucionó al mundo, sino porque la paz y la convivencia fueron su premisa.

«Emanciparse de la esclavitud mental/Nadie más que nosotros puede liberar nuestras mentes.

No tengas miedo de la energía atómica/Porque ninguno de ellos puede detener el tiempo»

Letras como las de Redemption Song (1980) invitan a la emancipación mental. Esta grabación acústica lleva el germen de sus ideales basados en el movimiento rastafari, pero más aún basados en el deseo de que la paz fuese posible en un mundo donde el color de la piel, las clases sociales y las motivaciones políticas eran prioridades frente a la paz misma.

Atentado a Bob Marley antes de un concierto por la paz.
Pese a tener un discurso pacífico y apolítico, Bob Marley se salvó de un atentado en 1976. La noche del 3 de diciembre siete pistoleros ingresaron a su casa, el 56 de Hope Road, y dispararon un total de 87 balas. ¿Quién quería matarlo?

Existe una hipótesis que tiene como contexto la espiral de violencia que vivía Jamaica para 1976. El control de las calles estaba en manos de gánsters políticos divididos en dos bandos:

Los defensores del Partido Nacional Popular del Primer Ministro de ese entonces Michael Manley, quienes eran acusados de comunistas y cuyo líder se había acercado a la Cuba de Fidel Castro.
Y el Partido Laborista de Jamaica, señalado como fascista, cuyo hombre fuerte era Edward Seaga y representaba para muchos los intereses estadounidenses.
Para el 5 de diciembre de ese año, Bob Marley había aceptado participar en un concierto en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston. Concierto que promovía la paz, la reconciliación nacional y el cese de la violencia, pero que estaba organizado por Micahel Manley. En este escenario, Manley convoca elecciones para el 15 de diciembre.

Muchos toman el gesto de Marley como apoyo al bando de Manley y entre las versiones acerca del atentado, existe la hipótesis de que fue organizado por la CIA, dadas las conexiones del cantante con el líder del Partido Nacional Popular.

¿Moraleja?
Cierta o no esa hipótesis, los pistoleros luego de herir a Marley, su esposa y su manager desaparecen. Nadie supo quiénes eran ni se conocieron sus motivaciones. Lo interesante de este episodio – más allá de la anécdota política – es que luego del atentado, Bob Marley solo resultó herido en un brazo y 2 días después, el 5 de diciembre, se presenta en el polémico concierto.

¿Por qué? “La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Ilumina la oscuridad”, dice. Quizás las palabras de Bob Marley tengan un eco en este siglo, donde cada día se observan posturas políticas más radicales.

Porque en todo caso, ¿qué le resta por hacer al ciudadano de a pie en un mundo nuclear globalmente interconectado gobernado por políticos cada vez más fundamentalistas? Quizás, ser luz en la oscuridad o “abrir la mente” para discernir entre lo que se nos promete y lo que realmente pueden hacer y cumplir.

Rastafari REVOLUTION!!!

Siempre luchando🇯🇲✊

Que hasta que la filosofía que sustenta la existencia
de una raza superior y otra inferior
sea final y permanentemente
desacreditada y abandonada,
por todos lados estará la guerra,
yo digo: guerra.

Y hasta que ya no haya
una primera clase y una segunda clase
de ciudadanos de cualquier nación.
Hasta que el color de la piel de un hombre
no tenga mayor importancia que el color de sus ojos,
yo tengo que decir: guerra.

Y hasta que los derechos humanos básicos
sean igualmente garantizados para todos,
sin importar la raza,
esto es una guerra.

Que hasta ese día,
el sueño de una paz duradera,
la ciudadanía mundial,
y la ley de la moralidad internacional,
seguirán siendo una fugaz ilusión que perseguir,
pero que nunca alcanzaremos.
Por todos lados hay guerra,
yo digo: guerra.

Guerra en el este,
guerra en el oeste,
guerra arriba en el norte,
guerra abajo en el sur.

Y hasta que los innobles e infelices regímenes
que mantienen a nuestros hermanos
en Angola, Mozambique, Sudáfrica,
en una servidumbre sub humana hayan sido derribados,
totalmente destruidos.

Por todos lados hay guerra,
yo digo: guerra.
Guerra en el este,
guerra en el oeste,
guerra arriba en el norte,
guerra abajo en el sur,
guerra, guerra, rumores de guerra.

Y hasta ese día,
el continente africano no conocerá la paz,
nosotros los africanos, lucharemos,
lo creemos necesario,
y sabemos que venceremos porque tenemos confianza
en la victoria del bien sobre el mal,
del bien sobre el mal, del bien sobre el mal,
por todos lados hay... guerra.

Bob Marley - Guerra (Letra basada en el discurso de
Haile Selassie ante la ONU en 1963)

El rey del reggae reconoció legalmente a 11 hijos y nueve madres diferentes. Los casos de paternidad de otros 11 hijos rebotan en los tribunales. La 'herencia Marley' es uno de los casos más atípicos en la jurisprudencia internacional.

Rita Marley nos contó qué contenía el ataud de Marley, los objetos enterrados con él: su guitarra Les Paul de color dorada, un balón de fútbol, unos brotes de cannabis, un anillo que le había regalado el hijo de Selassie y, finalmente, una Biblia.

Pero como muchas otras vidas de personajes tan singulares y únicos, Bob Marley se ha llevado muchos secretos a la tumba. Enterrados para siempre. Bob también se llevó a su tumba en Nine Miles, en un panteón familiar, no sólo el secreto de su talento, de sus mensajes positivos e humanos, sino que también los secretos de una increíble vida sexual.

A Bob Marley le gustaba tener un 'harén' sentimental y sexual. Aseguraba que era una vibración positiva para sus sentimientos humanos. Decía que su emotividad sexual se trasladaba de esa manera a su amor hacia la humanidad, a la fantasía estética, a la sublimación. Casi rozando, sin conocerlas, las teorías sobre el psicoanálisis de Freud.

Éste es el panaroma esencial, muy esquematizado de la intensa vida sexual de unos de los grandes iconos de nuestro tiempo.

Rita Anderson.

Rita, que nació en Santiago de Cuba y que realmente se llama Alpharita Constancia, tuvo cuatro hijos con Bob. Todavía se discute si fue la única mujer con la que se casó Marley. El matrimonio tuvo lugar en casa de la familia de Rita, el 10 de febrero de 1966, tras un año de relaciones. Ella tenía 19 años y Bob, dos años más.

Rita le había introducido a Bob en la religión de los rastafaris, a pesar de que en ella, la mujer sólo se considera como una figura esclava del marido. Bob abrazó la religión de Jah en 1967 y quedó afiliado a la tribu de José, que le correspondía por su nacimiento en el mes de febrero, dentro de la organización de la Mansión de las Doce Tribus.

Al primer hijo que tuvieron le pusieron el nombre de Cedella, el nombre de la madre de Bob. La niña nació en agosto de 1967 y Marley inmediatamente escribió la canción 'Nice time' con la firma de los Los Wailers. Cedella se quedó con el apodo de la canción. Ella misma nos contó que pocas veces en casa se hablaba de música y que su padre todavía soñaba con ser un doctor en medicina o un abogado.

Cuando nació Cedella, Marley tuvo que reconocer como hija suya a Sharon Prendergast, una niña que Rita había tenido con tan sólo 17 años con un hombre que nunca quisó dar el nombre, aunque sí el apellido. El padre de la criatura tenía un hermano gemelo y ambos formaban un duo musical al estilo de Sam and Dave.

David, o Ziggy, como se le conoce en la actualidad, nació el 17 de octubre de 1968. Rita nos confesó que, de todos los hijos, este es el más parecido a Bob . En el carácter, en el físico y ,además, porque es el que más éxito ha obtenido. Para Bob también era una especie de favorito. Ziggy ha vendido más de cinco millones de discos.

El tercer hijo que engendraron fue Stepehen, que nació 20 de abril de 1972. Es el que tiene más dotes como organizador. Cuando sólo tenía cinco años ya estuvo en la grabación de la canción que su padre escribió para los niños del gueto de Trench Town, el tema 'Children playing the streets'.

Rita tuvo una cuarta hija con Bob cuando todavía estaba casada con él. La niña se llamó Stephanie, pero la madre de Marley aseguraba que no fue engendrada dentro del matrimonio. Años después, Rita confesó que un ejecutivo llamado Ital, encargado de la gestión del sello discográfico Tuff Gong, había sido el padre. Pero Bob reconoció como suya a la niña que es, legalmente, parte de la familia Marley.

Cindy Breakespeare.
Marley conoció al gran amor de su vida cuando Cindy sólo tenía 15 años. Cindy era blanca, de una belleza exquisita, la hija de una familia amiga de Chris Blackwell, el hombre que había fundado el sello Island y que había lanzado a Bob al estrellato. Bob siempre estuvo enamorado de ella y le obsesionaba el carácter independiente de Cindy. Por eso Bob escribió 'Waiting in vain' ('Esperando en vano') con la mente puesta en Cindy. En la actualidad, es una canción emblemática.

Tras seis años de relaciones tormentosas y, cuando ya estaba embarazada, Cindy se enteró de que Marley estaba casado. La madre de Bob le habló de Rita. Damian nació el 21 de julio de 1976. Meses después, financiada por el propio Bob , Cindy logró ser Miss Universo en Bikini. Un par de años después, Bob le compró una casa en Kingston que le costó más de 100.000 dólares. Cindy fue la mujer a la que más amó Bob.

En cuanto a Damian, Bob cayó un día en que ese era un nombre del diablo, el nombre de La Profecía y Bob lo empezó a llamar Junior Gong. A los 13 años, Damian publicó su primer álbum con una banda llamada The Sheperds. Su último álbum lo produjo su hermanastro Stephen.

Janet Dunn (Hunt).
Bob se empeñó en esta bailarina de un club mientras grababa el álbum 'Catch a fire' a comienzos de 1970 y en pleno romance con Cindy. Dos años después, en mayo de 1972, nació Rohan, el más difícil y problemático de todos los hijos reconocidos por Bob.

Cuatro años después, la propia Janet se desembarazó de Rohan y Bob habló con Rita para que lo tuviera en casa como uno más de sus hijos de sangre. Pero Rita tampoco pudo nunca con Rohan. Iba al mismo colegio que Ziggy y Stephen, pero sus profesores decían que Rohan era incorregible. Luego se apaciguó uno poco como jugador de fútbol americano en los Hurricanes, el equipo de la Universidad de Miami. Hasta que, poco después, robó un camión de la policía y terminó en prisión. Tenía 17 años.

Seis años después, cuando ya estaba casado con una mujer jamaicana, Rohan dejó embarazada a Lauryn Hill, la cantante de los Fugees, a pesar de que ella era la novia oficial de Wycliff Jean y, con él, el núcleo duro del grupo. Rohan y Lauryn tuvieron cinco hijos juntos pero nunca se casaron. Hace un año, tras nacer una niña, tras numerosos escándalos por las constantes agresiones a Lauryn, la madre de la cantante los separó. La ex-cantante de los Fugees vive, de momento, apartada de Rohan, que es quien diseña las camisetas y la línea de ropa de la Fundación Marley.

Pat Williams.
En ese año tan lujurioso de 1970, casado con Rita, enamorado de Cindy, saciado con Janet, Bob inició otra extraña relación con una mujer llamada Pat a la que se refiere en 'Songs of freedom' como Lucille Williams. Una noche, mientras grababa 'Catch a fire', Pat logró que Bob se quedara desnudo a las afueras del estudio, donde Pat hicieron el amor. El acto a la luz de la luna le afectó tanto a Bob que, al día siguiente, escribió 'Midnight ravers'. Dos años después de inicadas esas relaciones tan profundamente sexuales, como solía contar a sus compañeros en los Wailers, nacía Robbie, en marzo de 1972. Pat no quiso que el niño viviera con ella y, de nuevo, Rita se encargó del pequeño Robbie. Ahora, este Marley 'menor' es un diseñador de gráficas digitales.

Bob Marley. | J.R.Bob Marley. | J.R.
Janet Bowen.

Fue otra de las aventuras en Londres, cuando Bob mezclaba en St. Peters Square uno de sus álbumes con Island Records. De hecho, a la chica la llamaba 'Janet England'. En mayo de 1973, tras un año de relaciones, nació Karen Marley. Una vez más, la madre no quiso vivir con su hija. Así que Karen pasó a vivir con su abuela en Harbor View, en Jamaica. Cuando Marley estaba en Alemania, enfermo de cáncer, le pidió a Rita que se hiciera cargo de Karen. Rita accedió a que la niña fuera al mismo colegio que Stepheanie, la más pequeña de todos, la hija que Rita había tenido de la relación con otro hombre.

Lucy Pounder.
Lucía vivía en Londres, pero había nacido en las Barbados. Era una gran belleza y Bob la llamaba siempre que estaba en Inglaterra. El 4 de junio de 1975 nació en Londres, Julian Marley, el heredero musical de Bob. Julian escribió su primera canción a los cinco años y es quien mejor conoce los gustos y los defectos de sus hermanastros. El propio Julián nos contó que desde que era niño, su madre Lucy le hacía viajar a Jamaica y Miami para estar con Rita y sus hermanastros.

Anita Belnavis.
En una de sus giras europeas, Bob conoció a la campeona de Jamaica de ping-pong Anita Belnavis. El 26 de febrero de 1976, en Falmouth, en Jamaica,la deportista dio a luz un hijo concebido por Bob. Le pusieron el nombre de Ky-Many. Con nueve años, Ky-Many empezó a vivir con Rita en Miami. Con sólo 20 años, publicaba un formidable álbum de versiones de temas que había hecho famosos su propio padre. Hace un par de años tuvo bastante éxito con un programa de televisión que se llamaba 'Viviendo la vida de Bob Marley'.

Yvette Crichton.
Yvette se cree que es la última mujer con la que Bob tuvo relaciones sexuales. Tan sólo dos meses antes de la muerte del cantante, en marzo de 1981, Yvette dio luz a una niña a la que puso el nombre de Makeda Jashnesta Marley. 11 años después, Rita reconoció que era hija de Bob y fue incluida como beneficiaria de la herencia de Bob Marley. El pasado verano, Makeda fue a la cárcel por una semanas, ya que en su casa de Miami tenía demasiadas plantas de marihuana para alegar que eran de uso personal.

Amantes sin hijos.
Esther Anderson fue una de las amantes que más se conservaron en la memoria del cantante, hasta el punto que la citó indirectamente en un par de canciones. Bob alquiló una casa en el pueblecito pesquero de Negril, en Jamaica. Un 'escondite' de amor, el favorito de Marley.

Diane Jobson fue una de sus abogados. Pero siempre bajo la influencia feroz del sexo y las relaciones sociales. La familia de Diane era una de las más ricas de Kingstone. El día que Bob se cansó de ella , apenas la quería ver como consultora legal.

Pascalene era la hija del presidente de la república del Gabón. Esta relación le acarreó muchos problemas sentimentales y políticos. El cáncer acabó con el apasionado romance.

La princesa Yashi: la hija del ministro del petróleo de Libia era una asidua en los clubs de Londres, donde la conoció Bob. Juntos tuvieron un par de años tórridos de pasiones y celos, porque al rey del reggae le gustaba verse rodeado por las más bellas modelos del club londinense de moda.

Allen Cole era la ayudante de uno de sus mánagers, el carismático Don Taylor , fue el servilismo en persona. Bob la disfrutaba como asistente personal, amante y secretaria.

A Bob Marley se le relaciona también con una semana de "pasión loca" con la nicaragüense Bianca Perez de Macías, es decir, Bianca Jagger, cuando ella todavía estaba casada con el cantante de los Rolling Stones. Pero dadas las circunstancias se ocultaron pruebas y circunstancias. Se dice que como "venganza", Jagger fichó al rival eterno de Bob, el cantante y viejo compañeros en los Wailers, Pete Tosh, que fue el primer artista que fichó para Rolling Stone Records. Incluso el primer éxito de Tosh fue un dueto con Mick, titulado curiosamente 'DonŽt look back'.

Aún hay más: Dos hermanas (Virginia y Nancy) del amor su vida, Cindy Breakespeare, fueron también amantes circunstanciales. Al igual que otra amiga de Cindy, la sorprendente Sandra Kong, fue una de las asiduas a la casa de Bob en Miami.

Quién esquién.
Según la versión de Don Taylor, las amantes de Bob Marley pudieron ser cientos, pero muchas de ellas nunca se llegaron a conocer. La propia Rita, su única esposa oficial, nos contó que ha recibido más de cuatro docenas de querellas de mujeres que traían un hijo secreto.

Bob Marley, poco antes de morir, reconoció legalmente a 11 hijos, pero su abogado Don Taylor confesó hace 10 años, que Bob Marley fue padre de otros 11 hijos. Algunos de esos casos de paternidad todavía están en los tribunales. Rita también confirma que el rey del reggae tuvo probablemente 22 hijos. Bob siempre negaba estar casado. Rita recuerda con tristeza como en muchísimas ocasiones la presentaba como su hermana a muchas de sus conquistas.

Un personaje tan peculiar como Bob aseguraba que estar casado era una prisión psicológica, que las mujeres eran simplemente cobardes y los hombres seres más fuertes. Biógrafos y ensayistas de la vida, obra y milagros de Bob Marley advierten que el personaje está mediatizado por su peculiar sentido religioso.La religión de los rastas dice que la mujer es tan una gratificación sexual y una esclava doméstica de los hombres. Sin embargo, se sentía obligado por su dios Jah a hacerse responsable financieramente de todas sus conquistas sexuales, amén de los gastos que acarreaban los hijos de esas relaciones sexuales.

Nesta, como le llamaba su madre Cedella a Bob, era una diablo bueno, según su amigo Vincent Ford, al que le regaló autoría de canciones como 'No woman no cry' para que pudiera vivir, ya que se había quedado paralítico a causa de una diabetes.

Un "corazón de oro" para el desaparecido Timothy White, el editor de 'Billboard' y gran amigo suyo. Pero un corazón muy desordenado. Se fue de esta vida con el gran lío del derecho de sus canciones, del estado de sus amantes, de sus hijos reconocidos o reconocidos, hasta de su herencia, ya que se negó a firmar un testamento, por apelar a su religión. Todo el legado de Bob Marley en un absoluto caos. Pero como decía su cocinero, Gilly Gilbert: "Hiciera lo que hiciera Bob, siempre era más lo bueno que lo malo".


✊🇯🇲⚽🎙️📻🎸🏴‍☠️🚬🍻🍺

Queda el maravilloso e increíble recuerdo, aunque todo pasa, nada es eterno, y posiblemente nada queda.

Creó la banda en 1963 junto a Bob Marley y Peter Tosh.

Murió Bunny Wailer, fundador de The Wailers
El cantante, que tenía 73 años, era el último integrante original vivo de la banda que llevó el reggae por el mundo.

Durante una gira por Zimbabue, a propósito de la celebración de sus 70 años de edad, a Bunny Wailer le preguntaron qué fue lo mejor y lo peor de su carrera musical. A lo que contestó: “Lo mejor es que mi voz maduró bien. Por otra parte, aunque al final los Wailers terminamos sobreviviendo, lo más difícil fue cuando se separó la formación que grabó los discos Catch a Fire y Burnin”. Si bien ambos álbumes aparecieron en 1973, este último consiguió una revolución cultural que algunos comparan con la que provocó Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de los Beatles. Nada más con ese hecho, Bunny Wailler pasó a la historia. Sin embargo, este martes trascendió hacia la inmortalidad. Su mánager anunció el fallecimiento de la leyenda del reggae en el hospital Andrews Memorial de su Jamaica natal. Tenía 73 años y era el único de los integrantes de la alineación fundacional de los Wailers que seguía con vida. Pese a que no se conocen las causas de su muerte, el músico padecía complicaciones de salud a raíz de un derrame cerebral que sufrió en 2018.

Nacido como Neville O’Riley Livingston, el cantante creó la banda en 1963, en uno de los barrios más pobres de Kingston, junto a Bob Marley, Peter Tosh, Cherry Smith, Junior Braithwaite y Beverley Kelso. Antes de que se produjera la internacionalización de la música jamaiquina, The Wailers incursionó en el ska y rocksteady (géneros que sirvieron de semilla para el florecimiento del reggae). Su primer éxito, “Simmer Down”, se concibió dentro de esas escenas. Mientras el grupo disfrutaba de su éxito pero la isla pagaba el precio de su reciente independencia, Bunny Wailer fue encerrado en la cárcel por posesión de marihuana. Al terminar su condena de 14 meses, lo hizo con uno de los identikits del reggae: los dreadlocks. Y eso lo transformó no sólo en uno de los primeros músicos en lucirlos, sino que también lo introdujo a él y a sus demás compañeros de formación en las creencias rastafari.

Debido a la popularidad que fue cobrando Bob Marley, la banda pasó a llamarse Bob Marley & The Wailers. Hasta ese entonces, el resto de occidente no conocía el reggae. Pero Burnin’ logró captar los oídos del mundo, lo que fue reforzado al año siguiente por Eric Clapton, quien hizo un cover de uno de los temas de ese disco: “I Shot the Sheriff”. En medio del éxito, Wailer se atrevió a dejar el grupo que llevaba su apellido. Básicamente porque no quería salir de gira fuera del país, aunque ya había probado el poder de su música en vivo en los Estados Unidos e Inglaterra. Entonces se centró más en su aspecto espiritual y poco tiempo después en su carrera solista. Todo eso se conjugó en su primer material en solitario, el fabuloso Blackheart Man (1976), cuyas letras versan acerca de la repatriación, rastafari y ese arresto por posesión de cannabis. Incluso, el título trata acerca de sus raíces, pues alude a su infancia en el campo junto a Marley. Su salida de su otrora grupo no afectó su vínculo con sus amigos, al punto de que Bob Marley, Peter Tosh y la sección rítmica de los Wailers colaboran en este debut.

Blackheart Man es uno de los estandartes del reggae roots, uno de los estilos del género más cultivados. También experimentó con la música disco en Hook Line & Sinke (1982), en tanto que un par de años antes, en Sing the Wailers, con el apoyo de Sly & Robbie, reversionó a su antigua banda. Y hasta llegó a poner un pie en el dancehall. Ganó tres Grammy al Mejor Álbum de Reggae; el primero de ellos, en 199,1 gracias a Time Will Tell: A Tribute to Bob Marley, con quien estuvo muy unido hasta sus últimos días. Era tan fuerte su vínculo con él y Tosh (que fue asesinado en 1987) que, tras el fallecimiento de ambos, escribió una carta abierta en la que puso bajo lupa a Rita Marley🤔🏴‍☠️ por la desaparición de sus colegas. A mediados de los 2000, fue parte de los invitados del disco True Love, de Toots and the Maytals, al lado de figuras de la talla de Eric Clapton, Manu Chao, Jeff Beck y Gwen Stefani, entre otros. El anuncio de la muerte de Bunny Wailer vuelve a enlutar al reggae, luego de la reciente partida de iconos como Frederick “Toots” Hibbert y U-Roy.

🏴🏴🏴🏴🏴🏴🏴
DEP.
Mañana más...
🇯🇲

Dubbbbbbbbbb
✊🏴‍☠️🇯🇲


Alma Rebelde SIEMPRE!


♥️✊🏴‍☠️📻

 Anónimo
06/03/2021 7:38 pm
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Bon día, Bona tarda y Bona NIT!
Acabamos, aunque nunca se sabe si es el FIN definitivo!
👈🍀👉🤭✊💸🎙️🎧🎚️🎸🙌


Maravilloso COVER ♥️

El mejor de los tres, ácrata, luchador por los derechos humanos y combativo hasta morir.

PETER TOSH (1944 – 1987) ES UNA DE LAS GRANDES LEYENDAS DE LA MÚSICA REGGAE A NIVEL MUNDIAL, GANADOR DE UN GRAMMY Y MIEMBRO FUNDADOR DEL GRUPO THE WAILERS.

DE NOMBRE REAL WINSTON HUBERT MCINTOSH, FUE UNO DE LOS GRANDES DEFENSORES DE LOS DERECHOS HUMANOS EN SU ÉPOCA. DEMOSTRÓ SU FIRMEZA EN LA LUCHA CONTRA EL SISTEMA EN MUCHÍSIMAS OCASIONES. UNA DE SUS DECISIONES MÁS CONOCIDAS FUE CUANDO HIZO PERDER 78.000$ A UNOS PROMOTORES CUANDO DECIDIÓ NO TOCAR EN ISRAEL, YA QUE LOS ISRAELITAS LE VENDÍAN ARMAS AL APARTHEID EN SUDÁFRICA EN AQUELLOS TIEMPOS.

ADEMÁS, EL BUSH DOCTOR FUE UN INCANSABLE ACTIVISTA PRO-LEGALIZACIÓN DE LA MARIHUANA. EN ESTE CAMPO NOS DEJÓ UNO DE LOS HIMNOS MÁS IMPORTANTES PARA TODOS LOS CONSUMIDORES DE ESTA PLANTA, EL LEGALIZE IT.»

Después de la noticia de su muerte, asesinado en su propia casa por unos intrusos armados durante un allanamiento de morada, llega una triste noticia que representa el olvido que ha vivido este artista, que como veréis se ve directamente reflejado en las penurias de su familia. Nada que ver con la vida que disfrutan los sucesores de Marley.

Hace tiempo atrás salía a la luz la extraña historia de la desaparición del Grammy de Peter Tosh. Un miembro de su familia lo había empeñado en una tienda de Somerville, en el estado de Massachusetts, una ciudad muy cercana a Boston.

El Grammy fue concedido a Tosh en 1988 después de su muerte. La historia de su paradero comienza en un establecimiento de prestamistas en Somerville llamado LBC Boutique & Loan, donde un miembro de la familia Tosh lo empeñó en la pasada primavera, junto con una de las guitarras del músico, para poder recibir un préstamo de 6,000$. Según los representantes de la casa de empeños, el familiar de Tosh recibió 4.000$ por empeñar el Grammy y otros 2.000$ por la guitarra. Cuando el préstamo no fue devuelto, los prestamistas obtuvieron la propiedad legal de ambos artículos.

Poco después comenzó un tira y afloja entre los representantes de Tosh y la casa de empeños, quienes dijeron que habían vendido los artículos a un coleccionista de California por 38.000$.

LO COMPRÓ UNO DE ESOS PECES GORDOS DE GOOGLE»💩🧻🚽😷DIJO MICHAEL BAYLES DE LBC BOUTIQUE & LOAN, QUIEN SE NEGÓ A FACILITAR EL NOMBRE DEL COMPRADOR.

Pero a finales de agosto este problema se intensificó cuando la hija de Tosh, Niambe McIntosh, una maestra de una escuela pública de Boston que administra los bienes de su difunto padre, aseguró que estaba en posesión de la familia. Desde entonces, ambas partes se han negado a proporcionar pruebas que corroborasen su paradero. Por esa razón, la situación ha llegado a convertirse en todo un misterio, ya que se abrió el museo de Peter Tosh en Kingston (Jamaica).

CUALQUIERA PUEDE VENIR A VER EL GRAMMY AL MUSEO», DIJO NIAMBE EN REFERENCIA A LAS DECLARACIONES DE BAYLES.

El presidente de Pulse Investments, Kingsley Cooper, dijo que el museo era consciente de la confusión sobre el Grammy de Tosh, pero afirma que la familia le aseguró que lo tenían en su poder. El caso es que su opinión es muy valiosa, ya que esta empresa forma parte del proyecto que se encargó de sacar adelante la idea del museo, junto a Peter Tosh Estate, y Andrea Marlene Brown.

Entonces, ¿quién está diciendo la verdad? Para liar un poco más el asunto, Ernest Nadile, un detective que supervisa las casas de empeño de Somerville, dijo que fue Jawara McIntosh, hijo de Tosh, quien había empeñado los artículos originalmente, añadiendo que la propia casa de empeños se lo vendió posteriormente a la familia de Tosh.

Hay que recordar que cuando Tosh murió no dejó ningún testamento, lo que ha provocado que en los últimos años sus familiares hayan peleado a través de los tribunales por sus derechos. Pero los problemas de los hijos de Tosh vienen de lejos, ya en 2013, su hijo Jawara McIntosh, cuyo nombre artístico es Tosh1, fue detenido en Nueva Jersey por cargos de marihuana. Al parecer, en un momento dado la familia recaudó fondos para su defensa y quedó en libertad tras pagar una fianza de 75.000$.

Bunny Wailer, quien responsabilizó a la mismísima Rita Marley de la muerte de Tosh y también del propio Bob Marley.

Homenaje que recibió Peter Tosh con motivo de la apertura de su museo en Kingston. Recientemente se anunciaba la participación en un concierto benéfico de la backing band que acompañaba al artista, «Word, Sound and Power», con los miembros originales de su creación en 1976.

Fue la reunión de una importante serie de extraordinarios músicos como son Sly Dunbar, Robbie Shakespeare, Mikey Chung, Steve Golding, Robbie Lyn, Keith Sterling, Carlton “Santa” Davis, George “Fully” Fullwood, Carlton Smith, Derrick Lara, Junior Moore y Donald Kinsey, así como otros músicos de grabación como Dean Fraser y Nambo Robinson. Tarrus Riley y Ky-Mani Marley.



Nació el 9 de octubre de 1944 en Westmoreland (Jamaica).

Uno de los fundadores de los Wailers junto a Bob Marley y a Bunny Livingstone. Comenzaron a trabajar juntos en 1962. Dos años más tarde apareció Summer Down, una canción de la que llegaron a venderse más de 80.000 discos.

Durante los siguientes dos años grabaron más de ochenta canciones para Studio One Records. Durante su estancia en el grupo, Tosh compuso algunos de los temas más populares de la formación, como Get Up, Stand Up. Eclipsado por Bob Marley, y por las pocas posibilidades de dar a conocer sus propias canciones, decidió abandonar el grupo.

En 1976, lanzó su primer LP, Legalize It, donde pedía la legalización de la marihuana. En 1983, después de un tour para promocionar su disco Mama Africa, desapareció cuatro largos años, durante los que realizó un prolongado viaje por tierras africanas.

El 11 de septiembre de 1987, poco después de lanzar un nuevo disco, Peter Tosh, junto a otras dos personas, fue asesinado en su casa de Kingston por tres ladrones que entraron a robar.

En el año 1992 se estrenó un documental sobre su figura, titulado Peter Tosh: Red X-Stepping Trazor.

Discografía seleccionada

Legalize It (1976) CBS
Equal Rights (1977) CBS
Bush Doctor (1978) Trojan
Wanted Dread & Alive (1981) EMI America
Mama Africa (1983) EMI America
No Nuclear War (1987) EMI America
The Toughest (1996) Heartbeat

Calentando el Weekend ⚽🚬🍻😉

Un bailecito, el colega es telita fina!
No se llama Ramoncin, ni tiene la sangre caliente 🚬🤭🤭🤭🤭🤭🤭🤭

Apasionado es!!!
Javier, Xavier, Xabi se llama(Nieva, Alguna) y se pone Moreno cuando luce el sol...

Preparamos el M16 👍


LEGALIZAMOS!!!

Fuera del espacio
Lucifer, hijo del luto, te voy a perseguir fuera de la tierra
Voy a poner una camisa de hierro, y sacar a Satanás de la tierra
Voy a poner una camisa de hierro, y perseguir al diablo fuera de la tierra
Lo voy a enviar fuera del espacio, para encontrar otra raza
Lo voy a enviar fuera del espacio, para encontrar otra raza

Stan es un hombre malvado
Pero él no puede ahogarlo en I-Man
Así que cuando le reviso mi mano
Y si se separó, me voy con su mano

Voy a poner una camisa de hierro, y sacar a Satanás de la tierra
Voy a poner una camisa de hierro, y perseguir al diablo fuera de la tierra
Lo voy a enviar fuera del espacio, para encontrar otra raza
Lo voy a enviar fuera del espacio, para encontrar otra raza

Él haffi lo dejó caer tenedor y correr
Él no puede hacer frente a Jah Jah hijo
Él te dejó con su arma
Cavar con él bomba

Voy a poner una camisa de hierro, y sacar a Satanás de la tierra
Voy a poner una camisa de hierro, y perseguir al diablo fuera de la tierra
Lo voy a enviar fuera del espacio, para encontrar otra raza
Lo voy a enviar fuera del espacio, para encontrar otra raza

Stan es un hombre malvado
Pero él no puede ahogarlo en I-Man
Así que cuando le reviso mi mano
Y si se separó, me voy con su mano

Voy a poner una camisa de hierro, y sacar a Satanás de la tierra
Voy a poner una camisa de hierro, y perseguir al diablo fuera de la tierra
Lo voy a enviar fuera del espacio, para encontrar otra raza
Lo voy a enviar fuera del espacio, para encontrar otra raza...
Y otro meteorito que acabe con la vida de los otros🤫

Warning!
Warning! The Surgeon General warns
Cigarette smoking is dangerous, dangerous
Hazard to your health
Does that mean anything to you
We ought to legalize marijuana, yeah
Right here in Jamaica
Dem say it cure glaucoma
I man a de Bush Doctor
So there'll be
No more smokin and feelin tense
When I see them a come
I don't have to jump no fence
Legalize marijuana
Down here in Jamaica
Only cure for asthma
I man a de Minister (of the Herb)
So there'll be no more
Police brutality
No more disrespect
For humanity
Legalize marijuana
Down here in Jamaica
It can build up your failing economy
Eliminate the slavish mentality
There'll be no more
Illegal humiliation
And no more police
Interrogation
Legalize marijuana
Down here in sweet Jamaica
Only cure for glaucoma
I man a de Bush Doctor
So there be
No more need to smoke and hide
When you know you're takin
Illegal ride
Legalize marijuana
Down here in Jamaica
It the only cure for glaucoma
I man a de Minister...

¡Advertencia!
¡Advertencia! El Cirujanos General advierte
Fumar cigarrillos es peligroso, peligroso
Peligro para su salud
¿Eso significa algo para ti?

Para legalizar la marihuana
Aquí mismo en Jamaica
Yo digo que cura el glaucoma
Soy un doctor de Bush

Así que habrá
No más fumar y sentirme tenso
Cuando los veo venir
No tengo que saltar ninguna valla

Legalizar la marihuana
Aquí en Jamaica
Sólo cura para el asma
Yo hombre un ministro (de la hierba)

Así que no habrá más
Brutalidad policial
No más falta de respeto
Por la humanidad

Legalizar la marihuana
Aquí en Jamaica
Puede construir su economía fallida
Eliminar la mentalidad esclavizante

Ya no habrá más
Humillación ilegal
Y no más policías
Interrogatorio

Legalizar la marihuana
Aquí en la dulce Jamaica
Sólo cura para el glaucoma
Soy un doctor de Bush

Así que hay
Ya no hay necesidad de fumar y esconderse
Cuando sabes que estás tomando
Viaje ilegal

Legalizar la marihuana
Aquí en Jamaica
Es la única cura para el glaucoma
Soy un ministro🤔🚬🤭

Legalize it - don't criticize it
Legalize it and i will advertise it

Some call it tampee
Some call it the weed
Some call it Marijuana
Some of them call it Ganja

Legalize it - don't criticize it
Legalize it and i will advertise it

Singer smoke it
And players of instruments too
Legalize it, yeah, yeah
That's the best thing you can do
Doctors smoke it
Nurses smoke it
Judges smoke it
Even the lawyers too

Legalize it - don't criticize it
Legalize it and i will advertise it

It's good for the flu
It's good for asthma
Good for tuberculosis
Even umara composis

Legalize it - don't criticize it
Legalize it and i will advertise it

Bird eat it
And they leave it
Fowls eat it
Goats love to play with it

Legalize It
Legalizarlo - no lo critican
Legalizarlo y lo voy a anunciar

Algunos lo llaman tampee
Algunos lo llaman la hierba
Algunos lo llaman la marihuana
Algunos de ellos lo llaman Ganja

Legalizarlo - no lo critican
Legalizarlo y lo voy a anunciar

Singer humo
Y los jugadores de los instrumentos también
Legalizarlo, sí, sí
Esa es la mejor cosa que puedes hacer
Los médicos que fuman
Las enfermeras que fuman
Los jueces que el humo
Incluso los abogados también

Legalizarlo - no lo critican
Legalizarlo y lo voy a anunciar

Es bueno para la gripe
Es bueno para el asma
Bueno para la tuberculosis
Incluso para el ALMA

Legalizarlo - no lo critican
Legalizarlo y lo voy a anunciar

Aves que comen
Y lo dejan
Aves que comen
Las cabras les encanta jugar con ella🙌🎧🎙️🎚️🔊


Live👊👊👊👊👊👊👊

Peter en buena compañía 🚩🏁🏴🏴‍☠️🇯🇲


👉🍀👈

🤝🤜✊🤛

Regalazo si no quitan el enlace, siete horas del mejor Reggae histórico.
Fácil reconocer las canciones con el método "Espía" de GOOGLE, te pones el enlace por la📺🎚️🎙️🎧 por el móvil reconoces.

Un poquito de mezcla 🏴🏴‍☠️🚩🏁🎚️🎙️🤛


Salen las canciones y mezclas ☝️💙♥️

The Gladiators inicio:

Vieja escuela, últimos genios y Bonus Tracks🇯🇲

Siempre listos ✊


Grandes!!!


☝️🤛🇯🇲✊

Uno detrás de otro 🌞


Great!!!
🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲

Yellowman, nacido como Christian Winston Foster en Negril oeste de Jamaica, el 15 de enero de 1956, es un Deejay y cantante de Reggae y Dancehall que pese a su condición de albino (considerada en Jamaica como una maldición), pudo refugiarse en la música y llegar a ser considerado uno de los artistas más importantes y reconocidos de su país.
Su éxito en los primeros años de la década del 80 llevo la popularidad del toasting (reggae-rap) a un nivel totalmente diferente y ayudó a establecer al dancehall como la ola del futuro. Optimizó la preferencia de este estilo de música por líricas “slack”, que poseen como contenido primordial: la violencia, sexismo, homofobia,etc. Su fuerte es la sexualidad gráfica, llegando a niveles considerados explícitos nunca antes escuchados en Jamaica. Esto trajo como consecuencia un gran número de detractores, pero a su vez al ser tan controversial fue una de las razones por las cuales tuvo una temprana popularidad.
Diagnosticado con cáncer de garganta, tuvo que ser sometido a una operación de mandíbula, su lucha contra esta enfermedad lo impulsó a transitar un territorio de conciencia social, pero su estilo inicial continua vigente pavimentando el camino para incontables dancehall toasters.
Tuvo su aprendizaje musical en Alpha Boys Schools una institución para niños con problemas establecida en South Campo Road, en la parte este de la capital jamaiquina Kingston. Influenciado por DJ's como U-Roy, comenzó a practicar y al poco tiempo consiguió un trabajo en el “Gemini Sound System” como un DJ sustituto. “Recuerdo cuando me discriminaban en el dancehall; en los shows se acostumbra a pasar el micrófono de mano en mano, cuando me tocaba pasarlo lo cubrían con un pañuelo. Creo que eso se puede llamar menosprecio”.
Haciéndose llamar Yellowman y vistiendo un traje amarillo, animaba sus líricas con chistes acerca de su color de piel y con extravagantes historias acerca de sus conquistas sexuales.
En 1979 ganó un concurso de talentos llamado Tastee Talent Contest y gracias a su habilidad de manejar el ritmo y de excitar multitudes se convirtió en un éxito instantáneo en Jamaica. “Antes del concurso, yo iba a ver a productores como Joe Gibss, Studio One y Channel One, tratando de llamar su atención para que me escucharan, pero ninguno de ellos estaba interesado. Después de que me fue tan bien en el concurso, la historia cambió y fueron ellos los que me vinieron a buscar a mí.”
Yellowman grabó prolíficamente en los años 80, en un punto a inundar el mercado de Jamaica, con más de 40 singles. Su primer álbum de larga duración, Them a Mad Over Me, fue grabado para el Channel One en 1981 y contó con la canción que da título éxito y el "Me Kill Barnie," un récord respuesta única a guardabosques solitario hit 's "Barnabas Collins". Él también anotó con singles como "Operación Erradicación" y los "bajitos", infamemente holgura que Peter Tosh condenado como degradante para las mujeres (no es la primera vez que una crítica de este tipo se niveló hacia él). A pesar de este éxito, Yellowman no golpeó realmente hasta que se conectó con la revolucionaria producción dancehall de Henry "Junjo" Lawes .
El 1982 el LP Mister Yellowman inició el recorrido; lanzado internacionalmente por Greensleeves, comenzó a ubicarlo en el Reino Unido y EE.UU., y todavía es a menudo aclamado como su mejor álbum. También puso en marcha una serie de singles de éxito de Jamaica en los próximos años que incluyeron entre ellos "Yellowman Getting Married" (una reescritura del número My Fair Lady), "Mr. Chin," " ¿Quién puede hacer la Danza Ram "(una reescritura de" The Candy Man ")," Zungguzungguguzungguzeng ", El bueno, el malo y el feo "," Soldier Take Over "," No body move Nobody Get Hurt "y" Wreck una Pum Pum ", entre otros. Muchas de sus grabaciones durante esta época era contribuídas vocalmente por su compañero DJ / tostadora Fathead , cuya especialidad eran sus ruidos de animales ("ribbit" y "oink" eran sus favoritos).
La carrera discográfica del King Yellowman continuó a buen ritmo, ya que sus alardes sexuales y bromas gay hacía cada vez más lascivos y más desagradables.
Su popularidad había caído después de 1985, debido en parte al material menos consistente, y también en parte a la aparición de una legión de nuevos artistas de dancehall, muchos de los cuales hacían referencia a su primer material para la inspiración.
Las cosas cambiaron, sin embargo, después de una pelea a principios de los años 90 con el cáncer de piel. Profundamente sacudido después de esta segunda enfermedad que amenaza la vida, Yellowman repensar por completo su acercamiento a la música, y se dedicó a partir de entonces casi exclusivamente a las preocupaciones espirituales y sociales.
En 1994 lanza "Oración" álbum para el sello RAS y fue rápidamente seguido por "Mensaje para el mundo" en 1995.
Siguiendo la misma línea, Yellowman hizo lo que se domina el reggae consciente, grabando con numerosos artistas y recorriendo escenarios alrededor del mundo, cosechando la admiración del público que lo acompañó durante estos últimos años a puro ritmo.


Raíces y derivados 🌞🏴‍☠️


Hay algunos amigos que son para siempre, aunque desde hace mucho tiempo debido al esclavismo feudal del siglo XXI se cuentan con los dedos de una✋


Jacob Miller nace en 1955 en (Jamaica) y fallece el 23 de Marzo de 1980 en la isla que vió nacer al reggae.
Graba su primer tema para Coxsone Dodd,titulado "Love is a Message" (aka "Let me Love you") en 1968, cuando Jacob tan solo tenia 13 años. La cancion no fue un exito, sin embargo, el aun tenia la esperanza de volver en unos pocos años al estudio a grabar.
Asi fue,en 1974 el grabo un numero de singles para Augustus Pablo, incluyendo"Each one,Teach one","Keep on Knocking","False Rasta", "Who say Jah no dread" y "Baby I love you so", en esos tiempo el era mas conocido en el circuito de liberacion en el reino unido. Desafortunadamente, cuando Island Records publico"Baby I love you so", ellos fallaron a la hora de poner a Jacob Miller en los creditos de la cancion,e incluso fue relegado su cancion al lado B en favor de King Tubby/Pablo dub, 'King Tubby Meets the Rockers Uptown'.
Miller obtuvo sus mayores exitos cuando formo parte de la banda Inner Circle,siendo el lider de esta.En 1976,la banda hacia buen roots,fruto de ellos son los hits "Tenement Yard" y " Tired fe Lick weed in a bush" (ambos acreditados a Jacob). Estos exitos,combinado con la fuerza y talento de un Miller explosivo ha hecho que sea de los personajes mas respetados en Jamaica en la parte mas reciente de la 70s hasta los tiempos que corren.
"Killer" Miller, un exuberante, un hombre ampliamente proporcionado, poseido de un voz excelente que a menudo presentaba un tartamudeo de marca de la casa, iba en camino de hacer un numero de registros excelentes con Inner Circle, incluyendo "All night Till Daylight" y "Forward Jah Jah Children".
El tomo parte en el famoso One Love Peace Concert en Kingston-1978, donde Bob Marley junto las manos del presidente de Jamaica y el lider de la oposicion: Edward Seaga y Michael Manley,en un gesto de unidad y amor, un hecho historico.
Desgraciadamente y cuando estaba preparando una gira por Brasil junto a Bob Marley & the Wailers Jacob Miller fallecia en un accidente de trafico el 23 de Marzo de1980. Hubo luto en Jamaica varios dias y se le rindieron varios homenajes, asi mismo, Jacob Miller ha sido el primer cantante de reggae en recibir el honor de heroe nacional en su pais.
Posteriormente lo serian de igual manera el legendario Bob Marley y Dennis Brown, entre otros. Jacob Miller no nos ha dejado mucha musica, pero la que nos ha dejado toda ella es de muy buena calidad, simplemente, fue es y seguira siendo un genio del reggae.


Sentimiento de la nación.
Live.
🇯🇲

Joseph Hill, líder del grupo de ‘reggae’ Culture. Reggae jamaiquino

Joseph Hill nació el 22 de enero de 1949 en St. Catherine, Jamaica. Cantante y líder del veterano trío vocal de ‘reggae’ Culture, falleció el sábado 19 de agosto en Berlín, a los 57 años, en plena gira europea. Recibió una condecoración por su contribución a la cultura de Jamaica.

Joseph Hill fundó Culture -primero African Disciples- hace 39 años. En este trío seminal de la música reggae, con alrededor de 30 discos grabados -el más reciente World Peace en 2003-, se encargaban de las armonias vocales su primo Albert Walker y Kenneth Dayes, que dejaría su plaza en los años noventa a Telford Nelson.

Culture grabó una serie de poderosas canciones con Joe Gibbs y su eminencia gris el ingeniero Errol Thompson en el estudio del primero. Después llegarían varios discos con la productora Sonia Pottinger. Ya en 1977 su apocalíptico Two Sevens Clash -inspirado por las profecías de Marcus Garvey y título que le habría sugerido a Joe Strummer el nombre de su grupo- les hizo muy populares tanto en Jamaica como en el Reino Unido.

Durante la ola de violencia política que azotaba a Jamaica, Culture grabó Stop Fussing and Fighting. Y, en 1978, su actuación fue uno de los momentos memorables del concierto por la paz One Love en el que participaron Bob Marley y Peter Tosh.

En 1972, Hill se había unido a los Soul Defenders para acompañar, en grabaciones del ya mítico Studio One del productor Coxsone Dodd, a Dennis Brown, Burning Spear o Freddy McKay.

Nacido el 22 de enero de 1949 en St. Catherine, Jamaica, y autor de canciones como Natty Never Get Weary’, ‘I’m Not Ashamed‘ oInternational Herb, fue condecorado el año pasado por el primer ministro de Jamaica por su contribución a la cultura de su país. Hill recordó entonces el consejo de su abuelo: «mejor ser un gran hombre en una casa pequeña que un hombre pequeño en una casa grande». Devoto de la filosofía rastafari, se comprometió a divulgar un mensaje contra la opresión, la violencia, la pobreza, la corrupción, el racismo y la injusticia. Siempre con una sonrisa en los labios.

La última actuación del músico en la isla caribeña tuvo lugar en el Reggae Sunsplash de St. Ann a principios de agosto. Desde hacía años Culture se presentaba en compañía de los músicos de Forces of Justice.


✋🏴‍☠️🇯🇲✊


Next

Black Uhuru se formó en año 1972 en Waterhouse, Kingston, Jamaica. En sus inicios la banda estaba compuesta por Ervin "Don Carlos" Spencer, Rudolph "Garth" Dennis y Derrick "Duckie" Simpson.

En sus origenes la banda se llamaba solamente "Uhuru" y con el tiempo decidieron nombrarla definitivamente con el nombre de "Black Uhuru". Este proviene del dialécto africano Swahili, "Uhuru" significa libertad, entonces la podriamos traducir como "Libertad Negra".

Tras editar sus dos primeros discos "Love Crisis" y "Black Sounds Of Freedom", la banda comenzó a hacerse un nombre en la escena local y alrededores, pero también comenzaron los problemas ya que Spencer y Dennis dieron una paso al costado, uno para encarar su carrera como solista y el otro para unirse al grupo "The Wailing Souls". Por este motivo, Simpson tuvo que reorganizar la banda y para esto sumó en voz lider a Michael Rose, a Errol "Jay" Wilson y a Sly and Robbie en bateria y bajo. Poco tiempo más tarde se sumaria una voz femenina llamada Sandra "Puma" Jones.

Ya con una formación más estable los Uhuru demostrarán todo tu potencial musical editando disco como "Showcase", "Sinsemill", "Red", "Chill Out", "Guess Whos Coming To Dinner" y el ganador del Grammy a mejor álbum reggae "Anthem", disco que los llevó alcanzar su pico de popularidad en todo el mundo. Estos discos dejaron clásicos como "Guess Whos Coming To Dinner", "Sinsemilla", "Youths Of Englington". "Party Next Door", "Shine Eyed Girl", "Leaving To Zion", entre muchos otros.

En el año 1985 y posicionados como una de las bandas más representativas dentro del género, volvieron los problemas, primero con el alejamiento de Michael Rose y luego con la muerte de "Puma" Jones. A estos los reemplazaron Junior Reid y Olefunke. Esta formació solo grabó dos discos "Brutal" y Positive".

A partir de los 90s la banda decidió reencontrarse con viejos conocidos, por este motivo, Don Carlos, Dennis y Simpson le devolvieron la vida a este gran banda grabando "Now", "Iron Storm", "Mystical Truth" y "Strong". Pero la paz duraria poco ya que en el año 1998 Spencer y Dennis se fueron de la banda y demandaron a Simpson por el nombre de la banda, pero fracasaron. Tras este período Simpson convocó a Andrew Bees como cantante principal y editó , en 2001,"Dinasty", su último disco de estudio.

Como podemos ver Black Uhuru fué una gran banda, pese a todos sus problemas internos que, a nosotros, poco nos interesan, nos dejaron un gran legado musical, un sonido original, innovador y vanguardista para la época destacable por el uso de sintetizadores, grandes vocalistas y bases sólidas, y sobre todo por el desarrollo de un género, aún, poco explotado como es el dub.

Además de su sonido, nos dejó grandes artistas como los son Don Carlos y Michael Rose que a raiz de Black Uhuru construyeron sus carreras como solistas, conviertiéndose en dos referentes internacionales dentro del género. No nos olvidemos tampoco de los señores Sly Dumbar y Robbie Shakespeare, el primero baterista y el segundo bajista, que hoy en día producen a las grandes bandas del reggae como Alborosie, Ziggy Marley, Steel Pulse, etc.

Alimento para el espíritu y llega el fin con 5 Bonus 🏁

Formados en 1978 en Birmingham, Inglaterra

ESTILOS: Alternative-Indie Rock, College Rock, Contemporary Reggae, Reggae-Pop, Adult Contemporary, Contemporary Pop-Rock

MIEMBROS:Ali Campbell, Astro, Brian Travers, Duncan Campbell, Earl Faulkner, Jim Brown, Michael Virtue, Mo Birch, Norman Hassan, Robin Campbell, Ruby Turner, Tony Mullings

Del enorme puchero del reggae, condimentado de mil maneras, han emergido infinidad de grupos. Algunos hicieron bailar a la gente durante una breve temporada, y otros, como UB-40, siguen aún en activo. La enloquecida historia de UB-40 se inició a finales de 1977, en Birmingham, con Brian Travers (saxo), Jim Brown (voz y batería) y Earl Falconer (bajo). En pocas semanas se les unieron varios amigos: Ali y Robin Campbell (guitarras), Jimmy Lynn (teclas), Norman Hassan y Timi Tupe Yomi Abeyomi Babyemi (percusion). A pesar de que el grupo estaba en sus comienzos, trabajaron sin descanso, para perfeccionarse, bajo la guía de los hermanos Campbell, hijos del cantante de folk británico lan Campbell. Después de seis meses de duras pruebas, el grupo alcanzó un nivel discreto, suficiente, sin embargo, como para poder actuar en directo. Su primer repertorio estaba compuesto íntegramente de clásicos de reggae con arreglos nuevos, como 'Big and small', de August Clarke, y 'Lovers leap', de Bim Sherman. Sobre esta base de ritmos y sabores jamaicanos, el grupo desplegaba una gran energía rock. El primer cambio en la formación se registró poco después de que iniciaran sus actividades, debido a que las autoridades de inmigración decidieron expulsar a Yomi a Nigeria, al mismo tiempo que Lynn era reemplazado por Mickey Virtue, novio de la hermana de Campbell.

Consolidada la formación, llegó el momento de escoger un nombre, UB-40 es el número de código del documento que se entrega a los desocupados para acceder al subsidio de paro: esta elección reflejaba una clara toma de posición del grupo frente a las circunstancias sociales en Gran Bretaña. UB-40 se han destacado por sus críticas a un sistema que, en el transcurso de unos pocos meses (nos hallamos en mayo de 1979) llevó al poder a Margaret Thatcher, la "dama de hierro". Desde sus comienzos, UB-40 tuvieron como principal objetivo mantener una absoluta autonomía artística y económica, lo cual los ha llevado a rechazar contratos con las compañías discográficas más poderosas para escoger a una de las más pequeñas: Graduate. Antes de firmar este contrato, se les unió Astro (voz y trompeta), que en aquella época era bastante famoso como toaster, es decir un fabulista en ritmo de reggae que pronto se especializó como trompetista hasta formar, con Hassan y Travers, una afinadísima sección de viento. Con su peinado afro, Astro ha sido siempre el personaje más representativo de UB-40, a pesar de que el grupo siempre ha mantenido la voluntad de no tener líder, prefiriendo que todos sus miembros se encuentren en un plano de absoluta igualdad. Decididos a moverse al margen de la gran industria, UB-40, eligieron para sus grabaciones a un productor local, Bob Lamb, que en 1968 había tenido un pequeño éxito, 'Rudi's in love', con el grupo Locomotive. El estudio de Lamb era pequeño y poco avanzado pero las primeras grabaciones de UB-40 resultaron excelentes.
En 1979 el grupo Pretenders sorprendieron al contratar a UB-40 como teloneros para una de sus giras. Era una ocasión digna de ser aprovechada a fondo. El single 'King' (con 'Food for though', en la cara B) entró en las listas de éxitos, y en marzo llegó al número 4. En junio un nuevo single, 'My way of thinking', trepó hasta el sexto puesto, mientras que su primer álbum, 'Signing off', alcanzó el número dos en septiembre y permaneció en las listas de éxitos durante 71 semanas. En noviembre UB-40 remataron un año triunfal con un nuevo single que entró en el Top 10, 'The earth dies screaming'. La portada del álbum 'Signing off' reproduce el formulario UB-40 y el álbum consta de dos discos, uno de 33 revoluciones y otro de 45. Entre las piezas, escritas por todo el grupo, hay también un tema de Randy Newman, 'I think it's going to rain today', y aquel 'Strange fruit' que fue caballo de batalla de la gran cantante de jazz Billie Holiday. En 1981, para gozar de mayor autonomía, el grupo se separó de la compañía Graduate y constituyó su propio sello, DEP International. Los éxitos se sucedieron uno tras otro: el single 'Don't let it pass you by' subió hasta el número 16 y 'One in ten' alcanzó el número 7. Su nuevo álbum, 'Present arms' (1981) se convirtió en el número 2 del verano, y en septiembre, UB-40 realizaron una versión "dub" de este mismo disco. A fines de 1981 UB-40 se resintieron del declive del movimiento ska y reggae en Gran Bretaña. Aunque seguían grabando discos agradables e interesantes, su éxito comercial era menor como ocurrió con 'UB-40' (1982) y 'UB-40 Live' (1983).

Pero se trataba sólo de una etapa de transición que el grupo superó en 1983, con el single 'Red red wine' (una vieja canción de Neil Diamond) y el álbum 'Labour of love', una antología de canciones reggae de la época de oro, compuestas por Bob Marley ('Keep on moving'), Jimmy Cliff ('Many rivers to cross', de la banda sonora de la película 'The harder they come') y Winston Tucker ('Please dont make my cry'). 'Geffery Morgan', de 1984, y 'Baggaridim', de 1985, consolidaron la popularidad internacional del grupo. En 1985 UB-40 realizaron una gira por Estados Unidos y grabaron una canción con Chrissie Hynde, de The Pretenders ('I got you babe'), que ocupó el primer puesto en las listas de éxitos de Gran Bretaña y Estados Unidos. El picante 'Rat in the kitchen' (1986) y 'UB-40 live in Moscow', grabado durante una clamorosa gira por la Unión Soviética, fueron las siguientes entregas del grupo, que también publicó la ineludible antología de éxitos titulada 'The best of UB-40' (1987). En 1988 grabaron 'UB-40' y emprendieron una gira por treinta y siete países. Éste, sin duda, es el papel que cabe esperar para UB-40 en los próximos años: el de embajadores de una música vital, ideal para alcanzar el corazón del público por encima de las barreras de la lengua, la religión, la cultura y las tradiciones. En 1989 apareció 'Labour of love', que contiene nuevos e interesantes éxitos.


Cuántas ratas corriendo por la cocina.

Detrás del telón de acero.

✊🤛🏁♥️


🤭🤭🤭🤭🤭🤭🤭

I was walkin' down the street
Concentratin' on truckin' right
I heard a dark voice beside of me
And I looked round in a state of fright

I saw four faces, one mad
A brother from the gutter
They looked me up and down a bit
Don't you walk through my words

And turned to each other

I say
I don't like cricket (Oh no!)
I love it
I don't like cricket (No no!)
I love it

Don't you walk through my words
You got to show some respect
Don't you walk through my words
'Cause you ain't heard me out yet

Well he looked down at my silver chain
He said "I'll give you one dollar"
I said you've got to be jokin' man
It was a present from me mother

He said "I like it, I want it
I'll take it off your hands
And you'll be sorry you crossed me
You'd better understand that you're alone
A long way from home

And I say
I don't like reggae (No no!)
I love it (Eh!)
I don't like reggae (No!)
I love it (Eh!)

Don't you cramp me style
Don't you queer me pitch
Don't you walk through my words
'Cause you ain't heard me out yet

I hurried back to the swimming pool
Sinkin' pina colada
I heard a dark voice beside me say
"Would you like something harder?"

She said, "I've got it, you want it
My harvest is the best
And if you try it, you'll like it
And wallow in a Dreadlock Holiday"

And I say
Don't like Jamaica (Oh no!)
I love her (Eh!)
Don't like Jamaica (Oh no!)
I love her (Oh yeah!)

Don't you walk through her words
You got to show some respect
Don't you walk through her words
'Cause you ain't heard her out yet

I don't like cricket (Oh no!)
I love it (Dreadlock Holiday)
I don't like reggae (Oh no!)
I love it (Dreadlock Holiday)
Don't like Jamaica (Eh!)
I love her (Dreadlock Holiday)
espanolTraducción en Espanol

Estaba caminando por la calle
Concentradome en un camión a la derecha
Escuché una voz, en la oscuridad a mi lado
Y mire a mi alrededor,en estado de miedo

Ví cuatro caras,una loca
Un hermano desde el desagüe
Me miraron de arriba a abajo
Y se volvieron uno a otro

Yo dije
No me gustan los grillos (Oh no!)
Me encanta
No me gustan los grillos (No no!)
Me encanta

No pases por encima de mis palabras
Tienes que mostrar respeto
No pases por encima de mis palabras
Porque todavía no me has oído todavía

Bueno,el miró mi cadena de plata
Y dijo: "te daré un dollar"
Y dije ,que debes de estar burlandote hombre
Fue un regalo de mi madre

El dijo:"Me gusta lo quiero"
Me lo quito de las manos
Y tu te arrepentirás de haberte cruzado
Será mejor que entiendas que estás solo
Muy lejos de tu casa

Y digo
No me gusta el reggae(No no!)
Me encanta (Eh!)
No me gusta el reggae (No!)
Me encanta (Eh!)

No me molesta tu estilo
No eres extraño y torcido
No pases por encima de mis palabras
Porque todavía no me has oído todavía

Corrí de vuelta a la piscina
Por una piña colada
Oí en la oscuridad, decirme
"Quieres algo más duro?

Ella dijo,"lo tengo,lo quieres?
Mi cosecha es la mejor
Y si lo intentas te encantará
Y lo haremos en una vacaciones de terror

Y digo
No me gusta Jamaica (Oh no!)
La amo(Eh!)
No me gusta Jamaica (Oh no!)
La amo(Oh sí)

No pases por mis palabras
Tienes que mostrar respeto
No pases por mis palabras
Porque todavía no la escuchastes

No me gustan los grillos (Oh no!)
Me encanta (vacaciones de terror)
No me gusta el reggae (Oh no!)
Me encanta (vacaciones de terror)
No me gusta Jamaica (Eh!)
La amo(vacaciones de terror)

No me gustan los grillos (CaricatosIPS)✋
No,no,no,no,no,🔊

A partir de mañana sin más castillos en el aire.
✊♥️💙


☝️Eterno


Más que un sentimiento ✊♥️💙 historia para nunca olvidar...

Siempre a mano, utilizado en legítima defensa y en justicia contra cualquier poder opresor ✊♥️🏴‍☠️😎🎙️🎚️🏴🏁
De cara al presente continuo...


Koniec 🤭


🎙️😎🏴‍☠️👊


🤝🏴‍☠️🙌

 Anónimo
07/03/2021 2:02 am
ResponderCitar

If I had my time again
I would do it all the same
And not change a single thing
Even when I was to blame
For the heartache and the pain
That I caused throughout my years
How I loved to be your man
Through the laughter and the tears

(Chorus)
Situation no win
Rush for a change of atmosphere
I cover the walls so I give in
Gotta get myself right out of here

Now I'm fully clothed
And I know where it's at
Somehow I stay thin
While the other guys got fat
All the chances that I've blown
And the times that I've been down
I didn't get too high
Kept my feet on the ground

(Repeat Chorus)

(interlude) yes, it's delightful, delightful
'Rush for a change of atmosphere.....'
.. I wish I could sing like that. Not everything is singing you know.
The only important thing these days, is rhythm and melody. Rhythm ...
And melody.
.. A time to laugh
A time to cry

And of all my friends
You've been the best to me
Soon will be the thing
When I will pay you handsomely
Broken hearts are hard to mend
You know I've had my share
But life just carries on
Even when I'm not there

(Repeat chorus x2)

Gotta get myself right
Gotta get myself right
Gotta get myself right
Outta here
Gotta get myself right
Gotta get myself right
Gotta get myself right
Outta here

Un tiempo para llorar

Y de todos mis amigos
Usted ha sido el mejor para mí
Pronto será la cosa
Cuando voy a pagarle muy bien
Los corazones rotos son difíciles de reparar
Usted sabe que he tenido mi parte
Pero la vida sólo lleva a cabo
Incluso cuando no estoy allí

(Repetir coro x2)

Tengo que ponerme derecho
Tengo que ponerme derecho
Tengo que ponerme derecho
Fuera de aquí
Tengo que ponerme derecho
Tengo que ponerme derecho
Tengo que ponerme derecho
Fuera de aquíSi fuera por mí otra vez
Yo lo haría de todos modos
Y no cambiar una sola cosa
Incluso cuando yo era el culpable
Para el dolor y el dolor
Que hice a lo largo de mis años
¿Cómo me encantaba ser tu hombre
A través de la risa y las lágrimas

(Coro)
Situación de no ganar
Rush para un cambio de ambiente
Me cubren las paredes así que doy en
Tengo que ponerme a la derecha de aquí

Ahora estoy con la ropa puesta
Y yo sé donde está
De alguna manera me quedo fino
Mientras que los otros chicos se puso gordo
Todas las posibilidades de que he volado
Y las veces que he estado abajo
No son muy altos
Mis pies en el suelo

(Repeat Chorus)

(Interludio) sí, es delicioso, delicioso
'Rush para un cambio de ambiente .....'
.. Me gustaría cantar podría así. No todo lo que está cantando ya sabes.
La única cosa importante en estos días, es el ritmo y la melodía. El ritmo ...
Y la melodía.
.. Un tiempo para reír...

Zzzzzzz
💤

 Anónimo
18/04/2021 2:52 am
ResponderCitar

La letra lo dice todo.
✊💙♥️
🏴‍☠️🤔

Gabon!!!

 Anónimo
12/05/2021 2:37 am
ResponderCitar

Agur!!!
Buena suerte.

Adeu Multicuentas, Trolls y diversos Bots.

 Anónimo
18/05/2021 4:48 pm
ResponderCitar

Descansa en paz en tú infinito mundo de probabilidades.
Hoy más que nunca Up Patriots To Arms.
Salud!
Riposa in pace nel tuo infinito mondo di probabilità. Oggi più che mai Up Patriots To Arms. Salute!

 Anónimo
21/05/2021 2:39 am
ResponderCitar

Cuesta abajo, sin frenos, alojados en el mayor de los ridículos, sin futuro aparente, con la casa echa una ruina, pero que nunca falte el ritmo, los buenos recuerdos, y la vieja escuela, de la muy vieja escuela...

Ya nada volverá a ser lo mismo.
La esencia se la quedaron los hermanos mayores(gladiadores contra mercenarios) incluso las chicas saben bien de lo que se siente y se habla...
Las que menos ganan🏴‍☠️
✊💸💙❤️⚽
Socios siempre alertas 🚨

Sí, oh, sí
Mmm, oh sí
Está bien
Oh, me tienes
Vivir en primera línea
Oh, me tienes mamá
Vivir en primera línea
Oh, mamá
Me vas a llorar en el momento equivocado
Oh, me tienes mamá
Me vas a llorar en la primera línea
Me hicieron vivir encima de mi existencia
Oh apreciando mi resistencia
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
Dije que sí, sí, oh sí
Dije que sí, sí, oh sí
¿Qué clase de hombre podría ser?
Si no puedo hablar de lo que veo
Oh me dicen que tenga cuidado
Toma tu poco dinero y vete
Yo, no quiero dinero sucio
No, yo, no quiero dinero sucio
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
Mamá, mamá, me tienes
Nacido en el momento equivocado
Ah, sí, sí, oh sí
Woo woo sí, sí, oh sí
¿Todos mis hermanos en África?
Dejen de disparar a su hermano
¿Todos mis hermanos en África?
Dejen de disparar a su hermano
Necesito a tu hermano en África
Nacemos de la misma madre
Mamá, mamá, me tienes
Nacido en primera línea
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
Oh, sí, sí, oh sí
Woo-woo-woo, sí, sí
Oh, sí, ah
Yo, no quiero dinero de nadie
No señor me azucaran no quiero ver
Yo, no quiero disparar a los palestinos
Oh tengo tierra, oh tengo la mía
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
Deja de matar a este hermano hermano
En nuestra tierra en África
Detengan a este hermano disparando a su hermana
En nuestra tierra en África
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
No quiero dinero
Tengo una charla sobre lo que veo
No quiero tu soborno
Tengo una charla sobre lo que veo
Yo no quiero ir a América
Oh, yo no quiero ser llegado gran estrella
Yo no quiero tomar cocaína
Oh, para bloquear mi cerebro
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
Mamá, mamá, me tienes
Vivir en primera línea
Dije que sí, sí, oh sí
Dije que sí, sí, oh sí
Mamá, mamá, mamá
Me tienes viviendo en primera línea
Vivir en primera línea
Me tienen viviendo en primera línea
Me tienen viviendo en primera línea
Me hicieron nacer en el momento equivocado.
Gabon!

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