Avisos
Vaciar todo

Música

Página 5 / 6

He migrado el foro a otra plataforma. Os ha tenido que llegar un email a todos para reestablecer la contraseña (sino podeis pinchando aquí), es necesario. Si no recordais la cuenta de correo, mandad un correo electronico a contacto@blaugranas.es

Anonymous
(@anonymous)
Mito
02/02/2021 12:45 pm
ResponderCitar

Nunca olvidar, siempre presentes.

Dudas razonables.

Abuelos del rock.

TOMÁS DE LA OSSA 02.02.2021 | 01:08

Todos conocemos la leyenda negra del rock y su larga lista de muertes prematuras por culpa de excesos varios –drogas y alcohol, mayormente–. Desde los que pertenecen al club maldito de los 27 años –a esa edad fallecieron Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain y Amy Winehouse, que ya es triste casualidad– a otros tan sonados como Keith Moon (Who), Bon Scott (AC/DC), Sid Vicious (Sex Pistols) o John Bonham (Led Zeppelin).

Pero, dicho y admitido eso, resulta curioso comprobar que los rockeros que lograron sobrevivir a esos tiempos han tenido y tienen, en general, una larga vida. Como si se hubieran inmunizado o, mucho más probable, como si un buen día hubieran decidido (y conseguido) abandonar los vicios de esos días de vino y rosas y se hubieran centrado en cuidarse un poco.

Sin bajar de los 75 años, y sin ser exhaustivos, porque sería imposible, de los que ya lo andaban petando en los 60 todavía andan por ahí zurrando los beatles Ringo Starr (80 años) y McCartney (78); los rolling Mick Jagger (77), Keith Richards (77) o Charlie Watts (79); los Beach boys Wilson (78), Love (79), Jardine (78) y Johnston (78); Simon y Garfunkel (ambos con 79); Jimmy Page (Led Zeppelin, 77); Blackmore (Deep Purple, 75); Eric Clapton (75); los who Daltrey (76) y Townshend (75); Jon Anderson (Yes, 76); Bob Dylan (79); los cuatro de Crosby, Stills, Nash and Young (con 79, 76, 78 y 75, respectivamente); Joan Baez (80); y hasta la reina madre del blues británico, John Mayall (87).

Y sí, muchos cayeron jóvenes; y sí, muchos otros se fueron yendo por accidentes o enfermedades. Pero creemos que al rock no le ha ido tan mal en general para lo mal que en general se ha portado y que, salvo en los años iniciales, los más locos, le ha hecho pocos honores (y mejor así) a eso de "Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver". Más bien es lo que Ian Anderson (por cierto, de 73 años) canta con Jethro Tull de "Demasiado viejo para el rock and roll, demasiado joven para morir".

Otra conclusión, bastante más triste para la gente joven a la que le guste el rock clásico, es que, con esas edades, en un par de décadas no va a quedar ninguno. Pero, como también está ya cantado por el rock, ¿quién quiere vivir para siempre?

Salvo en los años iniciales, los más locos, el rock le ha hecho pocos honores (y mejor así) a eso de "Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver"

Pablo Hasél, el uso del Código Penal para perseguir ideas.
Por Joseba Santamaria.
Iruña.

La Audiencia Nacional ha ordenado el ingreso en prisión del poeta y rapero Pablo Hasél por el supuesto delito de injurias a la Corona. En realidad, a Hasél le han condenado por denunciar en sus canciones las andanzas de Juan Carlos de Borbón y tildar en una de sus estrofas de ladrones a los Borbones. Admito que no conozco nada más de Hasél. Pero no deja de parecerme otra injusticia judicial que afecta, además, a derechos democráticos y a libertades constitucionales fundamentales. Como el propio Hasél argumentó en su juicio –sin éxito–, sus canciones no dicen otra cosa que lo que han dicho y publicado la mayoría de los medios de comunicación del Estado y buena pare de la prensa internacional sobre el todavía rey emérito. Hechos investigados por la Justicia en España y en otros países europeos y por los que, por cierto, se marchó en agosto a los Emiratos Árabes, donde vive desde entonces alojado en un hotel de lujo a cargo del erario público. Si ya es democráticamente inaceptable que Hasél haya sido condenado a prisión por expresar sus opiniones sobre la actual situación de Juan Carlos de Borbón en la misma línea que muchos políticos, periodistas, historiadores, etcétera, más preocupante aún es que la Audiencia Nacional vuelva a actuar contra derechos y libertades. En una justicia garantista y democrática, son los tribunales superiores los encargados de velar por esos derechos fundamentales, pero en el Estado español se han convertido precisamente en los órganos más duros en su persecución penal. La llamada ley Mordaza, la actual Ley de Enjuiciamiento Criminal y el endurecimiento del Código Penal son armas contra esos derechos y libertades. Y se aplican de forma desigual: se avalan mensajes y discursos xenófobos, golpistas o discriminatorios que azuzan el odio, pero se persigue la crítica a la Monarquía o a otras estructuras de poder. El actual Gobierno de Sánchez e Iglesias se comprometió a derogar la ley Mordaza y a revisar la utilización política e ideológica del Código Penal para perseguir ideas, críticas o disidencias que ha impulsado sucesivamente el PP desde tiempos de Aznar. No lo ha hecho aún. El Tribunal Europeo de Derechos de Humanos ha condenado en varias ocasiones a los tribunales españoles por vulnerar la libertad de expresión y ha puesto en evidencia lo que vienen denunciado especialistas en Derecho Constitucional, juristas, fiscales, abogados o periodistas y organizaciones de derechos humanos como Amnistía Internacional: una aplicación discrecional del Código Penal para limitar derechos civiles y políticos. Los depredadores de valores democráticos son muchos, no sólo dictadores y fanáticos, grupos terroristas o mafias organizadas. Al contrario, los más efectivos censores forman parte del poder político, económico, financiero, judicial, religioso... normalizado. También en las democracias. O más aún incluso.
Lucha y resistencia.
Salud!

Anonymous
(@anonymous)
Mito
09/02/2021 9:12 pm
ResponderCitar

Anonymous
(@anonymous)
Mito
15/02/2021 10:33 pm
ResponderCitar

Calentando motores para segunda parte de la "movida" y otros rollos...
Holaaaaaaa!
Holaaaaaaaaaaaaa!
Joder por lo menos no hablo SOLO el ECO me contesta 😅😂🤣😭
Jueves y Viernes, con Cómics, Viejos recuerdos musicales, Salas mágicas y otras Sorpresas...
Paris bien vale un TRIUNFO 🤔🕵️💙❤️
I LOVE GLAM- ROCK AND POWER POP... si de aquel de pintas 🍻🍺y más pinta😎 con borrachera lúcida y experiencia religiosa In The TOILETTE 🏴‍☠️🙏🤭

I love bad REPUTATION!


💀🦴⚰️

Anonymous
(@anonymous)
Mito
16/02/2021 1:27 pm
ResponderCitar

Pablo algún día en Mafianistán se hará justicia.
Contra la Monarquía, ley mordaza, y la democracia de cartón piedra de bancos, empresarios, políticos, sindicatos, corrupción, poderes fácticos, cuarto poder, fuerzas vivas y minoritarias élites económicas que siguen repartiéndose el cortijo nauseabundo y podrido del atado y bien atado.
Libertad para Pablo Hasél y otros presos políticos!!!

Anonymous
(@anonymous)
Mito
17/02/2021 2:04 pm
ResponderCitar

La Melomanía es la afición o fanatismo o pasión que una persona siente por la música, la persona que siente esta peculiar pasión se ve influenciada por un género o artista en específico. A diferencia de las manías que son relacionadas con conductas disociadas como la mitomanía (mentir) o la cleptomanía (robar), la melomanía no se le considera un peligro para la sociedad, porque no representan ningún tipo de riesgo para la sociedad o al menos para quienes rodean.

Por los motivos antes descritos, la melomanía no es considerada como una enfermedad, no degenera, no desgasta la vida, un melómano puede de hecho basa tanto sus actividades académicas como profesionales en sus gustos musicales. Lo más que podría pasar desde un aspecto negativo sería lo que afecte financieramente al sujeto. Un melómano siente la necesidad impulsiva de tener todos los discos o productos que ofrezca el cantante o género en cuestión, así como asistir a todas las presentaciones y conciertos que tenga el artista. Esto representa gastos que pueden ser exorbitantes. Según la etimología griega, Melomanía viene de “Melos” que significa “Canto” y “Manos” que es el que define las conductas de pasión de una persona por algo o alguien.

El término Melomanía ha sido empleado incluso en diversas generaciones como un halago y una conducta intelectual. Quienes son aficionados a la música.
😎🎼🎵🎶🎹🎸🥁🎤🎧🎚️🎷🎺

La tierra para el que la trabaja; como la música y el arte...

Anonymous
(@anonymous)
Mito
17/02/2021 2:38 pm
ResponderCitar

La meta está cercana, el corredor llegó al fin a su destino, tal vez algún día se eche alguna carrera, pero por el momento lo duda mucho, próxima semana META al fin.
Última estación Blaugrana ☝️
Por el camino quedarán 50,s, 60,s 70,s 80,s 90,s y nuevo milenio, bandas sonoras, música étnica, grandes guitarristas, temas dance, funky, soul, clásica, música electrónica, sus orígenes, gótico y siniestro, power pop, grandes cantantes féminas y masculinos, otro repaso al pop- rock generacional o lo que nos quedaba del Hard Rock y Heavy Metal...
🏴‍☠️👊⚽

Para el fin de fiesta repaso a los orígenes del Blue-Beat- Ska-Reggae-Dub con lo más representativo de la historia y otros rollos...

Rancheras eternas de lucha✊
Voy a cantar el corrido
De un hombre que fue a la guerra
Que anduvo en la sierra herido
Para conquistar su tierra
Lo conocí en la batalla
Y entre tanta balacera
EL QUE ES REVOLUCIONARIO PUEDE MORIR DÓNDE QUIERA
CAPITO
El general nos decía
"Peleen con mucho valor
Les vamos a dar parcelas
Cuando haya repartición"
Mi padre fue peón de hacienda
Y yo un revolucionario
Mis hijos pusieron tienda
Y mi nieto es funcionario
Gritó Emiliano Zapata
"¡Quiero tierra y libertad!"
Y el gobierno se reía
Cuando lo iban a enterrar
Vuela, vuela palomita
Párate en aquella higuera
Que aquí se acaba el corrido
Del mentado Juan sin Tierra

Ahí va la OSTIA que nada es lo que parece, y casi nunca nadie es como dice ser🤭🌛🌚🌜

Otro adelanto de aquello mal llamado MOVIDA...
El coche de la PLAS👊💙❤️
🚨🚓

Segunda parte se acerca...
Por cierto ayer pasó algo???
🕶️🕶️🕶️🕶️🕶️🕶️🕶️
🍺🍻🍺🍻🍺🍻🍺
💣💣💣💣💣💣💣
CaricatosIPS ⚽🤭

Aquellos conciertos de Radio 3.
Entonces al menos se respiraba libertad en Mafianistán 📜

Primera pregunta adelantada que cantante femenina quiso cantar con ellos???
Blanca como la leche...

Anonymous
(@anonymous)
Mito
17/02/2021 10:30 pm
ResponderCitar

🤭👊
Nega]
Rap escéptico, tengo adorno prisionero,
Prosoviético, como Manolo Monereo,
Esotérico, espíritu Mulder y Scully,
Crecí en un barrio periférico, otro atentado en Bali,
Corazón de hojalata.
Lo reconozco: me ponen los tweets de Guillermo Zapata
Lo siento papa, nunca seré concejal,
Terminaré en un club de mala muerte cantando bachatas.
Delincuentes de gomina y corbata,
Y el problema es una mujer de reina en la cabalgata,
Así funciona, es la ley de la selva,
El Pequeño Nicolás se forra; Alfon resiste en una celda.
Y la rueda sigue girando, yo lo veo
El negro del Whatsapp, Rafael Hernando.
Cosmopaletos, no os enteráis,
Subversivo es Luis Buñuel, no los artículos de Vice,
Lloré con Pride, orgullo,
Homosexuales y mineros combatiendo a Thatcher juntos.
Así que vive y deja vivir, machito,
Que hay mineros jubilados que te llevan años de ventaja,
¿Capito? La tierra pa'l que la trabaja,
Como la música y el arte, ¿Lo pillas, chico?
No quiero juzgarte ni ponerme tremendo,
Tanta droga, tanta p, tanta... ¿Joder, de qué estás huyendo?
No busco el dividendo, busco llenar el calendario,
Soy tu Robert Mitch, un falso reverendo,
La información, en manos de sicarios,
La televisión es mugre, es arresto domiciliario.
Mercenarios, medios generalistas,
Bertín Osborne es un machista reaccionario,
Legendario, permanecer,
Si muero algún día quiero un funeral estilo Berlinguer.
Estribillo]
La soledad de quien huye del rebaño,
La Europa del sur, la Europa del Mediterráneo,
Llantos y miedos, cajas y bombos,
Es la soledad del corredor de fondo.

[Toni El Sucio]
Ey, pibe, aquí nadie se rinde,
Para todo aquel que es libre no existen los imposibles,
Los invisibles queremos dejar de serlo,
Tenemos voz, nombre y rostro, y queremos lo que es nuestro.
No existe el miedo, somos la resistencia,
Contra la Ley Mordaza, receta: desobediencia.
Nos quieren callados, maniatados, y lo llevan claro,
Para Pablo Casado, zulo y trabajos forzados.
Hipócritas de mie, sí, hablo de Occidente,
Están llorando en París lo que en Gaza consienten,
O en Irak, o en Siria, o en Burkina Faso,
Aquí eres víctima si eres europeo y blanco,
Y Anders Breivik era un loco, era un perturbado,
Nadie te hablará nunca de integrismo cristiano.
Hablan de lobo solitario, ¿Verdad?
Si hubiera sido un musulmán, ya habría un país bombardeado,
Lo tienen todo atado y nos dicen qué pensar,
Y hasta la tele, pavo, y nos dice a quién votar.
Y fabrica líderes de pacotilla,
Como el cuñado falangista Miguel Ángel Revilla,
Y fachas se indignan por el disfraz de Reyes Magos,
Y se la suda que existan niños sin regalos,
O niños desahuciados en la calle con frío,
Sólo les importan los niños que aún no han nacido,
Es vomitivo este poder que nos gobierna,
Que nunca han sentido ni frío, ni hambre ni problemas,
O que se van a un spa tras el Madrid Arena.
Ana Botella a un gulag junto a Álvaro Ojeda,
Y ¿qué nos queda?
Pues luchar o chupar de su rueda,
Hagamos lo primero aunque las derrotas duelan,
Y no te rindas, por favor, no cedas,
Porque mañana se abrirán las grandes alamedas.
La soledad de quien huye del rebaño,
La Europa del sur, la Europa del Mediterráneo,
Llantos y miedos, cajas y bombos,
Es la soledad del corredor de fondo.
📢

Anonymous
(@anonymous)
Mito
18/02/2021 6:40 pm
ResponderCitar

Penúltimo buenos días, tardes, noches, acercándose la primavera con un mundo muy revuelto a TODOS LOS NIVELES 🤭👌
Con el Barça y Mafianistán se pasa de frío a calor en menos de tres segundos ☔🏜️que felicidad...
Segunda parte de aquellas movidas 📢🏴‍☠️⛔😎 Más de 9000 kilómetros hasta Vladivostok🚂
Recordando a PVP:

La queja, aun dicha sin acritud, no pilla por sorpresa: “El único lado negativo de la Movida es que siempre se citan los mismos nombres, como si no hubiera existido ninguno más”. Y el de PVP, el grupo de Juanjo Valmorisco (Madrid, 1957), no pertenece a dicho estamento de mención constante, a pesar del prestigio en la primera mitad de los ochenta de una banda conocida como ‘los Clash madrileños’. “Esa etiqueta nunca nos molestó, si nos perdimos fue por el afán de experimentación, nos daba pánico quedarnos anclados, y sobre todo por las malas influencias. El típico consejo de la compañía de ‘¿por qué no hacéis algo más comercial?’”.

Valmorisco (guitarra y voz) y Jesús Amodia (guitarra) están de regreso con Hermanos de piel, el primer álbum de PVP en tres décadas, y lo presentan este viernes en la sala Changó. 11 temas nuevos de forja terapéutica: “Surgieron a raíz de la enfermedad de nuestro batería, Jorge García Ramiro [el tercer miembro fijo en la historia de la banda]. Qué mejor para ayudarle en su lucha que volver a ensayar y hacer canciones juntos”. El hombre de las baquetas falleció de cáncer en 2012. “Se fue con la idea de que íbamos a grabar un disco pero le devolvimos la ilusión por tocar. Tras el shock, Jesús me convenció de la necesidad de culminar el proyecto como el mejor homenaje posible”.

¿Y qué han confeccionado los autores de himnos alternativos de los ochenta como El coche de la plas o Entre las ruinas (regrabada la una, remezclada la otra como cortes extra). “A nuestra edad las opciones eran un álbum de boleros o uno de versiones de la nueva ola”, bromea Valmorisco. La elección ha sido abrazar el espíritu combativo que desprendía su ópera prima, Miedo, en 1982, un muy buen trabajo de punk-rock aderezado con gotas de ska. “La batalla de Jorge por la salud y los tiempos que corren lo exigían. No vamos a ponernos tachuelas, pero seguro que nadie nos va a acusar de autocomplacientes”.

Los Clash madrileños, treinta años después
La movida echó a andar en Caminos:
Ojo con los nuevos títulos: Señor presidente, La revolución, Conciencia o incluso uno de préstamo dylaniano, Los tiempos están cambiando. Dardos urgentes llenos de enjundia y melodía. “Partimos de tres premisas: nada que tuviera que ver con el blues, nada de canciones de amor, hemos hecho en cambio una sobre los malos tratos, y no repetir estribillos”.

La de PVP es una historia en parte de huidas, más allá de la anecdótica del homenaje a Tierno Galván. “Suspendieron por la lluvia el festival en su memoria y parte del público se encabritó. Hubo que salir por patas porque volaban las litronas, entonces permitidas en los conciertos”. Otra escapada la protagonizó Valmorisco dos años antes de fundarse la banda. “Me instalé en 1978 en París huyendo de la heroína de la que Madrid estaba plagado. Musicalmente, supuso para mí una reeducación”.

Lo de pirarse o salir de naja (en jerga de Ramoncín, productor de la segunda maqueta de PVP) se repetiría con el sello que albergó su primer largo. “En Belter convivían La Banda Trapera del Río [pioneros catalanes del punk] y Burning con Manolo Escobar o María Jesús la de Los Pajaritos. Nos marchamos y sacamos el segundo con una discográfica minúscula creada ex profeso”.

Tras un amago de formar un nuevo grupo con Alaska como vocalista (“cuando se disolvieron los Pegamoides llegamos a ensayar, luego ella acabó en Dinarama”) nuevo cambio para la tercera entrega: fichan por Dro-Tres Cipreses, casa emblema de la independencia surgida en la Movida. “Pero, en realidad, nosotros bebíamos del rock urbano de Leño y compañía. Somos en el fondo hijos del sello Chapa. De hecho, su creador, Mariscal Romero, impulsó nuestra primera maqueta”. El último capítulo hasta ahora, un cuarto disco equivocado con una multinacional. “Nos remató el veto televisivo a que interpretáramos cierta canción en un programa. Propuse aprovechar la circunstancia para boicotear el playback como protesta, y la compañía y el resto se opusieron. Era momento de parar”.

El actual bajista de PVP es otra pequeña celebridad de la escena madrileña en los ochenta, Manolo UVI, líder de una de las bandas seminales de nuestro punk, La UVI. “Debo ser el único músico que ha logrado que Manolo toque funk alguna vez”, se jacta entre risas un Valmorisco amante de lo ecléctico. Si el funk o lo jamaicano formaron parte de la andadura de PVP, este estudioso del sonido (“es mi vida”) también puede presumir de otros logros: una candidatura a los Grammy latinos como productor del rapero Nilo MC o su aventura como artista electrónico sampleador de flamenco, Digitano. “Desde el respeto y siempre dentro del compás”.

Tanta hiperactividad en estos años contrasta con el alejamiento de Jesús Amodia del mundillo musical. “Pero él no mostraba ni un gramo de óxido, no veas cómo nos hemos entendido con las guitarras”. Al fin y al cabo, los PVP siempre gastaron fama de saber tocar y de ser muy profesionales. “En nuestros comienzos teníamos mánager, técnico de sonido y técnico de luces. Cuando nada de eso existía por aquí, salvo para las folclóricas”.

"Una vez, me encontré por la calle a Rubén Nogueira [escaparatista vigués y marido de Boris Izaguirre] y me dijo que iba al local a ensayar. ¿A ensayar? Que yo sepa no tocas ningún instrumento, le dije. Ya, pero el que no tiene ahora un grupo en Vigo es idiota, me contestó", recuerda a Verne Julián Hernández, cantante y líder de Siniestro Total, sobre la movida viguesa de los años 80. "Era cierto lo que decía Rubén. En esa época había casi más grupos que músicos, porque algunos estaban en varias bandas a la vez".

Madrid y Vigo compiten ahora por las luces navideñas más obscenas, pero esta pequeña explosión creativa vivida hace tres décadas igualó durante un tiempo a una pequeña ciudad gallega con la capital española. Al menos, en cuanto a inquietud y modernidad.

Manuel Soto, el primer alcalde de Vigo en la democracia con el Partido dos Socialistas de Galicia-PSOE (PSdeG-PSOE) fallecido el miércoles 27 de noviembre, tuvo bastante que ver en ello. Fue él quien se encargó de promocionar esa efervescencia cultural.

La crisis económica de los 70 había hecho de Vigo un lugar gris que se enfrentaba al desempleo. Siniestro Total y otras bandas como Golpes Bajos, Os Resentidos de Antón Reixa, Aerolíneas Federales y Semen Up, entre otras muchas, invadieron los escenarios en el mismo espacio y el mismo tiempo. Y atrajeron de nuevo las miradas y los oídos hacia una ciudad a punto de caer en el olvido.

Para Hernández, Manuel Soto "no dejaba de ser un político al fin y al cabo…", dice por teléfono desde Ferrol. "Era un tipo educado que vio la oportunidad de promover la cultura, que en los tiempos de la Transición estaba en muy mal estado, como una forma de aprovechamiento político. Y lo hizo por lo general de forma bastante honesta".

Del cine Salesianos a las listas de éxitos

El germen de la movida viguesa se había dado cinco años antes, a finales de 1981, con un concierto de Siniestro Total en el cine Salesianos de la ciudad. "No fue ni Dios a vernos tocar, pero algo pasó", dice Hernández, que prefiere desmitificar esos años. "No fue un bluf, pero tampoco legendario. Sí que movió la ciudad en cuestión cultural y trajo algo de modernidad. Había gente haciendo de todo, también pintura y poesía, aunque la música es la que ocupaba las portadas".

El músico reivindica a los grupos ye-yes que ya crearon una tradición de música en directo en la ciudad durante la década de los 60. "Los cruceros paraban en Vigo y muchos se montaban una banda para sacarse algo de dinero y ligar con las turistas. Esa era la motivación del rock en Vigo".

Pero los grupos de los 80 estaban mucho más conectados entre ellos. Germán Coppini, que durante un tiempo fue cantante de Siniestro Total, alcanzó el éxito junto Teo Cardalda con el sonido más comercial de Golpes Bajos y sus Malos tiempos para la lírica. Alberto Torrado y Javier Soto, miembros de Siniestro Total, formaron junto a Antón Reixa Os Resentidos. Todos ellos triunfaron a nivel nacional.

"NO PODEMOS ESCRIBIR LETRAS DICIENDO ME PASEO POR BERLÍN PORQUE NOSOTROS NOS PASEAMOS POR PORRIÑO (PONTEVEDRA)", CONTABA SINIESTRO TOTAL EN LA EDAD DE ORO EN 1983.

El tren de los modernos:

El gran hito de esa movida viguesa fue el único viaje del llamado tren de los artistas que viajó de Madrid a Vigo en 1986. Soto apoyó esta iniciativa junto a Joaquín Leguina, en esos momentos presidente de la Comunidad de Madrid, para unir las movidas musicales de ambas ciudades. Alguien decidió poner barra libre en el bar del tren nocturno y los invitados se pasaron todo el viaje bebiendo. Así contaba el encuentro la crónica de EL PAÍS del 22 de septiembre de ese año:

"Un tren cargado de modernos y algunos infiltrados llegó el sábado por la mañana a Vigo. Era la expedición Madrid-Vigo, encuentros en la vanguardia, organizada por el Ayuntamiento vigués y la Comunidad de Madrid. En dos días, encuentros, pocos; vanguardia, incierta. Eso sí, muchas copas y mucha algarabía. En la fiesta de despedida, anoche, Teresa Lozano Díez, de Madrid, resultó herida por una botella que lanzó Fabio MacNamara, y en el hospital General de Vigo le dieron tres puntos de sutura".

"Entre la que lio de MacNamara intentando lanzar una botella al alcalde Manuel Soto y que Alaska terminó llamándole Manueliño, eso acabó un poco como el Rosario de la Aurora. Fue algo parecido a una película de Berlanga", comenta entre risas el líder de Siniestro Total.

El encuentro entre movidas costó al Ayuntamiento gallego 18 millones de pesetas de las de entonces (algo más de 100.000 euros). Cientos de muñecos de tamaño humano colgando en las calles de la ciudad, un concierto conjunto con la banda de Julián Hernández, Los Nikis y Gabinete Caligari y mucha fiesta convivieron durante un día y medio bajo un lema, "Vigo se escribe con M de Madrid". Y el alcalde Soto vistió para el acto con moda gallega, de Adolfo Domínguez.

"A la oposición le parecía un despilfarro. ¿Cómo se gasta el alcalde ese dinero en traer a una panda de borrachos y drogadictos en tren desde Madrid?, decían. Consumir cosas, se consumieron, pero digo yo que no las vendía Manuel Soto…", cuenta Hernández. Al cantante, le valió la pena: "Vigo salió en todos los telediarios y ocupó muchos centímetros cuadrados de revistas y periódicos. Con ese dinero, hubiera comprado mucha menos publicidad de la que se le dio a la ciudad esos días".

Según su experiencia los gallegos recibieron una gran acogida en Madrid en esa época de la Transición. "Les caíamos simpáticos. Seguramente era una cuestión política. A los vascos se les veía como a terroristas. Y a los catalanes como… catalanes. Así que nosotros, que acabábamos de dar a España un dictador gallego, salimos ganando", analiza el espíritu punk de Julián Hernández.

Cuando Vigo y Madrid competían por la mejor movida musical de los 80🚂😎

EL KWAI. En la calle de Fernando VI, 8. Bar cutre abierto por los años 60 del pasado siglo que fue mítico en los años de la movida. “¡Vámonos al Kwai!” era la frase que se gritaba siempre por la zona de Alonso Martínez un viernes o un sábado por la noche. Estaba atendido por Constante, un asturiano que despachaba las pechugas (copas) más mata-hígados que se haya conocido, vasos prácticamente hasta arriba de vodka Yurinka o whisky DYC, que apenas dejaban espació para el refresco. Y el Kwai es famoso también porque el grupo Siniestro Total le hizo una canción y grabaron en el bar uno de sus vídeos. También Os Resentidos.

🥚🥚"Arrascatelo pardiez"
👊☠️🎸

🤭

Cuando se nombra a Siniestro Total da la sensación de que siempre han estado ahí; desde luego son uno de los grupos más longevos de nuestra escena y unos de los principales responsables del Big Bang de La Movida y del punk en nuestro país. Varias décadas caldeando el ambiente dan para mucho, así que iniciamos por partes un largo recorrido por una de las bandas con mayúsculas de estas tierras.

Desde muy temprana edad Julián Hernández se interesó por la música, ya en el Colegio Alemán de Vigo -en el que coincide con Alberto Torrado- tocaba la guitarra de su hermana menor con una pipa de girasol al no disponer de púa. Como en aquel entonces no era muy corriente encontrar gente de su misma edad interesada por la música, comienza a asociarse con toda persona en el mundillo que se le acerque. Así, ya en el Instituto del Calvario, establece contactos con Javier Soto y Miguel Costas. Julián entra en el conservatorio y la idea de formar un grupo comienza a ganar fuerza. Influenciados por el blues comienzan a ensayar en casa de Javier todavía sin un nombre fijo.

La estancia de Julián en Madrid -se marcha a estudiar Filología pero abandona rápidamente, tranquilizando a sus padres al seguir en el Conservatorio para convertirse en profesor de música- resulta fundamental para afianzar la idea de formar un grupo. Allí conoce a los Ramones -dándose cuenta de que para tener un grupo es suficiente tener actitud y ganas más que conocimientos musicales- y gente como Sebas, bajista de Polanski y el Ardor, que hacen que su sueño sea más tangible.

En Vigo conocen a Germán Coppini, que entonces ya tenía un grupo, Coco y los del 1500, y un aspecto muy peculiar: chupa de cuero, chapas, botas militares y pelos de punta. Estamos en verano del 81, para celebrar que Javier Soto está de permiso durante la mili, Julián coge el coche de sus padres para celebrarlo. El problema es que la conjunción del alcohol y la niebla es nefasta y el Renault 12 familiar termina estampado. Tras un tiempo en el dique seco se ponen de nuevo en marcha a grabar canciones en cassette bajo el nombre de Mari Cruz Soriano y los que Afinan su Piano. La compañía de seguros dictamina que se trata de un siniestro total y Miguel Costas sólo puede decir “Joder, es un buen nombre para un grupo”.

Comienzan a ensayar en el garage del padre de Antón Reixa, que tenía una distribuidora de bebidas alcohólicas. Hecho que sin duda convertía el lugar en el más idóneo. Tener un nombre como el de Mari Cruz Soriano y los que Afinan su Piano hacía que la gente no supiese qué pensar realmente de ellos, por lo que no tardarían mucho en cambiarlo por Siniestro Total. El 27 de diciembre del 81 tiene lugar en el Salesianos de Vigo su primer concierto junto a otras formaciones como Nacha Pop o Trabalhadores do Comercio. En la formación: Julián Hernández (batería y coros), Miguel Costas (guitarra y coros), Germán Coppini (voz) y Alberto Torrado (bajo).

Graban una maqueta de doce temas para comenzar a difundir la palabra, en ella ya nos encontramos “Ponte en mi lugar”, “Ayatolah!”, “Mario (Encima del armario)", “Purdey” y “Matar jipis en las Cíes”. Esa maqueta llega a manos de Jesús Ordovás -de hecho se la entrega Julián en persona en la Plaza de España de Madrid- que comienza a radiarlos en Radio 3, y más concretamente en su programa Esto No Es Hawai.

Pronto llega su primer concierto en Madrid, en el Marquee, con equipo prestado y Derribos Arias como teloneros. Tocan dos días seguidos, gracias al apoyo de Ordovás y a la gran aceptación de sus canciones se monta un revuelo enorme. Julián con respecto a esto afirma en el libro de Ordovás “Apocalipsis con Grelos” (Antonio de Miguel, 1994) que “se armó un follón y hubo unas hostias acojonantes. A un pobre jipi, con melenas y barbas que estaba saltando en el medio de la sala le metieron una mano de hostias cuando cantamos 'Matar jipis en las Cíes'”.

Es entonces cuando entra DRO en escena y Servando Carballar -Aviador Dro- que se decide a grabarles su primer EP. Todo era tan amateur en la época que ni siquiera firmaron un contrato. Simplemente se pusieron de acuerdo y lo celebraron en el bar de al lado. Se llegaron a editar más de 5000 copias de su debut, “Ayudando a los Enfermos” (DRO, 1982). A los pocos meses llega su primer largo, “¿Cuándo se Come Aquí?” (DRO, 1982), grabado en sólo tres días con un ocho pistas. La que se armó fue todavía mayor. La primera edición se agota a los pocos días y DRO no da abasto para satisfacer la demanda. La repercusión de la banda es cada vez mayor, y todo se acrecienta con la presentación en el Rockola del disco -10 de enero del 83- y sobre todo, con su participación en la Primera Fiesta del Diario Pop, el 1 de marzo de 1983.

Es también al comienzo del mismo año cuando el grupo recibe el encargo del programa de televisión Caja de Ritmos dirigido por Carlos Tena de componer dos temas inéditos para el mismo. Los videos grabados para las dos canciones, “Sexo chungo” y “Me pica un huevo”, compuestas en un periquete por Miguel y Julián, resultan ser dos pequeñas joyas que muestran el sentido de humor del grupo. El de la última en concreto muestra un playback imposible en el que, por ejemplo, Germán canta con una cabeza de gallo como micrófono, Julián se las ve con una gaita y Miguel tontea con un tambor. Ninguno de los dos trabajos tuvo ocasión de ser emitido porque unas semanas antes se había producido la actuación y posterior escándalo de las Vulpess, que conllevó la suspensión del programa. Aún así, el sencillo que editó la discográfica es todo un lujo: “Sexo Chungo / Me Pica un Huevo” (DRO, 1983) fue concebido tras pedirles una edición cuidada porque pagaba RTVE. Así, contenía póster y carpeta doble, con una portada inolvidable con homenaje incluido a The Clash.

Al poco tiempo se produce el que quizás fuera uno de los episodios más dramáticos del grupo: la salida del mismo de Germán, su cantante original. Germán había empezado a tocar junto a Teo Cardalda, en lo que vino a ser el núcleo de Golpes Bajos. Aunque inicialmente simultaneaba la pertenencia a ambas bandas, la aparición en el programa de televisión La Edad de Oro con estos últimos desencadenó la salida de Siniestro Total. Preguntado por la presentadora, Paloma Chamorro, Germán pareció olvidar que también cantaba con ellos. Además, en declaraciones posteriores indicaba que las canciones que le hacían cantar en Siniestro podían resultar graciosas pero insoportables cuando las repites unas cuantas veces. La reacción del resto fue bastante agria. “Germán es de puta madre, es muy buen chaval, pero no hacía canciones, no tenía la misma voluntad de grupo de rock and roll que nosotros y llegó un momento que no pintaba nada”. Él, por su parte responde, en entrevista posterior: “No fue cuestión de ego personal, eso de ahora me callo y tiro adelante con Golpes Bajos. Fue falta de comunicación y diálogo con Julián, con Miguel y con Alberto”. Reconoce no haber hablado “todo lo claro y bien que debía hablar de Siniestro”, y respecto a su salida del grupo “(…) le echo la culpa a terceros, a los que rodean la vida de esos grupos. A productores, gente de compañías discográficas, managers y tal.”

La Movida se estaba desarrollando sobre todo de acorde con los patrones de la denominada postmodernidad, imagen con la que claramente Golpes Bajos casaban muchísimo mejor que los propios Siniestro Total. Para estos, la salida del cantante fue un auténtico palo: “Era la imagen y cantaba muy bien”, reconoce Julián.

Es en estos momentos de transición, en los que el grupo es sometido a las dudas de crítica y público que dan por hecho que sin Germán, terminarán por hundirse, que el papel de Paco Trinidad, productor de sus discos anteriores resulta fundamental. Es el verdadero motor de la grabación del siguiente larga duración, “Siniestro Total II: El Regreso” (DRO, 1983). Les pide unas veinte canciones, como el “Get Happy” (Demon, 1980) de Elvis Costello. Algo caótico, con temas de muy diversas fuentes (Manolo Romón, Antón Reixa, Moncho Alpuente… ) que es, sin embargo, un disco intenso y que da respuesta a toda la expectación creada. La portada, con Bob Hope y un vaso de leche, es de las más logradas en la larga lista de LP del grupo.

Del mismo saldrá un primer sencillo “No Somos de Monforte” (DRO, 1983), que contiene el tema homónimo, ya en el larga duración, y un ejemplo de la capacidad que el grupo tiene para hacer versiones de grandes grupos, apropiándose de la canción en cuestión y adaptándolo a sus muy personales letras; en este caso, nada más y nada menos que “Luna sobre Marín” sacada del cancionero de los Dead Kennedys; por si acaso alguien hubiera pensado que se había agotado el punk en Siniestro Total tras la marcha de Germán. También editan “Más Vale ser Punkie que Maricón de Playa” (DRO, 1984), que recogía dos muy buenos cortes del larga duración: el que daba título al sencillo y “Trabajar para el enemigo”.

La gran conexión entre las bandas que iban conformando el más que interesante panorama gallego tiene una muestra en el EP que editan conjuntamente con Os Resentidos, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), el grupo formado, entre otros, por el polifacético Antón Reixa y Xavier Soto. Cada grupo contribuyó a la irreverente proclama filosoviética mod (pretendían “(…) influir definitivamente en los procesos degenerantes del sistema capitalista para difundir, de una vez por todas, la buena nueva del rhythm & blues en el mundo”) con dos temas. Siniestro Total aportó “Voy a ver a Leonidas” y “La pista búlgara”. El primer larga duración de Os Resentidos -“Vigo Capital Lisboa” (GASA, 1985)- resultó, en el fondo, una prolongación del maxi editado previamente con Siniestro Total.

La sinergia entre ambos combos no se limitaba a este tipo de experiencias conjuntas en grabaciones y actuaciones sino que algunos de sus miembros pivotaban entre ambas formaciones. Así, Alberto Torrado simultaneaba el bajo con los dos grupos, mientras que Xavier, inicialmente guitarrista en Os Resentidos, terminó tocando el teclado con Siniestro Total. Así relataban los implicados y compañeros la situación; Julián: “Alberto tocaba con Os Resentidos cuando no estaba con nosotros (…) Se fue decantando poco a poco hacia el grupo de Antón Reixa mientras que (Xavier) Soto tocaba más con nosotros”; Xavier: “Entré a tocar teclados aunque no tenía ni idea. Lo mío es la guitarra”.

La reafirmación del grupo en su nueva etapa llega con “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), para muchos, uno de los discos más rotundos y redondos del grupo. Letras geniales, de punk desquiciado como sólo ellos saben hacer y con tiempo para la filosofía personal. El disco tiene carrete para tres sencillos “Tipi Dulce Tipi” (DRO, 1984), “Te Quiero” (DRO, 1985) y “Si yo Canto” (DRO, 1985), pero fácilmente hubieran podido ser tres o cuatro más, dada la pegada de muchos de los cortes de las dos caras del disco.

La hiperactividad de Julián y Miguel les da para lanzar a Siniestro Total a una meteórica carrera y colaborar con proyectos en paralelo. Miguel, por ejemplo, ha empezado a montar con Silvino Díaz, a la sazón novio de su hermana Rosa, Aerolíneas Federales. Al grupo se les irán uniendo componentes, femeninas sobre todo, Coral y la propia Rosa, hasta que un disco antes de su disolución, Miguel se quedase en tierra. Por su parte, Julián colabora con Os Resentidos y se dedica a experiencias personales como Mil y Sus Muermos, donde se presentaba con una guitarra y caja de ritmos para hacer versiones, entre otros, de Derribos Arias.

En verano de 1985 sale “Bailaré Sobre tu Tumba” (DRO, 1985), un disco con una cara grabada en estudio (los Trak de Madrid) y otra en directo, con actuaciones en una variedad de sitios diferentes grabados por Paco Trinidad y Juan Verdera (Derribos Arias). De ese verano destaca por ejemplo el concierto dado en Santiago de Compostela, en el auditorio de Castrelos, donde coincidiría con otras muchas bandas como Golpes Bajos, Poch (tras su frustrado paso por CBS), etc. La presentación del disco se produce en Madrid, en la Sala Universal, cosechando un enorme éxito de crítica en prensa. Del mismo salieron tres sencillos “Bailaré Sobre tu Tumba / No me Lavo en la Vida” (DRO, 1985), “Al Final” (DRO, 1986) y “¿Qué tal Homosexual?” (DRO, 1986).

El grupo, una vez consolidado como banda grande, empieza a trabajarse en serio lo de las giras veraniegas. Tras muchas malas experiencias en la carretera deciden además contratar los servicios de Paz Tejedor (que trabaja también con Radio Futura) y la agencia Party? como manager. Siniestro siempre tuvo fama de ser buenos cumplidores en el circuito de actuaciones. Contaba de ellos Pepo Fuentes, compañero junto a Paco Trinidad en muchas de las salidas que hacían los gallegos: “Llegaban en el tren, les recogíamos con la furgoneta, iban a probar, comían, se echaban un poco y se presentaban frescos a tocar, mientras que otros grupos, si tenían que tocar a las once de la noche llegaban a las nueve y pretendían probar el sonido con la gente esperando fuera”.

Las constantes referencias a sus orígenes hacen que Siniestro Total termine siendo asimilado, de alguna manera, como exponente en todo el ambiente musical de los 80 de Galicia. No es de extrañar pues que se vieran involucrados en la composición de un irreverente himno gallego: “Galicia, gran Carallo de Sal” (Baterías Taponadas, 1986). La letra corre a cargo de Manolo Romón y la música es obra de Julián Hernández. El single aparece como Os Cantores do Sil (Siniestro Total) y fue publicado por mediación de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo y la Xunta de Galicia y presentado en unas jornadas en Santander a cargo de Las Fuerzas Atroces del Noroeste. En la cara B del single se incluye su versión en castellano, interpretada en clave punk, "Galicia, gran carajo de sal", tema que aparece en el 93 en el recopilatorio recopilatorio de rarezas y caras B “Ojalá Estuvieras Aquí” (DRO, 1993). Existe una edición en flexi disc del single.

De igual forma participan activamente en las desquiciadas jornadas de hermanamiento entre Madrid, Vigo y Cangas de Morrazo. Estas últimas trajeron a lo más granado de la movida madrileña a tierras gallegas, autoridades y artistas incluidos. Siniestro Total tocaría con Nikis y Gabinete Caligari.

Es entonces cuando, a iniciativa de la compañía, sale “Grandes Éxitos” (DRO, 1986), un compendio de temas diversos de la banda desde sus comienzos, que aunque aparentemente no contó con el beneplácito del propio grupo, supuso una oportunidad inmejorable para escuchar algunas rarezas de lo más interesante. Como por ejemplo la que editaron como sencillo “Dios Salve al Conselleiro” (DRO, 1986).

El siguiente disco que prepara realmente el grupo, “De Hoy no Pasa” (DRO, 1987), es el resultado de una nueva visita de Julián desde Madrid, donde sigue estudiando. Normalmente Miguel y Julián comunicaban sus progresos con nuevas canciones por teléfono. Cuando Julián volvía a Vigo por unos pocos días, se aprovechaba para montar los discos. En este caso, sí es cierto lo que respondían en entrevistas, el título respondía a los problemas para encontrar un lugar donde tocar y ensayar. Echados de la casa del padre de Javier Soto, “(…) fue cuando dijimos de hoy no pasa que encontremos un local. Y fue la primera vez que empezamos a trabajar en serio los cuatro juntos, según el concepto que hay ahora de grupo: tocar en el local todos juntos, ensayar, arreglar las canciones entre todos”.

Para algunos se trata del disco con mejor producción y sonido de Siniestro Total. Comienza con una versión de Cucharada, el grupo de Manolo Tena, y supone un paso adelante más en la carrera de los vigueses. Se grabaron muchas más canciones que las que luego pudieron entrar en el vinilo final, pero la sucesión de sencillos -“Diga qué le Debo” (DRO, 1987), “Quiero Bailar Rock and Roll” (DRO, 1987), y “De Hoy no Pasa / Elefantes Rosas” (DRO, 1987)- permitió darles salida como caras B.

Se trata además del trabajo en el que Julián comienza a cansarse de la batería. Algunas de las que aparecen en el disco, son programadas. Por otro lado, es el último disco de Alberto Torrado con Siniestro Total, ya que decide marcharse a tocar con Os Resentidos, con los que dice sentir que su música está más valorada. Aun así colaborará con sus antiguos compañeros tocando el bajo en su siguiente trabajo “Me Gusta Cómo Andas” (DRO, 1988).

Por su parte, Julián se implicará en el apadrinamiento y labores de producción de Bromea o Qué?, ofreciendo su propio sello BBTT (Baterías Taponadas). El grupo busca de forma urgente un bajo y un batería para completar la formación y los encuentra en Segundo Grandío, que se encarga del bajo, y Ángel González que pasa a tocar la batería.

En el 90 llega “En Beneficio de Todos” (DRO, 1990), grabado en los estudios Trak con Eugenio Muñoz. Siniestro Total continúan creciendo con cada disco, con este superan las 50.000 copias -disco de oro- y media España se viste con camisetas con eslóganes como “En Beneficio de Todos: No Me Deis más de Beber” o “En Beneficio de Todos: Cállese, Señora”. Este crecimiento obliga al grupo a crear una nueva estructura capaz de controlar su desarrollo, y se une como manager Xosé Manuel Blanco, creando la corporación Loquilandia. Dos años después, Siniestro Total alcanzan su cumbre particular; estamos ante su momento de mayor éxito y repercusión social. “Ante Todo Mucha Calma” (BMG, 1992) los lleva hasta la cima. Un disco grabado en directo en la sala Arena de Valencia el 22 de noviembre del 91 que repasa toda la carrera de los vigueses.

En el 93 llega “Made in Japan” (BMG, 1993), el octavo álbum de estudio, a la postre el último en el que participa Miguel Costas -quien posteriormente monta Los Feliz con Martín Esturao (Dr. Gringo) a la segunda guitarra y Pedro Feijoo al bajo-. El disco es grabado entre mayo y junio del 93 en Memphis, en los míticos estudios Ardent, con la producción de Joe Hardy -ZZ Top, Georgia Satellites, Jeff Healey-, quien en cierto modo pasa a ser un miembro más de la banda desde la distancia. El aspecto audiovisual comienza a tener cada vez más peso gracias a la vinculación del realizador Mikel Clemente, quien se encarga de realizar los videoclips de tres de los cortes del disco: “El hombre medicina”, “Yo dije Yeah” -con la colaboración de Álex de la Iglesia- y “Cuenca minera”.

En su siguiente trabajo “Policlínico Miserable” (BMG, 1995) se mantiene la conexión con Memphis, los estudios Ardent y Joe Hardy. Un disco grabado entre el 14 y el 28 de Marzo del 1995 que es presentado en la Sala Revólver de Madrid con la incorporación al saxo de Jorge Beltrán. Mikel Clemente se dedica a grabar imágenes a lo largo del Mississippi para un reportaje y un nuevo video.

En un momento conflictivo de su carrera, en el que las ventas no son las de antes, deciden hacer un exquisito repaso por la música popular nacional con interesantes paradas como las que los llevan a Los Cafres, Los Coyotes, Los Salvajes o Ilegales. Johnny Cash siguió un camino parecido con sus American Recordings, aquí, con “Cultura Popular” (Virgin, 1997) fueron Siniestro los que se atrevieron a desempolvar el cancionero nacional. Y digo desempolvar porque el rescate de cortes como “Cultura popular” de Moncho e Mailo Sapoconchos, la “Alimaña” de Los Cafres o el “Es muy fácil” de Los Mitos, es realmente meritorio. Más de veinte versiones, desde el “Soy así” de Salvajes a “Gelito” de Los del Páramo. El disco se presenta -y es grabado en directo- los días 9 y 10 en el Palacio de Congresos e Exposicións de Santiago de Compostela por todo lo alto, mediante un espectáculo audiovisual concebido para la apertura de curso universitario 1996 / 97 dirigido por Mikel Clemente.

Un año muy prolífico el 97, en el que también nos entregan “Así Empiezan las Peleas” (Virgin, 1997) -disco en directo grabado en la gira que dio el grupo en 1996, y que recoge momentos de las actuaciones en el campo de futbol de Maceda (Orense), la plaza de toros de Oviedo, el pabellón Interpeñas de Zaragoza, la sala La Riviera de Madrid y un tema en Dr. Jeckyl de Buenos Aires-, “Gato por Liebre” (DRO, 1997) –recopilación hecha por DRO a su libre albedrío de todas las versiones que realizaron Siniestro Total a lo largo de su historia- y “Sesión Vermú” (Virgin, 1997) -segundo larga duración de Siniestro Total en su etapa con Virgin-.

En el 93 Siniestro Total viajaron a Memphis para grabar “Made in Japan” (BMG, 1993) con Joe Hardy en los míticos estudios Ardent. Pero además de grabar se pasearon por las tiendas de segunda mano de la ciudad buscando discos de pizarra recubiertos de polvo. Entre las compras les llamó la atención uno de Jack Griffin, un personaje del que desconocían su existencia y que a base de muchas búsquedas de información e ir atando cabos se dieron cuenta que era un referente tan valido como cualquier otro para desarrollar un viaje sin red a las entrañas más profundas del blues. Así nace “La Historia del Blues” (Virgin, 2000). Segundo Grandío abandona la banda y ocupa su lugar al bajo Oscar G. Avendaño. Al mismo tiempo Julián se asocia a Rómulo Sanjurjo (Os Diplomáticos de Monte-Alto) y pone en marcha Transportes Hernández y Sanjurjo.

Dos años después llega el triple álbum “¿Quiénes Somos?, ¿De Dónde Venimos?, ¿A Dónde Vamos?” (DRO, 2002). Un trabajo temático en el que un disco está dedicado a repasar el presente de la banda, otro a repasar el pasado y otro a mirar hacia delante y adelantar el futuro. En los agradecimientos podemos leer un emotivo mensaje: “Siniestro Total desea aprovechar la edición de este triple álbum para dar las gracias de corazón a toda la gente que de una u otra manera ha colaborado con el grupo y le ha proporcionado la energía, las ideas y los medios que han hecho posible una carrera de veinte años. Somos conscientes de que no están todos los que son (sería una tarea imposible) pero sí son todos los que están. Este disco está dedicado a ellos y a todos los que han apoyado el proyecto ST desde 1981”.

Incluyen dos temas -“800 balas” y “Enseñarle a Dios (una cosa o dos)”- en la banda sonora de la película de Álex de la Iglesia “800 Balas” (2002) y su particular versión de “Correcaminos (The Road Runner)” en el recopilatorio “Patitos Feos” (BMG, 2002).

En el 2005 Siniestro Total con una formación estabilizada con Julián Hernández (voz, guitarra), Javier Soto (guitarra solista, coros), Ángel González (batería), Jorge Beltrán (saxo) y Oscar Avendaño (bajo, coros) entran a grabar en Casa de Tolos -el estudio de Segundo Grandío en Mañufe (Pontevedra)- “Popular, Democrático y Científico” (Loquilandia / Diablo, 2005). De la producción se encarga de nuevo Joe Hardy y del apartado audiovisual Mikel Clemente.

El 1 de abril del 2008 se publica “Que Parezca un Accidente” (Sony / BMG Loquilandia, 2008), un 2CD+DVD que recoge la grabación en directo del concierto del 27 de diciembre de 2006 en el Cine Salesianos de Vigo. Un repaso por todos sus grandes éxitos grabado en directo el mismo día, a la misma hora y en el mismo lugar en el que dieron su primer concierto pero veinticinco años después. Ellos lo explican a su manera: “El criminal vuelve al lugar del crimen, sin nostalgia y sin arrepentimiento, para celebrar una fiesta bestia sin concesiones. Que parezca un accidente es el testimonio puro, duro y crudo de esa noche. Sin retoques de estudio y sin cirugía tecnológica; todo lo que ocurrió está en este disco y todo lo que está en este disco ocurrió”. Este mismo año Miguel Costas graba su primer trabajo en solitario “Condenados a Costas” (G. Domani, 2008).

En 2009 participan en el aniversario de la Sala El Sol por sus 30 años, para unos meses después viajar hasta Venezuela, donde da tres conciertos en la capital.

Las ganas del grupo se manifiestan en la grabación de un nuevo disco "Country & Western" (Sony, 2010) que graban en los estudios de The Foam Box en Huston (Texas) donde vuelven a trabajar con Joe Hardy como productor. Disco que rebosa energía por todos lados, indaga de nuevo en diferentes aires de la música norteamericana, para seguir, eso sí, con sus constantes vitales en letras y referencias a su Galicia del alma, perfectamente intactas.

Seis años después, y tras publicar varios singles digitales, publican un nuevo trabajo en vinilo 10": "El Mundo da Vueltas" (Trilobite, 2016). El brillante diseño, en gatefold, es obra de Depende Durante. Se trata de una impactante “intervención” (en parte collage, en parte manipulación) sobre el “Inferno” de Giovanni da Módena (siglo XV), por la que se pasean Luis Tosar, John Malkovich, Felipe González, Aznar, Rouco Varela o Mick Jagger.

Actualmente Siniestro Total son una leyenda viva de la escena nacional, respetados por compañeros, prensa y público, continúan con la misma ilusión de siempre demostrando que se puede mantener la actividad durante más de tres décadas siendo fieles a sus principios.

(*) Recuerda por la CULERADA zapatos de Claqué.

Ostras como se dice en Mallorca!!!
Entonces en el 92, ya había canal pus, con tele FIVE ( bailemos el hincó) y Antena Free Facha.
Como avanzó Iberia 😎
Después VINO 🍷otra crisis IMPUESTA del CARAJO.
España moderna Sevilla92 y salta la tapia BARCELOOOOONA!🤔

Ahora la letra puede que te llevará a la cárcel🏴‍☠️✊

Te mataré con mis zapatos de claqué
Te asfixiaré con mi malla de ballet
Te ahorcaré con mi smoking
Y morirás mientras se ríe el disc-jockey

Y bailaré sobre tu tumba

Te degollaré con un disco afilado
De los Rolling Stones, o de los Shadows
Te tragarás la colección de cassettes
De las Shan-Gri-Las o de las Ronettes

Y bailaré sobre tu tumba

Te clavaré mi guitarra
Te aplastaré con mi piano
Te degollaré con mis platillos
Te trepanaré con mi órgano Hammond

Y bailaré sobre tu tumba...
🎷💊💉🧯📆🚬⚰️💣⚰️🎺🎛️🎚️🎧🎤

Una de Aerolíneas 🍊🍌🍍🍉🍒🍓

Bendigamos MIA TERRA GALEGA🏴‍☠️💣🚬

Sin acritud y resentimiento nos vamos a VALENCIAAAAAAAAAA 🥘🥘🥘🥘🥘🥘🥘

La semilla de la denominada “Ruta Destroy” se sembró a caballo entre finales de los 70 y primeros 80, dentro de lo que fue la particular “Movida Valenciana”, movimiento que a pesar de tener mucha menos repercusión mediática que la conocida Movida Madrileña y de haber sido injustamente marginada, muchos afirman que tuvo tanta o mayor importancia real que esta, no solo por la infinidad de grupos autóctonos que aparecieron y la vitalidad cultural que aportaron a la ciudad de Valencia, mientras que la verdadera movida madrileña fue en realidad, en palabras de muchos que la vivieron, disfrutada por unos pocos privilegiados, sino porque esta otra movida, la valenciana, actuó como potente catalizador para que una ingente cantidad de grupos extranjeros, principalmente e inicialmente británicos, fueran dados a conocer en toda España, a través de Valencia, donde dieron su primer paso en la península, para después dar el salto al resto del país. Además, la de Valencia acabó derivando en el culto a esos centros de ocio llamados discotecas,
creando por primera vez en España un movimiento de música de baile con sonidos que hasta entonces no eran entendidos como tal, sonidos de importación que asiduamente traían los disc-jockeys valencianos y otros personajes importantes directamente desde Londres, Manchester, y otras ciudades europeas. Lo que derivó en la posteriormente llamada Ruta Destroy. El término movida valenciana, de hecho, se ha extendido hasta incluir a la movida discotequera de la Ruta Destroy.

A finales de los 70, en plena transición, la ciudad de Valencia, que por aquel entonces apenas llamaba la atención en cualquier aspecto cultural, político o social, quiso reclamar su parte de protagonismo. Durante la era Post-Punk y New Romantic (la llamada era new wave), la ciudad empezó a florecer, no sólo musicalmente sino también culturalmente. Empezaron a aparecer grupos musicales autóctonos con una marcada tendencia vanguardista, y de una manera menos mediática que en Madrid. Se dice que mientras en Madrid, los iniciadores del movimiento fueron Kaka de Luxe y Burning, en Valencia lo fueron, en 1979, La Banda de Gaal y seguidamente La Morgue. Grupos como Seguridad Social, Video, Glamour, Comité Cisne, Betty Troupe, In Fraganti, La Morgue o Interterror lideraban una legión de artistas valencianos que apostaban por los nuevos sonidos llegados directamente del Reino Unido o Alemania, y empezaban a poner de moda la imagen del post-modernismo de principios de los 80, con looks elegantes, sofisticados y estridentes, heredados y evolucionados de la era punk. En esa época, un local sobresalió entre todos por su amalgama cultural, Pyjamarama, pero hubo otros, como Bowie, Gasolinera, Tropical (que años más tarde se conocería como ACTV), Video, Estandarte o Planta Baja. Asimismo, debido a esta apertura en Valencia a sonidos no tan convencionales, muchos grupos extranjeros empezaban su andadura por tierras españolas pisando primero Valencia, como el caso de Soft Cell. La gente empezó a interesarse cada vez más por estos sonidos de synth-pop/rock/pop/gótico, etc, en su mayoría procedentes de las islas británicas, en una época con demasiada influencia de la canción ligera y de cantautor. En aquel momento, sin embargo, aún no había ninguna discoteca que realmente pinchase esa clase de sonidos. Dichos sonidos no iban ligados a la música de baile, que aún estaba basada casi exclusivamente en música negra (funk, los inicios del house, etc) y sonidos disco europeos como el italo-disco, y por ello, aún no se entendían como tal, por lo cual aún estaban relegados a las salas de conciertos y los bares de copas. Seguían existiendo exclusivamente las boîtes y salas de fiesta setenteras, tapizadas y llenas de espejos.

Fue a raíz de abrirse una sala llamada Oggi, auspiciada por el principal precursor y gurú de la movida discotequera, Juan Santamaría, cuando esos sonidos, y toda clase de rarezas electrónicas y guitarreras, eran pinchados para un público aún muy selecto y con grandes inquietudes musicales y culturales. La sala no tardó en decaer por oscuros derroteros (gente adicta a la heroína y otros problemas). Más adelante, la misma gente responsable del Oggi se trasladó a la sala Metrópolis, en un intento de agrupar a todas las tribus urbanas de Valencia (rockers, mods seguidores del garage rock o del ska y otros sonidos con marcada influencia sesentera, nuevos románticos, punks, góticos, etc), tribus que por aquel entonces y durante todos los 80 fueron muy prolíficas. Esto no estuvo exento de problemas, ya que muchas de estas tribus urbanas rivalizabasn entre sí, como los rockers y mods. Hasta que la fiesta se trasladó a una sala llamada Barraca, en Les Palmeres (Sueca).

Valencia 1982

Barraca empieza la fiebre:

Todo se puede decir que empezó allá por 1982 , Barraca una legendaria discoteca cambio su forma de entender la música y cambio su ambiente por uno mas radical y liberal ,los sonidos electrónicos principalmente alemanes hacían presencia en Barraca, esta discoteca que fue inaugurada allá por 1976 dio el paso definitivo para empezar toda esta locura cuando decidió cambiar el panorama musical de su local de ocio . Front 242 ,Kraftwerck ,Ultravox , Anne Clarke ,Invisible Limits , Farm ,Vicius Pink , A split second etre otros empezaban a sonar por las noches de Barraca Destroy , la fiebre estaba cerca de llegar las sesiones se hacían cada vez mas largas y se hacia normal ver amanecer en su terraza , aun así Barraca aun no era del todo conocida hasta que Abrió Chocolate en Septiembre de 1982 ,fue el impulso definitivo para comenzar la ruta ,la gente se empezó a congregar por aquélla zona entre el Perelló y Sueca , en 1983 se hacían populares los viajes de una discoteca a otra ,Chocolate impulso sus sonidos hacia un corte mas radical y vibrante ,Barraca se encomendaba mas a sonidos mas Synt Pop y electrónico melódicos , Los denominados chocolateros disfrutaban como enanos con la maquinaria alemana (industrial) que Chocolate tanto apreciaba pinchar es sus locas sesiones hasta el amanecer , todo esto impulsado por una droga que iba a ser determinante para forjar la leyenda .LA MESCALINA ,una mezcla de excitantes con estimulantes varios tales como anfetamina, centramina y lisedrinas ,estas drogas mezcladas con alcohol revitalizaban las ganas de bailar y las ansias (virtuales) de vivir .

1984-Nace Spook Factory

Todo era buen royo por Barraca y Chocolate ,sus interminables sesiones se hicieron famosas en 1984 ,cuando abrió para muchos la mejor discoteca de todos los tiempos en la península ,Spook Factory la mas psicodélica y excéntrica discoteca de la costa levantina una leyenda viva ,rompió moldes con sus sesiones matutinas abriendo viernes y sábados ,atrayendo así a gente necesitada de experiencias radicales de evasión , la ruta empezaba a tomar forma ,Valencia se esgrimía como la capital mundial de la fiesta Techno , los grupos alemanes electrónicos eran los lideres en las sesiones de las discotecas ,la música Industrial llegaba su máximo esplendor con los Front 242 este grupo nacido en 1982 hizo las delicias de los jóvenes de la época con sus sonidos radicales y sus vibrantes percusiones electrónicas .

¿por qué Valencia? Porque Valencia fue la ciudad elegida para la evasión y la expansión de libertades y no por ejemplo Madrid o Barcelona , hay muchas respuestas ,muchas lógicas e ilógicas pero la que mas se sustenta es la idea de que tras la represión por la muerte del caudillo Madrid estaba muy en el punto de mira y Barcelona se cernía como una ciudad nacional socialista .

Valencia estaba liberada de toda presión social y era idónea para crear un ambiente evasivo de euforia compartida , esta libertad se empezaba anotar en la misma ciudad donde locales nocturnos cerraban sus puertas entre las 5 y 6 de la madrugada ,con esta premisa era fácilmente adivinable lo que se venia encima.
Destroy y ruta 💊🎧🎚️🎛️🎤👌

Para mí de los más recordados y queridos!
Funk-Punk para recordar el 12 a 1 a MALTA 👌
🥅⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽en muy buena compañía...✊


El estribillo hoy sería de denuncia directa.

La única evidencia si queda💰💵el poderte pagar el apartamento del futuro (hasta que el planeta se vaya al carajo)☠️

Y ya de paso traje para el entierro color plateado, muy Bowie y muy GLAM🦺🎩

A rebobinar las cintas de video BETA 🤭
SONY SUPER!!!

Entrevistarlos y verlos a en directo un placer; como la tropa que viene, y a otras muchas más decenas de ellos 😎gran suerte y buenos recuerdos...

Tengo hambre🐸🐸🐸🐸🐸🐸🐸

Auténtico Glamour:

Los mejores en directo...
No vendieron tanto como Video ni aparecieron tanto en las revistas de colorines como Betty Troupe; sin embargo Glamour fueron los primeros y seguramente el mejor de los grupos que conformaron lo que se bautizó de forma oportunista como Movida Valenciana. Glamour nace de la fusión de dos grupos: La Banda de Gaal, en la que estaban Luis Badenes (cantante), José Luis Macías (teclados) y Remy Carreres (bajo), y Doble Zero en la que militaban José Payá (batería) y Adolfo Barrera (guitarra). Esa unión tuvo lugar a finales de 1980 y el debut ocurrió en el Planta Baja, en el barrio del Carmen. Enseguida otros locales emblemáticos como El Teléfono, regentado por Manolo Alcalá y Paco Adelantado, comienzan a promocionar el tecno valenciano. En 1981, esta misma pareja de jóvenes empresarios abrirán el Pyjamarama, en la zona de Pelayo, que se convertiría enseguida en la referencia musical de la ciudad del Turia.

Una persona fundamental para Glamour fue su productor, Esteban Leivas, que les ayuda a encontrar una imagen conceptual y visualmente homologable a los nuevos románticos como Ultravox o Duran Duran. No obstante, su música sólo cabe calificarla de tecno-pop con abundante uso de sintetizadores monofónicos, cajas de ritmo, rototoms, secuenciadores y toda la parafernalia electrónica del momento. Tampoco les eran ajenas influencias de Roxy Music o Bowie, auténticos maestros e ídolos de toda la generación musical que eclosionó en España a principios de los 80. La habilidad de Esteban Levias y una maqueta que fue repartida por todos los pubs valencianos que la pincharon hasta la saciedad en el verano de 1981 consiguieron que dos potentes discográficas, CBS y Polydor, se interesaran en ellos, decantándose finalmente por esta última.

En noviembre de 1981 saldría a la venta el LP “Imágenes” (Polydor, 1981), que pondría al grupo en circulación por toda España al año siguiente. La canción que da título al citado disco conoció también ediciones en formato single y maxisingle.

Entre gala y gala, en el verano de 1982, van a grabar su segundo LP, que aún tardaría tiempo en ver la luz. “Guarda tus Lágrimas” (Polydor, 1983), un disco sensiblemente parecido al anterior y que ya no alcanzó las ventas y repercusión que tuvo su primera obra. Por el contrario, el grupo vivía en aquel año 83 su mejor momento con directos cargados de magia y con la maquinaria musical perfectamente engrasada. En esos directos incorporaban siempre el saxo de Ramón Gilabert, aunque éste nunca apareció formalmente como miembro del grupo.

En 1983 ofrecen en las fiestas madrileñas de San Isidro una actuación mano a mano con Soft Cell y en el Pabellón del Joventut, en Badalona, ofrecerán uno de sus más importantes conciertos junto a Stray Cats y otros grupos. Fueron los últimos brillos de unas estrellas a las que se les había corrido el maquillaje y que acusaban la poca capacidad de evolución que el tecno nacional tuvo en aquellos años. Justo en ese momento dulce, Glamour decide dejarlo, cerrando su carrera en enero de 1984, cuando otros grupos de La Movida Valenciana, hasta cierto punto imitadores suyos, triunfaban por toda España.

Adolfo Barrera formaría el grupo after punk Ceremonia, que dejarían un solo maxisingle. José Luis Macías y Remy Carreres montarían otro de los grandes grupos valencianos: Comité Cisne, donde apadrinarían a un jovencito: Carlos Goñi, que se convertiría andando el tiempo en uno de los más influyentes músicos del país. Finalmente, el cantante Luis Badenes grabaría algunos discos como solista en sellos independientes.

Imágenes muchas📼📺📹🎹

Una de salas de conciertos, antes de Asturias, Aragón, País Vasco y Cataluña; más comics, recuerdos y otros retoques🏴‍☠️💣🚬⚽✊🎚️

Como aquellos tiempos de grupos, estilos y sonidos, patrios y ajenos... del 80 al 95... nunca volverán.
Aún con nuevas salas...remenbers... grupos post- independientes...aquel tiempo de rotura y rebeldía, vivir intensamente lo posible entre el bien y el mal...no te encontraré...
Todo maqueado y bien controlado🏴‍☠️💣🚬por el momento eso creen🐾⏳

Aragón YE NAZION!🏔️🍊

Después de la ensaimada de Palma a la breva del 86 al 95 de Zaragoza.
Uno detrás de otro.
🍒🍒🍒🍒🍒🍒🍒
🍻🍺

Sanguíneo Rossi Plaza Atarazanas🤭

Una época sonada:
Un restaurante, una ortopedia o hasta un gimnasio 24 horas de “próxima apertura” ocupan hoy los locales que durante años albergaron algunas de los mejores salas de conciertos de la capital aragonesa durante las décadas de los 80 y 90.

Una de las más añoradas es la sala Devizio de Zaragoza, en la zona del Rollo (Doctor Lozano), recién convertida en iglesia evangélica, sede de la Asamblea Apostólica de la Fe en Cristo Jesús. Ahora lo que allí se cantan son misas. En el recuerdo quedan las estrofas de Kase O y los ecos de las canciones de Mano Negra.

Unos años antes, a mediados de los 80, surgieron en Zaragoza dos salas de conciertos de vital importancia para la escena musical de la ciudad. Las dos abrieron en 1986: la M-TRO, el 16 de mayo, en la calle de Casa Jiménez, 8 -en la actualidad es un restaurante italiano-; y la En Bruto, el 4 de septiembre, en Comandante Santa Pau (actual calle de Héroes del Silencio, 1), todavía en activo con el nombre de Snatch Club.

La M-TRO nació como una cooperativa con aspiraciones más allá de ser un mero espacio para conciertos. Tenía dos pisos: en la planta calle disponía de tiendas, entre ellas una peluquería; y en la inferior, la sala de conciertos, con una capacidad para 300 personas.

M-TRO, una sala muy movida.
“El grupo que tuvo el honor de inaugurarla aquel día fue Pécora Jarris -interludio de Distrito 14– con Mariano Chueca a la cabeza. Ese día, la sala estaba de bote en bote, hasta tal punto que hubo que esperar en la puerta parcialmente a que fuese saliendo personal para poder entrar”.

Por su escenario pasaron, entre muchos otros grupos: Héroes del Silencio, Mestizos, Más Birras, IV Reich, Furtivos, La Frontera, Los Nikis, The Meteors, Tijuana in Blue, Desperados, Dogo y los Mercenarios, Coyotes, Ana Curra, Potato, Tahures Zurdos, Los Negativos, Freddy Fingers Lee, Wilko Johnson “o los franceses Hot Pants, el grupo de un entonces jovenzano Manu Chao“, recuerda el programador musical Chema Fernández.

La M-TRO también albergó exposiciones, proyecciones y representaciones teatrales, pero por desgracia su historia se truncó en junio de 1989 cuando comenzaron los problemas con los permisos para organizar conciertos en directo en el local. Ya en los 90, solo quedó la planta de arriba, que durante un tiempo funcionó como cafetería hasta que finalmente cerró sus puertas.

En Bruto, un escenario bestial
La En Bruto, propiedad de Nacho Royo, continuó como referente tras el cierre de la M-TRO. Se había inaugurado con un concierto de Los Desechables y desde entonces, y hasta 1997, por su escenario pasaron numerosos grupos de la escena nacional e internacional: Sonic Youth, Johnny Thunders, Héroes del Silencio, Más Birras, Pedro Botero, Ferrobós, Los Enemigos, Gatos Locos, The Godfathers, EMF, Flesh for Lulu, New Model Army, Radio Futura, Niños del Brasil, The Fuzztones, The Sinners, The Fleshtones, BB sin Sed, La Granja, Mestizos, Proscritos, Lágrimas de Mermelada, John Landis Fans, La Dama se esconde o Días de vino y rosas, entre tantos otros.

En ambas salas se celebraron seis ediciones del concurso Medio Kilo de Rock (1988-1993) -que originalmente premiaba con 500.000 pesetas a los ganadores-. Por el escenario de la M-TRO, en 1988 y 1989, pasaron algunos de los mejores grupos del panorama musical aragonés del momento y, a partir de 1990, siguió celebrándose en la En Bruto. La séptima y última edición de este concurso tocó a su fin en el Centro Cívico Delicias, entre 1994 y 1995.

En este certamen fueron premiados bandas como Los Especialistas, Reo, Los del Trasmuro, Tako, Luxury Beat, Los Malvados, La Residencia, Pasajeros del Viento, Club Eléctrico, Visitantes, El Regalo de Silvia, Duques, INK, United Colors of Funk, The Canfraners, Iguana, La Ley, Flores Venenosas, Facsímil y S. C. R.

Green Day, en el Rollo:
Muy cerca del Devizio, en el bar Piramys ANGELITO (Perpetuo Socorro, 11), actuaba el 1 de mayo de 1993 una banda californiana que por aquel entonces acababa de firmar con Geffen Records y de cuyos componentes se decía que eran “Los Beatles del punk”: Green Day. Tocaron en Zaragoza, con los teloneros locales Trip Inside; y otras dos veces, en la En Bruto y en la discoteca Heaven, dentro de los conciertos de su gira española gracias a Producciones Zambombo, antes de convertirse en un grupo de masas.
Hubo otras salas en los 80 que fueron antecesoras de la gran eclosión en la década siguiente: BV-80, El Plató (acabó siendo la discoteca KWM y, en la actualidad, una ortopedia) y bares míticos como el Caligrama, El Escaparate, BERLÍN- PUNK Paradys, Potoka☠️💣🏴‍☠️Interferencias, Sacher, Cairo… Algunos continuaron con distintos nombres, otros desaparecieron, aunque perduran en el recuerdo de muchos parroquianos que pasaron allí buena parte de sus años de juventud.

En los 90, salas y locales como la Morrissey –en cuyo local se anuncia la próxima apertura de un gimnasio 24 horas-, King Kong, Angelito Piramys, La Casa del Loco, La Piedra de Blarney, Arrebato, Utopía,✊💣🏴‍☠️ La Casa de la Paz🏴‍☠️💣, El Refugio del Crápula, La Campana de los Perdidos, Café del Prior, El MURO, Oasis, Morrison Hotel, La gruta, Punto y Aparte o La Lata de Bombillas, peinando el fin de la década, marcaron el ritmo. Aunque desafortunadamente, muchos de ellos desaparecieron.

Vida para el recuerdo...
Donde antes estuvo el letrero del Café del Prior -abierto hace 25 años-, se colocó después el de The Cavern Club. Pero desde hace tres años luce otro más expresivo: Vivalavida, nombre del proyecto con el que Óscar Vicente, más conocido como Antílope, ha logrado resucitar este espacio.

El local ha albergado diversas actividades culturales durante un cuarto de siglo: presentaciones literarias, actuaciones y conciertos de música. Por ese motivo, Vivalavida acaba de lanzar un llamamiento a través de las redes sociales en el que solicitan fotos, vídeos, recortes, entradas, historias y anécdotas relacionadas con esta establecimiento a lo largo de todos estos años con el fin de recopilarlos y editarlos en un libro. Además, anuncian la preparación de un ciclo de conciertos, un concurso musical y una fiesta para celebrar este aniversario.

Tardes de pantalones anchos y noches de al compás de las horas 🍺🍻🎙️🎚️🎧📻

Discos de los Jam, noches de ciudad, existencia depresiva...

😎🚬🖐️

Siempre supe que nuestro amor no fue más que un gran error
Intentare olvidar algo que no debió pasar

Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya

Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya

En el oeste me esconderé
En el oeste te olvidare
El morado me protegerá
Espero que no me encontraras
El piel roja me enseñara
La mentira y la verdad
La razón para existir
Y como no pensar en ti

Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya (repetir x 2)

Los bisontes los venados
Descubrirán lo que te odiado
Las estrellas me liberaran
Las serpientes los apaches
Sabrán hacer lo que tu no haces
Donde no pise el hombre blanco
Jamás se convertirá en pasado
Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya(repetir x 4)

Segunda pregunta como se llama el cantante de los Niños del Brasil?

Del amor al odio♥️💘💀🦴
Bunburrico SONG🎹🎚️

Por hoy cerramos la casa de la imperfección, mañana aún queda algo OSCENCE pasa puess...🎤
Asturias, País Vasco, Comics, Retoques, CELESTE sala, Nazario, Azagra, Tijuana in blue, víbora y...
⚽⏳🏔️

Solo falta el colgado de Bauhaus📸📀🖲️🎸


7 de Marzo.
Revolución, cuentas pendientes, castigo y limpieza.
✊💸
Tercera pregunta que unen a estos dos grupos memorables en sus dos canciones.
Vamos CHACALES!!!


🤭🎧

Anonymous
(@anonymous)
Mito
19/02/2021 7:01 pm
ResponderCitar

On The Road Again🎚️🎧🍺🍻🏴‍☠️🎙️

La Movida Aragonesa renacio en Binéfar durante 17 días con una muestra, charlas y conciertos
Se pudo admirar admirarse joyas procedentes de grandes colecciones.
Transcurridas cuatro décadas de su nacimiento y eclosión, La Movida sigue instalada en el imaginario colectivo. Un movimiento contracultural que cristalizó en los albores de la Transición y cuyos ecos todavía retumban. Binéfar invoco el espíritu de esos años legendarios con una amplia agenda que incluyen una exposición, coloquios, conciertos, un mercadillo e incluso actividades escolares.

"Hace tres años el Ayuntamiento creó un evento llamado Somos Música que cada año se dedica a un tipo de música. El primer año se dedicó al soul; el segundo, al hard rock, y este año, a la Movida. Consiste en involucrar a toda la población a través de los comercios, la hostelería y también los centros docentes", asevera Javier Tarazona, el organizador.

Sin duda, el reclamo que cohesiona la iniciativa es la muestra que acoge la sala de exposiciones del consistorio. En las vitrinas y en las paredes pueden admirarse auténticos tesoros que Tarazona ha recolectado de grandes coleccionistas. "Quizás el artículo más importante sea la entrada y el ‘flyer’ del mítico Concierto de Primavera que se celebró el 23 de mayo de 1981 en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, momento cumbre de la Movida en el que actuaron Farenheit 451, Alaska y los Pegamoides, Los Secretos, Nacha Pop... Y hay una pieza muy especial para mí, el cartel del concierto Frecuencias que tuvo lugar en Zaragoza el 14 de mayo de 1983. Eduardo Benavente, líder de Parálisis Permanente, falleció en un accidente de tráfico de camino a este concierto, y eso hace muy especial este cartel que nos ha cedido Linacero", relata. Junto a estas rarezas también brillan un sinfín de discos y otros artefactos de las bandas que protagonizaron el fenómeno.

La aportación deAragón a la Movida fue generosa y queda perfectamente documentada en la exhibición. "Están las maquetas y el programa original de la Primera Muestra de Pop Rock y Otros Rollos de Zaragoza, y también del Medio Kilo de Rock. Hay material de los locales de conciertos de Zaragoza como la sala Metro, de la que se expone la invitación a su inauguración. Y hay discos de todos los grupos aragoneses de los 80: Más Birras, Distrito 14, Ferrobós, Héroes del Silencio o el buscado elepé ‘Sangre española’ del programa que presentaba Cachi en Radio Zaragoza", prosigue Tarazona. Como la exposición se halla en Binéfar, se ha hecho un esfuerzo para reunir los discos de los grupos de la provincia de Huesca: Proscritos, Mestizos, Escoria Oriental, Víctimas, Inusitados, Eje Berlín, Alta Sociedad…
A la proyección de películas icónicas como ‘Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón’ y de documentales, se une el próximo jueves 10 de mayo una charla en la que participarán actores destacados de la Movida aragonesa:Juanjo Javierre (Mestizos), Felipe Puy (Proscritos), y el saxofonista Justo Bagüeste. Un menú rematado por los conciertos de versiones a cargo de Rey del Glam, Los Conejos Verdes y Esquimales en el Sáhara.

El programa de la I Muestra de Pop Rock y Otros Rollos de Zaragoza.
Los días 23, 24 y 25 de marzo de 1984, medio centenar de grupos aragoneses protagonizaron en el Pabellón Francés de la Feria de Muestras tres días históricos. Participaron, entre otros, Golden Zippers, Pedro Botero, Ferrobós y Doctor Simón, Los Enfermos Mentales, Proceso entrópico, Zumo de Vidrio... Fue el punto de partida y el acicate para que emergieran muchas vocaciones musicales.

Cartel histórico.

El 14 de mayo de 1983 estaba programado en la plaza de toros de Zaragoza un festival con la aristocracia de la Movida: Alaska y Dinarama, Derribos Arias, Aviador Dro, Nacha Pop, Polansky y el Ardor y Parálisis Permanente. Eduardo Benavente, el cantante de este último grupo, falleció en un accidente camino de Zaragoza.


Versión Grecas Too Much🚬😎

Aunque sea todo lo contrario, más PA allá que PA AQUÍ.
Sentirse tan bien es tan fácil...
Sentirse bien 📸
Sonríe al pajarito 🤭


Juan José Javierrre y los Mestizos de Huesca con una portada que hizo historia...
LLuis YES, YES, YES🎸✊

Dos canciones de Escoria Oriental para cerrar el círculo Oscense...
Locos, pasados, divertidos, alcohol, letras y otras historias para no dormir 🎚️☠️

Memorable muñeca muerta 📻👶

Aquello de Aragón también tiene Sed ☝️🏔️
Con Simón antes y ahora Abellán...
Manda EGGS Virgilio, en bólido de carreras🍺🍻🏎️

Una de Tino Casal y los COSTUS, y otros artistas maravillosos de aquellos tiempos...
📀de oro 🌟

Tino Casal
(Oviedo, 1946 - Aravaca, Madrid, 1991) Compositor y cantante español de música pop. Figura controvertida, Tino Casal no cesó nunca de ir más allá de lo convencional. Luchó por una estética barroca, sobrecargada, en la que creyó desde el principio, y jugó con una imagen ambigua a medio camino entre el glam de David Bowie y las drag queens. Pero, sobre todas esas características, prevaleció su enorme ingenio.

Tino Casal

Antes de ser famoso formó parte de Los Archiduques, uno de los grupos asturianos más importantes de la década de los sesenta y setenta. Actuaba con una especie de orquesta-conjunto con la que recorrió todo el Principado amenizando veladas juveniles. Con este grupo grabó varios discos; destacan temas como Lamento de gaitas o Si mi padre fuera rey. Con la experiencia y las tablas adquiridas se dedicó a producir a una de sus bandas preferidas, Obús, pionera del heavy español, respetando siempre las ideas del grupo, y apoyó los inicios del cineasta Pedro Almodóvar.

Tras varios intentos de debutar en solitario como cantante melódico, en 1981, de la mano del productor Julián Ruiz, Tino Casal lanzó uno de los discos más originales del pop español, Neocasal. El single Champú de huevo tuvo por su lado una extraordinaria acogida: fue número uno de ventas en España y su éxito permitió a Casal desarrollar sus ideas innovadoras. Casal y Ruiz intentaban introducir en España la corriente entonces dominante de los Nuevos Románticos, aderezados con cierta estética glam en la música y toques punkies en los diseños de ropa e imagen y de portada de los discos.

Tino Casal potenció el culto a la estética cuidando cada detalle con mimo y con un perfeccionismo a veces hilarante. El resultado más sobresaliente fue el single Embrujada, apoyado promocionalmente en un vídeo espectacular y en un diseño impactante. El tema se incluyó en su segundo elepé, Etiqueta negra (1983). Su éxito se prolongó con Hielo rojo (1984), pero en pleno triunfo sufrió un accidente que se complicó con una enfermedad y lo obligó a retirarse durante tres años.

Ya recuperado, y de nuevo con el apoyo en la producción de Julián Ruiz, en 1988 editó Lágrimas de cocodrilo, disco que incluía una excelente versión del clásico Eloise de Barry Ryan y con el que volvió a los primeros puestos de las listas de ventas. En 1990 publicó el que iba a ser su último disco, Histeria.

Un domingo de otoño, en septiembre de 1991, Tino Casal sufrió un accidente automovilístico en Aravaca en el que perdió la vida. Por pura coincidencia, al día siguiente se publicó, siguiendo el calendario previsto, su colección de Grandes éxitos, disco que repasaba sus mejores canciones. Su figura fue llorada; dejaba un hueco esteticista que no sería ocupado por nadie durante las décadas siguientes. Muchos músicos e intépretes, entre ellos Alaska y Marta Sánchez, le han rendido homenaje desde entonces, versionando sus canciones o dando a conocer temas inéditos suyos.0


Original con letra traducida.
Cover divino e increíble,Tino voz, imágen, sentimiento 👽🌈🌃

Perseverance aterriza con éxito: la búsqueda de vida en Marte puede comenzar
El quinto rover de la NASA en el planeta rojo superó los temidos 'siete minutos de terror'.

🤭👽👩‍🚀👾🚬🛸🚀

Un genio asturiano de corta vida que respondía al nombre de Tino Casal creó en 1983 una de las numerosas joyas musicales que nos dejó tras su caminar por esta vida. Rodeado de los bajos Chapman Stick y Manolo Aguilar, el guitarrista Carlos G. Vaso, los teclistas Javier Losada y A. Quintano, y el batería Javier de Juan, consiguió el mayor aldabonazo de su carrera de la mano del productor Julián Ruiz y el ingeniero de sonido Luis Fernández Soria. Hablamos, como ya han descubierto los seguidores del genial cantante y compositor, de ‘Embrujada’.

Fue la multinacional EMI la que lanzó al mercado esta genialidad de cuatro minutos y veintitrés segundos. Nada más llegar a las tiendas se catapultó hasta lo más alto de las listas de ventas en la primavera de 1983, sobre todo en la de los 40 principales, el hit parade más prestigioso español por aquellas fechas. Su logro quedó registrado el 9 de abril de aquel año. Por supuesto, consiguió también el disco de oro, que entonces premiaba la venta de cincuenta mil copias de vinilo.

La fórmula que triunfó se basó más en el talento que en los medios, todavía escasos en un pop español que comenzaba a modernizarse y digitalizarse. El teclista y arreglista Losada tuvo mucho que ver, gracias al extraordinario sonido que supo extraer a su modesto Korg y sin un solo secuenciador. Toda la grabación tuvo que realizarse de modo manual, por medio de cuatro pistas sincronizadas, tras un trabajo de dos semanas.

‘Embrujada’ materializó el espíritu de innovación que siempre caracterizó a Tino Casal, quien, por cierto, nada tenía que ver con la también asturiana Luz Casal. Bebió del trepidante ritmo dance basado en los vientos que nos llegaban de Gran Bretaña en los ochenta.

El VIDEOCLIP promocional, tan doméstico como innovador, ayudó a la promoción, aunque fue el boca a oreja y la radio quienes realmente hicieron que ‘Embrujada’ fuera una de las canciones que más sonaron en fiestas y locales en aquel verano. Jugaba con un estilo que bebía de los manuales del cine de horror de serie B -o C, o D, o…..- barato con hadas, brujas y demás. El Madrid underground y efervescente de aquella época fue elegido como escenario.

La obra, oscura en cualquier caso, fue una de las primeras que se hizo a nivel nacional. Surgió gracias al talento del desaparecido realizador audiovisual José Luis Lozano, pionero en este país. Pese a sus escasos veintipocos años , con ‘Embrujada’ dio toda una lección del manejo de los planos, la velocidad de rodaje y formatos impensables hasta el momento.

«El montaje apoya a la canción de forma maravillosa, tanto en su esencia conceptual, como en su estructura métrica, a la vez que plasma plásticamente el espíritu del Madrid lisérgico de los primeros 80», sostuvo en su día el experto en imagen Luis Cerveró.

Su grabación fue de un cortometraje de ocho minutos que describe su proceso creativo. «Encierra un drama: su propia vaciedad», se aseguraba en el programa de mano que se repartió entre los presentes en el estreno de la obra, que se proyectaba en los cines minutos antes del comienzo de las películas.

Por cierto, la joven que encarnaba el papel principal era Paola Bosé, hermana de Miguel Bosé. Tino Casal sólo aparece en la escena final.

La LETRA, también bastante lograda, retrataba los últimos días de una gran modelo en su ocaso, consumida por el alcohol y el desamor. Pretendía transmitir en todo momento una imagen de la decadencia de esas mujeres fatales que arrasan por donde pisan hasta que caen en la trampa del amor y son víctimas de sus propias armas, ahora manejadas por otras manos.

Hay quien sostiene que realmente es un tema autobiográfico. Los defensores de esta teoría leen entre estrofas una referencia al aspecto felino que adoptó Casal en ese período –qué de seguidores generó Kabir Bedi en su visita a España para promocionar la serie televisiva ‘Sandokán’–- y en algunos aspectos icónicos del vídeo que –como dicen quienes tuvieron oportunidad de visitarlo– recuerdan al domicilio del cantante. Además, las alusiones a las fans con la misión de ‘capturar al viejo tigre bengalí’ parecen evidenciar otra de sus canciones.

Hace tiempo que vive en un cuento,
del cual no quiere salir,
encantada duerme con la almohada,
y se olvidó de reír

Dicen que es la bruja,
con tacón de aguja,
aliada de Lucifer,
cuentan que era estrella,
pero la botella,
acabó con ella hasta hacerla enloquecer

Stop mi hada
estrella invitada
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche,
olvida tu mal humor

Embrujada vive encadenada,
a un viejo televisor,
ideas a manta,
cuentan que fue musa,
de algún mediocre pintor.

Todo era derroche,
reina de la noche
¿quién te ha visto y quién te ve?
cuentan que eras sexy
rutilante estrella
pero la botella acabó con tu poder

Ésta es mi bruja,
con tacón de aguja,
víctima del desamor,
date prisa envuélvete en la brisa,
olvida tu mal humor

Ésta es mi hada
estrella invitada
víctima del desamor.

Ésta es mi bruja,
con tacón de aguja,
víctima del desamor,
date prisa envuélvete en la brisa,
olvida tu mal humor,
stop

Ésta es mi hada,
juegos de venganza,
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche,
olvida tu mal humor

Ésta es mi hada,
estrella invitada,
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche
olvida tu mal humor🥂🍾

Otra versión a cual mejor 😎🚬

Y cuentos chinos...
🎚️📻🎙️
Costus...mañana el resto, domingo de SPAIN is very diferent 🤭

Los COSTUS:
Desde su encuentro en la Escuela de Artes y Oficios de Cádiz en 1974, Enrique Naya y Juan Carrero Galofré, iniciaron una relación de amor y creatividad artística que generó una obra vibrante y de cierta manera ayudó a transformar un momento particular de la cultura española.
Enrique Naya nacido en Cádiz el 12 de septiembre de 1953 y Juan Carrero, nacido en Palma el 4 de mayo de 1955, pero gaditano de adopción, a partir de ese primer encuentro, se convirtieron en una pareja sentimental y artística, que en 1981 asumiría el nombre de «Costus” en un homenaje al gremio de las costureras con el que se sentían identificados. Juan y Enrique tenían una asombrosa capacidad de trabajo y vivían pegados a sus lienzos, como las costureras pegadas a su máquina de coser. Cómo equipo, Los “Costus” se convirtieron en icono de lo que fue la Movida madrileña, el movimiento contracultural que vino a mover los cimientos de una Madrid que aún mostraba el letargo en que la había sumergido la larga dictadura franquista. Su Casa de la Calle de la Palma se convirtió en el epicentro del movimiento: De Pablo Pérez-Mínguez a Pedro Almodóvar (fue en “Casa Costus” donde se rodó Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980 primera película de Almodovar en la que recreó el ambiente que se vivía en la casa de Los Costus). De Tino Casal a Fabio McNamara, Alaska, Nacho Canut o Carlos Berlanga y tantos otros, tenían la casa de los Costus como su refugio. No es exagerado entonces decir que en “Casa Costus”, se creó el germen de lo que lo que más tarde se daría a conocer como La Movida.

Paradójicamente, esta asociación con La Movida, entendida como un fenómeno «de moda», actuó como un freno al reconocimiento de la obra de Costus y del lugar que merecía dentro de la pintura española, algo que el tiempo comienza a corregir y al día de hoy, Costus y su obra trascienden La Movida como dos artistas a los que, dentro y fuera de nuestras fronteras, se les reconoce su importancia dentro de la vanguardia artística española.
La ascendente estela de los Costus se ve truncada por la muerte prematura de estos jovencísimos artistas: Enrique Naya fallece El 4 de mayo de 1989, por causas derivadas del SIDA y un mes más tarde, Juan Carrero sumido en una profunda depresión, decide seguirle, suicidándose en la madrugada del 3 al 4 de junio de 1989. No obstante su temprana desaparición, dejaron el legado de una amplia obra que ha ganado en reconocimiento con los años. Sin duda, no parece exagerado decir que a 24 años de su desaparición física los Costus, están hoy más vivos que nunca.


Ocaña que estás en los cielos 🌠✨

Anonymous
(@anonymous)
Mito
20/02/2021 6:29 am
ResponderCitar

Conexión 🌃🏴‍☠️🖌️🎨🌙🌈
Barcelona madrugadas Underground.

Ocaña, el último caníbal
La gran conquista del emblema de la contracultura en la BCN de los 70 fue construirse desde principios estéticos una nueva vida; basta asomarse a sus piezas para arañar episodios de su biografía.

Llegó a Barcelona desde un pueblo de Sevilla con maneras de campo y una carpeta de dibujos pinzada bajo el sobaco. Había que estar en aquella ciudad, pensó, que empezaba a convertirse en los años finales de la dictadura de Franco en un hervidero de lo nuevo. En pocos años armó una biografía en la burbuja experimental de las Ramblas que sólo tomó sentido según el protagonista fue abriendo escándalos a su paso. Hasta quedarse a morir en uno de ellos.
Ocaña (Cantillana, 1947-1983) se hizo a sí mismo ese encargo: vivir aquello como si no hubiese en el mundo otra opción. Iba con el pelo volado, los ojos miopes y la quijada fuerte. Quería ser artista. Tenía veintitantos años. Le chiflaba la liturgia católica. Era anarquista. Y maricón. “Yo no conocía la palabra homosexual hasta que vine a Barcelona”, confiesa en Ocaña, retrato intermitente, la película-testimonio que le grabó Ventura Pons.
Primera aparición: un ángel
Atesoraba un talento inédito y, para darse a conocer, la tarde del 18 de diciembre de 1975 se puso un traje de ángel, plantó un lienzo frente al Liceo y se puso a pintar. Cultivó, desde entonces, una moral disipada en una lógica lúdica que todo lo convertía en fiesta. "¡Neeeenas, para nosotras todo el año es carnaval!", fue su grito de guerra. En aquellos años, Ocaña despeinó España a la cabeza de una patrulla de irreverentes surgidos de la acracia catalana y de la caverna del underground. Con ellos, sus amigos, formó una alegre corte por las Ramblas.

"Ocaña allí representaba la emancipación estética de las fuerzas productivas de Barcelona en la sombra”, señala Germán Labrador Méndez en el estudio Culpables por la literatura (Akal), de reciente publicación. Es cierto: él, disfrazado de folclórica, se ponía a cantar las coplas que los niños-bien de la gauche divine detestaban. Y lo hacía al completo, entonando y reclamando toda la atención sobre ellas. Ni las ridiculizaba ni hacía parodia. Eso sí, nada más acabar la canción se levantaba la falda. Si estaba vestido de mujer, enseñaba el pene. Si estaba desnudo, lo escondía entre las piernas.

Exhibicionista y preso.
Era fácil así verlo en el Café de la Ópera cantando Ojos verdes vestido a lo Juanita Reina. Otras, directamente, en bolas. Pero nada como el desparrame de las "Jornadas Libertarias celebradas en julio de 1977 en el Parc Güell"?. Hasta los anarquistas se plantearon prohibirle a él y a toda su tropa que volvieran a subir al escenario tras un delirio de estriptis y felaciones. También dio con sus huesos en la Modelo tras un choque con la Guardia Urbana. “Por las galerías de la cárcel oímos gritos desde otros pisos llamando a Ocaña y preguntando qué hacía allí”, recuerda Nazario en el primer tomo de sus memorias, La vida cotidiana del dibujante 'underground' (Anagrama).

Cualquiera de sus acciones públicas desplegaba un ventarrón de vanguardia. De algún modo, ponían del revés la vida. Hacían posible cosas de todo punto improbables. No iban dirigidas a un público ya existente, sino que lo creaba a través de una alteración de lo cotidiano, dinamitando las distancias entre participantes y espectadores. La mutua diversión era el único propósito. Ese calambre suyo todavía tiene un voltio que conmueve: Ocaña se construyó desde la estética, desde el arte, una vida radicalmente nueva. “Su obra es una suerte de huellas de vida”, explica Pedro G. Romero, comisario de la exposición que le dedicó La Virreina Centro de la Imagen en la primavera de 2010.

Amplio repertorio
Basta asomarse, por tanto, a algunas de sus piezas para arañar biografía. Los cuadros, por ejemplo, están llenos de autorretratos y de retratos de los amigos, de los familiares, de los conocidos, de los amantes, pero también de entierros, de viejas, de devociones marianas. "Muchos de sus cuadros no son otra cosa que rostros maquillados sobre lienzo”, ha visto con acierto Nazario. Como puede verse en la exposición Ocaña. La pintura travestida (Espacio Turina, Sevilla, hasta el 1 de octubre), pintó, y pintó mucho. En ese conjunto de acrílicos que ejecutó de forma frenética en los últimos meses de vida probablemente esté lo más destacado de su producción pictórica.

Otro tanto ocurría con sus exposiciones, donde daba más prioridad a la intervención en el espacio de exhibición que a los propios cuadros, con enormes piezas de papel maché que representaban devociones marianas, monaguillos, ángeles detenidos en el instante previo a la inocencia. En Un poco de Andalucía (Galería Mec-Mec, 1977) trasladó su casa; en La primavera, su gran éxito, sin duda, celebrada en 1982 en la capilla del Hospital de la Santa Cruz de Barcelona, recreaba las fiestas de la Asunción de su pueblo natal. El lienzo Sagrado Corazón de Jesús marica daba la bienvenida a los visitantes.

Viaje por Europa.
Gracias al éxito del documental de Ventura Pons, Ocaña viajó por Europa. En Cannes paseó con mantón y peineta por la Croisette y, en la rueda de prensa más divertida en la historia del certamen, le cantó en verso a la Macarena. En Berlín, Gérard Courant lo grabó vestido de folclórica cantándole a una Marilyn Monroe de cartón en la Puerta de Brandeburgo, con los soldados de la RDA apuntando a aquel tipo extravagante que asomaba sobre el Muro. El resultado fue el cortometraje Ocaña, el ángel que canta en el suplicio, uno de sus trabajos audiovisuales junto a Manderley de Jesús Garay y Silencis de Xavier Daniel.

"Ocaña, Nazario y Camilo pasean por las Ramblas, en el documental 'Ocaña, retrato intermitente' de Ventura Pons".

Pero Ocaña llegó a la inmortalidad por el camino más corto: morir antes de tiempo. A los 36 años falleció a consecuencia un fallo hepático mientras se reponía de las quemaduras sufridas a la conclusión de un desfile infantil en su pueblo natal. Su disfraz de sol acabó envuelto en llamas tras el encendido de las bengalas que lo remataban. Dejó una cierta cantidad de obra como para saber de su talento, pero también para especular hasta dónde habría llegado. Bien mirado siempre hubo algo de caníbal en todo lo que propuso. Pero de un caníbal que aceptaba el principio de su deseo: estar dispuesto a dejarse comer.


Con Terenci🌚 Moix

Ocaña MARE MEVA🖌️🎨🌙

Nazario VÍBORA 🍺🍻🌈


Que rápidamente los ponía a todos a trabajar de nuevo🤭⚽

'El Víbora', 40 años de historietas venenosas
El MNAC rinde homenaje a la revista que llevó el cómic underground a los quioscos, de cuyo nacimiento se cumplen 40 años
En la portada del suplemento especial que celebraba los primeros diez años de la revista El Víbora (1979-1989) aparece Snoopy sodomizando a Woodstock, su pequeño y fiel amigo plumífero. Los responsables de la revista que llevó a los quioscos españoles el llamado comix o cómic underground, cultivado hasta entonces por un puñado de autores en la más absoluta marginalidad, no podían haber elegido una imagen más elocuente como declaración de principios: su razón de ser consistía en transgredir las pautas éticas y estéticas de la historieta clásica y las convenciones morales de la sociedad.
“El Víbora rompió los esquemas de lo que estábamos acostumbrados a ver en el terreno del cómic adulto, al presentarnos historietas costumbristas y paródicas, punzantes, subversivas, críticas con el poder y, sobre todo, libres en todos los sentidos”. Así define la línea de la revista Antoni Guiral, director de Ficomic (entidad responsable de eventos como el Salón del Cómic de Barcelona) y comisario de El Víbora. Comix contracultural, la exposición del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) que recuerda la historia de la publicación, ahora que se cumplen 40 años de su nacimiento. La revista llegó a imprimir tiradas de 80.000 ejemplares y publicó 300 números hasta su desaparición en 2005.

Con un centenar de portadas y 35 obras originales, entre las piezas expuestas destacan los dibujos de Max e Isa Feu para el histórico número especial sobre el golpe de Estado de 1981 o el original de Nazario para la cubierta del número 1 de la revista.

"EL cómic underground de España era heredero del 'comix' americano, pero también de algo muy nuestro: la escuela Bruguera". Antoni Guiral

Ligada a la escena contracultural barcelonesa y con firmas como los mencionados Max e Isa Feu, Nazario, Mariscal, Roger, Marta Guerrero, Laura Pérez Vernetti, Gallardo, Pons, Martí, Carratalá, Montesol, Ceseepe, Max, Calonge, Jaime Martín y Pamies, El Víbora reflejó los postulados del comix que había surgido al calor de la contracultura de finales de los años sesenta en Estados Unidos, con autores hoy tan canónicos y reverenciados como Robert Crumb y Art Spiegelman, responsables de las revistas Zap Comix y RAW, respectivamente.

No obstante, el cómic underground llevaba en estas latitudes un ingrediente adicional: la celebración de las libertades recuperadas con el nacimiento de la democracia, con hambre atrasada de 40 años. Un ansia que explotó en forma de viñetas cargadas de sexo, drogas y toda clase de excesos. Por otra parte, opina Guiral que el cómic underground que se hacía en España era heredero del comix americano, “pero también de algo muy nuestro: la escuela Bruguera” y su tratamiento de la realidad de la calle, aunque dándole bastantes vueltas de tuerca.

“El Víbora llega en el momento adecuado, en plena consolidación de la democracia tras la Constitución de 1978. Con la recuperación de la libertad de expresión hubo un boom del cómic adulto, primero con la revista Tótem y luego con 1984”, recuerda Guiral. En esta tesitura y con la herencia recibida de quienes cultivaron en la más absoluta marginalidad el cómic underground, “surge una historieta más libre, no adscrita a géneros”, recuerda Guiral. El editor Josep Maria Berenguer quería lanzar una revista y su colega Josep Toutain, principal impulsor de las revistas de cómic de entonces, “le prometió respaldar económicamente el proyecto si lo dedicaba al cómic underground para satisfacer la demanda de los lectores que habían leído este tipo de historietas desde la década anterior”.

Así fue como nació El Víbora y su empresa editora, La Cúpula, que hoy sigue siendo una de las principales editoriales de cómics de España, especializada en cómic underground y alternativo, sobre todo de Estados Unidos, Europa y España, y que hoy dirige Emilio Bernárdez, que también estuvo ligado al proyecto de El Víbora desde sus comienzos.

Cómic en vivo:
“En los años 80, los autores que publicaban en El Víbora se hicieron muy populares, les invitaban a todas las jornadas y salones y pusieron de moda el cómic en vivo”, explica Guiral. Dentro de esta práctica cabe destacar Amor en Vallvidrera, un cómic de 15 por 3 metros dibujado en directo y con público en 1980 en la escuela EINA de diseño, pieza que acaba de incorporarse a la colección. Aunque Amor en Vallvidrera aún no puede verse en la exposición porque se encuentra en proceso de restauración, se muestran las fotografías del evento tomadas por Manel Esclusa y diversa documentación.

En aquella ocasión, como en muchas otras, se congregaron algunos de los colaboradores más importantes de la revista tanto de Barcelona como de Madrid. “Participaron Gallardo, Max, Martí Riera, Isa Feu, Roger, Mariscal… pero también autores que estarían después en el germen de la Movida madrileña, como El Hortelano, Montesol y Ouka Leele”, apunta Guiral. “Es un testimonio de los vínculos tan fuertes que había entonces entre la contracultura barcelonesa y Madrid”.

Otro colaborador habitual de El Víbora y personaje importante de la Movida fue Ceesepe, a quien La Casa Encendida de Madrid dedica estos días una exposición sobre la temprana y poco conocida faceta de historietista del pintor. Paralelamente, la editorial Fulgencio Pimentel recopila en una cuidada edición con cubiertas de madera casi todas las historietas de Ceesepe.

Del papel al museo.

“El cómic forma parte de la historia de la imagen y es necesario que esté en los grandes museos”, afirma Álex Mitrani, conservador del MNAC que ha colaborado con Guiral en el comisariado de la exposición El Víbora. Comix contracultural. Famoso sobre todo por su colección de arte románico y gótico, la horquilla temporal de los fondos y la programación museística del MNAC abarcaba anteriormente hasta la guerra civil española, pero hace unos años la amplió hasta la segunda mitad del siglo XX. Y precisamente el cómic “es una de las expresiones más características de esta época desde el punto de vista sociológico y estético”, opina Mitrani. “Es cierto que el cómic underground se sitúa deliberadamente en la marginalidad del sistema, pero es para nosotros algo que confirma la esencia vanguardista de este tipo de cómic. Es un arte basado en la honestidad, en el impacto, en la visión crítica de la realidad, en la transgresión de lenguajes formales y valores ideológicos y morales, que es exactamente el tipo de posición que define a las vanguardias desde principios del siglo XX”.

En efecto, el acercamiento de los museos al mundo del cómic ha sido cada vez mayor en los últimos años y ya es habitual que importantes museos de todo el mundo encarguen historietas relacionadas con sus exposiciones. En España el Thyssen-Bornemisza fue pionero en este sentido, con títulos como Mitos del pop, de Miguel Ángel Martín, Dos holandeses en Nápoles, de Álvaro Ortiz, sobre Caravaggio o Museomaquia, de David Sánchez y Santiago García, con motivo del 25.º aniversario del centro. Por su parte, a raíz del Premio Nacional de Cómic concedido en 2014 a Las meninas, de Santiago García y Javier Olivares, el Museo del Prado toma conciencia del potencial de una posible alianza con el noveno arte, y más tarde encarga a Max el álbum El tríptico de los encantados (Una pantomima bosquiana) con motivo del quinto centenario del Bosco, así como El perdón y la furia, de Keko y Antonio Altarriba, como complemento a su exposición Ribera, maestro del dibujo, o Historietas del Museo del Prado, de Sento, con motivo del bicentenario de la pinacoteca.

"El cómic underground transgrede lenguajes formales y valores ideológicos y morales, igual que las vanguardias del siglo xx". Àlex Mitrani

Pero además del encargo de títulos, algunos museos han ido un paso más allá y han abierto sus salas al cómic organizando exposiciones dedicadas a este medio de expresión. El IVAM es uno de los museos que más ha apostado por ello, con exposiciones como Valencia Línea Clara o la que actualmente acoge dedicada a Paco Roca. Por su parte, el Museo Reina Sofía celebró recientemente la exposición George Herriman. Krazy Kat es Krazy Kat es Krazy Kat, dedicada a uno de los pioneros del género (y cuyas actividades complementarias incluyeron una conferencia de Art Spiegelman).

Por su parte, el MNAC ha exhibido originales de Santiago García y Javier Olivares, Premio Nacional de Cómic 2015, y ha organizado otras exposiciones como De viñeta en viñeta y Ego Sum Lux Comic, con la escuela Joso, o la dedicada a Las nuevas aventuras de Corto Maltés. También impulsó la publicación del primer ensayo en cómic sobre un museo, Gótico, una obra de Jorge Carrión y de Sagar dedicada a sus colecciones medievales, publicado el año pasado.

El dibujante, pintor y, ahora, cronista audiovisual de la barcelonesa plaza Reial, Nazario, público La vida cotidiana del dibujante underground (Anagrama). Es la crónica sentimental y el dietario erótico de los arrumacos, amores y aventuras de la tropa que protagonizó el lado libertario de la Barcelona de los setenta y ochenta. En el libro, como en su vida, uno de los verbos más conjugados es “follar” y habla de “maricones” porque no le gustan los eufemismos. “Por llamarte gay no eres menos maricón”. En el libro apenas habla de su obra y apenas pone fechas. ¿Por qué? “Porque ya hay muchos catálogos y obras antológicas. Además, tengo mala memoria para las fechas, y quien quiera saberlas puede consultarlas en la biografía de la web, nazarioluque.com”, comenta charlando en su casa.
No todo fueron risas. Los escombros de las resacas, el suicidio de amigos o la aparición del sida están muy presentes en el texto

A Nazario le interesaba explicar la vida cotidiana para que se sepa que no todo en la peripecia del underground fueron risas. Los escombros de las resacas, el suicidio de amigos, la muerte por sobredosis, el trágico final de Ocaña (abrasado con un disfraz de papeles de seda) o la aparición del sida están muy presentes en su relato biográfico. “Nos movíamos por el ambiente como por campos de minas. Éramos unos supervivientes”. Y también quería contarla porque, “a diferencia de la movida madrileña, con un alcalde como Tierno que la apoyaba, aquí no se ha hecho nada. La movida barcelonesa es una desconocida. No se ha interesado nadie por ella”. No era una Barcelona confortable. Nazario explica, por ejemplo, la verbena de 1977, cuando él, Ocaña y el Osito fueron detenidos en el Café de la Ópera por cantar y mariconear con unos amigos. Las malas pulgas de unos guardias urbanos provocaron un motín de la gente. Total, tres días de cárcel, donde coincidieron con los actores de Els Joglars. Una Barcelona, sin embargo, con un fulgor que, considera, se ha apagado. “Ahora es una ciudad más reprimida”.

De cuando Nazario era ‘underground’
El underground eran los tebeos del grupo El Rollo; era que la traducción inglesa de un cómic solo pudiera venderse en Estados Unidos en las sex-shops y envuelto en celofán, o era tener que imprimir (1975) en una vietnamita de la universidad 200 ejemplares de La Piraña Divina, donde Nazario reunió sus trabajos más impublicables. Curiosamente, un año después pudieron editarse legalmente las mismas historietas y únicamente hubo una multa porque, en el prólogo, Terenci Moix nombraba las palabras “paja” y “masturbación” más de veinte veces en una página y media. Pero el underground, para Nazario y sus amigos, también era provocación cotidiana. El despelote, y más en público, en los años setenta, en Canet Rock o en las Jornadas Libertarias fue casi un ritual. En otro sitio Nazario ha escrito que ellos eran unos pequeñoburgueses pasotas y drogadictos para la izquierda comunista y socialista, y basura anarquista, rayando en terroristas, para la derecha. El libro permite dibujar una ruta de los bares y locales predilectos de aquella tribu: Las Cuevas, Kike, La Gran Cava, London, Zeleste, Cúpula Venus, Magic…

Nazario, sin embargo, siempre ha sido muy estricto al aplicar el concepto underground a una obra. “Ha de cumplir tres condiciones: que la edites con tu dinero, que te niegues a autocensurarte y que distribuyas tu material por circuitos paralelos”. De hecho, en el libro da como una fecha del entierro del underground cuando el suplemento Arte y pensamiento de EL PAÍS (20 noviembre de 1977) publicó unas páginas dedicadas a Ceesepe, Mariscal, Hortelano y él. Sin embargo, en 1981, cuando clausure en Barcelona su primera exposición individual, convocará a los amigos, pondrá crespones negros en la obra expuesta y con un ataúd celebrará las exequias del underground. “Cómo me voy a seguir creyendo underground cuando te dan la Medalla de Oro de Bellas Artes. Sería jugar al equívoco”, comenta ahora.

“Los exhibicionistas nos volcamos en nuestros diarios como el náufrago que mete un escrito en la botella y lo lanza al mar”

Evidentemente, las cosas han cambiado. Tentación, Martirio y Triunfo de San Reprimonio, Virgen y mártir tuvo que publicarlo en la revista francesa Zinc. Hoy está en el Reina Sofía. Este mes tiene una exposición en Córdoba donde, todavía en 1990, tuvo problemas para exponer y la imprenta Tipografía Católica se negó a editar el catálogo alegando cláusula de conciencia. Claro que Facebook le ha cerrado cinco veces su cuenta. “No voy a poner otro desnudo para que me la vuelvan a cerrar”. Nazario dejó el cómic por la pintura, que también ha abandonado. “Me di cuenta de que hacía una obra demasiado refinada y temí repetirme, caer en el manierismo. Además, las dos galerías con las que trabajaba han cerrado”.

Dedicado a escribir su biografía y, como un voyeur minucioso, a fotografiar desde el balcón de su piso lo que sucede en la plaza Reial, Nazario ha estado esperando unos tres años a que una editorial se interesara por el libro, que dedica a “mi Alejandro”, su pareja, fallecido en 2014. Educado en las confidencias del confesionario, Nazario escribe en él: “Los exhibicionistas nos volcamos en nuestros diarios como el náufrago que mete un escrito en la botella y lo lanza al mar”.

Un libro en el que las escenas libertinas se mezclan con iconos de vírgenes y toreros. Donde se cita al inevitable Jean Genet, que vivió otra Barcelona más canalla, pero también a Bataille o Dreyer. Donde en la larga lista de amantes tiene cabida un novio guardia civil. Ahora es abstemio, no fuma y, dice en el libro, la única droga que no piensa abandonar es el sexo. Nazario entendía el underground también como una forma de vida. Por eso no cree que sus amigos se enfaden por lo que ha escrito. “Todo lo cuento como una cosa normal”. Y ahí está el relato de este, como dijo Vázquez Montalbán y BARCELONISTA de pro, agitador moral.

Interludio musical de una época:
🎚️🎙️🎶🎵🎧


Homenaje a Rubén Blades y Willie Colón en el mejor VINILO de la música salsa de todos los tiempos; SIEMBRA😎Barcelona 70,s- 80,s🌠✨

La gran Atalaya de la rumba catalana.

Zeleste, un local mític per a la música dels anys 70.
La mítica Zeleste va ser el símbol del moviment de la música laietana i la contracultura barcelonina.

Aquesta històrica sala de concerts va néixer al número 65 del carrer de l’Argenteria l’any 1973. A finals dels 60, amb l’explosió del rock psicodèlic, Víctor Jou va fer una visita a Londres i es va enamorar dels locals com The Marquee, al Londres perifèric i situats a naus industrials. Va obrir la Zeleste al Born, llavors un barri amb lloguers més barats.

El segell Zeleste.
Va ser el primer local amb ambientació londinenca d’estil Art Nouveau i que feia música en directe i amb segell discogràfic propi. Discos com ‘Qualsevol nit pot sortir el sol’, de Sisa, van sortir de la Zeleste. Artistes com Gato Pérez o l’Orquestra Plateria també són criatures creatives nascudes a la Zeleste.

Endevina el nom de discoteques i locals mítics de Barcelona?
La música laietana?
El terme “música laietana” és una etiqueta que es va inventar i va fer popular Gato Pérez i que agrupava totes les bandes de la Zeleste de rock, rumba o jazz, amb una etapa daurada entre el 1973 i el 1978. La marca Zeleste va ser força popular també a l’estat espanyol amb la promoció de grups amb grans esdeveniments a Madrid i Sevilla i l’organització del primer Canet Rock. Per Àlex Gómez-Pons, autor del llibre ‘Zeleste i la música laietana’, la història de la música catalana no es pot entendre sense la Zeleste.

“Si dic que qualsevol nit pot sortir el sol, el barri del Born o la rumba de Barcelona anem a parar al Zeleste perquè forma part de l’imaginari col·lectiu d’aquesta ciutat”

Els 80.
Durant els 80 es van fer seu el local bandes de rock, punk i mod, como Loquillo, Los Rebeldes, Brighton 64 i El Último de la Fila. El 1986 el local es va establir al carrer dels Almogàvers, al barri del Poblenou. La sala va tancar l’any 2000 i es va obrir amb el nom de Razzmatazz.

Y si nos vamos al Canet Rock y a la vuelta chapuzón en la Barceloneta ✊💙❤️

El 26 de julio de 1975 se celebró la primera edición de Canet Rock, festival que se anunció como 12 de horas de música i follia. Organizado por La Trinca, la sala Zeleste y sin solicitar la preceptiva autorización gubernamental, alrededor de 25.000 jóvenes disfrutaron de las actuaciones de, entre otros, Maria del Mar Bonet, Pau Riba, Companyia Elèctrica Dharma y Orquestra Plateria. También estaba prevista la actuación de Jaume Sisa, pero unas declaraciones del cantante en las que se declaraba anarquista provocaron que el gobierno le prohibiera actuar durante todo ese verano. Como la sanción solo impedía actuar, el cantautor galáctico asistió como público al evento y, al final del festival, cuando la gente se retiraba del recinto, interpretó El setè cel para unos pocos espectadores y las cámaras de Francesc Betriu que, un año más tarde, estrenaría un documental sobre el festival.

El éxito de ese primer Canet Rock hizo que los organizadores repitieran al año siguiente. En 1976, el festival perdió la K del final para denominarse Canet Roc, algo que no acabó de convencer a los críticos de La Vanguardia, que llegaron a escribir: «Por cierto, observamos que en la fiebre catalanizadora en curso se le ha suprimido la última letra del enunciado, en la propaganda oficial, de manera que se lee en realidad “Canet Roc” y resulta que “roc” será un vocablo muy catalán pero tiene un significado muy distinto [“trozo de piedra”] del que se pretende distinguir como “música rock”. De manera que por muy plausible que sea el espíritu legitimizador (sic) de la lengua catalana, no estará de más evitar excesos que no son otra cosa que lo que se conoce como “ficar-se de peus a la galleda”. Después de todo, no cuesta nada aceptar un neologismo como “rock” cuando significa algo que no se puede decir con ningún otro vocablo».

Aunque con una afluencia de público menor que la del año anterior, la de 1976 también fue un éxito, por lo que un año después, se celebró una nueva edición. La de 1977 sería recordada por, entre otras cosas, la actuación de Pau Riba con Peruchos. El músico catalán interpretó una especie de poema musical que fue silbado por el público y despellejada por la crítica. Tanto es así que en 1998 Riba publicó Astarot universdherba, un disco en el que se contenía la actuación y que incluía copias en papel de esas críticas negativas arrugadas y pisadas personalmente por el músico.

A pesar de los esfuerzos de los implicados, la de 1977 no fue una buena edición. Además de la mala experiencia de Riba, el número es espectadores había descendido de nuevo porque, según los organizadores, el público prefería ver a esos grupos en salas como Zeleste, en el centro de la ciudad, que en un descampado de Canet, al sol con todas las incomodidades que ello supone. Por eso y con objeto de recuperar el terreno perdido, la edición de 1978 presentó algunas novedades, comenzando por la filosofía del evento, sintetizado en un aforismo latino que decía «Contrita contradictio. Virgo inseminanda», que vendría a significar, «Completada la contradicción. Hay que inseminar a la virgen».

Según la organización, la razón para ese lema era que «de alguna u otra forma, todos entendemos, o por lo menos sentimos, que estamos viviendo en una época caótica que está sufriendo importantes cambios, más o menos trascendentales, que se desarrollan en todos los sentidos e inciden en todos los campos. Es un momento de crisis ideológica y total revisión de todos los dogmas y postulados. Los sistemas de funcionamiento y los “modus vivendi” están en su punto máximo de decadencia, porque se ha conseguido todo menos la salud física y mental. La vida nos ofrece infinitas posibilidades, pero todas ellas carecen de magia, de sentido. Vivir es morir en el peor sentido».

Además, añadían que «el día 2 [de julio] es luna nueva: la luna nueva corresponde al momento en que todas las cosas están vacías y las fuerzas de la Naturaleza en reposo. Por otro lado, esta luna nueva corresponde a Virgo, la tierra virgen, signo de pureza inviolada y puerta de todos los misterios. Es, por tanto, el mejor momento para la concepción de una nueva historia. Además, la luna nueva de Virgo cae entre la luna llena de Acuario y la luna llena de Piscis, signos respectivos de la era que empieza y la era que acaba. El día 2 es, por tanto, el punto cero, por derecho y por la cara».

De hecho, la selección de los artistas del festival –entre los que estaban Blondie, Nico, Ultravox, Bijou, Tequila, Los Masturbadores Mongólicos, Música Urbana, Teta Atómica, La Banda Trapera del Río, David Allen y Kevin Ayers que, finalmente no actuó porque se había roto un dedo–, se había hecho en base a criterios astrológicos: «Nico es una cantante de la era Piscis por su forma de música, por su entorno […], Kevin Ayers, un poco como Nico... David Alien, supercósmico, en relación con la inseminación de la tierra, con la era virgen, con Acuario…», explicaban desde la organización.

Partiendo de esos conceptos, Pau Riba diseñó un cartel que sintetizaba todo ese universo astrológico. En él aparecía una virgen de Filippo Lippi sobre la que caía una gota de lo que se suponía era semen que se desprendía del rótulo de Canet Roc. Un precioso póster que fue arrancado de las calles de Barcelona por sectores de ultraderecha que, además, realizaron amenazas telefónicas a los organizadores.

Por su parte, la delegación gerundense de Pax Christi, movimiento católico internacional por la paz, se pronunció a favor del afiche, argumentando que «la derecha ha realizado una lectura equívoca del cartel», e invitando a la Generalitat a que se pronunciase sobre si también deberían ser retirados cuadros semejantes de Salvador Dalí. Asimismo, señalaban que «el cartel ha de mirarse con ojos del espíritu, con ironía y procurando entender el misterio. Es un auténtico bálsamo en medio de la basura pornográfica fomentada por el dinero a espaldas de los hombres, hijos de Dios y herederos del cielo a través de Cristo».

A pesar de ese apoyo y aunque hacía ya casi tres años que había fallecido Franco, muchas de las leyes e instituciones franquistas seguían en vigor. Por ello, lejos de dejar pasar el tema, el gobernador civil de Barcelona, Santiago Belloch padre, y otras fuerzas vivas de la ciudad, entre las que se encontraban el obispo y el jefe de la policía, se reunieron en casa de Belloch. Allí discutieron cuál era la mejor vía para proceder contra Riba y los organizadores, argumentando que el cartel era blasfemo y «atentaba contra la convivencia social».

«Al final entró la mujer del gobernador y les hizo ver que cualquier cosa que hicieran redundaría en mi favor y daría alas a los que estaban de mi parte», recordaba Pau Riba, que destacaba que cualquier cosa que hicieran iba a magnificar un problema que «bien mirado, no tenía tanta importancia. Aunque en el cartel aparecía una virgen de Filippo Lippi, en realidad la modelo era una monja que se había fugado con él. O sea, que no era tan virgen».

A pesar de todo, diseñador y organizadores fueron juzgados y condenados a pagar una multa de 500.000 pesetas, cantidad bastante elevada, habida cuenta de que el presupuesto de Canet Roc 78 era de ocho millones de pesetas.

Divina y jodida transición...

Retoques, recuerdos del artisteo de Madrid, de última hora y Bonus Tracks 🎸🏴‍☠️👍

En Málaga también se generó uno de los mejores grupos de aquélla época:
😎


Edad de ORO 🤔😸

Azagra un poquito de PGB🍺🍻

Recordando indirectamente el Rock Radical Vasco y Plástic, circuito catalán y IBERO por la 2🎙️📺📼

Eskroto de diez🤔genio y figura de COLLONS muy prietos.
Iruña Underground ✊

Para cuando la revolución???

Aquellos 80,s🚬

En Asturias se vivía otra revolución del 34.
Stukas hazañas bélicas.


🤟🥀❄️🕶️💣

Ilegales les pillo con su rebelión en Mongolia ⚽🎸📻

Mucho PGB🍺🍻

Carlos Azagra
Morón de la Frontera (Sevilla), 1957

Nació en Morón de la Frontera (Sevilla), en 1957, pero se crió en Zaragoza y lleva años viviendo en Barcelona. Conocido por sus viñetas reinvindicativas, sobre todo 'Pedro Pico y Pico Vena', publicada durante muchos años en El Jueves, en los últimos años ha emprendido una frenética producción en tierras aragonesas de la mano de GP Ediciones y Malavida. Ha publicado junto a Encarna Revuelta y David Terrer 'El último aragonés vivo', 'La amenaza robótica' y 'Revuelta porcina' (GP Ediciones) y junto a Xcar Malavida y Encarna Revuelta 'Estoy hecho un cocinicas', 'Sigo siendo un cocinicas' y 'Todos somos cocinicas' (Editorial Cornoque). Otro de sus trabajos recientes es 'Descubriendo a Mosén Bruno', con guión de Maxi Campo.

En 2018 el dúo Azagra-Revuelta presentan dos novedades: 'TeBeO Labordeta' (GP Ediciones), con guion de Daniel Viñuales, y 'Fonda Pascual' (Editorial Cornoque).

Alumno del grandioso váyanse a la mierda 💩




Recuerda tiempos nuevos tiempos salvajes, coge un arma, no voy a luchar por TÍ 🏴‍☠️

Bárbara Allende Gil de Biedma; Madrid, 1957) Fotógrafa española. Su primera vocación fue la pintura, y de hecho cursó Bellas Artes, aunque abandonó la carrera para iniciar estudios de piano, al tiempo que acudía al Photocentro de Madrid para aprender fotografía. Tras publicar sus primeros trabajos en un libro llamado Principio, comenzó a exponer en 1978. Sus fotos eran habitualmente en blanco y negro (odiaba las fotos en color), y al serle encargada una fotografía en color para una portada, decidió inventar ella misma el color de la imagen. Fue así como empezó a colorear sus instantáneas, aunando su vocación de pintora con la fotografía.

El beso (1980), de Ouka Leele

Su carrera continuó con exposiciones en España, Europa, Estados Unidos y Japón, sin olvidar el trabajo puramente personal; destacan, entre ellas, su participación en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sao Paulo (Brasil) y su primera exposición retrospectiva en el Museo Español de Arte Contemporáneo (Madrid), ambas en 1987. Excepto en contadas ocasiones, en la obra de Ouka Leele no hay fotomontajes: lo que aparece en la fotografía se prepara antes de la instantánea, en lo que, para la autora, es el momento más interesante de la creación, por el hecho de crear un mundo irreal.

Sus primeras obras se distinguen por la combinación de elementos pop y neodadaístas con una gama de colores ácidos e intensos; posteriormente evolucionó hacia composiciones más ricas, basadas en la tradición barroca y en la utilización de colores más calmados, para volver con colores eléctricos a finales de la década de 1990. Autora de diversos libros en los que combina sus imágenes con sus propias poesías, Ouka Leele se ha dedicado también al diseño de objetos.

Anonymous
(@anonymous)
Mito
20/02/2021 7:26 am
ResponderCitar


Biografía: Alberto García-Alix (León, España 1956). Se traslada a estudiar a Madrid en 1967, donde primero lo intentará con Derecho y después con Periodismo, sin insistir en ninguna. En 1976 publica sus primeras fotografías en blanco y negro y en 1979 en color, aunque se hará conocido por sus fotografías en blanco y negro en una suerte de Street photography madrileña y personal, en la que asoman personas y personajes de su vida y de su entorno, construyendo una autobiografía visual. Premio Nacional de Fotografía en 1999.

Obra: Mi habitación. Visión épica en Beijing, 2010. Foto realizada en uno de sus viajes a China. En la tradición que mantiene desde el inicio de su carrera de colgar sus fotos favoritas en las habitaciones de los hoteles y fotografiarlas. En esta imagen se reúnen la historia de las carreras de motos, su segunda gran afición, con el decorado floral de la pared del hotel, formando una imagen poética ultraísta, cercana a la idea del haiku.


Silvio y ROCKBERTO.
Descaro generacional y anarquía 🚬🍺🍻


Del Sevilla MANQUE pierda ⚽🎸

Ceesepe.

Carlos Sanchez Perez. Ceesepe. Madrid 1958. Madrid viernes 7 de septiembre de 2018 a los 60 años de edad.

Define su arte como un mezcla de poesía y artesanía.

CEESEPE. Pintor, ilustrador, artesano, ebanista. dibujante, grabador; pero sobre todo, un gran creador que posee, un inconfundible sello propio. Últimamente su paleta de colores y sus pinceles estaban en los programas de dibujo de su ordenador; con él, cortaba, pegaba, dába, y quitaba luz, o colores.

Obra de Ceesepe:

El collage siempre le ha interesado y lo seguiria trabajando siempre, su estudio se encontraba, habitualmente, alfombrado por múltiples recortes de papel y cartulina; imágenes y colores alfombraban el suelo; el pintor trabajaba con las manos tocaba los materiales, fumaba en su trabajo.

No le interesaba la nostalgia, «no volvería a dibujar cómics»; se estrenó en el mundo del arte allá por los años setenta, donde empezó a ser conocido por sus ilustraciones en la revista Star de Barcelona ( ciudad a la que se trasladará a vivir unos años). En (2018 año de su fallecimiento) reside en Madrid pero lo que le llama…, es dejarlo todo de una vez, perderse dulcemente, en una isla idílica y paradisiaca, donde le acompañé el calor, (Que la tierra le sea leve).

Los Años de la Movida:

Ya en los 80 se adentrará más en la pintura. Son unos años de mucho trabajo en los que el artista, reside entre Madrid y Barcelona. En esta pasada época recibe muchos encargos; carteles de cine, como, Pepi, Luci, Bom, y otras chicas del montón, 1980, y La ley del deseo, 1986; (ambas de Pedro Almodovar), portadas de discos (KiKo Veneno).

En la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid, Arco 88, vende algunos dibujos y es una autentica celebridad (Se convierte en uno de los artistas más significativos de la movida, en uno de sus símbolos más mediáticos) Ceesepe goza en esos momentos de una enorme popularidad que por desgracia no se vé traducida en cash.

Madrid. El Hortelano y Ceesepe. y Alberto García-Alix.

CEESEPE. Fue Amigo, de El Hortelano, Nazario, Ouka Lele, Mariscal, Alberto García-Alix, Barceló, Almodovar, Kiko Veneno y más… Le gustan, Fellini, David Hocney, Lucian Freud.

Obra de Ceesepe. 2008.

Residente en Madrid (tenia, su estudio a escasos metros de la Puerta del Sol), reconocía, que él, había cambiado más, que la Gran Metrópoli. A mi, me gustó ese cambio. Tiene mérito dedicarse a la creación tan cerca del caos de la gran urbe; su estudio, también era su casa; y su vida domestica se mezclaba peligrosamente con su trabajo; muchas veces, no sabe si debe hacer, lo que se supone que debe, (por ejemplo dormir); pues tal vez, esto que supone, no lo haga, y se ponga finalmente (y a deshoras), a trabajar.

Obra de Ceesepe. 2008

Ceesepe, ha vivido en Río de Janeiro, Nueva York, Buenos Aires, París ( Ciudad, en la que residió varios años), en ella, coincidió con Barceló, con el que le unia, una buena amistad y que durante su estancia parisina, le presto un ático lleno de libros. Últimamente, reconocía, estar cansado de viajar, «La globalización consiguió, que todos los sitios me parezcan igual», había declarado recientemente.

En 2011, le fue concedida la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

«Sigo aprendiendo cada día. No sabría vivir, sin inventarme a mi mismo cada mañana»

Ultimas noticias. 25/11/14. Se presentaba, en el Circulo de Bellas Artes de Madrid, el libro, Manual Practico de Pintura. #3. Su autor Ceesepe. El tema…, sus obras y su vida.

Carlos Sanchez Perez. Ceesepe. Falleció, (Leucemia), en Madrid, el 7 de septiembre, de 2018.

Recortes en el suelo (ahora abandonados), unas tijeras abiertas y tantos, y tantos de sus amigos, irremediablemente, un poco más solos.




Plástic que Plástic???
🤭🕶️📺

En ese sanedrín multitudinario que es Forocochesmierda hay un debate sobre si «Plastic» fue el mejor programa musical de la historia de España. Lo cierto es que los ha habido muy buenos, como «La Edad de Oro» –que no era solo musical–, «Popgrama», o, para públicos más reducidos, aquel «Jazz entre amigos» que nos seducía con saxofones a la madrugada. Uno de los usuarios, en un ataque de nostalgia, dice que «ha habido buenos programas», pero «ahora no hay nada más alla de la basura de OT». Hace esa reflexión ignorando el robusto hilo que une Plastic» con «Operación Triunfo» . No es que haya seis grados de separación entre ellos, no, es que no hay siquiera uno.

Para los fans más recientes de OT mierda, Tinet Rubira es ese señor que aclara dudas sobre asuntos «triunfales» en Twitter y que, además, es padre de un mozo que trabajaba en la academia y que le gustaba a Amaia. Para los que éramos jóvenes en los estertores de los 80, Tinet Rubira es el más formal de los dos alocados presentadores de «Plastic», el programa musical más gamberro –en esto pienso que hay consenso– emitido en la historia de la televisión española.

Su primer programa fue una declaración de principios, todo un puñetazo en la mesa del salón. Lo primero que vimos en pantalla fue a dos pimpollos que parecían haber asaltado el ropero de los Modestia Aparte. Eran David Bagès y Tinet Rubira. Uno moreno y otro rubio. Parecían los nuevos Pecos. Pero no. Enseguida empezaron el estriptís y acabaron no desnudos, sino en vaqueros y camiseta. Vestían como se vestía en la calle. Más que unos presentadores, parecían dos personajes extraídos de «The Young Ones», aquella memorable serie británica que triunfó en las autonómicas, especialmente en TV3 y TVG.

Aquello ocurrió un 19 de abril de 1989 y fue toda una revelación para una generación.

Aquel plató que simulaba un garaje lo atronaron en ese primer programa un grupo madrileño de rock and roll que aún no había publicado «La vida mata», Los Enemigos, y una banda de flamenco-rap, de nombre Las Xoxones, en la que la voz cantante la llevaba una joven Chus Gutiérrez, la misma que después haría carrera en el cine. Vía vídeo musical sonaron, entre otros, el grupo de trash metal Antrax. Ya en esa «gala» inaugural está la principal seña de identidad de «Plastic»: el eclectismo. En aquel contenedor cabían el rock, el punk, el flamenco, el pop, el ska, el heavy... y todos los estilos salvo el pop-rock comercial que entonces dominaba la mayoría de las emisoras privadas.

El programa se completaba con un concurso que, visto en perspectiva, convierte la trampilla de «Ahora caigo» en un chistecillo: los participantes sufrían «torturas» en una silla eléctrica que era literalmente impulsada hacia atrás en cada fallo, y de postre se llevaban un «tartazo» de un vomitivo mejunje cuyo contenido nunca quedó muy claro. Pero a finales de los 80, la chavalada estaba dispuesta a eso y a mucho más por ganar un ordenador Spectrum 48K, que entonces valía toda una fortuna, 10.000 pesetas (60 euros).

Al poli malo (el punki David) y al poli bueno (Tinet) del programa pronto se les unió en las labores de presentación Marisol Galdón, una joven DJ que era la respuesta catalana a Paloma Chamorro. Entre los tres montaban un teatrillo en el que guión, que al parecer existía, era continuamente vapuleado por la improvisación, o esa era la impresión que daba a los que estábamos detrás de la pantalla. A Marisol la recordamos de enviada especial entrevistando a Peter Gabriel –de vez en cuando la producción toleraba esos lujazos–.

El programa se grababa en Barcelona, ciudad que tanta cultura musical, sobre todo escrita (allá se editan las revistas «Rockdelux», «Ruta 66» y »Mondosonoro», todas ellas referenciales), ha aportado. Eran 55 minutos de adrenalina en oído. Turbadores y perturbadores. Nos educaron los oídos con la voz que vino del hielo –la joven Björk de The Sugarcubes–, y también con Paul Weller, My Bloody Valentine, The Primitives, The Pretenders… Los de «Plastic» eran «indies» cuando aquí solo eran «indies» tres enterados que habían ido a Nueva York.

Pero no caigamos en paletismos. Porque hubo momentos «nacionales» incluso superiores a los internacionales.

Escuchen a Antonio Vega en la cima de su talento, «Esperando Nada».

Abran la ventana a la ingenuidad pop –acaso precursora de Nosoträsh– de Los Romeos:

De la ingenuidad de Los Romeos a la honestidad brutal de Evaristo, de La Polla Records:

Y, por supuesto, una de las diez actuaciones musicales más memorables de la historia de la televisión en España (algún día haremos un top ten, en el que estarán la teta derecha de Sabrina, el pendiente de Lola Flores... y también este «número»).

Afortunadamente, aquel día habíamos puesto a grabar el programa en el vídeo VHS. Una vez asistimos en diferido a aquel torbellino irreverente, a aquella cinta se le quitaron las pestañitas –aclaración para «millennials»: al hacer eso, quedaba imposibilitada toda nueva grabación–. Aquella cinta dejó de verse –cosas del VHS– después de ser reproducida más de un centenar de veces en casa propia –se la poníamos a las visitas– e incontables en casa ajena, pues la prestábamos a amigos como si fuese una novedad de videoclub. Estamos hablando de la actuación de unos desconocidos Extremoduro cantando «Extremaydura». Ocurrió un 19 de enero de 1990. Desde Las Vulpes no se había visto nada parecido.

Así de imprevisible era «Plastic». Aquel programa te volaba la cabeza todas las semanas. Aunque después saltó a la primera cadena, empezó a emitirse en La 2. Entonces –y ahora– era el canal cultural de RTVE, destinado –eso decía la publicidad– a «las inmensas minorías».

Eso es lo justamente lo que éramos: una inmensa minoría. Algún día le contaremos a nuestros nietos que entre 1989 y 1991 hubo en la televisión pública un programa gamberro, desfasado, fresco y sorprendente que hoy habría sido fulminado el día de su primera emisión por los apóstoles de lo políticamente correcto.


En Septiembre tal vez ya no esté...
👀💀🦴
📻

Extrema y muy dura...🖕🤞🤙

Breve referencia a la ya comentada Bola De Cristal.

Resulta imposible definir qué era o es aún La Bola de Cristal. Sí, era un programa infantil de esos que se llaman contenedores que suelen ser un cajón de sastre donde la televisión mete todo lo que cree que gusta al público infantil con unos presentadores que les gritan como si fueran sordos, en una mezcla de payaso y vendedor de calle. Pero éste no era como los programas infantiles que hubo hasta entonces.

Lolo Rico, su creadora, se dio cuenta de que a los niños les gustaba ver en la tele las mismas cosas que a los adultos. Más que nada, porque los programas de adultos tenían más calidad y los programas para niños se hacían con unos medios bastante pobres.

Para toda la familia:

El resultado fue un programa para adultos que divertía también a los niños, ¿o era al revés? El caso es que fue el primer programa infantil que sentó a los niños con sus padres delante del televisor, y no con contenidos fáciles de digerir para el espectador precisamente.

En 'La Bola' se contaban historias de todo tipo. Sin temor al rechazo, se hacía referencia a la literatura, el cine y el arte clásico en general, una apuesta arriesgada que caló en gran parte gracias a una carga critica ácida de bastante profundidad en temas muy delicados para la época, algo impensable en la televisión de antes.

El objetivo de Lolo Rico fue hacer un programa para que las mentes de sus espectadores se mantuvieran activas y aprendieran a crear jugando mientras cultivaban su sentido crítico de la realidad. Y lo consiguió. Prueba de ello es que todos y cada uno de los que vieron La Bola de Cristal lo siguen recordando, y eso que entre tanto ha pasado ya un cuarto de siglo y numerosos programas infantiles que no han dejado una huella tan profunda en la memoria colectiva.

Desde su primera emisión el 6 de octubre de 1984 hasta su final en el año 1988, el programa no paró de recibir elogios por parte de todos los sectores de la sociedad. Un reconocimiento que se ve reflejado en los dos premios 'TP de Oro' al mejor programa infantil, logrados en 1985 y 1987.

'Los electroduendes' y sus inimitables Hada Vídeo, Bruja Avería, Bruja Truca, Maese Sonoro y Maese Cámara, 'El librovisor', 'Acordes en espiral', 'La cuarta parte'... La originalidad de todas las secciones del programa (algunas de las cuales se fueron transformando sobre la marcha) sirvió para que cada una de ellas tuviesen su público, desde los más pequeños hasta los adolescentes, pasando por los padres.

Presentadores y colaboradores de lujo

Otro aspecto importante que puso el broche de oro al éxito del formato fue el elenco de talentos con los que contó 'La Bola'. Además de Alaska, Javier Gurruchaga, Isabel Bauzá o Gerardo Amecharruza, fueron protagonistas nombres de la talla de Santiago Auserón, Loquillo, Pablo Carbonell, Pedro Reyes, Miguel Ángel Valero, Anabel Alonso, Enrique San Francisco o Fedra Lorente, entre otros.

La Bola de Cristal ocupó nada menos que dos horas semanales (y a veces tres) de la parrilla televisiva durante sus casi cuatro años de existencia. Ahora, 25 años después, tenemos la excusa perfecta para zambullirnos en el archivo, rescatar y compartir contigo todos esos vídeos, canciones y momentos inolvidables que nos dejó

Además, dentro de la sección «Acordes en espiral»también se emitían videoclips, algunos de ellos creados específicamente para el programa, con los últimos éxitos de artistas como Franco Battiato, Ángel Altolaguirre, Radio Futura, Mecano, Los Nikis, Eskorbuto, Javier Gurruchaga, La Unión, Los Toreros Muertos, Golpes Bajos, Glutamato Ye-ye, La Frontera, Nacha Pop, Gabinete Caligari, Ramoncín, El Último de la Fila y otros. Grupos que representaban el conjunto de artistas y gustos musicales de la etapa de La Movida en los años ochenta y otros extranjeros. Fue el programa el verdadero impulsor del videoclip en la España de la década, y los temas[3]​ que se beneficiaron incluyen Sildavia, La sangre de tu tristeza, Querida Milagros, Insurrección, Al calor del amor en un bar, A quién le importa, No es serio este cementerio o El imperio contraataca.


De los Ramones de Algete al hotel Son Vida de Palma de Mallorca.
Tessa My Love y el gran Bernardo...
Principios de los 80,S🚬🍺🍻

Nos pasamos por la huerta para acabar con el adelanto de la penúltima🎚️🎙️ más tres Bonus Track para mis amiguitos CaricatosIPS 🤭📼

Mods all CONS!!!
😎

José Alfonso Morera Ortiz, más conocido como el Hortelano, nace en Valencia, en 1954. A los diez años, y tras una larga enfermedad, descubre su vocación por la pintura. Abandona por ello sus estudios universitarios de farmacia. En 1974 se traslada a Madrid y poco después a Barcelona, Nueva York y México. Las revistas “Star”, “Ajoblanco”, “El viejo Topo” y “Triunfo” publican muchos de sus primeros trabajos. Forma parte de los círculos intelectuales de la llamada Movida Madrileña y su estudio se convierte en el punto de referencia de artistas como Alberto García-Alix, Pedro Almodóvar, Guillermo Pérez Villalta y Ouka Leele. Desde los 90 su paleta evoluciona hacia colores más sobrios, con una técnica más elaborada. Fallece en Madrid, en 2016.

Anonymous
(@anonymous)
Mito
20/02/2021 8:04 am
ResponderCitar


Satanása yo te invoco con un moco y mucho suck to me...
👄

Va a ser mamá...Fabio reconvertido 🤔

Padrino Jesús Ordovas🎚️🎙️

Adelanto próxima semana Blue Beat- Ska- Reggae- Dub- OI!!- TWO TONE-Red Skins ✊💙❤️

No pasa nada...

This lonely street
Trying to find, find a future
New pair of shoes are on my feet
Cos' fashion is my only culture

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

People say to me just be yourself
It makes no sense to follow fashion
How could I be anybody else
I don't try, I've got no reason

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

I'm just living in a life without meaning
I walk and walk, do nothing
I'm just living in a life without feeling
I talk and talk, say nothing

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

I walk along this same old lonely street
Still trying to find, find a reason
Policeman comes and smacks me in the teeth
I don't complain, it's not my function

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

They're just living in a life without meaning
I walk and walk, do nothing
They're just playing in a life without thinking
They talk and talk, say nothing
I'm just living in a life without feeling
I walk and walk, I'm dreaming
I'm just living in a life without feeling
I talk and talk, say nothing
I'm just living in a life without meaning
I walk and walk, do nothing

Cada dia camino en esta calle desolada
Intentando encontrar, encontrar un futuro
Un nuevo par de zapatos están en mis pies
Porque la moda es mi cultura

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

La gente dice que sea yo mismo
No tiene sentido seguir la moda
Como podría ser alguien mas
No lo intenes, no tengo ninguna razón

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

Solo estoy viviendo en una vida sin significado
Camino y camino, no hago nada
Solo estoy viviendo....

de una vida sin sentimiento
Y hablo y hablo, di nada

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

Camino por esta misma vieja calle desolada
Sigo intentando buscar, una razón
El policía viene y me pega en los dientes
No me quejo, no es mi función

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

Ellos solo estan viviendo una vida sin significado
Camino y camino, hago nada
Ellos solo están jugando una vida sin pensar
Ellos solo están hable y hable, no dicen nada
Solo estoy viviendo una vida sin sentimiento
Camino y camino, solo estoy soñando
Estoy viviendo una vida sin sentimiento
Hablo y hablo, digo nada
Solo estoy viviendo una vida sin significado
Camino y camino , y no hago nada
Escucha "Do nothing"...


Hablando de fiestas ya vividas 👍✨

Y las que quedan...
Temazo 🌌

Escuchar atentamente...
No tiene desperdicio.
Los mejores se fueron al cielo de lo cierto.
Agur!!!
Muxus 🚬🍺🍻🏴‍☠️⚽

Lucha y resistencia ROBERT dentro de una GRAN A🕶️

Antonio y compañía.
📼🕶️


🛵💌

Anonymous
(@anonymous)
Mito
20/02/2021 5:28 pm
ResponderCitar

Como oscila la horca...
🤔
🏴‍☠️🕶️

Ladrones, apesebrados, chaqueteros, vividores y lacayos.

La Frontera fue creado a mediados de los años ochenta. Después de empezar en el festival de rock de Madrid con su "Duelo al sol" y conseguir el primer premio, editaron en 1.985 su primer LP titulado La Frontera, un disco trepidante y lleno de granes canciones como La Ley de la Horca, Pobre Tahúr o Cuatro Rosas Estación, además de una gran adaptación de Viva las Vegas.

Tras el buen sabor de boca del primer LP, en 1986 grabaron Si el Whisky No te Arruina y siguieron viajando a ritmo de rock por las praderas de los escenarios españoles, donde la potencia y fuerza de temas como Volverán los Buenos Tiempos o La Ciudad, se mezclaban con baladas inconfundibles e inolvidables para los que seguimos admirando la banda de Javier Andréu y Toni Marmota. Y cómo olvidar ese Cielo del Sur, que nos introdujo en un viaje sin fin a los lomos de un camión sin ruedas y vibrar con la fuerza de una banda que siempre permanecerá entre nosotros.

De ahí, iniciaron otro viaje pero esta vez en un Tren de Medianoche, el que sería su tercer trabajo, un disco donde la sapiencia artística de José Battaglio, Javier Andréu y Toni Marmota, no nombro a Quino Maqueda pues lo considero un desertor de la causa, nos dejaron temas como "Mi Destino", "Siete Calaveras" o el "Siempre Hay Algo que Celebrar", por citar algunos. En este tercer LP no estuvo presente Toti Árboles, que si colaboró en el segundo y volvería después en el trabajo discográfico que le hizo conocidos al público en general como fue el "Rosa de los Vientos". Pero antes de hablar de este disco, quisiera tener un recuerdo para el gran Toti Árboles, que nos abandonó para irse, espero a un mundo mejor y que si es verdad que existe, seguro que se encuentra presente y saltando como el que más en cada concierto de La Frontera.

Como dije, con este cuarto disco se dieron a conocer al público en general con canciones que sonaron por todas las emisoras españolas, como El Límite, Juan Antonio Cortés o Nacido para Volar, cosechando gran éxito y siendo uno de los grupos punteros del panorama musical de finales de los ochenta y principio de los noventa.

Tras este éxito con el cuarto Lp volvieron en 1991 con Palabras de Fuego, un tema que personalmente no me pareció malo, pero sí me llamó la atención las pocas veces que lo llevaron a sus actuaciones en directo. De este disco sonó Hambre de tu Amor, Solos Tú y Yo y me quedo sin duda y a buen seguro que ellos también con Viento Salvaje. que parece una continuación de la historia que contaron en Cielo del Sur".

Y en 1992 llegó un Lp que les hizo demostrar a todo el público la potencia de sin duda uno de los mejores directo del panorama musical español "Capturados Vivos" donde la voz desgarradora y potente de Javier Andreu se unió a la fuerza en la música acompañada con temas donde la reflexión es importante para entenderlos como Lluvia, Aunque el Tiempo nos Separe y muchos más, que hicieron de este directo una recopilación de lo que había sido La Frontera desde sus inicios, aunque personalmente hubiera introducido temas como La Puerta de Atrás del Paraíso o La Ciudad. Después de esto estuvieron dos años de giras por todo el país ofreciéndonos un espectáculo musical muy difícil de superar por cualquier grupo español de nuestros días, para entonces el ínclito Quino Maqueda ya había abandonado el grupo.

Y fue en 1994 cuando sacaron al mercado su sexto trabajo, La Rueda de las Armas afiladas, que grabaron en Londres y no gozó de la suficiente promoción como para ser un gran disco en lo que a ventas se refiere, como en una entrevista con Javier Andreu el señor Lucki vaticinó, aunque hay temas que son una auténtica joya. En este disco hubo cambios en la banda como fueron Javier Pedreira a la guitarra y Mario Carrión a la batería, y por supuesto siguieron las dos almas del grupo Javier Andreu y Toni Marmota.

Tras este pequeño descalabro volvieron a la fórmula del directo en este caso en forma de básico Siempre Hay Algo que Celebrar, título sacado de una canción del mismo nombre y que incluyen en el nuevo disco. Incluyen 4 temas inéditos de los que destaco Tu Vida en un Papel y Pedro el Gitano, demostrando de nuevo su capacidad para hacer música con el contacto del público.

Tuvieron un parón importante hasta el año 2.000, cuando editaron Nuevas Aventuras, del que destacó la canción de la Pepsi No Vuelvas si Ella, Aleluya y Los Amigos de la Calle, no estando este disco a la altura de los anteriores debido a problemas de productoras que no les dejaron prepararlo como ellos hubiesen querido.

A pesar de no vender lo que ellos hubieran deseado siguieron en contacto con sus fans con la formula del directo, pues hay que dejar bien claro que a pesar de algunos parones y discos en solitario como el Libro de Cuentos de Javier Andreu (1999), La Frontera nunca se ha retirado del panorama musical español.

En 2003 se incorporan a la banda dos nuevos guitarristas procedentes de una banda madrileña que un buen día Javier Andreu fue a verlos en directo y les propuso unirse al nuevo proyecto de La Frontera, el grupo es Garaje Jack y estos dos fenómenos son Oscar Rama y Nico Álvarez, dando un sonido más guitarrero y sureño a La Frontera. A finales de este año ya está a la venta Tú Revolución, donde vuelven al sonido de antaño además de continuar en algunos temas con la línea de sus últimos trabajos. Se le da cierta promoción en cadena 100 y otras emisoras de radio pero sin darle toda la importancia que este trabajo se hubiera merecido. Para entonces ya habían roto con su anterior manager siendo llevados hasta la fecha por Music Bus.

Y llegamos a 2005 y a la espera de su último trabajo de estudio se publica 20 años y un Día, donde se seleccionan 20 temas de toda la carrera del grupo y en los cuales están muy bien resumidos esos 20 años que llevan en la música con sus altibajos, pero demostrando una gran profesionalidad y cariño por la música que hacen y por el público que les respalda. Suerte con este último disco y a subirse de nuevo en ese camión sin ruedas que os lleve directo al éxito.

En febrero de 2011 publican Rivas Creek, excelente trabajo que se compone de once temas y un bonus track, compuesto en su totalidad por el lider del grupo Javier Andreu. Este trabajo supone un regreso definitivo a sus raíces con el típico sonido fronterizo, además de temas muy personales. Y para presentar al disco se lanzan a un gira por toda España, pero por locales pequeños.

2015 marca el 30º Aniversario de La Frontera. Tras la salida de Nico, se incorporan Harry Palmer a la guitarra, Angelo Mancini a la trompeta y Charli Fierro... al piano. El grupo vuelve a Universal Music y el 2 de junio se edita el pack 2CD+DVD 30 Años en el Límite del concierto grabado en la sala El Sol de Madrid en febrero del mismo año. En mayo el grupo comienza una gira de más de 20 conciertos para celebrar sus 30 años en los escenarios.

🎸😎👎💅🥃


Cabalguemos...


Con la inolvidable voz de uno de los mejores dobladores de toda la historia de IBERIA...
Luke yo soy tu padre...
Constantino Romero 🎙️🎚️💣

Anonymous
(@anonymous)
Mito
23/02/2021 8:58 pm
ResponderCitar

Anonymous
(@anonymous)
Mito
25/02/2021 9:34 pm
ResponderCitar

Un paso adelante mañana para la penúltima y la carta de ajuste Bluebeat and Ska y otros rollos( Regaee y Dub...)
Hazlo tú mismo 🏴‍☠️🦶👌

Gran verdad 🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲
Enjoy It (Enjoy Yourself)
Prince Buster.
Enjoy yourself, it's later than you think
Enjoy yourself, while you're still in the pink
The years go by, as quickly as you wink
Enjoy yourself, enjoy yourself, it's later than you think

Hello, I'm Terry, and I'm going to enjoy myself first

It's good to be wise when you're young
'Cos you can only be young but the once
Enjoy yourself and have lots of fun
So glad and live life longer than you've ever done

Enjoy yourself, it's later than you think
Enjoy yourself, while you're still in the pink
The years go by, as quickly as you wink
Enjoy yourself, enjoy yourself, it's later than you think

Never right, yes I know
Get wisdom, knowledge and understanding
These three, were given free by the maker
Go to school, learn the rules, don't be no faker
It's not wise for you to be a foot stool

Enjoy yourself, it's later than you think
Enjoy yourself, while you're still in the pink
The years go by, as quickly as you wink
Enjoy yourself, enjoy yourself, it's later than you think

Enjoy yourself, it's later than you think
Enjoy yourself, while you're still in the pink
The years go by, as quickly as you wink
Enjoy yourself, enjoy yourself, it's later than you think

Disfrútalo (Disfrútalo)

Disfrútalo, es más tarde de lo que crees
Disfrútalo, mientras sigues en el rosa
Pasan los años, tan rápido como guiñas el ojo
Diviértete, disfruta, es más tarde de lo que crees

Hola, soy Terry, y voy a divertirme primero

Es bueno ser sabio cuando eres joven
Porque sólo se puede ser joven, pero una vez
Disfrútalo y diviértete mucho
Tan feliz y vivir la vida más tiempo de lo que nunca has hecho

Disfrútalo, es más tarde de lo que crees
Disfrútalo, mientras sigues en el rosa
Pasan los años, tan rápido como guiñas el ojo
Diviértete, disfruta, es más tarde de lo que crees

Nunca está bien, sí lo sé
Obtener sabiduría, conocimiento y comprensión
Estos tres, fueron dados libres por el hacedor
Ve a la escuela, aprende las reglas, no seas un farsante
No es sabio que seas un taburete...

Disfrútalo, es más tarde de lo que crees
Disfrútalo, mientras sigues en el rosa
Pasan los años, tan rápido como guiñas el ojo
Diviértete, disfruta, es más tarde de lo que crees

Disfrútalo, es más tarde de lo que crees
Disfrútalo, mientras sigues en el rosa
Pasan los años, tan rápido como guiñas el ojo
Diviértete, disfruta, es más tarde de lo que crees


Potato VITORIA cover ♥️👍🎸📻🎙️

Skaaaaaaaaa!
Rude Boys and Girls!
Red Skins!
Two Tone!
✊🇯🇲🏴‍☠️🖤♥️

R.A.S.H.

Hasta Tomorrowland ⚽⚡
Unos buenos pasitos...

🤍🖤🤝🙌✋👊



Cuando el “Empire Windrush”, un barco militar de transporte, atracó en Tilbury (puerto de Londres) el 21 de junio de 1948, pocos podían imaginar que la música y la cultura inglesas estaban a punto de cambiar para siempre.

Había salido de Kingston (Jamaica) el 23 de mayo con 1027 personas a bordo, de las cuales 802 tenían nacionalidad jamaicana. Aprovechando una ley migratoria todavía benevolente con las colonias, los caribeños pagaron entre £28 y £48 por el pasaje y a su llegada poblaron barrios como Brixton y Notting Hill, que desde entonces se transformaron completamente.

La savia nueva constituía mano de obra barata para un Imperio Británico en decadencia, pero su aportación clave se produjo en el ámbito cultural. En sus maletas, los inmigrantes traían ritmos locales como el mento o calypso de Trinidad, que mezclaban con los sonidos negros de Estados Unidos. En este sentido, compartían con Inglaterra la subordinación, pues ambos países se habían rendido a la nueva metrópoli.

El HMS Empire Windrush es el origen de la inmigración jamaicana a Inglaterra. Como curiosidad, era un barco expropiado a los nazis tras la IIª Guerra Mundial.

Corrían los años 40 y la hegemonía yanqui se traducía, en lo tocante a la música, en el predominio de estilos como el jazz y un blues más movido llamado R&B. Los clubes ingleses los programaban para su público blanco, casi exclusivo en la isla, pues a pesar del origen negro de aquel sonido, traía el marchamo elitista de Norteamérica.

Así, surgieron locales como el Flamingo, cuyo nombre rendía tributo a un clásico de Duke Ellington y daba pistas sobre su estilo. Fundado en 1952 en Leicester Square, acabaría por trasladarse a la calle Wardour cinco años más tarde. Fue en ese local de fachada minúscula donde se haría célebre, pues programaban jazz vanguardista en directo y todo tipo de música afroamericana.

Gracias a artistas como el nigeriano Billy Olu Sholanke o el jamaicano Joe Harriott, el club pionero del Soho y otros como el Americana se convirtieron en referentes para la población negra, nutrida como hemos visto por jamaicanos que se asentaban en Londres en cantidad creciente y por soldados de Estados Unidos.

Para finales de los 50, el predominio de la música yanqui era ya universal y dio paso a un nuevo estilo que lo cambió (casi) todo. Mezclando R&B con country, gospel y aportaciones que daban protagonismo a la melodía, nació un pegadizo estilo que se llamó rock and roll. Causó un terremoto de proporciones bíblicas, pues lo escuchaban no solo los negros y aquellos blancos que pretendían el malditismo, sino también las audiencias blancas y biempensantes de todo el mundo.

Pese al éxito relativo de artistas como Fats Domino, el rock & roll pasó desapercibido en Jamaica. Indirectamente, esto permitió que naciese el ska.

Quizá por ello, los negros de ambos lados del charco se distanciaron del nuevo estilo que, como todos, también habían creado ellos. Puede que no les gustase su comercialidad, por eso apostaron por nuevas versiones de sus estilos de siempre, un jazz moderno y distorsionado que llegaría a desdibujarse, y un R&B más bailable que de costumbre.

El Londres de finales de los 50 también fue testigo de esta efervescencia sonora, y por vez primera en su historia, lo hizo como protagonista. El viejo imperio basado en comercio, industria y navegación podía por fin presumir de su música, aunque fuese gracias a gente venida de otros países.

Lo cierto es que en los clubes del Soho que marcaban la pauta en lo musical, la tradición inglesa pintaba bastante poco. El modern jazz había sido su principal propuesta desde principios de los 50, atrayendo no solo a afroamericanos, sino a una juventud vanguardista y blanca que, a imitación de los hipsters de los Estados Unidos, buscaba en el bebop un toque de malditismo sofisticado. Como venía ocurriendo allí desde hacía décadas, para ser hip había que bajar al infierno. Fue así como nacieron los mods.

Flamingo en el sótano del Hotel Mapleton, cerca de Leicester Square. Sería el punto inicial de encuentro de los Mods.

Sin embargo, la pretensión y el refinamiento tenían poca cabida entre los inmigrantes negros establecidos en Londres. Si iban a clubes como el Flamingo era porque pinchaban su música y porque podían bailar. Por eso, a medida que su presencia iba aumentando, el jazz preciosista de los modernos fue dando paso al ritmo bailable del R&B.

Cuando a finales de los 50 el terremoto del rock lo sacudió todo, la mayoría de sellos americanos dejaron de producir R&B. Respecto a eso, los jamaicanos nadaron contracorriente. Tanto en su isla de origen como en Inglaterra, pasaron del rock y siguieron pinchando rhythm and blues en sus fiestas, ya fuese en los conocidos sound systems de nombres extravagantes (V-Rocket, Sir Nick The Champ) o en los garitos de Londres.

En ambos casos, la exclusividad de los temas era un objetivo para los promotores, por lo que, si la producción de R&B decaía, alguien debía cubrir la demanda. Fue así como los dueños de los sound systems de Kingston se convirtieron en productores improvisados, haciendo en la isla el rhythm and blues que Estados Unidos ya no creaba. La evolución autóctona de este estilo dio lugar al ska, un ritmo más pegadizo que dominó Jamaica a principios de los 60.

Mientras tanto, los jamaicanos de Londres exploraban la vía abierta por sus paisanos. Pese a su doble condición de subordinados (respecto a Inglaterra y a Estados Unidos), la música creada por ellos mismos era el nuevo canon en clubes como el Flamingo o Americana, donde el rock tampoco tenía excesivo predicamento.

Americana Club (1955). Su carácter interracial sería impensable en Estados Unidos, pero en Londres, los soldados americanos gozaban de un status cosniderable.

Interrogado sobre el motivo, el musicólogo y periodista Lloyd Bradley responde de forma clara: “pregunta a cualquiera que estuviese metido en la escena en aquel momento y te dirá que, simplemente, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis y compañía no eran lo bastante emocionantes”. A esto habría que sumar el exceso de comercialidad, una causa apuntada por Phil Etgart en un estudio de 2011 sobre la música que se pinchaba en los primeros sound systems.

Debido a esta mezcla de autenticidad y capacidad de baile, el R&B jamaicano derivó en un estilo nuevo que arrasó entre la población local. Exportado a clubes de Londres repletos de inmigración jamaicana y de blancos que se acercaban al lado salvaje, el ska surgido a principios de los 60 se convirtió en negocio jugoso a ambos lados del Océano Atlántico.

En poco tiempo surgieron sellos dispuestos a explotar el filón, no solo en la Jamaica materna, sino en el Londres cosmopolita dispuesto a sacar tajada.

LA HISTORIA DEL SKA.

Primero, ubiquémonos en Jamaica en el momento particular de la historia en el que nace este ritmo...

Después de la II Guerra Mundial el Imperio Británico se encuentra en una situación particularmente difícil. Es por eso que este se ve obligado a independizar sus colonias. Ya para 1962 Jamaica como país independiente empieza a ver reflejado un nuevo optimismo en su cultura y música proveniente de las masas recién liberadas.

Dicho optimismo esta caracterizado por el nacimiento de un gran numero de bandas que adoptaban y adaptaban muchos de los estilos musicales provenientes de Estados Unidos.

Ya antes de ser declarada un estado independiente, bandas como Eric Deans Orchestra (con el trombonista Don Drummond y el guitarrista Ernest Ranglin en primera línea) basaban su música en los estilos de Count Basie, Duke Ellington, Glen Miller y Woody Herman.

Sin embargo en EE.UU. las grandes bandas estaban siendo remplazadas por formaciones un poco más pequeñas, orientadas hacia el blues.

Mas tarde esta nueva moda llega a Jamaica y es adaptado por los SOUND SYSTEMS de Sir Nick the Champ, the Blues Blaster, entre otros.

Hacia 1950 el Jazz, el Rythm and Blues y el mento son fusionados por las bandas de la epoca dando forma a un nuevo estilo de música llamada "Shuffle".

(El shuffle se vuelve muy popular gracias a bandas como the Overtakers, Neville Esson y the Matador Allstars)

Es gracias a este nuevo ritmo que se da un auge tanto en el nacimiento de estudios de grabación y compañías como en la búsqueda de nuevos talentos que llenaran las necesidades del creciente publico.

Duke "the Trojan" Reid y Clement "Sir Coxsone" Dodd y Vincet "King" Edwards fueron piezas clave en la evolucion del Sound System jamaiquino de 1950.

Cabe destacar la importancia del aporte dado por la comunidad China-Jamaiquina de la cual salen excelentes productores asociados a los dueños de los Sound Systems. Algunos de los más importantes fueron: Lesie Kong, Byron Lee, Charlie Moo y por supuesto el más prolífico de todos, Vincent "Randy" Chin.

Otro personaje importante fue Cecil Campbell, conocido después como Prince Buster, quien fue el primero en tener la visión y darse cuenta de la necesidad de un nuevo estilo. Es así como recomienda a su guitarrista (Jah Jerry) enfatizar el sobretiempo, es decir no en el beat o golpe rítmico, sino después de este. Es así como nace el Ska.

Los Sound Systems empiezan a grabar sus propias canciones para ganar ventajas competitivas entre ellos. La guerra entre sound systems escala al punto del envío de saboteadores por parte de la competencia para arruinar las fiestas. Estos saboteadores eran conocidos como "Dance Hall Crashers".

A pesar de la baja calidad de las grabaciones de ska de este tiempo, los entusiastas de dicho ritmo lo llevan a un punto de popularidad altísimo. El ska es reconocido como baile y música NACIONAL de Jamaica.

Cabe destacar como "dato rossa" que el Ska como tal hizo su debut mundial e internacional en la feria mundial de New York de 1964, en el pabellón de Jamaica. Fue un gran exito!!!

Ahi se mostraron varios temas de bandas de la epoca (Byron lee & The Dragonaires, Prince Buster y Jimmy Cliff) hubo una gran demostración de baile donde Ronnie Nasralla y Jannette Phillips enseñaron a mover el eskeleto con este contagioso ritmo.

LOS RUDE BOYS

Durante los 60´s (1964-1967 + o -), en los ghettos de Jamaica vivía toda una generación de jóvenes que no había tenido la oportunidad de experimentar el nuevo optimismo generado por la independencia, esto debido a su pésima situación económica y a la falta de empleo.

Estos jóvenes salidos de la clase obrera jamaiquina y marginados por el sistema se comienzan a identificar a sí mismos como RUDE BOYS.

(El ser un Rude Boy en ese momento significaba, de alguna forma, ser "alguien" cuando la sociedad les decía que no eran "nadie")

El Ska en esa época era la música de moda y los mismos Rudies adoptan este estilo de música como propio. Siendo el tema principal de las canciones que salen entre el ’64 y el ’67.

La manera en que los Rude Boys bailaban el ska era diferente también: Lo hacían más despacio y con una postura más imponente.

Los Rude Boys se conectan con la gente que vivía fuera de la ley (scofflaws) y esto se reflejaba en su música, sus letras y su manera de vestir. Muy parecidos a algún tipo de Gangster o criminal.

Se forman muchas pandillas de Rudeboys con serios problemas de actitud. Convirtiendo las calles en verdaderas guerrillas. El contacto que había entre el movimiento Rude y los scofflaws originaba una enorme facilidad para el Rude Boy de adquirir un arma y eso potenciaba la violencia y la lucha entre pandillas en ese tiempo.

Muchos de los jóvenes que llegaban a Kingston en busca de fama y dinero solo se topaban con una vidas de crimen y violencia cuando el dinero se les acababa.

(La película que refleja esto con mayor veracidad es el film de Perry Hanzel "THE HARDER THEY COME", interpretada por Jimmy Cliff protagonizando al anti-héroe ’Ivanhoe Martín Rhygin’)

La música ska cambia a partir de esto, va reflejando los sentimientos de los rudies con más tensión en el bajo, a diferencia del estilo previo, el cual era un poco mas ligero y libre.

En este periodo los rude boys se convirtieron en el centro de atención.

La opinión publica estaba rotundamente en contra de ellos y en contra de las armas. Se pasó una ley con la cual cualquier persona con posesión de armas o municiones seria detenida por un tiempo indefinido.

Esto, naturalmente, influyó en el ska pues los artistas y productores de este tiempo apoyaban las acciones de los rude boys.

Canciones como "Lawless street" de los Soul Brothers y "Gunmen coming to town" del grupo The Heptones reflejaban la influencia de este movimiento anti-armas, Muchas otras bandas se sumaron a esto pero con una política contra la lucha entre pandillas de Rude Boys.

Clement Dodd apoya, en este momento en especial, a una banda de jóvenes que se auto proclamaban rude boys- los Wailers (Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer).

El ska y los rude boys fueron el tema de importancia hasta finales de los ’60 en el que el ska es remplazado por el ROCK STEADY.(este es luego remplazado por el REGGAE, y este por el DUB y luego este por el DANCE HALL, etc).

Este momento marca el fin de la primera era del ska y el comienzo de la segunda era... donde el Rude Boy tomaría una tonalidad absolutamente distinta que la de los legendarios rudies jamaicanos.

SEGUNDA GENERACION (TWO-TONE)

La segunda era comienza en Inglaterra a principios de los 70´s cuando los ideales de los rudies son revividos por bandas de punk como THE CLASH. Bandas como The Coventry Automatics empiezan a reutilizar las bases del ska para hacer música. Esta banda se llegaría a convertir en todo un símbolo de la época al luego cambiarse el nombre a The Automatics, luego The Specials AKA the Automatics, luego solo The Specials AKA y por ultimo THE SPECIALS.

A finales de los 60 empezaba la explosión Rocksteady–Reggae y temas como "My Boy Lollypop" de Millie Small (uno de los primeros exitos en el Reino Unido) y temazos de Desmod Dekker y Laurel Aitken empezaban a sonar en las radios inglesas.

La inmigración de rudeboys jamaicanos crean el movimiento Skinhead al fusionarse con los Hard-Mods de la época.

Nacen bandas como Simaryp (mítica banda skinhead reggae), los Boot Boys (inicio de los actuales Hooligans), Redskins, el Northern Soul y la explosión reggae a finales de los 60.

En la decada de los ‘70 un ex-skinhead llamado Jerry Dammers decide crear un movimiento que reviva el Ska con nuevos codigos e ideologias. Así nace en la ciudad de Coventry el sello 2tone, The Specials, The Selecter y un pensamiento Rudeboy mucho mas contestatario (y definitivamente menos violento) que el originario de Jamaica luchando contra el creciente racismo y fascismo que trataba de imponer el National Front y otras organizaciones de ultra derecha de esa época con una letras mucho mas sociales (como en las canciones "Why", "Rudeboys out of jail", "Racist Friend" o "Free Nelson Mandela" donde se critica abiertamente el racismo y se habla de esta nueva tendencia Rudie).

Los 2 tonos (blanco y negro) representaban un intento de unión racial en una época llena de odio e intolerancia. Walt Jabsco, el logo del sello 2Tone (dibujo basado en una fotografía de Peter Tosh cuando tocaba en los wailers) usaba un traje de vestir negro con camisa blanca, anteojos para el sol, sombrero, medias blancas y un delgada corbata negra. Moda que adopto la ola de nuevos Rudeboys y Rudegirls como una forma de mostrar su ideal de unión racial (blanc@s y negr@s vestid@s de blanco y negro).

Nacen varias bandas; las que provenían de Coventry se llamaban a si mismas the Specials, The Selecter y The Swinging Cats. Las de Londres se convirtieron en Madness, The Bodysnatchers, the Birningham y The Beat. Pero aunque las bandas del sello 2Tone eran las mas populares, no eran las únicas, también existían The Tigers, Ska City Rockers, The Employees y muchas otras más.

Para estas épocas el trombonista Rico Rodriguez, alumno del ya fallecido (bajo complicadas circunstancias) ex -miembro de los Skatalites y uno de loss más pulentos compositores de la primera era del ska, Don Drummond, vuelve en esta época y participa ya sea con los Specials o continuando su carrera como solista. (La que empezó en Jamaica en los 60´s).

Rico es solo uno de varios artistas de la primera generación que vuelve para esta época y se junta con las bandas de la 2Tone.

El fin de esta era llega con la caída del sello 2Tone, Dammers se encontraba en banca rota y en deuda con la Chrisalys (sello disquero que patrocinaba a 2Tone) La popularidad de estas bandas duró aproximadamente seis años pero marcaría la influencia de la música en el futuro.

Se puede rescatar de la era two-tone el renacimiento del rudeboy como un tipo alegre, divertido, contestatario y siempre dispuesto a disfrutar de una baile o una buena cerveza. Mucho menos violento que los originales de Jamaica pero con la lucha contra el sistema a flor de piel.

Las letras de las canciones y los pensamientos ideológicos en esta época tomaron un papel protagónico (talvez muy influenciados por la corriente punk y skinhead) lo que definiría la corriente ska desde ese momento en adelante.

TERCERA GENERACION(Third Wave)

La tercera época o Third Wave es la que estamos viviendo en este momento. Bandas como The Toasters, Bim Skala Bim y Fishbone comienzan a revivir de nuevo las raíces de esta música a principios de esta era. Acá en Latino América podemos ver a bandas como Desorden Publico en Venezuela o Los Fabulosos Cadillacs en Argentina tomando la misma iniciativa e influenciando mas bandas a hacer lo mismo.

Nacen también nuevas fusiones, el ska se combina con casi todo. Nace el ska-core, ska-metal, ska-punk, ska-funk, etc etc etc.

Empiezan a nacer bandas que fusionan varios ritmos o "Ritmo Mundial" como Mano Negra.

En España cabe destacar la banda independiente Kortatu que a pesar de su fama nunca firmo con una multinacional (cosa que considero aplaudible).

Aparecen en todo el mundo bandas de Ska tradicional como Hepcat, Don Khumalo, The Slackers, Skatalá y Dr Calypso.

La fuerte influencia de ritmos latinos en el ska actual da cabida a lo que creo yo es todo un mundo de oportunidades llamado ska latino o latin ska.

La imagen del rude boy se mantiene como la originada en la era 2tone, ya no como un "bandido" sino como un fanático del ska, con conocimiento sobre las raíces del mismo y con todos los ideales anti-racistas y revolucionarios que han caracterizado siempre a esta música.

Esta época da cabida al nacimiento de grupos culturales como los SHARP (Skinheads against racial prejudice o Skinheads en contra de los prejuicios raciales), los striaght edgers, etc. Todos disfrutando de un mismo ritmo considerado en estos momentos como un "Ritmo Mundial".

Así en estos tiempos el Ska a tomado una tonalidad de música de unión. Uniendo asi a los Punks, Skins, sXe, hXc, Rudes, Skaliticos, Rastas, Hip Hoperos, Okupas, Raperos, Anarkistas, Libertarios, Negros, Blancos, Chinos, Europeos, Asiáticos, Amantes de la música latina, Natty Dreads, etc (perdón si se me fue algún grupo...) bajo un mismo baile, una misma vibración y una misma lucha contra el sistema... sin distinción de raza, religión, status social, preferencia sexual, etc.




Rocksteady.🤍🖤🤝

JAMAICA
Es sabido por quienes nacieron y crecieron escuchando música, que el norte de la brújula de los sonidos ha sido básicamente (al menos del '50 hasta el presente): Gran Bretaña y EE. UU.

Ritmos latinos, africanos y orientales, no han tenido, dentro del mercado musical mundial, mejor lugar que el destinado al de un localismo pintoresco o al de un efecto agradable que nos regresa digerido por un halo globalizador (por llamarlo de alguna manera) de la mano de músicos "etnógrafos". Habrá quien me llame la atención sobre el origen negro del blues, jazz, rock, etc. Habrá quien marque la vigencia de los ritmos locales en los diferentes países o de esos hijos bastardos del rock y el tango, el rock y el candombe o el rock y el flamenco, etc. Sin embargo esto no pretende ser un profundo estudio sobre las corrientes musicales, que como todo fenómeno artístico esta en permanente proceso hermeneútico. La intención de éste escrito es acercarse a la historia de un caso curioso dentro de esas corrientes. Si el norte es ese bloque hegemónico configurado por los padres del rock ¿De dónde salió Jamaica?

Tres cosas pueden marcarse a favor de quienes no vean en la difusión del reggae una victoria de lo emergente. Primero, el reggae sólo dio la vuelta al mundo a partir de su difusión a través de las discográficas del "norte"; segundo, el género fue más conocido cuanto más híbrido; tercero, la lengua del reggae fue el ingles y eso facilitó su "mundialización".

Por otro lado, aunque con claras influencias externas, el reggae fue mucho más que un ritmo cansino y pegadizo, calificable o no de original. No es paradojal que los punks del norte brindaran homenaje a ese ritmo como el único aceptable después del propio. Si tenemos en cuenta algunas variables y agudizáramos el análisis, encontraríamos en el reggae las características de una práctica cultural emergente. Pero no es el caso acercarse a intelectuales como Gramsci o sus herederos de los Estudios Culturales de Birmingham para abordar los términos de hegemonía, ideología (como visión del mundo) o prácticas emergentes. Tan sólo se trata de revisar de dónde salió ese "ritmo mundial".

historia del reggae - jamaica

Para quienes se empeñan en no advertir el cruce entre cultura y política, haremos un breve recorrido por la isla de Jamaica hacia la década del '60. En 1962 la isla se independiza del Reino Unido y el rock que llegaba por la inmigración, más la sintonización de radios de la costa este norteamericana, eran la constante; de hecho músicos locales como Jackie Edwards o Laurel Aitken no se diferenciaban demasiado de los artistas continentales. Pero trabajando de manera independiente hubo quienes empezaron a engendrar un sonido particular. Cuando los '60 estaban terminando, un disco de Toots & The Maytals se tituló Do the Reggae, y esa es aparentemente la primera vez que se emplea la palabra con que se bautizaría todo producto made in Jamaica.

Es en los mediados de los sesenta donde el sello Island de Chris Blackwell adquiere renombre internacional. Pero los '70 lo colocaran bien arriba, figuras como Bob Marley y Jimmy Cliff popularizan el género más allá de la isla y zonas de influencia.

Músicos rastafaris en Etiopia - jamaica reggae musicNo es casual que los grupos punks más pensantes vieran en el ritmo de Jamaica un digno aliado de su ideología. Pero ¿En qué se parecía musicalmente el reggae al punk? Absolutamente en nada, pero basta tomar una estrofa al azar: "Si vos sos un árbol grande, nosotros somos el hacha pequeña, afilada para derribarte" (Small Axe. Bob Marley). Creo que con el ejemplo basta. Gente como The Clash notó que era mucho mayor el parecido esencial entre el punk y el reggae que la aparente diferencia estructural.

El reggae logra una contundente estética y una prodigiosa solides en el mensaje basándose en el rastafarismo. La pertenencia al movimiento rastafari no es precisamente una moda en el cabello ni el consumo indiscriminado de ganja (marihuana). El movimiento rastafari nació en Jamaica como religión a partir de la distorsionada comprensión de las doctrinas de Marcus Garvey. La teoría de volver al África llevó a confundir la coronación de Haile Salassie, rastafari, con la venida de Dios a la tierra para liberar a los sometidos. Yasí, los verdaderos "rastas" mantienen sus lógicas culturales: no consumen carne de cerdo, son profundamente religiosos y sueñan con el regreso en peregrinación a una Etiopía emancipada.

La difusión de las ideas del rastafarismo se debe casi exclusivamente a la adopción del reagge como su exclusiva forma de comunicar y alzar la voz: "Prefiero la tumba a vivir como un esclavo, tan cierto como que hoy el sol brilla, voy a tener lo que me pertenece" dice Jimmy Cliff en The Harder They Come).

Bob Marley reggae en el más puro estado puede complicarse. Predecesores y descendientes del reggae han aportado, adaptado, deteriorado, modificado, comercializado, etc. más de un concepto. De hecho los caminos se fueron bifurcando y creciendo para mantener pocas cosas en común. Ratafarismo y reggae ya no van de la mano y quizás la prematura muerte de Bob Marley ha sido lo que lo ha transformado en Leyenda indiscutible del género y en el más fiel exponente. En los distintos lugares del mundo el reggae se fue fusionando dando origen a innumerables variantes. El reggae blanco de los UB-40, el reggae más comercial de la mano de músicos como Eddy Grant, el reggae denso de quienes se acercaron más al continente negro, el reggae ultra FM recorrido por productos como Ziggy Marley & The Melody Makers, etc.

En el caso puntual de Argentina, bandas como Los Pericos (de dilatada carrera), algunas incursiones de Todos Tus muertos, Los Cafres, La Bonzaire y piezas fundamentales de Sumo (en una opinión muy subjetiva, los mejores reggaes compuestos fuera de Jamaica) han sabido difundir, entre otros, de una manera más o menos lograda, la esencia de aquel ritmo jamaiquino. Y así, los fanáticos de la Reggae Music del mundo adaptaron sui generis la premisa rasta del viaje a Etiopía; el que más, el que menos, sueña con viajar a Jamaica y beber el agua de la fuente.

Puntualmente, en lo que a la historia del reggae refiere, vale repasar algunos nombres. Burning Spear fue un grupo casi mítico que practicando con exclusividad un canto religioso e hipnótico llevaron la concepción rasta casi al limite, luego su líder (Winston Rodney) disuelve la banda y funda su propio sello llevando al máximo su compromiso religioso entonando con su voz casi en transe obsesivos cantos místicos (ejemplo de esto es el disco Marcus' Children que hiciera en colaboración con los británicos Asward). Eddy Grant: nacido en Guyana, lanza su carrera solista en 1972 luego de la disolución de The Equals; en 1979 aparece Living in The Front Line, el tema que lo haría conocido en todo el mundo. Sly & Robbie: constituyeron la base rítmica más importante del género; acompañaron a todos los grandes y en la actualidad son productores y músicos fijos del estudio Compass Point en las Bahamas donde más de una estrella de rock los busca cuando necesita acompañamiento. Peter Tosh - reggaeThird World: ex miembros de Inner Circle (M. Cooper y S. Cat Coore) tienen como curriculum el haber acompañado a Marley en su gira por Inglaterra; buscando reconocimiento internacional llegan a colaborar en 1982 con Stevie Wonder en Try Jah Love; siempre en el equilibrio entre la lucha racial y el buen ojo para lo comercial. La lista es quizás demasiado extensa y quien la sita corre el riesgo de dejar fuera figuras trascendentales para el género, así que solo avanzaremos sobre un nombre más: Pete Tosh. Winston Hubert McIntosh (Pete Tosh) nació en 1944 y fue uno de los integrantes de los Wailers (Bob Marley & The Wailers) más reconocidos (compuso entre otros temas como Get Up Satnd Up). Tras la disolución de la banda, Tosh toma como bandera la Legalización de la marihuana, costándole esto varias prohibiciones. En 1979 Jagger y Richard lo integran a la Rolling Stones Records y debuta bajo el nombre de Bush Doctor. A partir de entonces su carrera no fue del todo feliz, dicen que en su afán por llegar al público blanco ha ido en detrimento de sus composiciones, mientras que otros ex Wailers como Neville O'Really Livingston (Bunny Wailer) han sabido mantener la dignidad intacta.

Si hasta aquí esto ha intentado ser un acercamiento a la música Reggae, ustedes se preguntaran por que no he hecho demasiado hincapié en su ícono máximo: Bob Marley.

Mañana del inicio al final 📻🎙️🇯🇲🚬

Llegando a la estación del recordado tren Jamaicano.
🚂🌅🇯🇲🎙️📻


🌚

Anonymous
(@anonymous)
Mito
27/02/2021 12:22 pm
ResponderCitar

Sírvase usted mismo, en paradas constantes en absoluto nada disonantes; vamos poco a poco hasta la última estación hertziana sin emisora existente o discordante.
Sabor, fusión, identidad, lucha, mensaje y sonoridad.
Internacionalismo e igualdad ✊🏴‍☠️
📻🎙️🎸Mods ALL CONS!
EKOOOOOO!!!
ECOOOOOO!!!

Para comenzar, antes de hablar propiamente de la música, debemos realizar un recorrido histórico entorno a la isla jamaicana. Antes de sufrir la invasión por parte de Occidente, las etnias que allí convivían eran los Arahucanos y Taínos, pueblos libres con cultura propia que fueron explotados, esclavizados y ridiculizados culturalmente.

Pero la isla sufrió dos grandes invasiones, una de ellas tras la invasión de Cristobal Colón en 1492 que produjo la llegada de centenares de esclavos africanos, quienes fueron obligados a migrar violentamente trayendo consigo su cultura y musicalmente, algunos instrumentos como el Gumbé y el Abeng.

En 1655, Jamaica volvió a ser invadida por Reino Unido, lo que produjo también que la cultura isleña se viera afectada por la cultura inglesa, incluyendo las influencias musicales.

Pero también se ve influenciada la educación que reciben los jóvenes jamaicanos en las escuelas, situando la propia cultura y esencia de la isla oprimida por la inglesa, lo que en términos antropológicos denominaríamos como la violencia simbólica que sufrieron todos los pueblos de Centro y Sur de América. Bob Marley en su canción “Get Up, Stand Up” ya recitaba acertadamente que “La mitad de la historia nunca se ha contado”.

Después de más de 300 años, Jamaica logra su independencia de Reino Unido en 1962, convirtiéndose en una Monarquía Constitucional Parlamentaria.

Con la llegada de la independencia jamaicana el pueblo continuaba en condiciones muy duras, por lo que comenzó a proclamarse a finales de los años sesenta la voz de los pueblos negros. Y qué mejor manera de hacerse oír, se empezaron a utilizar los potentes altavoces del Sound System que se convirtió en su medio de comunicación particular, convirtiéndose así en el «periódico del pueblo».

El Sound System se empezó a configurar como un conjunto de altavoces con una mesa de mezclas y un amplificador. Consistía en hacerse con los reproductores de sonido más potentes que pudiesen encontrarse en el mercado, solían transportarse en una furgoneta o algún vehículo, creando algo así como una “discoteca móvil”, los comerciantes aprovechaban para vender bebidas o comida. Los supercoop se colocaban en una explanada grande y este lugar pasaba a convertirse en el dancehall.

Y se manifestaron como el arte tras la victoria del pueblo jamaicano tras la independencia de Reino Unido. Poco a poco la aparición de los Sound System desbanca la música en directo. Discos como «Independent Jamaica» de Lord Creator o «Miss Jamaica» de Jimmy Cliff sumergidos en los emergentes ritmos del ska, daban fuerza a una nueva generación negra en Jamaica.

Los primeros estilos de los que se nutrieron los sound fueron los trillados ritmos americanos, pero esto suponía problemas para sus organizadores y propietarios, que comenzaron a crear su propia música. Así, los sonidos del R&B, el folk, el rocksteady, calipso, entre otro que se fueron fusionando, desembocando en el ska, primer estilo propiamente jamaiquino, que iría a parar al reggae y el dub. Con un añadido importante, se sembró el germen de la creación, y cientos de jóvenes curiosos y activos hicieron que creciese.

Con el boom y la repercusión del Sound System, pronto aparecieron en escena las Dancehall, que además de ser un estilo musical dentro del reggae (especialmente dominante en la segunda mitad de los 80) era también el lugar físico del baile. Claro que el dancehall no era solamente eso, sino que se convirtió, ya en sus orígenes en los años 40, en una amenaza al poder, pues era un punto de reunión para los esclavos negros.

Hacia 1940 un convento abre las puertas de una escuela que cambiaria la escena, Alpha Boys School: en ella se ofrece la oportunidad de aprender música a los más jóvenes de la isla.

En el ’57, Coxsone Dodd, Duke Reid y Prince Buster empiezan a grabar vinilos para utilizarlos exclusivamente en sus propios bailes de Sound System.

En los años sesenta en Jamaica, el boom de los Sound System popularizó la música en las calles, que lo impregnaba todo, esta salió de la isla y se hizo internacional. El primer estilo puramente jamaicano fue el ska, que fue evolucionando por la influencia británica del R&B, fusionado con sonidos puramente africanos. Han pasado veinte años desde la aparición de los primeros Sound System en las calles, y las reuniones de los bailes ejercieron una importante presión social y cohesión de la población negra.

El rocksteady hizo que muchas miradas extranjeras quisieran grabar su música en Jamaica. Y es que 1968 fue un año de reconocimientos y grandes éxitos: el rocksteady se presenta como un estilo muy rico musicalmente, resultado de la fusión de ska, soul, mento, calipso, influencias del sonido británico del R&B y la raíz de la que nacería el más puro reggae roots. La música en estos años ejerce una gran influencia.

Durante los años 60 y 70, cuando se hicieron populares surgió prácticamente un Sound en cada barrio y así comenzaron las batallas de DJs (Sound Clash). Cada barrio tenía su propio equipo y lo defendían como suyo, esto creó un gran sentimiento de unidad e identificación, al comienzo había una gran competencia sana que no hacía sino motivar a los grupos de cada zona para ser cada vez mejores, para conseguir cada vez sonidos y temas de mayor calidad, para ser el mejor. Cada barrio tenía su Sound y sus fieles seguidores, solían hacerse sanas competiciones para demostrar quiénes eran los mejores. Cada Sound tenía sus propios temas.

Las canciones comenzaron entrando en la isla por barco, antes de que en Jamaica hubiese casas de discos; quienes no podían salir para ir a Reino Unido a comprar acetatos encargaban a algún chico que trajese vinilos inéditos. Una vez en manos del DJ este los rallaba para que su competencia no pudiese saber de qué tema ni de qué artista se trataba. Cada equipo contaba con sus propios temas y en eso consistía gran parte de la competición.

Los adeptos de cada Sound conocían las canciones de sus DJs, estos silenciaban unos segundos los temas para que su público los cantase y demostrar así a los Sounds de alrededor que la comunidad cantaba sus temas, era un signo de poder. El dancehall se convirtió en un punto de encuentro trascendente. La población negra de todos los barrios se juntaba y no sólo para bailar, sino también para crear un «foro político» con ideas de mejora de la situación política y civil de la población. De hecho, algunas de las canciones de reggae se utilizaban en campañas políticas.

Era un sitio en el que crecer y hacer contactos, ya que cualquier jamaicano interesado en la música podía ir a los bailes y participar en todo el «espectáculo» creado, si valía pronto se uniría a algún Sound. La mejor forma de averiguarlo era sometiéndose al público, pues eran ellos los que dictaminarían y hacían el papel de jurado. Era por tanto una «agencia de contactos».

De-Jamaica-al-mundo.

Punto de creación colectiva, optimismo unión y fuerza. Las vibraciones positivas a ritmo de rocksteady, ska y reggae eran mucho más que una distracción divertida, se transformó en un “ritual de autoestima que celebra la identidad propia”.

En 1973 asistimos a los inicios del dub, la costumbre de grabar versiones en las caras B de los acetatos se extiende a los primeros álbumes de dub. The Wailers saca con Island Records “Catch a Fire”, que se introduce en el mercado global. El influyente jamaicano Kool Herc comienza a hablar en los bailes de Nueva York de los “Reggaerrhythms” dando inicio a la influencia del reggae en el hip-hop.

Sugar Minott llega a Studio One en 1974 y revoluciona el sonido reggae. Comienza a cantar sobre cintas originales de los 60 en lugar de utilizar banda, aporta una lírica nueva, y creando el dancehall.

Sound system.

En 1976 da a luz “King Tubby meets Rockers Uptown” grabado por Augustus Pablo y producido por el indudable padre del dub, King Tubby.

Espectacular 🏴‍☠️🇯🇲🍻🌚🎺


Sentimiento a flor de piel...
🇯🇲🚬🤝🤍🖤
Un poquito de Jukebox ⚡

Moneda por favor...
Evolucionando 🙌

Insert coin🎛️🎚️🎧🎙️🕗
💳💵

Gangster ALL!
Un bailecito con el maestro!

Mento🇯🇲🎚️

Los comienzos de la música jamaicana, al igual que su historia contemporánea, están manchados y construidos con la sangre y el sudor de esclavos africanos. Antes de la emancipación de la esclavitud, en 1838, muchos africanos que podían tocar un instrumento o tenían algún talento para la música o el baile eran utilizados para el entretenimiento de colonos ingleses con espectáculos musicales en sus fiestas y reuniones.

Estas agrupaciones de entre tres y cinco músicos contaban con instrumentos de origen africano como la mbira o sanza, el banjo, tambores de tamaño medio e instrumentos europeos como la guitarra. La Mbira da lugar con el tiempo a la creación de la caja de Rhumba Box o Marumba Box, que es la encargada de llevar la parte del “bajo” en el Mento.

Para acompañar a esta música de reciente creación se utilizaba el baile en cuadrilla original de la Francia de la época, que consistía en cuatro bailarines que formaban dos parejas de baile.

A finales del siglo XIX y hasta más o menos los años cuarenta, el Mento evoluciona en forma de música popular. Entre aquellas primeras canciones ya se pueden encontrar lo que serán las temáticas que luego se seguirán repitiendo a lo largo de la historia de esta música en los diferentes géneros musicales de la isla y que hablan sobre la pobreza y el sufrimiento, la situación económica, los buscavidas, historias de amor y también letras con doble sentido normalmente haciendo referencia a temas sexuales.

Ella quiere el Bambú grande, siempre largo
El Bambú grande crece robusto y fuerte
El Bambú grande se levanta recto y alto
El Bambú grande complace a todas...🤭

En los años 50, el mento jamaicano ya ha tomado una importante popularidad en el Caribe y se ha ido fusionado con el Calypso de Trinidad y Tobago. Algunos de los artistas más populares, dentro y fuera de la isla, de la época son Harry Belafonte, Lord Flea, Lauren Aitken y Byron Lee.

Según los historiadores este último, Byron Lee, a parte de ser el líder de una de las bandas de Ska más famosas de Jamaica (The Dragonaires), parece ser el responsable de la introducción del bajo eléctrico en la música Jamaicana. Según cuenta la leyenda no lo escogió por su sonido sino por su ligereza y fácil transporte para los conciertos en
comparación con el contrabajo que utilizaban en aquellos tiempos algunas formaciones de Mento.

La introducción del bajo eléctrico y la captación de emisoras de radio americanas en la isla, en las que se escuchaban bandas de Jazz y Swing, jugaron un papel decisivo en la creación del Ska.

En la actualidad en Jamaica al Mento se le llama coloquialmente Calypso y no es una música común en la isla. Como ejemplo musical de la influencia del Mento y su patrón de pregunta y respuesta característico he elegido la siguiente canción y versiones:

HILL & GULLY RIDE.
La canción original narra la bajada a caballo (o en burro) desde la colina pasando por los barrancos. Mas tarde, King Yellow Man utiliza el título y crea una nueva canción dedicada a la gente que conduce motos y nombra algunos moteros de aquellos tiempos.

En el Dancehall actual, Busy Signal es el encargado de comparar el baile y el movimiento de cintura de una mujer con la bajada de la colina en su tema sobre el Energy Up Riddim.

Uno de los grandes pioneros en Español...
Grandes músicos, amantes de la música a todos los niveles 🇯🇲🙌👉👈

Tributo y homenaje:


🎺⚽🎚️


Live rotundo ⚡

Dentro del inicio


777

Johnnie “Dizzie” Moore (trompeta), Tommy McCook (saxo tenor y cubano de nacimiento), Lester Sterling (saxo alto) y Don Drummond (trombón) eran todos alumnos del Alpha Cottage School for Boys, una institución educativa de Kingston para chicos problemáticos que, aún hoy en día, regentan monjas católicas. Además de por su férrea disciplina, la escuela es famosa por la educación musical de primer nivel que ofrece (la banda de la escuela data de 1892). Así que los chicos revoltosos acababan convirtiéndose en músicos de postín. Sin embargo a mediados de los años 50 las salidas laborales que ofrecía la aún colonia británica para un músico eran muy limitadas. En realidad no existía ningún tipo de escena musical aparte de la del tradicional mento. Lo habitual para un músico era integrarse en alguno de los combos que tocaban en los hoteles haciendo versiones para que los turistas bailasen.

Las cosas comenzaron a cambiar en 1959 cuando Duke Reid editó el primer vinilo en su sello Treasure Island. Desde ese momento hasta 1962 (año de la independencia de Jamaica) prácticamente todos los futuros miembros de The Skatalites trabajan regularmente como músicos de estudio para Reid y toman parte en multitud de grabaciones de jazz, R&B y boggie woogie. En 1962 Clement “Coxsone” Dodd también abre su propio estudio de grabación, Studio One, y los futuros The Skatalites se van con él.

The Skatalites cristalizaron en 1964. El nombre fue una ocurrencia de McCook ( Ska + Satelites = The Ska-talites) y además de los ya mencionados la alineación la completaban: Roland Alphonso (saxo alto y también cubano de nacimiento), Jerome "Jah Jerry" Haynes (guitarra), Lloyd Brevet (bajo), el quinceañero Jackie Mittoo (piano) y Lloyd Knibbs (bateria). Por si fuera poco reclutan a los vocalistas Jackie Opel, Tony DaCosta, Dorren Schaeffer y Lord Tanamo. En primavera de 1964 graban su mítico primer LP: “Ska Authentic” (no editado hasta 1967) y el 27 de junio de 1964 debutan en directo en el club Hi-Hat Al poco tiempo ya eran banda residente en varios clubes de Kingston.

La fiebre del ska en Jamaica era total. Studio One crecía sin parar y el grupo no daba a basto. Además de sus propias actuaciones como The Skatalites eran backing-band de la mayoría de los artistas del sello: Alton Ellis, Ken Boothe, The Maytals, Delroy Wilson, Bob Marley... Actuaban al menos dos veces por noche por toda la isla y se pasaban el resto del tiempo en el estudio de grabación trabajando para Duke Reid y Coxsone pero también para Prince Búster y otros.

La Nochevieja de 1964 The Skatalies tenían actuación en el club La Parisienne de Kingston pero lo que debía haber sido la celebración del exitoso año que concluía acabó en tragedia. Poco antes de subir al escenario el trombonista Don Drummond en un ataque de ira apuñaló hasta la muerte a su novia Marguerita Manfood que era también vocalista de la banda. Drummond ya había dado anteriormente muestras de inestabilidad. Fue arrestado y algún tiempo después internado en un hospital psiquiátrico. The Skatalites continuaron durante otros 6 meses pero la chispa se estaba perdiendo tras el incidente y en julio de 1965 decidieron parar.

II.
Jackie Mittoo, Roland Alphonso, Johnnie Moore y Lloyd Brevett formaron The Soul Vendors. Tommy McCook por su lado montó The Supersonics que era el grupo del estudio de Treasure Island y Lester Sterling se fue a trabajar con el productor Sir Clancy Collins. Pero la hiperactividad de los estudios jamaicanos hizo que, como ocurrió en sus inicios en el circuito de los hoteles, todos acabaran tocando juntos de nuevo. En 1975 la mayoría de los miembros de The Skatalites tomaron parte en la grabación del disco en solitario de Lloyd Brevet, “African Roots” y en 1977 se edita el álbum “Hot Lava” de Tommy McCook & The Skatalites. El productor Bunny Lee también consigue juntarlos para grabar el álbum The Skatalites with Sly & Robbie & the Taxi Gang”. En 1978 Chris Blackwell de Island Records les convence para que graben nuevo material bajo el nombre de The Skatalites pero las disputas con el magnate británico hicieron que el disco “The Return of the Big Guns” no se publicara hasta 1984.

En 1983 unos reformados The Skatalites actuaron en el Reggae Sunsplash de Montego Bay. El retorno fue tan exitoso que se vieron obligados a ofrecer unos cuantos conciertos más por la isla.

III.
Pero no es hasta 1986 cuando se hace oficial la noticia de que The Skatalites son de nuevo una banda estable que va a actuar en directo de manera regular. Así, fieles a su propia tradición en 1989 estuvieron de gira mundial como backing-band de Bunny Wailer y el siguiente año hicieron lo mismo para Prince Búster. En 1990 hacen su primera gira por EE.UU. como cabeza de cartel. La formación era: Tommy McCook, Roland Alphonso, Johnny Moore, Lloyd Brevett, y Lloyd Knibb (+ Dion Knibb, Devon James y Ken Stewart). Por desgracia Jackie Mitto ya estaba convaleciente de cáncer y murió en diciembre de ese año.

En 1993 se edita “Skavoovee” álbum con material nuevo que tuvo muy buena acogida. El tiempo había hecho que el sonido de la banda retornara a sus raíces jazz pero los jóvenes fans del revivalismo ska que EE.UU. estaba viviendo lo recibieron con entusiasmo. Roland Alphonso retorna definitivamente a la banda en 1994 para grabar el disco de celebración de su 30 aniversario, “Hi Bop Ska” (nominado a los premios Grammy).

En 1995 Tommy McCook sufre un ataque cardiaco que le aparta de los escenarios aunque trabaja como uno más en las sesiones de grabación del álbum de 1996 “Greetings from Skamania” que les supuso una segunda nominación a los Grammy. El gran saxofonista fallecería a los 71 años en mayo del 98.

A finales de 1998 publican “Balls of Fire” álbum en el que repasan muchos de sus grandes éxitos de acuerdo con su nuevo estilo jazz. Por desgracia el 2 de noviembre Roland Alphonso se desvanece durante una actuación, entra en coma y unos días más tarde fallece.

Pero el show debe continuar y The Skatalites siempre han sido una realidad superior a la mera suma de sus miembros. Las giras por todo el mundo continuaron y se complementan con la publicación de nuevo material: “Bashaka” (2000) y grabaciones en vivo como “From Paris Whith Love” (grabado en 2001 y publicado en 2003). En 2004 realizan la gira de celebración de su 40 Aniversario y en 2005 una nueva gira mundial trae como fruto la edición de “The Skatalites In Orbit vol. 1” grabado en directo en Buenos Aires. En 2006 vuelven al estudio y graban 11 temas nuevos que verán la luz en 2007 en el álbum “On the Right Track”.

En la actualidad The Skatalites son: Lloyd Knibb, Lester "Ska" Sterling, Dorren Schaeffer, Andrae Murchison, Cameron Greenlee, Kevin Batchelor, Aurelien Metsch, Azemebo Osikhena y Val Douglas.

Maestros y alumnos.
Segunda ola SKA, Two TONE...
🤍🖤


En directo con Rico Rodríguez otro de los pilares de la historia del Ska📻🎙️

Emmanuel Rodríguez, más conocido como Rico Rodríguez, nació el 17 de octubre de 1934 en la Habana, Cuba. Sin embargo, durante su infancia junto a su familia se mudó a Kingston, Jamaica. Su padre era cubano y su madre jamaiquina.

De pequeño, Rico aprendió a tocar la trompeta y el saxo, pero fue en la escuela Alpha Boys, una escuela especializada en música, donde aprendió a tocar el trombón junto a otros grandes instrumentistas que pasaron por la misma escuela: Tommy Mc Cook, Roland Alphonso y Don Drummond (otro trombonista).

En los años 50, Rico se convierte al movimiento rastafari y a principios de los 60 emigra a Inglaterra. Para ganarse la vida, esos primeros años, trabaja como electricista para British Telecom.

Tal como sucede con muchas otras formas de expresión cultural, la música logra transmitirle a Rico de manera inmediata diferentes sensaciones que otras formas de artes quizás no pudieron. Rico llevaba en sí una amplia gama de estilos musicales basada en sus orígenes, la música cubana con origen europeo y africano, la música jamaicana que es el árbol genealógico del reggae, y de allí el jazz, el ska, el sound system, el rock steady, reggae, dub, entre otras. Fue un trombonista con diversos estilos arraigados y colega de muchos instrumentistas de la época que se dedicaron en tiempo y forma a los placeres de los bronces.

Rico acompañó a Bob Marley en su primera gira europea y así lo explaya años más tarde: «Lo adoro, tanto por lo que significa como inspiración artística como por lo que hizo por mí, personalmente. Bob Marley fue el primer artista jamaiquino que me invitó a salir de gira con él. Siempre me ayudó mucho, y creo que nadie ocupará ese lugar que ocupa él en mi corazón. En el mío, en el de los músicos y en el de la gente de Jamaica.»

Su madre, una mujer humilde Kingston, fue quien inscribió al joven Rico en Alpha Boys. Dirá él años más tarde trayendo este recuerdo: «Éramos muchos músicos y pocos instrumentos; era difícil disponer de uno. Con el tiempo empezó a haber más, pero tenías que arreglártelas con lo que hubiera. Yo toqué el triángulo, por ejemplo, y recién a fines de la década del cuarenta tuve la oportunidad de tocar el trombón».

Rico no tenía noción que al momento de salir de Alpha Boys se convertiría en un artista que sellaría con su imagen y estilo la música durante varias décadas. “La vida era tan difícil”, expresa. “Por eso muchos de mis amigos se rindieron: cuando terminamos la escuela y no había trabajo, las únicas posibilidades para un músico parecían ser la banda del ejército y las orquestas oficiales. Por suerte yo seguí tocando, nunca me rendí, y tuve mi recompensa.”

La recompensa fue haber tocado con The Skatalites, Bob Marley, Lee Perry, The Police, Madness, Specials, Paul Weller. Haber recorrido el mundo con su trombón y convertirse en el instrumentista más prolífico del auténtico reggae de raíces.

You Said "Ramoncin"... remenber(CaricatosIPS)🤭
Pelos de punta, Rico con ese maravilloso trombón de fondo...
A Message to YOU RUDY, en mayúsculas (*)


Pedazo de VÍDEO 🎙️📻

Según el historiador del reggae Steve Barrow, durante aquellas sesiones, Prince Buster pidió al guitarrista Jah Jerry que “cambiara la marcha” (“change the gear, man, change the gear”). El guitarrista empezó a enfatizar el segundo y cuarto pulso, dando origen al nuevo sonido. La percusión se obtuvo de los estilos tradicionales jamaicanos y de marchas. Lo que hizo Prince Buster fue invertir los “shuffles” de “rhythm & blues”, acentuando los “offbeats” con la ayuda de la guitarra y un ritmo de batería 4/4, acentuando el segundo y cuarto pulsos.

Más historia 🇯🇲🤝

Toots and the Maytals es una de esas bandas que quienes siguen el reggae jamaiquino deberían atender a la hora de buscar referentes. Aunque nunca lograron el éxito comercial o el impacto cultural de Bob Marley, The Wailers o Peter Tosh, fueron cruciales en el desarrollo de la línea musical del género. Esa línea que se originó a principios de los 60´s con el ska, que más tarde tuvo vida en el rocksteady y que finalmente se transformó en lo que conocemos como reggae.

Diez años después de su último disco de estudio y liderados por su histórico líder Frederick “Toots” Hibbert, vuelven a las raíces. Lanzaron una versión de “Three Little Birds”, de Bob Marley, con dos invitados de lujo: Ringo Starr y Ziggy Marley. La canción será parte del próximo álbum, Got To Be Though, cuyo lanzamiento será a finales de este mes. La ocasión amerita un recorrido histórico por la historia de la banda y, con ello, la del ska y del reggae.

I´ll never Grow Old (1964)

Hibbert conoció a Henry “Raleigh” Gordon y a Nathaniel “Jerry” Mathias en 1962 Kingston. Esa fue la primera formación de The Maytals como un trío vocal que rápidamente cambiaría de nombre poniendo como protagonista a Toot. El impulsor de este cambio fue Chris Blackwell. El dueño del sello Island Records, un sello clave a la hora de establecer el vínculo musical entre Jamaica e Inglaterra, aconsejó que los vocalistas y los músicos que acompañen las canciones fueran “los Maytals”, algo que fue aceptado sin problemas. La banda que grabó instrumentalmente las canciones fue la reconocida “The Skatalities”, que funcionaba como “backing band” del estudio Studio One (uno de los referentes de la época, manejado por Clement “Coxsone” Dodd). La canción homónima al disco es la primera reconocida de la banda. Su letra que repite “Nunca envejeceré / Porque camino y camino / Y hablo y hablo / Busco hasta que encontré una manera” es un primer manifiesto de lo que acompañará a Los Maytals a través de los años: una búsqueda incesante por propagar los sonidos de la libertad.

54-46 that’s my number (1968-1969)

Es considerada una de las primeras canciones “Reggae” que tuvo éxito fuera de Jamaica. La historia de la canción es bastante particular: nace luego de que Toots fuera arrestado por posesión de marihuana, aunque hay versiones que niegan que él haya sido el verdadero culpable. Lo cierto es que la canción es una verdadera defensa de su inocencia y de la situación que coartó su carrera durante 1966 y 1967.

Do the reggay (1968)

La canción, además de ser uno de sus éxitos más reconocibles, es la primera que incluye la palabra “reggae”. El mismo Toots explica la historia: “Hay una palabra que solíamos utilizar en Jamaica llamada streggae. Si una chica pasa y los chicos la miran y dicen ‘tío, ella es streggae‘, eso significa que no viste bien, que se ve reggay [andrajosa]. Las chicas dirían lo mismo de un hombre también. Esta mañana yo y unos amigos estábamos jugando y yo dije, ‘dale amigo, hagamos el reggay‘. Fue solo algo que me vino a la cabeza. Así que empezamos a cantar ‘do the reggay, do the reggay‘ (haz el reggay, haz el reggay) y creamos un beat. La gente me dijo después que le habíamos dado al sonido ese nombre. Antes de eso la gente lo llamaba blue-beat y de un montón de maneras distintas”.

The harder they come (1972)

La película protagonizada por el legendario Jimmy Cliff representa una interesante manera de dar a conocer el movimiento Reggae a nivel mundial. Nuestros protagonistas aportan dos canciones a la banda de sonido: “Sweet and Dandy” y “Pressure Drop”. También aparecen en algunas escenas.

Funky Kingston (1973)

Otro de los grandes hits de la banda y un manifiesto de lo que era vivir en Jamaica en la época. La letra incluye referencias al sufrimiento de la clase de trabajadora, las dificultades de vivir en el campo y termina con una celebración de la vida más allá los problemas sociales y económicos. También tiene la particularidad de ser una de las pocas canciones de la época que no incluye arreglos pensados para captar la atención internacional, que se había despertado a raíz de la película “The harder…”. Así, funciona como un testimonio de cómo sonaban realmente las bandas en aquel tiempo.

“Pressure Drop” por The Clash (1980)

Entre 1978 y 1980 la banda tiene un interesante protagonismo en una especie de revival del ska, reggae y punk en Inglaterra. Allí, los legendarios “The Specials” realizan un cover de “Monkey Man” en su primer disco. Luego, The Clash hace lo mismo con “Pressure Drop”: primero en la cara de b del single “English Civil War” y luego en un disco de compilados y b-side llamado Black Market Clash en lo que sería una puerta de entrada a la relación entre el punk, el reggae y el ska. En el 2006 Toot explicó el sentido de la canción: “Trata sobre la venganza, pero en forma de karma: si haces cosas malas a personas inocentes, te sucederán cosas malas. El título era una frase que solía decir. Si alguien me hizo mal, en lugar de luchar contra ellos como un guerrero, diría la presión va a caer sobre vos”.

True Love (2004)

Los años ochenta fueron bastante erráticos para la banda. Toot lanzó su carrera solista y quiso entrar al libro de record Guinness como “el grupo que más rápido grabó y editó un álbum”. No lo logró ¡por no haber avisado a la gente responsable de fiscalizar los records! Finalmente, luego de una reunión a principios de los noventas y de recuperar cierta notoriedad, en el 2004 lanzaron un álbum de reversiones con presencias de Bonnie Raitt, Willie Nelson, Eric Clapton, Keith Richards, Trey Anastasio, No Doubt, Ben Harper, the Roots, y Shaggy, que ganó un Grammy en la categoría mejor grupo de Reggae.

Unplugged on Strawberry Hill (2012) / Agresión (2013)

La versión desenchufada de sus canciones fue otros de los momentos interesantes de la última época de la banda, que un año después sufrió una situación inesperada: Hibbert recibió un feroz botellazo desde el público que le causó una conmoción cerebral y desembocó en importante tratamiento mientras actuaba en un festival de Richmond, Virginia, en Estados Unidos. Las secuelas lo tuvieron por tres años con pánico de subir a un escenario y sin presentaciones. Aún hoy lo acompañan: pérdida de memoria, estados de ansiedad extrema y cierto miedo de actuar en público.

Three Little birds (2020)

Luego de diez años sin lanzar discos en estudio este año tan particular es el elegido para traer música nueva y versiones. El nombre del disco y del primer single, “Got To Be Tough”, refleja que aún hoy y después de más de 50 años de carrera las ideas y las acciones de Toots and The Maytals son coherentes: su postura aún está del lado de los desposeídos y de la denuncia de la opresión. Por otro lado, y como un homenaje a aquella historia que ayudó a crear, eligió el clásico de Bob Marley “Three Little Birds”. En la versión participan Ziggy Marley, Ringo Starr, Zak Starkey en la guitarra y Sly Dunbar en batería. El álbum completo se lanzará a través de Trojan Jamaica

🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲
En el ecuador del viaje, recordando en breves la segunda ola del Ska, para pasar después al Reggae y derivados ☀️
Con los últimos Bonus Track...
Se acerca el fin de trayecto 🎸🏴‍☠️🍻
Primera pregunta de qué país son los Specials?
Música "NON" STOP 👈👉

Monkey MAAAAAAAAN!
🤭🎙️🎚️⚽

Después del partido más...


Paso SKA...
💙♥️🏴‍☠️

Anonymous
(@anonymous)
Mito
27/02/2021 9:40 pm
ResponderCitar

Conectando mínimamente antes del repaso de grupos del Two TONE, ☀️🇯🇲🎸Regaee y derivados con las últimas en el punto y aparte 👈🖤🤍👉
Otro de los grandes 🎙️🎚️🏴‍☠️

777 forever...

Desmond Dacres nació el 16 de julio de 1942 en Kingston (Jamaica). Huérfano desde muy pequeño, Desmond se ganaba la vida trabajando como soldador mientras intentaba en vano conseguir una audición con el principal productor del naciente ritmo llamado Ska, Leslie Kong, propietario de Berveley's Records.

Un día, cansado del rechazo diario de Leslie Kong, Desmond irrumpió en su oficina y quedó cara a cara con él y con dos de sus jóvenes estrellas: Jimmy Cliff y Derrick Morgan.

Después de explicarle su frustración al productor, Kong le pidió a Desmond que cantara una de sus canciones. Éste se despachó con una interpretación de "Honour Your Mother and Father" que impresionó tanto a los presentes que Kong aceptó grabarle el tema al joven cantante. La sesión tuvo lugar la semana siguiente y Desmond grabó dos canciones: "Honour Your Mother and Father", cara A del single, y "Madgie" en la cara B. Para el lanzamiento en 1963 del single debut, Desmond reemplazó su apellido Dacres por Dekker.

Inmediatamente el single se convertiría en hit, pero, como ocurría en esa época, Desmond, lejos de convertirse en cantante profesional, repartía su tiempo como soldador mientras grababa hits junto al cuarteto vocal "Four Aces" para Kong. En la primera sesión con los Aces, que incluyó la colaboración de los Maytals en coros, Desmond grabó "King of Ska". Para el 66 la formación de los "Four Aces" se reduciría a dos y el grupo pasaría a llamarse "Desmond Dekker and the Aces", iniciándose uno de los períodos más fructíferos de la historia de la música jamaicana. A finales del 66 graban el himno Rude-Boy por excelencia "007 (Shanty Town)", que fue creciendo lentamente desde el underground jamaicano hasta ocupar el puesto 14 en Inglaterra en julio de 1967.

Asombraba la cantidad de hits que se sucedían: "Mother Young Gal", "Rudy Got Soul", "Rude Boy Train" y "Sabotaje" entre muchos otros. Desmond terminó segundo en la edición del festival de la canción jamaicana del 67 con su tema "Unity", pero al año siguiente se consagraría con el primer puesto de la canción "Intesified". A finales del 68, Desmond lanza "Israelites", un tema que describe la dura vida de un trabajador pobre y que deja asomar el sugimiento de un nuevo ritmo que desplazaría al RockSteady, el Reggae.

El impacto fue aún mayor que el de "007 (Shanty Town)" e "Israelites" ocupó el nº 10 en el top de Estados Unidos, y sacó del primero puesto a Marvin Gaye y su clásico "I Heard it Throght The Graverine"
en Inglaterra. Si no hubiera sido por los Beatles, Desmond hubiera disfrutado más de una semana en lo alto del chart.

Desmond viajó a Inglaterra a promover el single, y ante el éstito de su siguiente tema "It Mek", que alcanzó el puesto nº 7, decide establecerse en Londres, disolviéndose su relación con los Aces.

En agosto del 70, un tema cedido por Jimmy Cliff llevó a Desmond al puesto nº 2 de Inglaterra. "You Can Get it if You Really Want" fue el último gran éxito de Desmond. En 1971 su padre musical, Lelie Kong moriría de un ataque al corazón y eso afectó definitivamente a Dekker como músico. Poco a poco, el nombre de Desmond fue desapareciendo de la escena musical, salvo un fugaz nº 10 en Inglaterra con la reedición de "Israelites" en 1975.

Internacionalmente Desmond también había sido olvidado, pero a finales de los 70 la discográfica británica "2-Tone", responsable del resurgimiento del Ska en Inglaterra, lo rescató del anonimato mostrando interés por su música. Al año siguiente firma para el sello independiente "Stiff Records" (que también era el sello de "Madness") y lanza el disco "Black and Dekker", con reversiones de sus viejos clásicos. En 1984, la corte británica declara la quiebra de Desmond, pero el mítico sello "Trojan" lanza el sensacional compilado "The Original Reggae Hitsound of Desmond Dekker" y de ahí en adelante Desmond mantendría un alto prestigio.

En 1993 graba el disco de reversiones de clásicos del ska jamicano "King of Kings", junto a los "Specials" originales. Desmond fue el primer artista jamaicano en triunfar internacionalmente.


A veces se puede hacer más de lo que quieren hacer⚽🇯🇲

El lunes al fin la tierra prometida.

Raíces🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲🇯🇲
🎙️🎚️🏴‍☠️


🚬🍻🍺

Anonymous
(@anonymous)
Mito
28/02/2021 7:54 pm
ResponderCitar

Anonymous
(@anonymous)
Mito
01/03/2021 8:45 pm
ResponderCitar

Algo después de la explosión punk, el espíritu skinhead resurge de nuevo, tomando fuerza de esta nueva rebeldía, pero conservando sus valores estéticos y culturales aun compartiendo con los punks el enfrentamiento a la autoridad. En el año 1979 se produce un hecho crucial: la TWO TONE. Esta fue una casa de discos que aglutinó a los grupos pioneros y más conocidos del llamado "revival" ska, con la única diferencia de que esta vez los grupos también eran multirraciales. Este revival es ideado por un skinhead, Jerry Dammers que funda los Automatics en 1979. Sin embargo el nombre debe cambiarse por problemas de registro por The Special A.K.A. (Also Known as Automatics) o sea, también conocidos como los Automatics. La fórmula utilizada por Dammers como medio de protesta consistía en un fondo musical de ritmos antillanos, unido a la agresividad verbal punk y a un mensaje directo en las letras. En la 2 TONE nacen también grupos como Madness, The Beat, The Bodysnatchers... por sólo nombrar unos pocos. Los skinheads pronto se agrupan ante los nuevos grupos que tocan su música, y otra antigua corriente renace, también multirracial, en la forma de los nuevos rude boys trajeados. A partir de este momento nació el "ska moderno" o "ska revival", que es el que suelen practicar la mayoría de los grupos desde entonces, aunque últimamente hay mucho interés por recuperar el sonido más antiguo.

Siempre se necesita una aclaración sobre Madness al hablar de la 2Tone. Pese a ser uno de los grupos de ska revival, por no decir el único, que continuamente se relaciona con los cabezas huecas de los neonazis, y que ellos mismos escuchan muchas veces, su propio nombre fue tomado de una clásica canción de Prince Buster, y en su repertorio se pueden encontrar varias versiones más. ¿Cómo se puede ser nazi y gustarte música inventada -y tocada- por negros? Seguramente en esto tenga mucho que ver la historia publicada por Garry Bushell en un periódico sensacionalista británico (incluyendo fotos) acerca de la supuesta amistad de Suggs con nada más y nada menos que Ian Stuart. Suponiendo que aparecer juntos en una foto los convierta en "camaradas", ¿que se puede pensar de las decenas o cientos de fotos de Suggs con miembros de color de otras bandas ?

Muchos boneheads iban a los conciertos de la 2Tone, y algunos grupos se negaron a tocar para la Anti-Nazi League. Pero siempre amparándose en que creían que la mejor manera de luchar contra el racismo era llevar a la gente de todas las razas a una sala a que bailasen bajo la misma música. De esta manera reconocían que en más de una ocasión habían visto entrar a gente con chapas del NF y salir sin ellas después de una conversación con alguno de los miembros de color de los grupos o el público, y preferían hacer cambiar así a su público racista antes que darle motivos para el odio prohibiéndoles la entrada. Es en este contexto en el que hay que interpretar otra polémica frase de Suggs, que dijo que no pensaba hacer nada por impedir la entrada de nazis a sus conciertos.

Para tener una idea de la manipulación que realizó la prensa sobre los skins, llegaron a colocar junto a una foto de The Selecter el titular "No bailes con los sieg-heilers" ¡Y eso que este grupo solo tenía un blanco en toda la formación!

✊💙♥️⚽


🎙️🎚️🚬🍺🏴‍☠️

On My radioooooooooo!


Baby I LOVE YOU♥️

The Selecter fue una de las bandas que protagonizó el fenómeno Two Tone, junto a The Specials, Madness, The Beat, Bad Manners y The Bodysnatchers, principalmente.

Originaria de Coventry, ésta se formó en 1979, como resultado de la suma de diversos músicos que provenían de músicas diferentes: Pauline Black, vocalista anglo-nigeriana, auténtico estandarte del grupo, Neol Davies, guitarra inglés y único miembro blanco de la banda, Charles Bembridge, bajista jamaicano que acabará siendo el batería, Compton Amanor, ghanés, como segundo guitarra, Gaps Hendrickson vocalista nacido en San Cristóbal, Desmond Brown, teclista jamaicano y Charley Anderson, bajista jamaicano. Esta fue la primera formación de un grupo que ha sufrido múltiples transformaciones en sus filas.

Su primer single, grabado en otoño de 1979 para el sello Two Tone de Jerry Dammers, fue On My Radio / Too Much Pressure. En febrero de 1980 sale al mercado su primer Lp, Too Much Pressure, grabado también bajo el sello Two Tone y la discográfica Chrysalis y que llegará a ser disco de oro. A este disco le seguirá una larga gira. Una vez concluida, el grupo comienza a tener cambios de músicos. En febrero de 1981 aparece el segundo Larga Duración del grupo, Celebrate The Bullet, un disco que no cuajará de la misma manera que el primero por varias razones, entre las cuales se encuentra el progresivo alejamiento de la juventud inglesa de los sonidos two-toneros y el acercamiento de ésta a la nueva moda, la New Wave.

En marzo de 1981, la banda se separa. En 1991, coincidiendo con el segundo ¨revival¨ ska, The Selecter vuelven a la carga para realizar una serie de conciertos, aunque de la formación original solo quedarán Pauline Black y Neol Davies. En octubre de 1994 firmarán su tercer Lp, The Happy Album, en el que abandona Neol Davies y regresa Gaps Hendrickson. Un año después publicarán Hairspray. A cada disco le seguirá su correspondiente gira por medio mundo. Finalmente, en 1999 publicarán su, hasta ahora, último disco, Cruel Britannia

Buenos días, tardes, noches...muy moviditas, entre aire, lluvia, nublado y FRÍO 👉🤍🖤⚡🎸🎺⚡📻
Two TONE ☀️
Interludio dos joyitas muy individuales 🤝


Cover ♥️

The Details versus Spencer Davies Group.
🤍🖤


Single de ORO, rara Avis los dos temas.

2 pequeñas licencias, y segunda pregunta.
Que grupo de Tecno- Pop y derivados saldría de este grupo?
Mad World...

Mod and SKA 🇯🇲🚬🍺🏴‍☠️

Dance!!!

Y con un START de platino de nuevo al camino.
🤝🎚️🎙️

Return to The Sender🇯🇲👉

The Specials es una banda británica de ska (más precisamente del estilo que se conoce como 2 Tone) formada en 1977 en Coventry. Junto a Madness es una de las bandas más importantes que haya dado el género.
Empezaron tocando ska, punk y pop, y más tarde fusionaron todos estos estilos, creando un nuevo sonido que fue conocido como 2 Tone. Pertenecientes a la cultura Rude Boy de finales de los 60. Sus temas más conocidos incluyen A Message To You Rudy, Ghost Town (su máximo hit), Too Much Too Young y su debut, Gangsters.
The Specials ha influido a multitud de bandas alrededor del mundo, desde Rancid a No Doubt, pasando por los argentinos Karamelo Santo, Los Fabulosos Cadillacs y Los Pericos. Los miembros originales de la banda fueron Jerry Dammers, Terry Hall, Roddy Radiation, John Bradbury, Sir Horace Gentleman (también conocido como Horace Panter), Lynval Golding y Neville Staples.
Naturalmente al pertenecer al estilo de la música "Ska" tenían una visión antirracista y de unificación por la libertad, haciendo canciones como por ejemplo a Nelson Mandela, quien en ese entonces se encontraba preso

Por mediación de los músicos Mike Barson, Chris Foreman y Lee Thompson, se formó en Londres, en Inglaterra, el grupo “Madness”, en el año 1976. El género musical del grupo es Ska.

Los componentes tocan cada uno de ellos un instrumento, Barson en los teclados y voz, Thompson en el saxofón y coro y Foreman en la guitarra, pero aún se juntarían más adelante otros componentes para completar un grupo muy armónico.

Los componentes que se unieron en el año 1978 fueron Graham McPherson, en los líricos, Daniel Woodgate' en la batería y Mark Bedford, en el bajo. Pocos años más tarde, se unió también Carl Smyth, en la trompeta.

El grupo musical editó su primer sencillo, en vinilo, en el año 1979, con el nombre de “The Prince”, en la cara A. El título de la canción es un tributo a un músico jamaicano llamado Prince Buster, cantante de música ska. Por la cara B, salió la canción con el nombre de “Madness”.

En ese mismo año salió otro sencillo con el título “One Step Beyond”, canción que también era un tributo a The Prince.

Este sencillo estuvo durante más de un año en los primeros lugares de las listas británicas, consiguiendo una buena crítica por parte de la prensa especializada.

Fue tal el éxito de la banda durante el final de la década de los 70 y principios de los 80, que el grupo creó su propio sello discográfico, al que llamarían “Zarjazz Records”.

Madness editó otro sencillo durante esta época, al cual llamaron “House of Fun”, y con el cual consiguieron alcanzar el número uno en ventas en el Reino Unido, manteniéndose en los primeros lugares de las listas europeas y de Estados Unidos.

Este sencillo también sirvió al grupo para aparecer en una serie de la televisión británica BBC, llamada “The Young Ones”, que después se emitiría en la Televisión de Catalunya, en España, con el nombre de “Els Joves”.

Aunque el grupo musical tuvo escasa repercusión en los Estados Unidos, sus videos fueron una referencia para muchos grupos musicales, sobre todo de género Ska.

En el año 1984, Barson deja el grupo para marcharse a vivir a Ámsterdam, aunque “Madness” editó un nuevo título, “Mad Not Mad”, el cual no tuvo demasiada repercusión en las listas británicas.

En el año 1986, y después de lanzar un álbum homónimo de la banda, el grupo decidió separarse.

A principios de la década de los 90, en concreto en el año 1992, se dió la noticia de que el grupo se volvería a juntar con sus siete integrantes originales. Lanzaron en ese mismo año el álbum “Virgin Divine Madness”, el cual fue número uno en ventas en las listas británicas.

El grupo,`para celebrar su vuelta a los escenarios, realizó un concierto en el Madstock en Finsbury Park, delante de más de 75.000 espectadores, donde cantaron la canción “One Step Beyond”.

A partir de ese momento, el grupo musical, prometió que estaría cada dos años en el festival, cosa que cumplieron hasta el año 1998.

A comienzos del siglo XXI, Madness, después de 14 años de existencia, lanza su primer disco de estudio, el cual llevaría el nombre de “Wonderful”.

En el año 2002, se estrenó en las salas de teatro un musical en honor al grupo, la primera representación fue en Cambridge Theatre en West London, la cual se estuvo representando prácticamente durante un año. El espectáculo fue un éxito muy aclamado, hasta tal punto que ganó el premio Olivier Award al mejor musical y posteriormente se realizó una gira con este mismo espectáculo, comenzando por la ciudad de Tokio, en Japón.

En el año 2005, Foreman deja la banda, siendo sustituido por Kevin Burdett.

El grupo Madness siempre ha realizado conciertos en apoyo de causas, como la que realizó a favor de la protección de bosques en el año 2005.

En el año 2007, la banda musical comenzó a realizar una gira por Asia, en concreto por Japón, país hacia el cual, los miembros de Madness, dicen sentir una especial admiración.

El grupo también ha realizado diversas giras por países sudamericanos y por España, habiendo conseguido siempre muy buenas asistencias a sus conciertos.

Madness confirmó el día 5 de marzo del año 2007, que tenia previsto el inminente lanzamiento de su nuevo sencillo “Sorry”.

En el año 2008 y con motivo del 30 cumpleaños desde su primer sencillo, la banda realiza diversas giras y actuaciones, destacando una que realizaron en la calle.

La banda continúa trabajando en nuevos proyectos musicales que pronto verán la luz.

Pantalones holgados
travieso chicos en desagradable escuelas
Los directores rompen todas las reglas
Diversión y jugando a los locos
Rompiendo las herramientas de carpintería
Todos los profesores en el pub
Pasando alrededor del prefrote
Tratando de no pensar en cuándo
La campana a la hora del almuerzo volverá a sonar

Oh, qué divertido nos divertimos
Pero, ¿realmente salió mal
Todo lo que aprendí en la escuela
Fue cómo doblar no romper las reglas
Oh, qué divertido nos divertimos
Pero en ese momento parecía tan malo
Intentando diferentes maneras
Para marcar la diferencia en los días

El director ya ha tenido suficiente hoy
Todos los niños se han ido
Se fue a pelear con la escuela de al lado
Cada término, esa es la regla
Se sienta solo y dobla su bastón
Los mismos traseros de siempre otra vez
Todos los pequeños cuentan historias altas
Caminando a casa y aplastando caracoles

Oh, qué divertido nos divertimos
Pero, ¿realmente salió mal
Todo lo que aprendí en la escuela
Fue cómo doblar no romper las reglas
Oh, qué divertido nos divertimos
Pero en ese momento parecía tan malo
Intentando diferentes maneras
Para marcar la diferencia en los días

Un montón de chicas y un montón de chicos
Mucho olor y mucho ruido
Jugar al fútbol en el parque
Pateando Pushbikes después de la noche
Pantalones holgados, camisa sucia
Tirando del cabello y comiendo suciedad
El maestro viene a romperlo
En la parte trasera del 'ead con una taza de plástico

Oh, qué divertido nos divertimos
Pero, ¿realmente salió mal
Todo lo que aprendí en la escuela
Fue cómo doblar no romper las reglas
Oh, qué divertido nos divertimos
Pero en ese momento parecía tan malo
Intentando diferentes maneras
Para marcar la diferencia en los días

Pantalones holgados, pantalones holgados, pantalones holgados
Pantalones holgados, pantalones holgados, pantalones holgados


Un paso más allá decía...
Cover de Luis Cobos 👈🎷🎷🎷🎷🎷🎷🎷

Aquel único canal 📺


Mañana es otro día, sin duda alguna...

El fin del mundo está cercano...


Con hombres anuncios incluidos 🎚️🎙️🤔

Buster!!!
Buster!!!
La historia es un proceso escrito de interpretación. Un pequeño
vistazo a los archivos del ska muestra que la Diosa de la Historia será
generosa con Bad Manners porque la banda se merece una historia
decente. El primer artículo sobre la historia de Bad Manners espera que
la gente se plantee qué puede añadir o cómo mejorarlo: ¡Adelante, por
favor!

La veterana familia de músicos británicos de ska formada en sus inicios por Buster Bloodvessel, Simon Cuell, Lee Thompson, Richie Downs, Matt Goodwin, Matt Bane, Colin Gram y Russel Wynn actuará en el Rocket Festival después de un largo periodo sin visitar España. Los fanáticos de la mítica banda nacida en la década del setenta BAD MANNERS, son los máximos responsables del 2Tone y del ska revival del 79. Los Bad Manners, creados por el vocalista Douglas Trendle, más conocido como Fatty "Buster" Bloodvessel, orondo skinhead y auténtico hombre-espectáculo en directo, pertenecen a la segunda ola de bandas ska británicas, junto a Madness y The Specials. Después de una parada creativa a mediados de los ochenta, decidieron seguir grabando discos tras cerrar contrato con Moon Ska Records.

En 1980 sacan a la luz su primer single "Ne-Ne Na-Na Na-Na Nu-Nu / Holidays" es todo un himno mundial, poco después editarían su primer Lp "Ska'n'B", título que anticipaba el tipo de música por la que estaban influidos, el ska y el rythm 'n' blues. Después vendría su segundo disco, "Looney Tunes". A partir de este momento las giras por toda Europa serán continuas. En 1981 grabarán su tercer álbum, "Gosh It's", último disco de Bad Manners englobado en el período Two Tone. A partir de este momento, Bad Manners seguirá editando material durante toda la década de los ochenta: "Forging Ahead" (1982), "The Height of Bad Manners" (1983), "Mental Notes" (1985), "Shake a Leg" (1987), "Eat The Beat" (1988), "Return of The Ugly (1989) y ya en los años noventa, "Fat Sound" (1992) y "Don't Knock The Balhead" (1997). Actualmente (2006) Bad Manners sigue dando conciertos, aunque de la formación inicial sólo sobrevive Fatty "Buster" Bloodvessel.


Más que un sentimiento 🍺🏴‍☠️🤝👈


Divertido video de vida y nuevo día al sol 🍻🎷

Ska a ritmo de Ácid😃SMILE...

The Beat NOW!!!

En la época de la new wave existió en el Reino Unido un grupo de artistas que crearon, sin perder en sus textos lugar para el comentario social y político, movidos ritmos inspirados por el ska jamaicano, al que impregnaban de pop y punk.

Así, al estilo de los Specials, The Selecter o los Madness, se formó en el año 1979 en la ciudad inglesa de Birmingham el grupo The Beat, un conjunto compuesto por el cantante y guitarrista Dave Wakeling (nacido el 19 de febrero de 1956), el cantante Ranking Roger (Roger Charlery, nacido el 21 de febrero de 1963), el guitarrista Andy Cox (nacido el 25 de enero de 1956), el bajista Dave “Shuffle” Steele (nacido el 8 de septiembre de 1960), el batería Everett Moreton (nacido el 5 de abril de 1951) y el saxofonista jamaicano Saxa (nacido el 5 de enero de 1930), todo un veterano del estilo en su isla natal que se llamaba realmente Lionel Martin.

Se hacían llamar simplemente The Beat, pero para evitar confusiones con la banda angelina de Paul Collins, adoptaron posteriormente lo de English en los Estados Unidos.
Debutaron en el sello 2-Tone con una versión del “Tears Of a Clown” de Smokey Robinson & The Miracles, para poco tiempo después crear su propia compañía discográfica, Go-Feet Records, en donde aparecieron temas como “Mirror In The Bathroom”, “Twist And Crawl” o “Hands Off She’s Mine”, que se convirtieron en triunfos comerciales incluidos en su LP debut, el mejor trabajo de la banda, “I Just Can’t Stop It” (1980), un disco producido por Bob Sargeant en el que sonaban, con chispeantes músicas propicias al baile, sus referencias ska, pop, punk, soul y reggae.

En el álbum incluyeron adaptaciones de Prince Buster, con “Rough Rider”, tema compuesto por Eddie Grant en su etapa 60s de los Equals, y también una versión de “Can’t Get Used To Losing You”, escrita por la importante pareja de compositores Doc Pomus/Mort Shuman e interpretada previamente por gente como Andy Williams, Paul Anka o Amen Corner.
“Stand Down Margaret” ejemplificaba bien las tendencias sociales y políticas de la banda.

El segundo disco del grupo, “Wha’ppen” (1981), resultó inferior a su debut, recuperando la buena forma con “Special Beat Service” (1982), LP que hace sonar canciones como “Save It For Later” o “I Confess”.
Este álbum sería su último trabajo antes de la ruptura del grupo en 1983 a causa de problemas internos y disensiones musicales.

Posteriormente, Cox y Steel consiguieron el éxito con la banda pop Fine Young Cannibals, de gran éxito comercial en Europa en la parte final de los años 80, mientras que Wakeling y Roger también tuvieron su momento de gloria con General Public.
Wakeling también grabó en solitario un LP llamado “No Warning” (1991).

En el año 2000 se editó un recopilatorio titulado “Beat This: The Best Of The Beat” (2000).

Saxa murió el 3 de mayo del año 2017.
87 años.
Ranking Roger falleció, tras padecer cáncer, el 26 de marzo del año 2019.
Tenía 56 años.

Cinco apuntes Ska de la PIEL de 🎸🥁🎧🐃

Para mañana si estamos vivos tras la que está cayendo.
😷🧻💩
😎🎚️🎙️

Oi!!!
Adelante ✊
Mañana ya veremos 👍

Anonymous
(@anonymous)
Mito
02/03/2021 12:45 pm
ResponderCitar

Tercera pregunta, de dónde son Kortatu ✊🎸🏴‍☠️🍺???

Quizás no sea exagerado decir que Kortatu fue una de las bandas imprescindibles en el panorama del Rock Radical Vasco de los 80. Aunque, como muchos otros grupos, manifestaron no sentirse excesivamente contentos con semejante etiqueta, su incondicional compromiso político con la causa nacionalista vasca, su aparentemente inagotable energía que les llevó a participar con su música casi en cualquier sitio desde el que les llamasen, les convirtieron en uno de los motores de todo aquel movimiento. Así describía Fermín Muguruza, cantante y guitarra del grupo, aquellos días: “..estábamos organizados. Era todo muy punk pero también muy radical. Ahora falta un poco esa (sic) ansia de sentirse libres, entonces no. Estábamos todos los grupos en contacto siempre; pasaba cualquier cosa y estábamos como una piña; en ese sentido también fue un movimiento real”.

El entramado de asociaciones, movilizaciones, gatztetxes, centros sociales llegó a ser de tal densidad que, tal y como describe Roberto Moso, cantante de Zarama y cronista de excepción de aquellos días, en su libro “Flores en la Basura” (Colección Zirkus, 2003), para muchos grupos llegó a ser complicado atender a todas las peticiones que recibían para actuar. Actuaciones que por otro lado suponían, no ya no cobrar nada, sino un desembolso económico por parte de las propias bandas. Llegó incluso un momento en el que casi todos se vieron obligados a tener que elegir entre las diferentes invitaciones recibidas, con los consiguientes problemas que eso acarreaba. Con todo, de algún modo, Kortatu estaba en absolutamente casi todos los lados, se involucraban en todas las protestas. El sentimiento de pertenencia a un movimiento, no sólo musical, sino social, la concepción del punk, no como una mera estética, sino una filosofía y compromiso, están detrás de semejante derroche dinámico. Por algo se les ha denominado en más de una ocasión un fenómeno sociológico.

Componente fundamental y distintiva de la música de Kortatu, fue su impronta política. Su visión personal del panorama en el Euskadi de los 80 constituía la temática, especialmente en sus últimos discos, sobre la que componían sus letras. Se decía de los Clash que bastaba leer la primera página de los periódicos para saber de qué iban a ir sus canciones. Algo similar ocurría con los de Irún. No tuvieron problema alguno en denunciar las muertes de integrantes de ETA a manos de policía nacional o del GAL, criticar pactos de gobierno en el parlamento vasco, burlarse de medidas represivas de los Ministerios del Interior socialistas... Kortatu (como luego haría Fermín en los proyectos que pone en marcha mucho después) lucha rabiosamente, no por convencerte con su mensaje u opinión, sino en disponer de entera libertad para ponerla delante de las narices del que los escucha.

Los orígenes del grupo se remontan a la vuelta de Fermín de Salamanca tras cursar estudios de Pedagogía, Filosofía y Sociología (carreras que por entonces compartían los tres primeros años). Durante ese tiempo ha estado en contacto con su hermano Íñigo Muguruza, que como él se ha comprado una guitarra y con el que se intercambia toda la música que escucha y los esbozos de canciones con las que empezar un posible grupo. Por otro lado, las escapadas a casa de Fermín, que vivía en la capital charra con gente de Mondragón, cada vez que podía a ver los conciertos de los grupos que empezaban a despuntar aquella época, alimentan las ilusiones de los hermanos de hacer algo juntos. Ilusiones que se materializan en 1984, fecha en la que vuelve Fermín e Íñigo decide dejar sus estudios de Periodismo para así poder formar Kortatu. Fermín a la guitarra y voz, Íñigo al bajo y Mattin a la batería conforman el trío. Este último, pasado apenas un año y tras participar en la grabación de las primeras maquetas, deja el grupo para irse a Inglaterra. En su sustitución, y para quedarse hasta la disolución final del grupo, entrará Treku Armendariz.

Varias son las hipótesis que han circulado acerca del origen del nombre del grupo. Se ha dicho que proviene del apodo (Korta) utilizado por un militante de ETA muerto a tiros por la policía. Así lo decía Fermín en una entrevista para la televisión francesa. Pero de igual forma también llegaron a hablar de una foto que vieron en un periódico de un korrikolari (corredor de fondo) de Legorreta, que respondía a dicho nombre porque el caserío en el que vivía se llamaba así.

La andadura del grupo comienza con los tres temas que graban en los estudios Tsunami para el recopilatorio “Kortatu, Cicatriz, Jotakie y Kontuz Hi!” (Soñua, 1985), el famoso "disco de los cuatro", que comparten, como presentación en sociedad con otras tres bandas; entre ellas, Cicatriz, que terminarían por convertirse años después en banda de referencia de todo aquel movimiento. Los temas con los que participa Kortatu son tres píldoras ska: "Nicaragua sandinista", "Manolo Rastamán (el último ska)" y "Mierda de ciudad", que es una versión del "Drinkin' and driving" de The Bussines. A diferencia de la letra original, que venía a ser una burla contra una campaña del gobierno inglés para evitar la conducción en estado de embriaguez, Kortatu lo convierte en un himno contra el aburrimiento que provoca la continua pérdida de tiempo del día a día en un medio urbano amuermante.

Soñua, el sello con el que se graba el recopilatorio, parece ver posibilidades en el grupo y le ofrece la grabación de un LP en solitario. Kortatu coincide entonces en una compañía fundamental en el devenir de esos años con bandas como Barricada, La Polla Records, los propio Cicatriz... El disco en cuestión "Kortatu" (Soñua, 1985), que salió a la venta en octubre, resulta todo un acierto. Un puñado de grandes canciones de lo que ellos mismos definieron como ska-hardcore, punk-rock. Una combinación justa entre irreverencia, diversión y compromiso político lo hacen un disco fundamental de esos primeros años. Aizkolari en la portada, pequeñas dosis de trikititxas y un par de temas completamente en euskera se encargan de poner la denominación de origen.

Uno de los temas más celebrados de ese disco, "Sarri, sarri", se compuso para celebrar la fuga de dos presos etarras de la cárcel Martutene escondidos en los altavoces de Imanol, tras el concierto que dió el cantautor allí. Es una versión, personal y enérgica de "Chatty Chatty" de Toot and the Maytals. La banda hizo incluso un video, que salió un mes antes que el LP, en el que incondicionales bailan el ska acelerado de la canción en el estrecho pasillo que deja la barra de un bar. Los Refrescos compusieron su "Aquí no hay playa" con la misma línea de bajo. Contaba Fermín en una entrevista que ésta no fue la única coincidencia, ya que la marca de chicles Boomer, tras recibir la negativa de la banda para cederles la canción para una campaña promocional, compusieron una especie de plagio.

La banda se recorre prácticamente todo el País Vasco en una infinidad de conciertos, ganando una popularidad que no les abandonará nunca. Copan los primeros puestos (como mejor grupo vasco del 1985, a "Kortatu" mejor disco de ese año, Iñigo mejor bajista) en la mayoría de las encuestas hechas en la prensa vasca. De la mano de compañeros de "escudería" comienza a extender la geografía de sus actuaciones: con La Polla Records va a Galicia, junto a ellos y Cicatriz tocan en Zeleste en Barcelona, y con Barricada visita Madrid. Es precisamente de este concierto, en la sala En Vivo de la que tanto Fermín como Iñigo, en entrevistas por separado, hablan con cierto sarcasmo. Aparentemente la mayor parte del público, compuesto sobre todo por seguidores de heavy-metal, estuvo dándoles la espalda durante toda la actuación en protesta, cuestiones estilísticas aparte, por las canciones en euskera.

Llegan incluso a tocar en Suiza; en 1986, unos meses antes de la salida al mercado de su maxi "A la Calle" (Soñua, 1986). El disco, aperitivo previo al segundo larga duración de la banda, es un auténtico canto a la lucha callejera; desde la propia portada además, que presenta a jóvenes en actitud de kale borroka. Contiene tres temas, recuperados sólo para completar reediciones de otros discos, que lo hacen casi de adquisición obligada: "Hay algo aquí que va mal", que es versión de "Doesn't make it alright", tema de The Specials, pero que Kortatu parece oir de Stiff Little Fingers; "A la calle", quizás el mejor de los tres, y una versión dub del "Desmond Tutu" que se incluía en el disco "Kortatu" como protesta a la concesión del premio Nobel al obispo surafricano, que tiene mucho de pionera en estas latitudes.

En septiembre de 1986 graban y editan su segundo trabajo, "El Estado de las Cosas" (Soñua, 1986). Queriendo huir del éxito que les ha aportado los temas más irreverentes, dan una vuelta de tuerca a las letras de sus canciones, apuntando a la guerra sucia del GAL, la necesidad de seguir la lucha ("En cualquier adoquín está la primera línea", "Deja de beber tanta cerveza y lucha")... Con "Jaungoikoa eta lege zarra" parecen querer dar la razón a aquellos que dijeron ver en temas del disco anterior como "Tolosa, inauteriak" adaptaciones a registros punk acelerados de música de raíz vasca. Musicalmente, resulta imposible no rendirse a semejante derroche de energía.

Tan sólo un mes después de la salida al mercado, Kortatu vuelve de gira por Europa: Suiza, Alemania y Holanda. 1987 no supone ningún respiro para la banda, van a Italia, Francia, de nuevo a Alemania, e incluso a Polonia. Precisamente, como testimonio de esta visita, existe grabación de la entrevista que el grupo concedió a la televisión de dicho pais. En la misma, jugando a "niños terribles", sobre todo Fermin e Iñigo, ponen en dificultades a la esforzada traductora, que se ve obligada a traducir al polaco alguna que otra barbaridad. Para finalizar y ante los ruegos de los presentadores, los tres terminan cantando el "Eusko Gudariak" y apuntan las primeras frases del "Gure olentzero", canción de navidad infantil.

Tal y como habían anunciado casi desde sus principios, el grupo afronta la grabación de un disco cantando completamente en euskera. Los hermanos Muguruza no lo hablaban y, para acometer la empresa, tuvieron que dedicar su tiempo a estudiarlo. Con todo, y con alguna ayuda externa, sacan al mercado el tercer larga duración "Kolpez Kolpe" (Oihuka, 1988). En el que para muchos es el mejor disco de la banda, Kortatu depliega un sonido duro, dentro de un amplio espectro de posibilidades que incluyen incluso apuntes de hip-hop, anuncio quizás del que sería el proyecto que los Muguruza desplegaráin en el futuro con Negu Gorriak. Aportan la versión de un tema de M-Ak, el grupo en el que milita Kaki Arkarazo, productor junto a la banda del disco y dueño de los estudios Iz donde se graba. Kaki pasará incluso a empuñar con los de Irún la guitarra en el siguiente disco, la grabación en directo de su último concierto.

"Azken Guda Dantza" (Oihuka, 1988), fue el concierto número 280 de la banda, el último que dieron, la danza de guerra que bailaron en el pabellón Anaitasuna de Pamplona. Y para su despedida, Kortatu se descuelga con una grabación en directo espectacular. Inusual para la época y el género. Mereció una historieta completa del dibujante Azagra, soporte gráfico del espíritu punk de los 80. El público entregado se lanzó además a festejar la ocasión con todo tipo de proclamas en favor de la independencia para el País Vasco, la agrupación de presos políticos y demás. En concreto, los gritos en favor de ETA durante la canción "Aizkolari" quedaron ocultos en la edición en vinilo doble de Oihuka, pero no así en la que sacó en CD Esan Ozenki. El cuadernillo interior, en venganza con la censura aplicada entonces, desvela la identidad del androide que incluía en "El Estado de las Cosas": el rey Juan Carlos I.

La decisión de poner fin al grupo nada tiene que ver con lo que apuntaban algunas leyendas urbanas, que colocaban a alguno de sus miembros peleando con la guerrilla nicaragüense. Fermín descartó este tipo de historias indicando sobre todo la necesidad de empezar de cero con un grupo que cantara exclusivamente en euskera. Apuntaba la necesidad de tener total autogestión, pero sobre todo “necesitábamos un descanso de unos cuatro años, habíamos hecho casi trescientos conciertos y encima teníamos un nivel de popularidad altísimo y decidimos parar. Y cada uno se fue por su lado”. Todavía hay gente que me pregunta a ver porque nos separamos y yo ya ni me acuerdo. Aunque fueron cuatro años reales, para mí fueron diez, y de ello responde mi cabeza y mi estado físico.” Fermín entró en radio Egin, con un magazine (“Igo bolumena! -¡Sube el Volumen!")-, pero tardó poco en poner en funcionamiento, junto a Iñigo y Kaki, otro grupo con el que marcaría el devenir de la música vasca de los últimos 80: Negu Gorriak. Treku, tras grabar baterías con Les Mecaniciens, grupo en el que figura Jabier Muguruza, volvió a su trabajo de antes, “de papeleo en las aduanas” e Iñigo se enroló rápido en Delirium Tremens.

Antes de la despedida total, eso sí, publican "A Frontline Compilation" (Oihuka, 1988), que salió inicialmente sólo en el extranjero, pero que Oihuka rescató para el mercado estatal. Decisión, por otro lado, que no contó con todo el apoyo del propio grupo ("Se decidió publicar en el extranjero y ahora sale aquí. Han tenido el mal gusto de no avisarnos. Si lo hablan seguramente no hubiera pasado nada, pero ...”). Pruebas adicionales del tirón que tiene Kortatu por el resto de Europa son las reediciones de LP y sencillos en compañías como Red Rhinos (para el mercado británico), Organik (en Suiza) y Bondage International (para el mercado francés).

Kortatu constituyen, en definiitiva, una pieza angular del punk-rock vasco, hasta el punto que se haría duro concebir toda la onda sísmica generada en Euskadi en los años 80 sin su participación. Durante los no más de cuatro años de existencia mostraron una coherencia envidiable con su visión de la sociedad vasca de aquellos años, con la frialdad justa además para terminar cuando y cómo quisieron.


Más Plástic con muchos decibelios 🎚️🎙️🏴‍☠️🍺

Recién llegado del servicio militar, Carlos Treviño -Fray- decide ponerse manos a la obra y comienza a buscar a un "batería suicida" que le acompañe a él y a sus amigos Maciá y Xavier Vilaró, que tocan la guitarra, en su intento de formar una banda. Al anuncio ofreciendo el puesto, responde Miguel Alférez, que tocaba en una banda pachanguera. El puesto es suyo, y finalmente el del bajo será para su hermano Manuel Alférez -Manolo-, músico también en el mismo grupo que Miguel. Aunque en un principio funcionaron bajo el nombre de dB -abreviatura de decibelio- terminarán decantándose por el nombre completo. Pocos meses después, Maciá se va, dejando el grupo. Decibelios comienza su andadura como cuarteto, formado por Fray, Xavi, Miguel y Manolo.

El primer concierto de la banda tiene lugar el 13 de abril de 1980 en un pub del Prat de Llobregat llamado Negrito. En sus comienzos, el sonido de la banda, autodenominado por ellos mismos como "rock putrefacto", tenía mucho de rock duro impregnado de aires punk. Para sus actuaciones hacen uso de disfraces, pelucas y todo tipo de atuendos posibles. En un esfuerzo por impactar en la audiencia, no dudan en utilizar vísceras, carne cruda de animales y herramientas variadas como motosierras, extintores, televisores etc. Muchos medios los llegaron a tildar de repugnantes. En cualquier caso, la banda, aun reconociendo lo duro de su apuesta, aclaró en más de una ocasión, para evitar que las exageraciones se tomasen por ciertas, que nunca se llegó a matar a ningún animal.

A pesar del recelo que levanta este tipo de actitud, Decibelios consigue un número razonable de bolos por la escena barcelonesa, hasta que llega la posibilidad de grabar su primer sencillo con el madrileño sello discográfico DRO. El acuerdo entre la banda y la compañía en la que milita lo más granado de los grupos que conforman el ambiente musical del Madrid de los 80 resulta posible principalmente por la buena química que se establece entre Servando Carballar, el responsable de DRO y Miguel, encargado, dentro de la filosofía de autogestión mantenida por la banda, de las labores de promoción y contratación. El resultado es el primer vinilo de la banda, el sencillo "Paletas Putrefactos" (DRO, 1982), título con el que recogen dos de los aspectos principales con los que el grupo pretende identificarse en esta primera etapa: su condición y origen obrero, trabajadores de extracción humilde y el carácter provocador, repulsivo y escabroso que caracterizan sus letras y actuaciones. El sonido del grupo, todavía en estado de gestación, da claros síntomas sin embargo, de toda la rabia que pueden llegar a transmitir.

Al debut discográfico sigue la salida del grupo de Xavi, aparentemente motivada por la poca gracia que le hacía a su novia la participación de éste en un proyecto como Decibelios. Su despedida se produjo tras el concierto que dio la banda como teloneros de Dr.Feelgood en la plaza de toros Monumental de Barcelona. Será sustituido por Manel Domènech, que había tocado ya en diversos combos punk de Barcelona.

En febrero del 1983, la banda vuelve a grabar un nuevo sencillo "Paletas... y Bolingas" (DRO, 1983). Para la ocasión se desplazan a Madrid, y como relata Fray en la carta incluida en la biografía del grupo escrita por Carles Viñas "Botas y Tirantes: Una Historia de Decibelios" (Street Music Publishing, 2008), la experiencia incluyó más actividades aparte de la estrictamente musical: "La verdad es que pasamos los días de los estudios Track yendo al bar y del bar a los estudios, por lo menos recorrimos treinta bares diferentes. El diploma de bolinga se lo llevó el Manel, que casi rompe un tabique de la pensión de un cabezazo debido a que perdió su centro de gravedad al intentar ir al váter a mear. No veas la cara que pusieron los del estudio cuando nos vieron entrar con los instrumentos y una caja de treinta cervezas". La incorporación de Manel al grupo, amén de para disputar los primeros puestos en las competiciones internas para determinar al mejor bebedor, supone un importante empujón en el cambio de rumbo experimentado en el estilo de la banda. Su experiencia resultó vital para la incorporación de registros ska en el espectro musical de la formación.

Quien también entró a formar parte de la plantilla del grupo fue Boris Porter. Por 1982 tocaba en Ultratruita y tras coincidir en conciertos con los miembros de Decibelios, le proponen tocar el saxo en su segundo sencillo. A partir de entonces, su presencia en discos y conciertos le valieron la condición de un componente más de la banda.

Y es que desde este segundo trabajo, Decibelios se orienta por canciones de combate, que destilan rabia y amenaza de acción directa, de violencia callejera. Se encargarán de transmitir la llama encendida por las bandas inglesas oi! surgidas al amparo de la explosión punk vivida desde finales de los 70. De hecho, la banda puede considerarse como pionera y máximo exponente de este estilo, no sólo en Cataluña, sino en el resto del estado. Tal y como relata Carles Viñas en su biografía, a principios de los 80, no era exagerado afirmar que el censo de skinheads en la ciudad condal se reducía, casi exclusivamente a Fray y a Enric -Quique- Gallart, quien fuera con posterioridad cantante de Skatalá. Fue precisamente con la consolidación de Decibelios y del referente que supusieron, cuando empezó a surgir una auténtica escena skin, formada por chavales que vieron en la mezcla de los sonidos combativos del sonido oi! y una personal lectura del ska, la forma ideal con la que canalizar su rabia y frustración. Cabezas rapadas, botas, tirantes y cazadoras bomber comenzaron a ser componentes habituales en la estética recién importada desde Inglaterra por los seguidores de la banda.

La banda graba entonces "Caldo de Pollo" (DRO, 1984), un larga duración que cabría catalogar, aun a riesgo de exagerar, como auténtico hito en el punk-oi! estatal. Un trabajo pionero, en el que se recoge por vez primera, toda la intensidad y rabia que hasta entonces sólo había sido posible escuchar en los vinilos de 4-Skins, Blitz, Cockney Rejects, Sham 69 y demás combos británicos. El disco contenía balazos varios mezclados con ska, una adaptación de "La muerte tenía un precio" y una versión de un tema de Angelic Upstarts. La presentación del disco tiene lugar el 22 de septiembre en la sala Zeleste de Barcelona. Como sencillo, un pildorazo con el tema del larga duración con mayor capacidad para dejar a uno petrificado, "Matar o Morir" (DRO, 1984).

Precisamente y relacionado con el tema de dicho sencillo está la conexión que la banda tuvo con IV Reich de Zaragoza, y más directamente con Isa, su batería y Juanra, el bajista que perdiera la vida en lo que realizaba el servicio militar. A él le dedicaron la canción "Matar o morir". Además en junio de 1984 acudirían a un concierto celebrado en la capital maña donde también tocarían IV Reich, Golden Zippers, Vómito Social (banda de la misma Zaragoza que no hay que confundir con la de Irún que se llamaría posteriormente Vómito), Shit S.A. y Kangrena.

Llegan a tocar en el mítico Rockola de Madrid, y en algunas de los conciertos que dan en el País Vasco coinciden con La Polla Records y Eskorbuto. En sucesivas visitas a tierras vascas llegarían a tocar también con Kortatu y M.C.D. La conexión de Decibelios con la banda de Bilbao se intensificó a raíz de la relación que en su etapa en Barcelona tuvo Loles Vázquez (Vulpess), hermana de Niko, Bernardo y Karmelo (integrantes y mánager de M.C.D., respectivamente) con Manel. De hecho este último llegó a tocar en algún concierto con ellos por el País Vasco.

El siguiente disco, publicado un año después, "Oi!" (DRO, 1985), con tan sólo nueve temas, los confirma como banda puntera del género. Concebido por la banda como un modo de "romper un poco con la historia de 'Caldo de Pollo'", apuntala sin embargo los logros del primero. No tiene un momento de desperdicio, y como versión, en esta ocasión, la banda incluye un tema de 4-Skins. Zeleste fue de nuevo la sala elegida para su presentación en directo. Como promoción sale el sencillo "Ningún Nombre de Mujer" (DRO, 1985), una de las mejores canciones compuestas por el grupo. Fue precisamente con un videoclip de esta canción con la que aparecieron en el programa de "La Bola de Cristal" (TVE). Realizado en tono burlesco, presentaba a la banda emparejando a Fray con una vaca a las puertas de lo que parece un cementerio. La participación en otro programa de televisión, "Auanbabuluba-Balam-Bambú" (TVE), dirigido por Carlos Tena, recoge un momento anecdótico, cuando Decibelios interpreta junto al mismísimo Servando Carballar, sin la cobertura de sus trabajadores especializados, una versión de "Monkey man", tema habitual del repertorio de The Specials. Cuestiones estilísticas aparte, la buena relación con el responsable de DRO fue una constante que perduró hasta la grabación del que sería el último disco de Decibelios.

El tercer disco de larga duración constituye una verdadera ruptura con el estilo duro desplegado en los trabajos anteriores. Preguntados por su entonces recién estrenada "Vacaciones en el Prat" (DRO, 1986), la banda manifestaba "ya nos habíamos comprometido bastante. Y aparte de esa dureza o la denuncia que podía contener creíamos que también debía ser divertido y tener bastante coña". Y desde luego lo intentaron desde la misma portada. Nadie diría a partir de la foto de los integrantes del grupo simulando su llegada a una playa, que se trata de los mismos que perpetraron el derroche de rabia, ira y energía reflejado un par de años antes. La banda sigue dedicando parte de sus esfuerzos a críticas varias e incluso se permite ramalazos como los de antaño, pero efectivamente el tono violento ha dejado paso, bien a un palpable ambiente de juerga o incluso a cierto aire entrañable para hablar de su barrio, del lugar donde iniciaron su carrera, o su pertenencia a los bares. La nota negativa del disco la puso la inclusión del tema "Estos macarrones aún no están hechos", versión del tema "Angelitos negros". Grabada como resultado de una propuesta hecha a la banda en el programa de Carlos Tena, hizo que la banda fuese demandada por los familiares de Manuel Álvarez Maciste, autor de la música original. Como resultado, se condenó al pago de una fuerte multa, costeada por el grupo y la compañía DRO, y a destruir las copias que incluyesen la canción, por lo que el disco tuvo que ser reeditado de nuevo sin ésta.

A pesar de la crítica contenida en "Achuntament", el tema en catalán del disco anterior, consiguen, mediante constantes presiones en la concejalía correspondiente, un concierto en la Plaza de Catalunya del Prat de Llobregat, para presentar el nuevo álbum. La banda compartió el escenario con Shit S.A., también de Barcelona, en una actuación en la que dicha plaza se llenó hasta rebosar. El grupo tiene ya para entonces cierta experiencia en lo referente al ejercicio de medidas de presión para poder tocar en directo: trataron de irrumpir, sin conseguirlo, cargados con sus instrumentos, en el concierto que daba la Orquesta Mondragón en las fiestas patronales de la ciudad, llegaron a tocar en mitad de la Gran Vía barcelonesa sin permiso alguno...

El tono de burla del disco continúa en muchas de sus apariciones, que a veces encuentran a la banda actuando en programas de televisión impensables en el principio de su carrera. Un ejemplo es probablemente la representación en play-back de su tema "Camaleón" en una cadena autonómica. En la misma ponen en práctica, ante una audiencia que difícilmente puede llegar a captarla, la que parece una broma privada suya consistente en el intercambio de papeles: Miguel, pelo teñido de platino, y que llega a marcarse unos pasos de baile agarrado a una señora del público entrada en años y kilos, hace las veces de falso cantante, Fray y Manolo simulan la sección de vientos. Muchos de sus seguidores no entienden el cambio de rumbo emprendido por el grupo y Decibelios se ven en la tesitura de tener que aclarar una y otra vez en distintos medios que la banda no se ha vendido a nadie ni a nada para hacerse más comercial. En cualquier caso, sí reconocen haber abandonado el lenguaje crudo, de la calle, con el que se expresaban en sus primeros discos.

Junto con este larga duración, Decibelios publica dos sencillos "Sangre Dorada" (DRO, 1986) y "Vacaciones en el Prat" (DRO, 1986). En el primero de ellos, auténtica oda a la cerveza, utilizan para su portada, el logo de la cerveza Estrella Dorada, de la casa Damm. La compañía cervecera, encantados con semejante publicidad, les ofrecerá la posibilidad de grabar el correspondiente videoclip promocional en sus fábricas. Para la ocasión, los miembros de la banda, en traje como ejecutivos de la marca, simulan guiar una visita por las dependencias de la misma.

Pero los verdaderos problemas de Decibelios con sus seguidores estallan un año después, en 1987, cuando el grupo decide acometer la grabación del que luego sería su disco en directo "Vivo's 88" (DRO, 1988). Para la ocasión, se elige la sala Zeleste. El día del concierto empezó con muy malas premoniciones. Por un lado, aparecieron pintadas en contra de la banda en las proximidades del recinto. Además, un aviso de bomba obliga a una inspección minuciosa del lugar. Solucionados estos contratiempos y algunos ajustes con respecto a la iluminación, llega el momento de la gran cita. Y al poco de comenzar la banda a tocar, y a pesar de las rigurosas medidas de seguridad impuestas para el acceso a la sala, una treintena de jóvenes, aparentemente pertenecientes a las Brigadas Blanquiazules del equipo de fútbol del Espanyol, se hacen con el protagonismo desde las primeras filas. Una de las fotos recogida en la biografía de Carles Viñas sobre el grupo muestra bien a las claras cómo el público abre un claro en la sala para desmarcarse de los bárbaros que pretender reventar el acto. Y de hecho consiguen que los numerosos medios de comunicación presentes para cubrir el evento atiendan mucho más a los desmanes que a lo Alex y sus drugos está causando el grupo de extrema derecha. El grupo hace caso omiso de las provocaciones y sigue tocando hasta concluir la grabación de los temas previstos.

Y es que, junto a la escena que se ha ido formando alrededor de Decibelios desde sus comienzos, y atraídos por sus provocativas proclamas de violencia callejera, aparecen elementos de tendencias filonazis, prestos a buscar en el grupo la banda sonora alentadora de su conducta agresora. Mucho se ha discutido acerca de la posible ideología de la banda. Son pocos los que cuestionan la veracidad de lo manifestado por todos ellos en numerosas ocasiones de una total ausencia de afinidad política por corriente alguna. En ese sentido, el caso de Decibelios nada tiene que ver con el de otras bandas del panorama skin británico, por ejemplo, que se colocaron sin pudor alguno en la vertiente más rabiosamente politizada hacia la margen derecha del espectro político: Skrewdriver, que tras su refundación en los 80 se dedicaría a veleidades acerca de la pureza étnica; Last Resort, con discos llenos de Union Jacks (la bandera británica) y cánticos de exaltación al nacionalismo inglés; Condemned 84, que cantaban contra los agresores que vienen a quitarles sus tierras... nada de esto se puede encontrar en la propuesta de Decibelios. Las críticas más encendidas contra el grupo sin embargo están dirigidas contra la aparente permisividad con las demostraciones como las vividas en el concierto de la sala Zeleste.

No fue ésa la única vez en la que el grupo desaprovechó la oportunidad de desmarcarse o condenar in situ el apoyo de este sector de sus seguidores. Dos años antes por ejemplo, durante el concierto dado en la barcelonesa sala Nekronomikon, ante la irrupción en el escenario de uno de estos ultras, Fray no reacciona, y de hecho, sigue cantando con la bandera que le da éste.

Tampoco ayudó en nada a calmar posibles suspicacias lo confuso de las aparentes provocaciones lanzadas por Fray. En concreto, las banderas españolas de la camiseta que lució en el vídeo de la canción "Botas y tirantes" para la película "Gritos a Ritmo Fuerte" (José María Nunes, 1984) o del vídeo "Oi!, oi!, oi!" en su local de ensayo, y en especial la camiseta con motivo del European Tour de Adolf Hitler, causaron estupefacción en gran parte de los seguidores de la banda. Esta camiseta, utilizada en sesiones fotográficas de promoción, incluía a modo de broma macabra, la relación de países conquistados por el ejército nazi durante la Segunda Guerra Mundial con la fecha de la ocupación, de igual forma que los grupos musicales especifican el nombre de las ciudades o países visitados en sus giras. Países que no llegaron a caer bajo el yugo alemán, como Inglaterra o la extinta URSS aparecían como fechas "canceladas" en el tour del dictador. Si bien dicha prenda no es producto exclusivo de tiendas de tendencias filo-nazis, no es descabellado que su utilización por parte de una banda skinhead lleve, cuando menos, a levantar sospechas acerca de las tendencias políticas de la misma. Sobre el grupo empieza a planear el espectro del final al que se vieron abocados bandas como Sham 69, Cockney Rejects o incluso los mismos 4-Skins, que fagocitados por la fracción racista más extrema del movimiento skin, vieron como les llegó a resultar imposible actuar en directo sin que se produjesen disturbios.

La fractura abierta entre el grupo y una gran masa de seguidores es cada vez mayor. Unos, decepcionados por su poca firmeza en alejar incómodos compañeros de viaje, otros por su presunta frivolidad para dejar atrás la contundencia y energía desplegada en sus primeros trabajos y algunos pocos por no encontrar en ellos los referentes políticos extremos que quisieron leer en su actitud violenta, parecen dar la espalda a Decibelios.

Repuestos a duras penas de las adversidades surgidas tras la grabación de "Vivo's 88", vuelven a la carga incorporando a un nuevo guitarra, Antoni Hernández -Tony-, que aporta una imagen mucho más rockera. Y es que su nuevo trabajo "Con el Tiempo y una Caña" (Twins, 1989), grabado con una nueva compañía tras dejar a DRO, a la que la banda acusó de poco apoyo en la convulsión que siguió a los incidentes del directo en Zeleste, es una nueva vuelta de tuerca en su evolución musical. Grabado con un productor impensable años atrás, el mítico Rosendo, el disco presenta a Decibelios en su versión más cercana al rock duro, guitarrero, leñero.

A finales de 1989, Manel deja el grupo al no poder compaginar su actividad en Decibelios con la nueva formación con la que colabora: Las Flores del Mal. Será sustituido por David Ocaña. La banda, tras la pobre acogida que ha recibido su último trabajo, entra en un período de inactividad, y salvo un par de apariciones en televisión, apenas se prodigan en directo. Su último concierto, en febrero de 1990, quiso ser un homenaje a los diez años de vida del grupo. El evento, para el que se llama a Manel, "chocó contra un muro de frialdad" tal y como recoge la crónica del Periódico de Catalunya. Los intentos de resucitar la banda en 1995 no funcionaron, y desde entonces, salvo la publicación de una serie de directos y recopilatorios no hubo señales de vida de los Decibelios en su versión original.

Sin duda, resultaba triste final para una banda vital en el panorama punk y oi! nacional. Su reconocimiento internacional del grupo ha sido importante. Sus primeros trabajos han sido reeditados en Francia, Argentina o Alemania. Hubo incluso un intento, con la banda todavía en activo, de publicar algún trabajo en Inglaterra, que no llegó a fructificar por falta de empeño propio.

Sin embargo en 2013, David y los hermanos Alférez participan en el proyecto Subtrabelios, formado junto a Morfi (La Banda Trapera del Río) y Boliche (Subterranean Kids) que es quien se encarga de la batería. El supergrupo, en el que Miguel comparte con Morfi las labores de voz principal, da una serie de conciertos con un repertorio formado por temas de los tres grupos implicados. La participación de los componentes de Decibelios sirve de rodaje, ya que junto a Fray, deciden resucitar al grupo.

Se programa la gira "¡A Por Ellos! 2014" que arranca con la presentación ante una audiencia reducida con amplia presencia de medios en la sala El Monasterio de Barcelona el 24 de julio. Fray, interlocutor de la banda con el exterior, se muestra rotundo a la hora de desmarcarse de cualquier intento de posicionar a Decibelios con la derecha y de hecho, radicaliza el discurso antisistema denunciando la corrupción de una clase política que en cambio da vía libre a los bancos para desahuciar familias.

Decibelios visitaría Bilbao el 15 de noviembre donde tocaría con Suspenders, San Sebastián de los Reyes (Madrid) el 22 de noviembre junto a Proyecto Kostradamus y volvería a Barcelona donde el éxito de venta de entradas le obliga a un doble pase, 6 y 7 de diciembre compartiendo escenario con Malas Cartas. La banda aprovechó para reencontrarse con un público que llenó los conciertos y supo sobreponerse a los contratiempos surgidos en Madrid con cambio de sala y amenaza de suspensión horas antes de tocar. Repasaron toda la discografía y primaron la presencia de un trío de viento, en el que estaba su inseparable Boris. Conscientes de la importancia de que todo transcurriera bien en su reaparición ante el público, Fray agradecía en la capital el comportamiento de una audiencia que superaba con creces el aforo permitido de la sala Charango de San Sebastián de los Reyes, sin olvidar a la hora de acompañar temas como "Oi! Oi!" las llamadas a la unidad entre todas las tribus urbanas en su lucha contra el sistema.

Aceptan entonces la oferta de Malicia Records, filial de VomitoPunkRecords para material de bandas que no sean de los 80, de editar un sencillo para vender durante los conciertos. Antes de ponerse en la carretera, en septiembre, entran en el estudio Cal Jaume para registrar dos temas: "Barna 92" y "Voca de Dios" que conformarán el vinilo "¡A Por Ellos! 2014" (Malicia, 2014). La elección de sólo un par de canciones no resultó tan difícil como cabría esperar de un grupo con repertorio tan extenso como Decibelios. "Fue bastante unánime, se propusieron esas dos y hubo consenso", nos cuenta Miguel. Tampoco cree que respondiera a un intento de evitar los temas más combativos: "No, no ha sido nuestra intención, los temas combativos siempre están presentes y es un sello de identidad de Decibelios", y de hecho en sus conciertos se tocaron prácticamente todos. "Matar o morir", por ejemplo, sirvió como excusa en Bilbao para invitar a Mamen de Vulpess y a Manolo (La UVI) en Madrid para acompañar al grupo sobre el escenario. El sencillo supuso una oportunidad de escuchar a Decibelios en su vuelta además de los escenarios, como adelanto del CD/DVD de la gira que el grupo firmó con Maldito Records.

Decibelios OI!!!
👈🤝👉

Fiel compañera, haga frío o calor...


📻⚡

Sección de viento SKALITICA TOTAL 😎🎺🎷

Potato RULA O QUE???


No se entera la Clase Obrera desde Gasteiz al resto del mundo ✊🤔

Adivina, adivinanza: ¿qué cumple en Gasteiz y en este 2014 treinta años “on the road” y no tenía todavía su propio espacio en este blog de Vitoria? Pues muy fácil: Potato. La de grandes momentos que hemos vivido con este grupo genuinamente gasteiztarra, maestro del reggae en Euskal Herria y autor de estrofas tan brillantes como “capital artificial de un país singular” al referirse en la mítica “Rula” a nuestra ciudad. Disfrutamos con algunas anécdotas y varios de los grandes éxitos de…

Potato, en 1985. La foto pertenece a la página potatobanda.com/wordpress
Potato, en 1985. La foto pertenece a la página potatobanda.com/wordpress

Potato: el eco del reggae y el ska, en Vitoria
Antes de nada, algunos datos sobre el grupo:

¿Cuándo y dónde nació Potato? En septiembre de 1984 y en Vitoria. En Nochevieja de aquel mismo año ofreció su primer concierto.

¿Cuántos discos han sacado a la calle? Nueve, estos de aquí:

Potato & Tijuana in Blue (Oihuka, 1986). Por cierto, qué grandes eran también Tijuana in Blue :-).
Punky, Reggae, Party (Oihuka, 1987).
Erre que erre (Oihuka, 1990).
Crónicas de puerto sin más (Oihuka, 1993).
Plántala (Oihuka, 1995).
PKO original (Gazteizko Langabetuen Asanblada, 1997).
Directo, directo (Soviet Records, 1999).
Como en sueños (Maldito Records, 2003).
Potato en Fueros (Aianai Kultur Elkartea, 2007)

¿Quiénes fundaron Potato? Juan Borikó, también conocido como Johnny Brusco, y Pedro Espinosa, “Aianai”. Juan falleció en 2006. Pedro, además de cantante del grupo, es escritor y periodista, habitual colaborador en prensa, radio y televisión. Es autor de diversos libros relacionados con la historia del rock vasco; firma, junto a la también excomponente de Potato Elena López, un libro sobre los Hertzainak -otros que seguro tendrán aquí su propio post más pronto que tarde- que se puede considerar como el definitivo de esta otra mítica banda. Pako Pko, además, es el único que ha estado durante todos estos años en Potato (aunque hay alguna que otra polémica en torno a ello, todo hay que decirlo).

Algunos hitos de los inicios de Potato (ah, aquellos dorados ochenta):

– Nace, como ha quedado dicho, en septiembre de 1984.
– Nochevieja de 1984: dan su primer concierto.
– Agosto de 1985: los miembros del grupo se van hasta Jamaica.
– Diciembre de 1985: junto a Hertzainak y Kortatu, organizan, en Lekeitio, el primer Festival Tropikal de Euskadi.
– Primavera de 1986: actúan en Bilbao, ante más de 10.000 personas.

Rula firme y adelante, acojonante video, con estructuración compacta de todo el grupo y la marchante sección de viento, el mensaje no cambia ✊⚡🎚️🎙️🏴‍☠️🍺
Dos recuerdos vibrantes MÁS.
MAQUINA en marcha hacia la última estación de Jamaica 🇯🇲🚬 con Regaee y derivados Bonus Track del final...


🤍🖤👌

Bartolino el fugitivo 📻


Siempre...
🎸

Vacilón 🏴‍☠️⚽💙♥️✊


Next Station🎧

Iruña Underground:
Skalariak es una formacion skatalitica que surge en Iruñea – Pamplona (Esukal Herria) a finales de 1994 porque, en aquel entonces, no habia en la ciudad ninguna banda de ese genero (ska) y sus mentores, los hermanos Juantxo y Peio Skalari (skinheads casi todos), se morían de ganas de bailar ska. De todas formas, no será hasta la primavera de 1995 cuando comiencen a dar que hablar; la discográfica mas importante Ska a nivel mundial (Moon Ska Records, NYC) produjo un compilatorio internacional en el que incluia lo que fue la primera grabacion de Skalariak.
En Junio del ’97 registraron para GOR Records su primer trabajo con la produccion de Marino Goñil y grabado en los estudios Sonido XXI de Esparza de Galar (Navarra) bajo la direccio tecnica de los hermanos San Martin. Pero antes de eso ya estuvo sonando su single “O, neurre erri”, que vió la luz en Mayo ’97 y que fue uno de los temas mas bailados del verano allí. Fue utilizado como sintonia en un programa festivo de la television vasca (ETB), y ademas otro tema, “Jaia” (Fiesta), fue de lo mas sonado de cara a las famosas fiestas de San Fermin. Asi, el Cd fue escuchado a lo largo y ancho del estado español en cualquier ambito skatilico, reproducido en multitud de radios y tambien televisiones (ETB, Canal 4…). Por la prensa fué considerado el mejor disco de ska del año ’97, y la revista independiente “Bad” lo consideró el quinto mejor disco del año ’97.
En el ’98 Skalariak rompió fronteras, y Francia e Italia (gira de 10 dias) probaron el directo arrebatador de esta banda de ocho musicos, y su aceptacion en paises como Mexico, Puerto Rico, USA, Argentina, Venezuela.. comenzó a ser buena en el cada vez mas crecido, circulo del Ska.
Ahora, con su segundo album, “Klub Ska” (1999 Gor Discos), Skalariak se ha consolidado como una de las bandas mas potentes de la musica alternativa estatal, estando presente en los festivales mas importantes, presentando su disco en Madrid, Barcerlona, Galicia, Pais Vasco, etc.. y apareciendo regularmente tanto en medios televisivos, radiofónicos, como en la prensa escrita.
Desde el auténtico Ska de los 60 hasta el rapido Ska de los 90 pasando por el reggae y con algun toque punk, Skalariak ha conseguido abrirse paso poco a poco como banda internacional (en menos de 2 años ha ofrecido cerca de 100 conciertos). Y es que el ska abre fronteras y conquista las culturas mas diversas; asi es el ska y asi es Skalariak, conformada actualmente por: Juantxo Skalari en la voz, Peio Skalari en batería, Javier Etxeberría en la guitarra, Luisillo Kalandraka en el bajo, Mario Memola en el saxo y Hiart Leitza en el teclado, mas el apoyo de Kike en el trombón y Ernesto en la trompeta.
Skalariak tambien tiene un zine llamado Skalari Rude Club, fanzine con noticias sobre el ska en general...
Recuerdos 🤔

Iruña- Barcelona🇯🇲🤍🖤✊🎸

⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽🏴‍☠️🇯🇲🍺🎙️🎚️🚬

Don't Stop Croasant and Café con Leche In Square MAYOR!!!


TOKIO SKA PARADISE🇯🇲✊🎸🥁🎺🎷

El ska es un género que se ha masificado en Japón. No es una nueva tendencia, es un ritmo que llegó a la isla con los sonidos del reggae jamaiquino a comienzos de los años 80, no por la puerta grande del streaming y las masivas reproducciones, sino en una escena underground lo suficientemente grande para animar a jóvenes japoneses a interesarse en bandas como Skatalites.

Así comenzó la historia de Tokyo Ska Paradise Orchestra, o por lo menos la de sus integrantes, con los sonidos caribeños que poco a poco, como ellos han señalado, los fueron juntando como los siete guerreros samuráis: interesados por los mismos sonidos, la música los fue uniendo. Comenzaron siendo más de diez músicos que vieron en los vientos el camino para experimentar con sonidos de Occidente.

La música de los Skarapa, como también se conoce a la Tokyo Ska Paradise Orchestra, es una mezcla de ska, jazz y rock que ha ido evolucionando con los años. Así como al iniciar su carrera se vieron influenciados por figuras como los británicos The Specials y bandas orientales que también experimentaban con el ska, como Determination y The Ska Flames, con el paso del tiempo han aprendido a admirar a los Fabulosos Cadillacs y a los Auténticos Decadentes.

Su historia comenzó a finales de los 80. Con un sonido establecido publicaron Xmonster Rock, una de las canciones con las que hicieron sus primeros toques sobre el escenario del Budokan en Tokio, donde se catapultaban los más reconocidos artistas de la escena underground oriental.

Así se comenzaron a hacer reconocidos. A pesar de que no eran los primeros en experimentar con el género, sus canciones instrumentales enfocadas en la potencia de los vientos hicieron que en sus primeros años tuvieran más de 12 éxitos en su país. Ya para ese momento no hacían música que pocos escuchaban; hacían canciones que se convirtieron en influencia para muchos otros músicos que se han formado a lo largo de estos últimos 30 años.

La experimentación los llevó a consolidar un sonido propio y un gran número de producciones en las que comenzaron a incluir letras en japonés y en inglés, interpretadas por ellos y con artistas locales en colaboración. Así aterrizaron en Glastonbury y en el Montreaux Jazz Festival, entre otros festivales de Europa que les dieron nuevos matices, algunos más enfocados en el jazz, como Perfect Future, y otros más experimentales, como Stroke of Fate, en el que se incluyeron guitarras con un toque español.

El éxito llegó con la tragedia. En menos de cuatro años murieron dos de los integrantes originales de la banda. Primero fue Cleanhead Gimura, el frontman y uno de los miembros fundadores, quien padecía de un cáncer cerebral, y posteriormente el baterista Tatsuyuki Aoki, quien murió en un accidente ferroviario.

Por ello, la década de los 90 marcó un cambio para la banda, tanto en su estructura como en su sonido. Aparecieron canciones más cercanas al pop japonés, así como su acercamiento a Occidente se comenzó a consolidar.

Con Paradise Blue marcaron un regreso a los primeros sonidos que produjeron en la década de los 80 y con esta estructura llegaron en 2011 a Brasil y luego a México, donde participaron en el Vive Latino. De allí salieron temas como Brazil y Aranjuez, en los que la bossa nova, la samba y las rancheras mexicanas aparecen fusionadas con el ska, pero es sólo hasta su más reciente disco, Paradise Has No Border, en que las voces latinas y en español comienzan a aparecer.

Además de canciones instrumentales, como la que da nombre al disco, hay temas interpretados por artistas japoneses como Takuma y Ken Yokoyama, y otros latinos. Los Fabulosos Cadillacs, los Auténticos Decadentes e Inspector, de México, le dan al disco todo el toque latino del ska regional. Así llegaron por primera vez el año pasado de gira por la región.

El Espectador en video:
En Colombia se presentaron junto a Los Elefantes en un concierto de homenaje al ska. La curiosidad se centró en que fueran japoneses los que estuvieran en tarima tocando un ritmo que no les es propio y que terminó haciendo bailar a más de uno.

Luego de esa gira llegaron nuevas colaboraciones. Manifestaron en entrevistas por la región su satisfacción de estar cerca de los Auténticos Decadentes, así como de otras figuras representativas del género. En su paso por el país reconocieron su gusto por Bomba Estéreo y mostraron su interés por hacer colaboraciones con ellos.

“Para nosotros ha sido muy importante fortalecer nuestra relación con Latinoamérica y con su música, y qué mejor que colaborar con sus artistas más representativos. Queremos crear algo totalmente nuevo, algo que jamás se haya creado antes con artistas latinoamericanos”, aseguraron en entrevista con Radiónica en su primera visita.

Luego de esto, Nargo (Kimoyoshi Nagoya), Masahiko Kitahara, Gamo, Atsushi Yanaka, Tsuyoski Kawakami, Takashi Kato, Yuichi Oki, Hajime Oumori, Kinichi Motegi y Tatsuyuki Hiyamuta, los siete integrantes de la banda, han hecho más colaboraciones en la región. Recientemente hicieron parte del primer álbum de iLe, la hermana de Residente y Visitante, que hacía las voces femeninas de Calle 13, en el que hicieron una versión de Te quiero con bugalú.

A Rock al Parque llegan por primera vez con el compromiso de hacer un recorrido por sus más de 30 años de música. Si bien Paradise has no border es su primer ingreso en Latinoamérica y los sonidos en español, su evolución ha sido parte importante para entender la música que se hace y llega desde uno de los países más lejanos de Oriente.

En la década del 60, la voz de Ikuo Abo, un japonés que interpretaba tangos en español a la perfección sin saber hablar la lengua, conmocionó a los argentinos. Hoy, siendo el k-pop y el j-pop los más próximos acercamientos a la música de Oriente, termina haciendo de Tokyo Ska Paradise Orchestra tanto un ejemplo de que los sonidos del mundo son cada vez más locales como de que la música es un idioma que une y permite mezclar diferentes culturas.

En su paso por la región, los Skapara han dicho que, al igual que Abo, se han visto influenciados por el tango. Un ejemplo es Uradorino Futari (Una pareja en el callejón), que hicieron inspirados en Astor Piazzolla.

Su principal meta ahora es seguir experimentando con los sonidos de la región y entrar en la escena local. “La felicidad no tiene barreras, ni lengua, ni país, ni cultura, ni sexo: la música es ese lugar. Todos podemos estar unidos a este lugar en Colombia”, aseguraron en su anterior visita al país...

Arround The WORLD!


🇯🇲👉😎👈

Página 5 / 6
Compartir: