Calatayud-San Roque-2005.
Barricada tras el concierto.
Recuerdos, pitón y mucho más.
Acerca de la Eterna revolución que no llega alargando la fatídica agonia, y de paso dando los buenos días, tardes y próximas frías y muy (gélidas) noches...
Uno de los grupos putativos del Brit-Pop, en su caso serían los que dieron melodías y letras ✊🎤🎸✊
https://youtu.be/DlP15po1QZ0
En cambio estos fueron los que dieron en su momento la imagen, fuerza contestataria y la energía a sus futuribles vástagos desde las tierras del GOD SAVE THE QUEEN🏴☠️💣⚡🥂🍾
Lo mejor para este 2021 con increíbles canciones llenas de gamberrismo, melodías y diversos mensajes; empezamos (a ver si rompe el maleficio de los tan esperados títulos).
👍🤔🤭☝️
De tal palo tal astilla ✊🍻🍺
Ladys and
gentleman!!!
Los hermanos Gallagher!!!
Oasis👊❄️🌡️🏔️🔥⛱️
Si se considera en la actualidad el grunge como la última gran revolución de la música, el britpop podría considerarse como la última gran contrarrevolución. El britpop fue la respuesta británica al dominio de bandas noise, proponiendo en lo estilístico una vuelta a ritmos más indie, con melodías más sencillas de herencia pop y que cantaban otras frustraciones juveniles con un aire menos crudo.
Origen del Britpop.
En la denominación está la evidencia de que se trata no solo de un estilo surgido de bandas británicas de nacimiento, sino de bandas que pretendían ensalzar la herencia británica de la música. Esta respuesta se ha considerado como una reacción al dominio de la música americana, del grunge, o de estilos donde la distorsión era protagonista en los primeros años de los 90. Así, aparece una escena musical muy localizada y deseosa de diferenciarse. Se recuperan sonidos de los 60 y 70 de la llamada Invasión británica como The Beatles, The Who, The Kinks, Small Faces, o The Rolling Stones.
De los años 80 se puede señalar una clara referencia en la estrella fugaz de The Smiths y la fuerza arrolladora de sus letras, riffs y estética pop alternativa. A caballo entre los 80 y 90, el sonido Manchester sería otra de las grandes influencias del britpop, en este giro del rock alternativo hacia sonidos más psicodélicos y electrónicos brillaron bandas como The Charlatans, Inspiral Carpets, Happy Mondays o The Stone Roses, la piedra angular que termina de encajar las piezas de los años 90 del Britpop.
Algunos señalan la desaparición de The Stone Roses como uno de los traumas que mejor ilustran la posterior explosión del pop británico. Con uno de los mejores álbumes debut de la historia, los de Manchester desaparecieron del mapa por problemas con la discográfica, ese vacío lo llenaron bandas americanas y grunge que no hicieron más que acentuar esa especie de orfandad musical británica y un creciente sentimiento patriótico. Años más tarde, un puñado de bandas britpop conquistaron el mundo enarbolando banderas Union Jack 👍tocando My generation.
Más allá de esta simple generalización hubo, por supuesto, quienes participaron de manera más o menos sutil de este nervio patriótico y quienes no lo hicieron en absoluto, pero lo que sí que es cierto es que, en términos musicales, la contrarrevolución del pop británico no pudo tener más éxito.
Estilo musical del pop británico de los 90
En el brit pop se recuperaron las melodías suaves y poperas de los años 60 propias del Mersey Beat, personificadas en la enorme presencia de The Beatles y la invasión británica. Sumada a esa recuperación, en parte musical y en parte espiritual, se incorporaron los sedimentos musicales que se habían ido acumulando en las tres últimas décadas en la música británica, con diferentes equilibrios en cada banda.
Podemos encontrar elementos rítmicos del indie pop de los 80, del punk rock inglés más suave como The Jam, pasando por la incorporación de sonidos electrónicos, sintetizadores, algunos tintes psicodélicos propios de la escena Madchester. La personalidad del frontman en las bandas britpop es vital en muchos grupos, así tenemos a Jarvis Cocker en Pulp, Brett Anderson en Suede, Damon Albarn en Blur, o Liam Gallagher en Oasis.
Las letras del britpop no pueden ser más heterogéneas, se pueden encontrar desde letras comprometidas en la herencia del punk más combativo, pasando por cuentos hedonistas sobre cigarrillos, cocaína y rock and roll, historias de amor imposibles, hasta jugueteos casi ridículos sobre fiestas en la playa de Ibiza.
Bandas de Britpop
Se han denominado clásicamente bandas de britpop a Pulp, Suede, Elastica, Supergrass, Oasis, Blur, Ocean Colour Scene, Cast, Dodgy, Mansun, The Verve, o Manic street preachers por mencionar algunas. Todas ellas, claro está, con diferentes enfoques, historia, y desarrollo musical. Como muchas escenas musicales, las fronteras no están definidas del todo, así también se incluyen en la órbita del britpop algunos discos de artistas tan diversos como Radiohead o Morrisey.
La batalla del Britpop
Durante el apogeo de la escena britpop tuvo lugar lo que los medios denominaron la batalla del Britpop. Esta consistió en el lanzamiento simultáneo de dos singles el 14 de Agosto de 1995: Country House de Blur, y Roll With It de Oasis. La prensa anunció el combate con carteles de boxeo, ¿quién vendería más? Ambos grupos habían tenido sus roces con anterioridad, se retrasaron lanzamientos para que coincidieran las fechas y la prensa estaba como loca por inflar la épica de un duelo musical. Así se creó el globo de la batalla del britpop. El resultado: Blur vendió más.
Merece la pena señalar lo artificial de una batalla donde se enfrentan bandas de dimensiones tan diferentes como Blur y Oasis (casi ninguna de las dos se ajustan estrictamente al cánon purista britpop), pero que ha supuesto un evento histórico tan subrayado, que uno no puede más que rendirse al éxito de creación de hype.
Álbumes para conocer el Britpop
Aquí está una propuesta de alguno de los mejores discos de britpop de los años 90, una propuesta para escuchar varias bandas, influencias y una invitación al debate, por qué no:
Suede – Suede
Elastica – Elastica
His N Hers – Pulp
Different Class – Pulp
Definitely Maybe – Oasis
(What’s the Story) Morning Glory? – Oasis
Parklife – Blur
Urban Hymns – The Verve
Grand Prix – Teenage Fanclub
Tellin’ Stories – The Charlatans
I should coco – Supergrass
Abuelito dime tú
Volviendo al Manchester City Sound🤲
Una de las principales bandas inglesas de los años 90.
Nutridos por la música de finales de los años 60 y comienzos de los 70 (la mejor y más imaginativa etapa del rock), el grupo de Manchester liderado por los hermanos Noel y Liam Gallagher sintetizó sus referencias melómanas: psicodelia, glam rock, pub rock, pop, hard rock… en una serie de disfrutables LPs, discos que, aunque derivativos, contienen algunas de las mejores composiciones surgidas en el Reino Unido de la época que devolvieron los sonidos de guitarra al primer plano de la música británica, retomando músicas de bandas pretéritas como The Stone Roses o The Smiths, y rindiendo pleitesía constante a nombres ineludibles de la historia del rock, Neil Young, T. Rex, The Rolling Stones y, sobre todo, su mayor ascendencia compositiva, The Beatles.
La banda tiene su origen en un grupo denominado The Rain formado por varios compañeros de instituto.
Su cantante era Liam Gallagher (nacido el 21 de septiembre de 1972 en Longsight, Manchester), el guitarrista era Paul “Bonehead” Arthurs, el bajista Paul “Guigsy” McGuigan y el batería Tony McCarroll.
En su formación original estuvo también el vocalista Chris Hutton, quien fue expulsado poco tiempo después de su creación por incompatibilidad de gustos musicales.
El hermano mayor de Liam, Noel Gallagher (nacido el 29 de mayo de 1967 en Longsight, Manchester), ejerció de roadie del grupo de Manchester, Inspiral Carpets.
Ambos se habían aficionado a la música a causa de la melomanía de su padre Thomas, un amante de los sonidos tradicionales, en especial del country & western, afición que cultivaba trabajando como disc jockey.
Su madre, llamada Peggy, fue la que compró la primera guitarra a Noel, instrumento con el que intentaba remedar sus composiciones favoritas en compañía de su hermano mayor, Paul, al mismo tiempo que comenzaba a escribir sus primeros temas.
Cuando fue tentado por Liam para unirse a The Rain, Noel solamente requirió como condición sine qua non que el grupo aceptase su papel de líder compositivo.
Cuando el cuarteto accedió a esta exigencia, Noel se incorporó a The Rain, banda que unos meses antes había cambiado su nombre por el de Oasis, el nombre del local en el que los Beatles habían actuado por primera vez en Manchester el 2 de febrero de 1962.
Después de actuar en varios clubes mancunianos, entre ellos el Manchester Boardwalk, Oasis consiguieron firmar en 1994 con Creation Records tras llamar la atención de Alan McGee, quien había quedado prendado de varias demos y de sus actuaciones en el local de Glasgow King Tut’s Wah Wah Club.
Su primer sencillo fue “Supersonic” (número 31 en Gran Bretaña), una de las mejores composiciones producidas por el propio grupo y Mark Coyle.
Este single fue recibido con júbilo por la prensa musical inglesa, al igual que lo siguientes “Shakemaker” (número 11), tema con ‘rip-off’ de los New Seekers, “Live Forever” (número 10) y “Cigarettes & Alcohol” (número 7).
El último single contenía también una versión en directo del “I Am The Walrus” de los Beatles.
Estos tres temas se encuentran en su LP debut, probablemente su mejor trabajo y el de mayor calado rock de su discografía.
“Definitely Maybe” (1994), producido por Oasis, Mark Coyle, David Batchelor y Owen Morris, recibió excelentes críticas y cosechó enormes ventas.
Once enérgicos cortes dominados por un insistente, estriado muro de guitarras, melodías de factura beatleniana, estribillos memorables, trazos lisérgicos conteniendo las mejores letras de su carrera, iterativa vocalidad de Liam Gallagher a lo John Lennon en tonalidad agriada e influencias primordiales de los Fab Four, T. Rex, Stones y Neil Young.
Junto a los singles, destacan temas como “Rock’n’Roll Star”, “Up In The Sky”, “Slide Away” o la sensacional “Columbia”, corte con una intro de quejumbrosas guitarras que recuerda el “Tomorrow Never Knows” de los Beatles desarrollada con un sucio, potente, plañidero fondo instrumental de carácter psicodélico en base a una melodía que machaca un sencillo texto de contemplación introspectiva.
Este adictivo tema alcanza un excitante clímax sónico de enrarecida distorsión terminado con una repetición mantra: “yeah, yeah, yeah”.
A finales del año 1994 el grupo editó un single no aparecido en el LP, “Whatever”, canción ornamentada con las cuerdas de la London Session Orchestra que alcanzó el puesto 3 en los charts británicos.
Un año después de la publicación del álbum, Oasis comenzaron a promocionarse con mayor ahínco en los Estados Unidos, logrando salir del anonimato en el país del Tío Sam con “Supersonic” (número 11 en el Billboard) y, sobre todo, “Live Forever” (número 2).
La aparición de Oasis coincidió con el surgimiento de un extenso número de bandas agrupadas por la prensa inglesa con el nombre de brit-pop, grupos que recuperaban los sonidos clásicos de las grandes estrellas del pop y el rock británico de los años 60 y 70: garage rock, psicodelia, glam rock, power pop, new wave…
Con una de ellas, Blur, los hermanos Gallagher, en especial el combativo e irritable Liam, remedando las maneras y poses más ariscas de sus ídolos, mantuvieron un enfrentamiento dialéctico durante los años de mayor auge del movimiento musical inglés, que incluía a significativos nombres como Elastica, Suede o Pulp.
El gran momento a nivel internacional de Oasis llegó con su segundo LP “(What’s The Story) Morning Glory?” (1995), un álbum de menor estridencia que el anterior y mayor concesión pop presentado por el bolaniano single “Some Might Say”, canción que alcanzó por primera vez en su carrera el número 1 en formato single en el Reino Unido.
Incluye también himnos rockeros como “Roll With It” (número 2), “Hey Now” o la vibrante “Morning Glory”, además de medios tiempos y baladas de estimable calado emocional e inspiración Beatles como “Don’t Look Back In Anger” (número 1), “Cast No Shadow”, “Champagne Supernova” (con guitarra y coros de Paul Weller) o “Wonderwall” (número 2 en el Reino Unido y número 1 en el Billboard), un tema de corte acústico que les consagró en todo el mundo y cuyo título estaba tomado del LP de George Harrison “Wonderwall Music”, banda sonora de un film de los años 60 titulado “Wonderwall”.
El single “Don’t Look Back In Anger” incluyó una versión del tema “Cum On Feel The Noize”, conocida canción del grupo glam Slade.
En el álbum, co-producido por Owen Morris y número 1 en Gran Bretaña y 4 en los Estados Unidos, aparecía el nuevo batería, Alan “Whitey” White, quien había reemplazado a Tony McCaroll.
Este último había abandonado el grupo tras conflictos con Liam, quien con su carácter arrogante y egocéntrico se erigió en el nuevo joven airado de las radiofórmulas, apareciendo continuamente como protagonista de distintos altercados y autoproclamándose de manera fatua como la mejor banda del mundo.
La influencia de los Beatles era clara en los temas de Oasis.
El amor de los hermanos Gallagher por su música (Noel: “Son simplemente los mejores compositores que ha habido. Así de claro.”) fue también uno de sus grandes hándicaps.
Mientras el grupo de Liverpool sorprendía con cada LP, los detractores de la banda de Manchester se apoyan en su falta de originalidad y su reiterativa sonoridad, herencia en gran medida de los Fab Four.
Su tercer y esperado álbum, “Be Here Now” (1997), nombre derivado de una respuesta de John Lennon cuando le preguntaron sobre el significado de la música rock’n’roll, prorrogó su sonido y su alternancia entre baladas marca de la casa y temas de fibroso rock.
Acusados de repetitivos por parte de los sectores más miméticos de la crítica, el disco, co-producido por Owen Morris, es, sin embargo, otro estimable prontuario pop-rock que muestra el talento compositivo de Noel Gallagher en base a sus referentes clásicos, tratado con una labor en producción y arreglos más limpios y ostentosos que en sus trabajos previos, marcados primariamente por el desaliño y la espontaneidad sonora.
Los singles “D’You know what I Mean?” (número 1), con versión del “Heroes” de David Bowie, “Stand By Me” (número 2) y “All Around The World” (número 1), con una adaptación del “Street Fighting Man” de los Rolling Stones, junto a temas como “My Big Mouth”, “Don’t Go Away” y “Magic Pie”, son los mejores cortes de un LP muy maltratado por algunos sectores inconformistas con el escaso avance sonoro del grupo, quien se había acomodado a la escritura beatleniana que les había llevado a la fama en las radiofórmulas.
El año de la salida de “Be Here Now” (número 1 en el Reino Unido y número 2 en USA), el frontman del grupo, Liam, contrajo matrimonio con la actriz y cantante Patsy Kensit, quien en los años 80 había tenido cierto éxito europeo con el grupo pop Eighth Wonder.
Antes de divorciarse en el año 2000, la pareja concibió a su único hijo, Lennon Francis.
En 1997 también se casó Noel Gallagher con Meg Matthews.
En el año 2000 tuvieron a una hija llamada Anais y en el año 2001 se divorciaron.
En ese momento, Noel comenzó una relación con Sara Macdonald, que terminó en boda en el 2011.
La pareja tiene dos hijos: Donovan (nacido en el 2007) y Sonny (2010).
Por su parte, Liam, además de con Patsy Kensit, mantuvo relaciones con Lisa Moorish, con quien tuvo a su hija Molly en 1998 en una infidelidad a Patsy, Rachel Hunter, Nicole Appleton, con quien en el año 2001 tuvo a su hijo Gene y con quien estuvo casado entre los años 2008 y 2014, Liza Ghorbina, con quien tuvo en el 2012 a su hija Gemma en una infidelidad a Nicole, y Debbie Gwyther, su actual novia.
Volviendo al mundo del disco, en el año 1998, Oasis sacaron al mercado “The Masterplan” (1998), un interesante disco recopilatorio compuesto por caras B.
Tras tres años sin nuevos temas de estudio, el grupo británico apareció con nueva formación en el año 2000 y con nuevo disco, “Standing In The Shoulder Of Giants” (2000), nombre derivado de una cita del científico Isaac Newton: “Si consigo ver más lejos es porque me he aupado en los hombros de gigantes”.
El guitarrista Paul “Bonehead” Arthurs y el bajista Paul “Guigsy” McGuigan dejaron la banda, siendo sustituidos por los guitarristas Gem Archer (antiguo miembro de Heavy Stereo) y Andy Bell (ex Ride).
El LP (número 1 en Inglaterra y número 24 en el Billboard americano) incidió en atmósferas de carácter psicodélico y un trabajo técnico más pulido, con una plausible labor melódica y de nuevo, una profunda huella de los Beatles en las composiciones.
El single “Go Let It Out” (un tema número 1 en Inglaterra influenciado por el “I Walk On Gilded Splinters” de Johnny Jenkins y el melotrón del “Strawberry Fields Forever” de los Beatles) fue el corte que presentó el álbum.
Posteriormente aparecieron “Who Feels Love” (con la versión de “Helter Skelter” de los Beatles en el sencillo), tema lisérgico que llegó al puesto 4 en los ‘charts’ británicos, y la balada acústica interpretada por Noel “Sunday Morning Call”, canción distintiva del proceder de Oasis que repitió el mismo puesto que el anterior sencillo.
oasis-fotos“Put Yer Money Where Yer Mouth Is” (con reminiscencias del “Roadhouse Blues” de los Doors y de otra de sus grandes influencias, T. Rex), “I Can See a Liar”, “Gas Panic” o “Roll It Over” son otros de los principales temas de este meritorio e infravalorado álbum producido por Mark “Spite” Spent, quien había trabajado previamente con gente como Björk, Madonna, Massive Attack, U2 o Erasure.
Liam Gallagher se estrenó en este disco como compositor con “Little James”, balada de notable melodía pero con una letra un tanto ñoña en su afán cariñoso de dedicar el tema a su hijastro James Kerr, hijo de Patsy Kensit y Jim Kerr, el líder de los Simple Minds.
En el año 2000 también publicaron el disco en directo “Familiar to Millions” (2002).
La democratización compositiva de Oasis se acentuó en “Heathen Chemistry” (2003), su quinto LP (número 1 en Gran Bretaña y número 23 en USA) en estudio.
De los doce temas del disco, tres fueron compuestos por Liam, uno por Gem Archer (el autor de “Hung In a Bad Place”, funcional tema rockero con influencia del “No Fun” de los Stooges) y otro (un instrumental corto e intrascendente) por Andy Bell.
Los parecidos sonoros continuaron (a lo largo del álbum se pueden escuchar sombras de los Rolling Stones, Stone Roses, Slade, Stooges y, por supuesto, los Beatles, con fijación obsesiva por parte de Liam por John Lennon), pero también la innegable capacidad como compositor melódico de Noel Gallagher siempre depara buenos momentos aunque faltos de sorpresa para el ducho melómano.
Entre los mejores cortes de un disco de esmerado tratamiento en producción y arreglos destaca la intensa balada “Stop Crying Your Heart Out” (número 2 en single).
Su primer single fue “The Hindu Times” (número 1), pieza rock con una mixtura entre sonidos acústicos y eléctricos y un riff guitarrero bastante similar al utilizado por los Stereophonics en el tema “Same Size Feet”.
El tercer sencillo fue “Little By Little” (número 2), una balada pegadiza pero bastante formulista, genérico, dentro de su conocido catálogo de canciones de éxito para todos los públicos.
Sorprende la escritura de Liam, pivotando tenazmente sobre la figura de Lennon en “Songbird”, estimable tema de deje country-folk, “Born On a Different Cloud”, canción en la que pareces escuchar la voz del mismísimo Beatle en la etapa “Imagine”, y “Better Man”, una pieza que parece encontrar (de nuevo) al John Lennon del “I Don’t Want To Be a Soldier” con los Stone Roses del “Love Spreads”.
Con el single “Lyla” como adelanto de su sexto de su discografía, Oasis publicaron “Don’t Believe The Truth” (2005), álbum de sonidos psicodélicos que fue editado en el propio sello de Noel Gallagher, Big Brother Recordings.
Otras canciones incluidas en el álbum son “Turn Up The Sun”, “Mucky Fingers”, “Love Like a Bomb” o “The Meaning Of Soul”.
Oasis – Dig Out Your Soul (2008)En el año 2008 apareció un nuevo disco, “Dig Out Your Soul”, álbum producido por Dave Sardy con cortes como “The Shock Of The Lightning” o “Falling Down”.
Poco tiempo después, los hermanos Gallagher decidieron separarse, iniciando Noel una carrera como solista y Liam creando el grupo Beady Eye.
Con este proyectó grabó los álbums “Different Gear, Still Speeding” (2011) y “BE” (2013).
Noel editó en el año 2011 el disco “Noel Gallagher’s High Flying Birds”.
Cuatro años después apareció “Chasing Yesterday” (2015).
En el año 2016 se estrenó el documental sobre su historia titulado “Oasis: Supersonic”.
Un año después apareció el primer disco acreditado en solitario a Liam Gallagher, “As You Were” (2017), y un nuevo trabajo de Noel Gallagher’s High Flying Birds titulado “Who Built The Moon?” (2017).
En el 2017 también se incluyó una canción de Oasis, “Columbia”, en el recopilatorio de Cherry Red Records, “Manchester North Of England: A Story Of Independent Music Greater Manchester 1977-1993”.
En el 2019, Liam volvió a grabar en solitario con “Why Me? Why Not.” (2019), un disco cuyo título proviene de dos dibujos de John Lennon.
El siguiente año, Noel Gallagher publicó con los High Flying Birds el EP “Blue Moon Rising” (2020).
También, en el 2020, Noel sacó a la luz una canción no editada previamente de la etapa Oasis, “Don’t Stop…”
Definitely Maybe (1994)
Be Here Now (1997)
Don’t Believe The Truth (2005)
Dig Out Your Soul (2008)
Beady Eye – Different Gear, Still Speeding (2011)
Noel Gallagher’s High Flying Birds – Noel Gallagher’s High Flying Birds (2011)
Beady Eye – BE (2013)
Noel Gallagher’s High Flying Birds – Chasing Yesterday (2015)
Liam Gallagher – As You Were (2017)
Noel Gallagher’s High Flying Birds – Who Built The Moon? (2017)
Liam Gallagher – Why Me? Why Not. (2019)
Quién se anima a darle unos toques a la pelota🥶😎
https://youtu.be/Wm54XyLwBAk
Una vuelta por el parque con los que decían que eran sus enemigos!🤭❄️
El grupo Blur se formó en Londres en 1989, de la mano de Damon Albarn (vocalista, teclista), Graham Coxon (guitarrista), Alex James (bajista) y Dave Rowntree (batería). Aunque adoptaron el nombre de Blur, en sus inicios se llamaron Seymour, y fueron uno de los máximos exponentes del llamado "brit-pop" en la década de los 90.
Tras varias actuaciones en locales de Londres y de grabar una maqueta, los Blur fueron fichados por la discográfica con Food Records para grabar sus primeras canciones. Fue en ese momento cuando cambiaron el nombre del grupo, pasando a denominarse Blur.
En 1991, Blur publica su primer álbum, titulado "Leisure", con el que no alcanzan mucha resonancia. En 1993 publican "Modern life is rubish", nuevamente un resultado discreto para la banda, aunque ya se dejaba ver lo que vendría después.
En 1994 publican su tercer trabajo, el disco con el que alcanzan la popularidad en todo el mundo. "Parklife" es el título del álbum y "Girls & Boys" es el primer sencillo extraído del álbum. Este tema fue elegido como la mejor canción el año por la prensa especializada.
Poco después aparece un nuevo trabajo de Blur, "The great escape", de 1995, continuando en la misma línea exitosa del anterior y marcando un auténtico record de ventas con temas como "Country house" y "Charmlessman".
En 1997 Blur publica un nuevo álbum, titulado como el grupo, "Blur", con el que persiguen el asalto al mercado de Estados Unidos. Este disco supone un cambio en el estilo de la banda de Londres y el primer sencillo del álbum es una especie de homenaje a grupos clásicos como los Beatles.
Dos años mas tarde publican "13" y en el 2000 aparece un recopilatorio de Blur titulado "Best Of Blur", el primero de la banda. En el 2003 aparece "Think tank", con la producción de Fat Boy Slim y con cuyo primer sencillo fue "Out of time".
2015 The Magic Whip.
The Magic Whip:
Tras unos años en los que el guitarrista Graham Coxon decide abandonar el grupo por diferencias artísticas en el enfoque de la banda, finalmente los miembros de la formación original de Blur se reúnen de nuevo en 2013 en Hong Kong, durante un descanso en su gira asiática.
El resultado fue una sesión de grabación de nuevos temas, en los que la producción corre a cargo de Graham Coxon y Stephen Street, productor este último de los primeros discos de Blur.
Tras terminar de dar forma a los temas en 2014, finalmente aparece publicado el nuevo álbum de Blur en 2015, con el título de "The Magic Whip", doce nuevos temas que para la crítica suponen el trabajo más maduro de los británicos.
Impresentables con orgullo a momentos, y con mucha alma en muchos otros🖖
:okay: :palmadas: :palmadas: :palmadas: :palmadas: :palmadas: :palmadas: :palmadas:
Uhhh!!!
Uhhhhhhhhhhhhh!!!
Grandes Blur🍺
Amados y reverenciados STONE ROSES 🚨📢🎰🎧🎯
Despertamos del largo sueño de la marmota 🤔☝️
El grupo musical "The Stone Roses", se formó en la ciudad de Manchester, en el Reino Unido, en el año 1984.
Es una banda que edita canciones de género rock alternativo e indie, pero que además son los fundadores de un estilo de música no visto hasta el momento, al cual se le denominó "Madchester", consistente en interpretar canciones del grupo "The Beatles" y transformarlas en baladas y en canciones de tipo dance.
La formación del grupo estuvo a cargo de Alan John Wren, al cual se le apodaba "Reni", un gran batería, que además componía las partituras del grupo. Junto a él, los demás componentes que formaron parte de la banda fueron Gary Mounfield, al que apodaban "Mani" y que estaba a cargo del bajo, John Thomas Squire, que ayudaba en las composiciones musicals además de tocar la guitarra, y Ian Brown, el cual tenía como misión principal en el grupo la de ser el vocalista, además de tocar también los teclados, la guitarra y el bajo.
En el año 1989, la banda edita su primer título, al que le ponen el nombre de "The Stone Roses", y que tuvo enseguida una gran repercusión en el panorama musical. El disco contaba con 11 canciones, entre las que estaban "Bye Bye Badman", "Shoot You Down" o "I am the Resurrection".
Después de realizar diversas giras, el grupo decide lanzar al mercado su segundo álbum, en el año 1994. En esta ocasión llevaría el título de "Second Coming", y en él se incluirían 15 canciones, entre las que estaban "Love Spreads", "Driving South" o "Tightrope".
En el año 1996, en la banda comienzan a surgir una serie de problemas entre sus componentes, que parece les cuesta solucionar y ello hace que repercutan en sus giras. Muestra de ellos fue en el Festival de Internacional de Benicasim de España, donde no era difícil detectar la existencia de dichas discrepancias.
La banda pensó entonces que había llegado el momento de separarse e intentar cada uno de sus miembros seguir sus carreras por separado, y así lo hicieron.
Después de 15 años, y durante una conferencia de prensa dada en un conocido hotel de la ciudad londinense, los miembros anunciaron que se volverían a reunir con el objetivo de llevar a cabo un nuevo intento de reorganizar el grupo e intentar editar música juntos.
En el año 2012, llevaron a cabo diversos shows y giras, además de ser los cabezas de lista en el Festival Internacional de Benicasim. Además, ese mismo año, el grupo ofreció un concierto en la sala "Razzmatazz", de Barcelona en España.
A comienzos del año 2013, el grupo fue teloneros de otras bandas importantes como "Phoenix" y "Red Hot Chili Peppers".
"The Stone Roses" ha editado diversos videoclips de importancia, los cuales se pueden encontrar en el portal Youtube, de pudiéndose destacar de entre ellos, quizás como la más importante, la canción "Ten Storey Love Song", perteneciente a su segundo álbum, el cual consiguió ser número 1 en las listas del Reino Unido.
La banda actualmente dispone de diversas páginas webs donde sus seguidores pueden conocer sus proyectos para el futuro y todas las incidencias relacionadas con la misma.
Sex-Drougs and Manchester Sound!!!
🍺
:disimular: Felices lunes!!!
OSTIA tú que estamos a miércoles, y así llevamos desde el jueves...
:facepalm: :facepalm: :facepalm: :facepalm: :facepalm: :facepalm: :facepalm:
Los outlaws y legendarios Happy Mondays...
Happy Mondays es una banda de rock inglesa formada en Salford en 1980. La formación original de la banda era Shaun Ryder (voz), su hermano Paul Ryder (bajo), Mark Day (guitarra), Paul Davis (teclado) y Gary Whelan (tambores). Mark “Bez” Berry más tarde se unió a la banda en el escenario como bailarín / percusionista y Rowetta como vocalista en 1990. El trabajo del grupo tendió un puente entre la música rock independiente de Manchester de la década de 1980 y la escena rave emergente del Reino Unido, extrayendo influencias del funk, el house y la psicodelia para ser pioneros en el sonido Madchester. Experimentaron su pico comercial con los lanzamientos Bummed (1988), Madchester Rave On (1989) y Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches (1990), siendo el último disco de platino en el Reino Unido. Se disolvieron en 1993 y se han reunido varias veces en las décadas siguientes.
DISCOGRAFÍA DE HAPPY MONDAYS
Squirrel and G-Man Twenty Four Hour Party People Plastic Face Carnt Smile (White Out) (1987)
Bummed (1988)
Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches (1990)
Yes Please! (1992)
Uncle Dysfunktional (2007)
No dormirse, todos en corrillo, plátano Baloooooo1,2,3,...
Larga ceremonia, club de egipcios, nuevo club...
Manitas, 'una buena pelota' y muy arriba ☝️☝️☝️☝️☝️☝️☝️
Mensajes velados y mucho ritmo, maravillosas fusiones gamberriles de diversión...
Como pasan los años, nada pasa, sonidos perdurables, copiados y ansiados...
Poco pero bueno queda por inventar.
https://youtu.be/mFBQ0PH5rM4
Mejor fusión?
Primera pregunta de las tres de siempre, de quién es el Sampler?
Ellas ponen las copas, que Glamour ❤️💙😍
Himno universal con letra incluida.
El tiempo pasa; aún en los peores tiempos, pero los recuerdos y lo bueno perdura eternamente.
Con dos COLLONS... andando hacia adelante, aún cuando la situación mundial pinte bastos y mucha negritud; lucha eterna contra los poderes fácticos, y quién quiera hundirnos...
No hay nada que perder y mucho que ganar....
Nosotros somos la MAYORÍA, sin demagogias o populismos baratos,es la pura realidad...
Revolución definitiva contra lo establecido...
Posible futuro de bien común para todos o abismo eterno?
El Barça tiene que superar la Francesa,🏴☠️🏴🇫🇷
Va llegando la hora de la realidad, aparte de los habituales mundos ficticios... ☝️✊🏴☠️💣⚡
Segunda pregunta, a que grupo tuvieron que pagar derechos The Verve por un posible Sampler en este himno generacional???
🤔🤭
Esta banda inglesa se formó en 1989 en Wigan. En un principio se llamaron sólo "Verve". Está compuesta por Richard Ashcroft como vocalista, Nick McCabe como guitarrista, Simon Jones como bajista y Peter Salesbury en la bateria. Desde un principio podia verse que el grupo recibía claras influencias de la música de los 70.
En 1993 sacaron algunos singles, y su primera producción discográfica tuvo una buena acogida, sin embargo tuvieron problemas con en nombre de la banda en EE.UU, y decidieron cambiarlo por "The Verve".
Un año después sacan un compilatorio de singles llamado "No Come Down", en cuya gira por EE,UU y Reino Unido compartieron escenario con grupos tan importante como Oasis. Ese mismo año publican su segundo álbum "Northern Soul", que está entre los 20 más vendidos de Inglaterra.
Sin embargo, a pesar del éxito el grupo se separa y se dedican cada uno a trabajar por su cuenta, siendo Richard Ashcroft el que más éxito consigue como solista.
En 1997 vuelven a reunirse para crear "Urban Hymns", pero dos años después Richard Ashcroft decide separarse del grupo y continuar con su carrera en solitario sacando un nuevo álbum.
Esta banda inglesa se formó en 1989 en Wigan. En un principio se llamaron sólo "Verve". Está compuesta por Richard Ashcroft como vocalista, Nick McCabe como guitarrista, Simon Jones como bajista y Peter Salesbury en la bateria. Desde un principio podia verse que el grupo recibía claras influencias de la música de los 70.
En 1993 sacaron algunos singles, y su primera producción discográfica tuvo una buena acogida, sin embargo tuvieron problemas con en nombre de la banda en EE.UU, y decidieron cambiarlo por "The Verve".
Un año después sacan un compilatorio de singles llamado "No Come Down", en cuya gira por EE,UU y Reino Unido compartieron escenario con grupos tan importante como Oasis. Ese mismo año publican su segundo álbum "Northern Soul", que está entre los 20 más vendidos de Inglaterra.
Sin embargo, a pesar del éxito el grupo se separa y se dedican cada uno a trabajar por su cuenta, siendo Richard Ashcroft el que más éxito consigue como solista.
En 1997 vuelven a reunirse para crear "Urban Hymns", pero dos años después Richard Ashcroft decide separarse del grupo y continuar con su carrera en solitario sacando un nuevo álbum.
https://youtu.be/ToQ0n3itoII
Nuevo impulso para pasar del intermedio.
👍🤜🤛
The Charlatans, los más virtuosos y delicados, la esencia de todos en uno.🎛️🎚️
Formada en 1989 en Manchester, Reino Unido, The Charlatans UK es una de las bandas típicas de la denominada corriente Madchester junto a los Stone Roses y los Happy Mondays. Desde sus inicios, la banda formada por Rob Collins (sustituido tiempo después por Tony Rogers) en los teclados, Jon Baker en la guitarra - luego reemplazado por Mark Collins, Martin Blunt en el bajo y Jon Brooks en la batería probó varios vocalistas hasta dar con Tim Burgess, quien se convirtió en el cantante definitivo de la banda.
En 1990, y ante las dificultades para conseguir un contrato discográfico, decidieron armar su propio sello llamado Dead Dead Good Records, desde donde lanzaron su primer single "Indian Rope". Esto ocurrió en enero de 1990, año en el que el single trepó al número uno del chart de música independiente - o indie. Tras este éxito, consiguieron finalmente un contrato con el sello Beggars Banquet para lanzar "The Only One I Know", su segundo single que llegó al Top Ten. El tercer single fue "Then", que dio paso al primer disco de la banda "Some Friendly", que trepó al número uno en el momento de su lanzamiento.
The Charlatans son una de las pocas bandas de Manchester que ha funcionado ininterrumpidamente desde su fundación, sobreponiéndose a desgracias y desmanes varios ( muerte de Rob Collins, enfermedad de Jon Brookes, cambios de compañía discográfica... ). Su último disco de estudio "Who we touch" data de 2010.
Sofá compartido de sonoridad y contenido...
https://youtu.be/SXBR96Z8_e8
Oh Vanity🐾
https://youtu.be/Gsf8Rj-nBUY
https://youtu.be/TI3yayV6vhE
De los Charlatanes a Inspiral Carpets.
Inspiral Carpets es un grupo de rock alternativo británico formado en Oldham (Inglaterra) en el año 1986 por Graham Lambert, convirtiéndose, tras The Stone Roses y Happy Mondays, en el grupo más popular de la escena bautizada como Madchester. Su sonido estaba basado en el famoso órgano Farfisa entre melódico y psicodélico de Clint Boon y en las guitarras propias del sonido garage.
Alcanzaron la popularidad gracias al apoyo que les brindó el locutor y dj John Peel y las buenas críticas cosechadas en la prensa especializada, llegando a alcanzar su disco de debut, Life (1990), el puesto número dos en las listas de éxitos británicas. El segundo álbum, The Beast Inside (1991) se quedó en el quinto puesto, mientras que con Revenge of the Goldfish (1992) bajaron hasta el diecisiete y con Devil Hopping (1994) remontaron hasta la décima posición. En cuanto a los sencillos, los que tuvieron mejor aceptación entre el público británico fueron This Is How It Feels (1990), que alcanzó el puesto catorce, y Dragging Me Down, del año 1992, que ascendió hasta el puesto número doce.
Tras una separación amistosa a mediados de los años 1990, la formación original de Inspiral Carpets volvió a reunirse en 2003.
En 2011 se reunieron con Stephen Holt de vocalista (trás la salida de Tom Hingley) cantante que fue fundador del grupo. Organizaron primero una minigira por Sudamérica, por Argentina y Chile, para terminar en Tour por el Reino Unido en marzo de 2012. Además realizaron un nuevo single, llamado "You're So Good For Me" con un buen sonido de farfisa, que contiene la canción homónima y una re-edición de "Head for the Sun", que salió al mercado en vinilo y edición digital. Este single fue el primero del grupo desde el año 2003. Para el 2013 se anunció una nueva gira de marzo por Reino Unido, aparte de la salida de un box-set de re-edición del álbum Life, que contendrá también la edición en DVD de su famoso VHS "21790", en pleno movimiento Madchester el 21 de julio de 1990. Muy esperada por sus fans, dada la cantidad de años desde su salida en formato VHS.
El guitarrista Graham Lambert dio comienzo a la historia de Inspiral Carpets en 19812 junto a Stephen Holt (voz), Tony Welsh (bajo) y Chris Goodwin (batería). Sin embargo, no fue hasta el año 1986 cuando, tras la incorporación de Clint Boon (teclados), David Swift (sustituyendo al bajista Tony Welsh) y Craig Gill (relevando a Chris Goodwin a la batería) grabaron sus primeras maquetas, Waiting for ours y Songs of shallow intensity, y debutaron en directo. Sobre el nombre de la banda hay distintas teorías, una de las cuales dice que lo tomaron de una tienda de ropa de Oldham, mientras que la otra asegura que deriva del título de una canción compuesta por el padre de Lambert, titulada In Spiral Carpet.
John Robb destaca la importancia que tuvo la entrada de Clint Boon en el grupo, ya que sus teclados dieron a Inspiral Carpets un sonido diferente, "lograron que pasaran de ser una banda local a ser un gran grupo de pop, fue la guinda del pastel". Robb recuerda que Boon había formado parte de otro grupo junto a Mani, de The Stone Roses, y que tuvo al que sería vocalista de este mismo grupo, Ian Brown, en una audición. "Su ambición era ser tan grande como Elvis", concluye el biógrafo de Inspiral Carpets.
En 1987, graban un flexi-disc titulado, en homenaje a The Stone Roses, Garage Full of Flowers, que les permite tocar junto a grupos como los propios The Stone Roses, Happy Mondays, Spacemen 3 o The Bodines.
Pero no fue hasta la grabación de Planecrash EP, lanzado en julio de 1988, cuando la carrera de los de Oldham comenzó a destacar, ya que las copias publicadas se agotaron enseguida, la crítica aclamó el trabajo y John Peel les hacía promoción en la radio. Llevados por la euforia, los cinco componentes de Inspiral Carpets tenían previsto grabar a finales de 1988 otro EP, pero surgieron las discrepancias con el sello Playtime, al borde de la bancarrota y con el deseo de utilizar al grupo como gancho para vender la discográfica a una discografía multinacional, y deciden abandonar. Además, en esta época se producen nuevos cambios en el grupo, con la entrada de Tom Hingley (sustituyendo al vocalista Stephen Holt) y Martyn Walsh para reemplazar la marcha del bajista David Swift. Así, a principios de 1989 ya estaba consolidada la formación definitiva de Inspiral Carpets.
Estos primeros años de la banda reciben críticas positivas. El periódico The Word publicaba sobre ellos un artículo el 8 de julio de 1988 en el que, además de citar como influencias a The Doors (el órgano de Boon ya dominaba el sonido de Inspiral Carpets), The Prefects o Happy Mondays, se asevera que "los ochenta necesitan con urgencia a este grupo". Mike West, de New Musical Express también se fijó en ellos, no sólo para decir que sus componentes eran "feos y educados", sino también que sus canciones eran "ruidosas, melódicas y buenas". Además, Planecrash EP fue elegido el mejor single de 1988 por los lectores del Manchester Evening News, superando al Elephan Stone de The Stone Roses, a James, The Fall o A Guy Called Gerald.
A pesar de los buenos resultados obtenidos desde el principio de su carrera, sin caídas tan sonadas como las que sufrieron otros compañeros suyos, el grupo tomó la decisión de separarse amistosamente a mediados de 1995.
En 2003, con motivo del lanzamiento de la recopilación Cool As, el grupo volvió a reunirse para ofrecer una serie de conciertos y lanzar el single Come Back Tomorrow. Con motivo de este recopilatorio, el crítico de la BBC Andrew McGregor subrayaría que los de Oldham "fueron la mejor banda de singles de la era Madchester"14 y, aunque lamentó que el single Come Back Tomorrow parecía una señal de que su habilidad para componer buenas canciones se había perdido, recomendaba el disco a todos los que fueron testigos del paso de la década de los ochenta a los noventa.
Con la llegada de nuevo de Stephen Holt a la banda, se realizó el single en 7 pulgadas y mp3 llamado "You're So Good For Me", volviendo a ser protagonista del anterior sonido Madchester y también garagero, con la reunión posterior de The Stone Roses y Happy Mondays, tres bandas definitorias de la escena.
Ray Manzarek(The Doors tribute).
https://youtu.be/J-fX0UbpZls
En directo:
https://youtu.be/OkUnMDQ5HPA
... Later with Jools Holland🎸🎙️🎧
Máxima energía antes de llegar a los dos grupos finales en el recuerdo, antes de los bonus track💣 y el adelanto de la próxima semana; que nos llevará a los🇺🇸
https://youtu.be/FOxxlp_k6jA
Vaya ShowMan y Crack más allá de la locura ☠️
Durante buena parte de su carrera, los británicos Pulp supusieron una gloriosa anomalía en la música de las islas. Sus discos de los años 80, oscuros himnos introspectivos con Roxy Music y Bowie como referentes, sonaban tan fascinantes como fuera de lugar en una escena indie dominada por el hedonismo desatado de Stone Roses y Happy Mondays. Con la explosión del britpop en la década siguiente, Jarvis Cocker y los suyos alcanzaron sus mayores éxitos comerciales, pero realmente tenían poco en común con el rock nostálgico de Oasis y Blur.
Más allá de los singles que todos conocemos, la discografía de Pulp oculta algunas de las mejores canciones de las últimas cuatro décadas: sofisticadas confecciones de indie rock lánguido y elegante en las que caben tanto las referencias al glam como los guiños disco, siempre dominadas por un Cocker que pasa del sexo a los retratos costumbristas de la clase trabajadora con asombrosa naturalidad.
DISCOGRAFÍA DE PULP
It (1983)
Freaks (1987)
Separations (recorded in 1989; released in 1992)
His ‘n’ Hers (1994)
Different Class (1995)
This Is Hardcore (1998)
We Love Life (2001)
Jarvis Cocker – voz, guitarra, teclados (1978–2002, 2011–2013)
Candida Doyle – teclados, órgano, voz (1984–1986, 1987–2002, 2011–2013)
Nick Banks – batería, percusión (1986–2002, 2011–2013)
Steve Mackey – bajo (1988–2002, 2011–2013)
Mark Webber – guitarra, teclados (1995–2002, 2011–2013)
https://youtu.be/JXbLyi5wgeg
En vivo🍺📢
Algo puede cambiar de un Bowiano total a mis adorados Suede con mucho espíritu Glam detrás 🌈⭐ https://youtu.be/S0DRch3YLh0
Formas erróneas, errores, inadaptados
Basadas en una dieta de galletas rotas
Oh, no nos parecemos a ti
No hacemos las cosas que tu haces
Pero también vivimos por aqui
Oh, de verdad
Formas erróneas, errores, inadaptados
Nos gustaría ir a la ciudad pero no podemos arriesgarnos
Oh porque ellos nos quieren mantener fuera
Podrías terminar con un golpe en la boca
Solo por sobresalir
Oh, de verdad
Hermanos, hermanas, ¿no pueden ver?
El futuro es propiedad de ustedes y yo
No habrá peleas en las calles
Piensan que nos han derrotado
pero la revancha será muy dulce
Haremos un movimiento, lo haremos ahora
estamos saliendo por las líneas laterales
Solo alza las manos, es un ataque, sí
Queremos tus hogares, queremos tus vidas, queremos las cosas que no nos permites,
No usaremos armas, no usaremos bombas, usaremos lo que más tenemos, eso es nuestra MENTE!!!
Verifica tus números de la suerte
Tanto dinero te puede arrastrar debajo, oh
¿Cuál es el punto de ser rico cuando no puedes pensar que hacer con ello?
Porque eres tan torpe...
Oh, no se supone que tenemos que serlo
Aprendimos demasiado en la escuela que no podemos evitar ver que el futuro que tienes trazado no tiene mucho por lo que gritar...
Haremos un movimiento, lo haremos ahora
estamos saliendo por las líneas laterales
Solo alza las manos, es un ataque, sí
Queremos tus hogares, queremos tus vidas, queremos las cosas que no nos permites,
No usaremos armas, no usaremos bombas, usaremos lo que más tenemos, eso es nuestra MENTE!!!
Hermanos, hermanas, ¿no pueden ver?
El futuro es propiedad de ustedes y yo
No habrá peleas en las calles
Piensan que no han derrotado
pero la revancha será muy dulce...
Haremos un movimiento, lo haremos ahora
estamos saliendo por las líneas laterales
Solo alza las manos, es un ataque, sí
Queremos tus hogares, queremos tus vidas, queremos las cosas que no nos permites,
No usaremos armas, no usaremos bombas, usaremos lo que más tenemos, eso es nuestra mente🎸
✊💙❤️
El grupo Suede se forma en 1989, cuando dos viejos conocidos, llamados Brett Anderson y Mat Osman, tras participar en varias bandas, deciden crear un nuevo grupo. A estos dos se les unen Bernard Butler y Justine Frischman, completando la formación.
Durante 1990 Suede realizan conciertos en locales de Londres. Ese mismo año se les une Mike Joyce a la batería, y abandona el grupo Justine, para comenzar un nuevo proyecto llamado Elastica.
Al año siguiente Suede se presentan en un concierto en el New Cross Venue. A partir de ese momento, la prensa comienza a fijarse en el grupo, llegando a aparecer en alguna revista como uno de los grupos revelación, y eso sin haber publicado aún ningún álbum. En mayo de 1992 publican su primer sencillo, titulado "The Drowners", con la productora Nude Records.
En 1993 los Suede publican el álbum "Suede", que se convierte en uno de los grandes éxitos de la temporada, aupándose directamente en el número uno de las listas británicas.
En 1994 publican un nuevo trabajo, esta vez bajo el título de "Dogmanstar", considerado como uno de los mejores trabajos de Suede. Por aquel entonces Bernard Butler abandona el grupo y es sustituído en la guitarra por un joven de 17 años llamado Richard Oakes.
En 1996 Suede publica su tercer álbum, titulado "Coming Up", con el que consiguieron superar el nivel de ventas de los anteriores y que les valió para realizar una gira mundial durante más de un año. Un año después publicaron un doble álbum titulado "Sci-Fi Lullabies", en el que se incluían rarezas y temas B.
En 1999 los Suede publican "Head Music", un álbum para el que decidieron cambiar de productor, colocando a Steve Osborne en estos menesteres. La idea era cambiar de sonido, dándole un aire más frío al disco y utilizando más la electrónica. El resultado no termina de satisfacer a los críticos ni a sus seguidores, no llegando al nivel alcanzado por sus anteriores trabajos.
En 2001 Neil Coding abandona la banda por problemas de salud y es sustituído por Alex Lee (ex Strangelove).
En el 2002 Suede publican "New Morning", su quinto trabajo de estudio.
Con este álbum Suede pretende renovarse, pero la decadencia de sus integrantes se hace notar en las canciones, no tan vibrantes como las de sus primeros trabajos. Destacan los singles "Positivity" y "Obsessions". Tras este álbum, la banda decide en 2003 separarse.
Del lado más salvaje de la vida a la ternura más desatada.
Sin pausa y sin prisa....
Todo lo mejor de los 70,s, en vicios, sensaciones, letras y vivencias en el mejor grupo de su época, simplemente SUEDE🌹
A cual mejor👍
Virtuosismo musical 🎶🎵🎛️
Dejar que todo siga fluyendo con el mar de fondo🏝️
https://youtu.be/iJKPP13Tqi4
Salto temporal y vuelta al mar.
https://youtu.be/3nWJQStqrfw
Algo de electricidad para que el Barcelona consiga la SUPERCOPA con buen juego y acierto.
Ojalá 🏴☠️
https://youtu.be/ygHrqRx7Abg
El mejor broche final al repaso de detrás de la máscara.
Otro día ya saldrán algunos grupos que se quedaron en el tintero...
https://youtu.be/a0SuX1IvJys
🤭☝️
Tercera y última pregunta?
En qué Ciudad se rodó...
Primer Bonus Track.
Boni en el recuerdo, en directo ✊🎸
Siempre queda el mensaje, seguir luchando para seguir subiendo.
Ganar una batalla, no es ganar la guerra ☝️
Desde Tajonar al cielo ❤️
Segundo BONUS My LOVE de las mil caras, sin olvidar los tentáculos de la compañía...
Las drogas, dicen
que nos hacen sentir tan vacíos.
Amamos en vano,
narcisistas y tan superficiales.
Los polis y los "raritos",
para nadar tienes que tragar.
Odia el hoy,
sin amor para mañana.
Ahora todos somos estrellas
en el show de los idiotas (dope: droga, imbecil).
Todos somos estrellas en el show de los idiotas.
Hay un montón de personas bonitas, bonitas.
que quieren que te coloques (que te drogues).
pero todas las personas bonitas, bonitas,
te dejarán triste e impresionado.
Todos somos estrellas en el show de los idiotas.
Todos somos estrellas en el show de los idiotas.
Te aman cuando estás en todas las portadas,
cuando no lo estás, aman a otra persona.
Te aman cuando estás en todas las portadas,
cuando no lo estás, aman a otra persona.
Las drogas, dicen
que están hechas en California.
Amamos tu rostro,
de verdad que nos gustaría venderte.
Los polis y los "raritos",
hacen de atractivos modelos.
Odio el hoy,
¿con quién me despertaré mañana?
Hay un montón de personas bonitas, bonitas.
que quieren que te coloques,
pero todas las personas bonitas, bonitas,
te dejarán triste e impresionado.
Te aman cuando estás en todas las portadas,
cuando no lo estás, aman a otra persona.
Te aman cuando estás en todas las portadas,
cuando no lo estás, aman a otra persona.
Hay un montón de personas bonitas, bonitas.
que quieren que te coloques,
pero todas las personas bonitas, bonitas,
te dejarán triste e impresionado.
-Te impresionarán-
Todos somos estrellas en el show de los idiotas.
Todos somos estrellas en el show de los idiotas
Tercer, y doble Bonus Track.
Que bien viene escucharlos en Enero.
Maravillosa joya en Vinilo.
Grupo de Culto en su inicio.🏴
Próxima semana repaso al mejor Grunge🏴☠️🏴
Fuerza, buenos alimentos y victoria para el Barça.
Antes que el Club se hunda más en el abismo.
🤔🤛
Un buen adelanto.
Muxus✋
https://youtu.be/MS91knuzoOA
Mañana al cine📽️
Algo más positivo
https://youtu.be/qM0zINtulhM
Antes del partido 🏴☠️🏴✊💙🏴☠️🎸☝️
https://youtu.be/fWRgHVamt7g
Una más
Y la final 💙❤️
Del fin de semana con un domingo de posibilidad.🎸
Después de un nuevo y flameante batacazo, mañana día de lluvia y mucho Grunge.
El germen de Pearl Jam habría que buscarlo en el grupo Mother Love Bone, formado en Seattle 1989 y que estaba integrado por Jeff Ament, Stone Gossard, Bruce Fairweather, Greg Gilmore y Andrew Wood. Estaban influenciados por la música de Led Zeppelin, aunque su estilo variaba también entre el grunge y el hard rock.
Cuando Andrew Wood falleció por una sobredosis, el grupo se disolvió. Cuando los restantes miembros del grupo conocen a Eddie Vedder, deciden volver a unirse, esta vez con el nombre de Mookie Blaylock, por un amigo del grupo, jugador de la NBA.
Tras una gira como teloneros de Alice In Chains en la que empiezan a ser conocidos, deciden cambiar su nombre por el de Pearl Jam. Al parecer, estaba basado en una receta que preparaba la abuela de Eddie Vedder y que tenía efectos alucinógenos.
En 1991 publican 'Ten', el número que luce en la camiseta su amigo Blaylock. A partir de ahí es cuando comienza su verdadero éxito, con grandes giras por Estados Unidos y Europa. La discográfica aprovecha el tirón para reeditar su antiguos discos publicados como 'Mother of Love'.
Tras la grabación de este primer álbum, se producen unos cambios en el grupo. El batería decidió dejar la banda, dando paso a Matt Chamberlain, quien también se fue al poco tiempo, siendo sustituído por Dave Abruzzese.
Dos años después publican su segundo álbun, 'Vs', con el que venden un millón de copias en sólo una semana. En 1994 sale a la luz el tercero, 'Vitalogy'.
En 1996 publican su cuarto disco, 'No Code', en 1998 el disco en directo 'Live on two Legs' y en el 2000 'Binaural'.
Se les ha acusado en algunas ocasiones de cambiar radicalmente de estilo. Quizás haya sido debido a los cambios que han ocurrido en la formación de la banda y a sus deseos de experimentar nuevos sonidos, pero de lo que no cabe duda es de que siguen estando en los más alto del rock.
En 2006, quince años después de la formación de Pearl Jam, la banda publica un nuevo trabajo, titulado "Pearl Jam", cuyo primer sencillo extraído fue "World wide suicide". "Pearl Jam" contiene 13 nuevos temas de la banda, con el espíritu de los primeros discos. Este disco supone una vuelta al sonido de Pearl Jam de principios de los 90, para sus fans más auténticos y para los amantes del rock que quieran conocer a una de las bandas de rock más importantes de los últimos 15 años.
Simplemente para quitarse el ASCAZO generalizado ✊🏴☠️🏴🎸💣
Jueves el resto de la buena descarga.
🤛💙❤️✊
Breve historia del Grunge:
El grunge es un subgénero del rock alternativo surgido a mediados de los 1980 en Seattle. Sus mayores representantes son Nirvana, Soundgarden y Pearl Jam.
Se habla mucho de tres de los mayores representantes de un estilo musical, que las generaciones más jóvenes solo conocerán de la enciclo… digo Wikipedia: el Grunge. Y es que Soundgarden triunfa con su álbum King Animal, DGC Records acaba de lanzar una edición especial del último álbum de Nirvana, In Utero, por su 20 aniversario, y en octubre verá la luz el décimo álbum de Pearl Jam, titulado Lightning Bolt. No está mal para un género del que algunos afirman que murió con un disparo el 5 de abril de 1994, con el que se suicidó Kurt Cobain.
"En un principio, Cobain no quería In Utero como título del tercer y último álbum de Nirvana sino I Hate Myself And I Want to Die (Me odio a mí mismo y quiero morir), una frase que había escrito en su diario a mediados de 1992. Al final, fue el título de una canción de cara b."
El Grunge surgió a mediados de los 1980 como subgénero del rock y combinaba elementos del hard rock, del punk y del noise rock de bandas de los 1970 tan dispares como Led Zeppelin, Black Sabbath y Black Flag. De forma sinónima se habla también de “sonido de Seattle”, ya que el grunge surgió con bandas del sello independiente Sub Pop en Seattle.
Por cierto, el nombre del “Grunge” viene de una autocrítica del cantante Mark Arm alias Mark McLaughlin que describió la música de su antigua banda Mr. Epp and the Calculations como “pure grunge!”, basándose en la palabra inglesa “grungy”, que significa “sucio” o “roñoso”. Esta descripción encajaba tanto para la música de sonido “sucio” con guitarras distorsionadas como para la apariencia descuidada de sus representantes.
“Pure grunge! Pure noise! Pure shit!“
En general se habla de dos olas del grunge: en la primera, más parecida al metal, se incluyen grupos como Green River, Mudhoney y Soundgarden. La segunda comenzó con Nirvana y un sonido más melódico, por lo que se suele considerar que, a partir de ahí, el grunge dejó atrás sus raíces punk y se volvió más mainstream.
Fiel a su origen rockero, el grunge también se caracteriza por el uso de instrumentos básicos como la guitarra (eléctrica) a menudo distorsionada, el bajo (eléctrico) y la batería.
Como post-Grunge se denomina el movimiento Grunge después de que alejara de sus orígenes de Seattle y se volviera más comercial.
Obras representativas:
Música: Ten fue el primer álbum de Pearl Jam y se lanzó un mes antes de Nevermind. Nevermind, de Nirvana, el álbum más exitoso en 1991, gracias sobre todo al mítico single Smells Like Teen Spirit, que se convirtió en todo un himno del movimiento Grunge.
Literatura:
Everybody Loves Our Town: An Oral History of Grunge del periodista musical Mark Yarm repasa los inicios y la historia del grunge a través de anécdotas de músicos, productores y otras figuras de la escena musical de Seattle a finales de los 80 y principios de los 90.
Cine:
Singles (1992) de Cameron Crowe, que trata de la vida de 6 jóvenes en Seattle y cuenta con cameos de Eddie Vedder, Chris Cornell y Alice in Chains, entre otros, que también participaron en la impresionante banda sonora.
Fenómeno social:
La música Grunge y la estética y actitud de sus representantes conectaron con la llamada Generación X y, a su vez, caracterizó lo que después se llegó a denominar el “movimiento grunge” o la “cultura grunge”. En general, reflejaban el desencanto y desengaño de los jóvenes con el consumismo y la competitividad que les rodeaban. Todo ello les hundió en un pesimismo existencial, frustración y apatía. A pesar de considerarse un movimiento antisistema, a diferencia de la rebeldía del punk y la energía del rock, los fans del Grunge buscaban un refugio para olvidarse de la realidad, por lo que drogas como la heroína tuvieron un papel importante.
Pelo largo y greñoso, vaqueros desgastados o rotos, chalecos, gorros, capuchas, camisas de cuadros, botas de la marca Dr. Martens, zapatillas Converse.
Protagonistas:
1970
Led Zeppelin
Black Flag
1980
Pixies
Soundgarden
Pearl Jam
Stone Temple Pilots
Alice in Chains
Screaming Trees
Mudhoney
Green River
1990
Nirvana
The Presidents of the Unided States of America
Smashing Pumpkins
Garbage
Candlebox
Bush
Silverchair
Creed
Matchbox Twenty
Buenos días roñosos, tardes lluviosas y noches de frío Enero🤧⛄🏴☠️
Para combatir disgustos (Recopa de QUÉ) y el año tan extraño continuista de a sorpresa diaria, que mejor antídoto que una buena dosis de buena música 🤔
Esperando que no hagan el ridículo en la Copa del KING🤭
Un inicio de abuelito dime tú, y después del papeo subversivo( horas son buenas horas) continuamos con los papis y protagonistas de está historia noventera.
Hoy Bonus Track de la rabia contra la máquina y dos sorpresas más✊💙❤️
Dos siguientes semanas monográficos de aquello mal llamado movida, mejor una de las mejores épocas del POP-ROCK en Español de todos los tiempos 🎸💣
La Edad de Oro del Pop Español.
Algo "Patrio" ☝️⚡
Papi number ONE:
https://youtu.be/ChKJSfJXH_A
5 horas con propina para disfrútarlo a tope.
👏👏👏👏👏👏👏
https://youtu.be/cAQ1eww1HME
Cuidado con el PATEA CULOS!!!
🌚
https://youtu.be/IbW5K2F1N28
ROCK "N" ROLL CON MAYÚSCULAS.
Hay más padres putativos 🎼🎚️
Abuelo de oro🥇
https://youtu.be/hvtdbfI1sqQ
Con Pearl Jam
Más raíces de las buenas☝️
https://youtu.be/Py2fG-NgfkA
Directos, rebosantes, atronadores...
"Si se pierde o desaparece algún enlace culpa del Putatube".
A buscarlo de nuevo...🤞🤞🤞🤞🤞🤞🤞
Los acelerados de Buzz Osborne:
Melvins es una banda estadounidense de grunge y sludge metal, originaria de Seattle formada alrededor del año 1983 en Aberdeen, Washington por Roger Osborne (Buzz Osborne) o tambien conocido como "King Buzzo" (guitarra, voz), Matt Lukin (bajo), Mike Dillard (batería, Dale Crover se les uniría posteriormente), y que fue la inspiración de lo que después se llamaría grunge.
A comienzos de los años '80, Osborne fundó The Melvins con el batería Matt Lukin y el bajista Mike Dillard, todos ellos alumnos del instituto de Montesano, en el que se graduaron en 1982. En sus comienzos, la banda tocaba versiones de temas de The Who y Jimi Hendrix, pero cambiaron de orientación cuando Buzz descubrió grupos como Black Flag, Flipper o Millions of Dead Cops, practicando un estilo más rápido que el hardcore punk. Cuando Dillard dejó la banda en 1984 se reclutó a Dale Crover de una banda de versiones de Iron Maiden. A causa de esto, los integrantes de The Melvins se trasladaron a la casa de Crover en Aberdeen (Washington). Hacia esta época volvieron a cambiar de estilo, interpretando música más lenta y pesada que todas las bandas de la zona.
En 1986, la banda publicó el EP Six Songs en el sello C/Z Records, grabado en una actuación en Ironwood el 8 de febrero de 1986. En diciembre de ese mismo año grabaron su primer álbum grande, Gluey Porch Treatments, que fue publicado en 1987 en el sello Alchemy Records.
En 1988 Crover y Osborne se trasladaron a San Francisco (California), donde la banda grabó Ozma en 1989. En 1990, Crover ocupó el puesto de batería en la gira que Nirvana tenía con Sonic Youth. Viendo la necesidad de Nirvana por encontrar a un batería, Osborne le dio el número de teléfono de Krist Novoselic al batería de Scream, Dave Grohl, que acabó convirtiéndose en miembro oficial de la banda.
Contundentes ⚡🇺🇸☔
Del establo con borregos con banda sonora atronadora...
https://youtu.be/Hp5r9qwqpPc
Sabor a Surf-Garajero, más influencias...🍺🍻📢
https://youtu.be/kVBfEXk5Ajc
Cuidado andan sueltos los colegas 🤜🤛
Hardcore del bueno y otra influencia...
https://youtu.be/_BIQxSa3bTc
🏴☠️💣🏴
Solo tres referencia más 🤏
Black
Flag fue un grupo de hardcore punk nacido en 1977
en Los Angeles, California. El grupo fue fundado
por Grez Ginn, que a la vez que guitarrista y compositor
principal, es el único integrante original
de los muchos que pasaron por la banda.
La formación original de la banda se formaba
por Keith Morris como cantante, Greg Ginn a la guitarra,
Chuck Dukowski al bajo y Brian Migdol a la batería.
Con estos componentes Black Flag grabaría
su primer EP llamado "Nervous Breakdown"
(1978).
Desde ese momento Black Flag se convirtió
en uno de los grupos míticos del hardcore
americano.
Pero al año siguiente, Keith Morris dejaría
el grupo para crear otra banda "Circle Jerks".
A partir de aquí el grupo empezaría
a sufrir muchos cambios en la formación,
como la incorporación de Henry Rollins como
vocalista con el que grabaría otro de sus
grandes discos "Damaged"(1981).
Con este disco hubo problemas, ya que iba a ser.
publicado por MCA Records, pero esta discográfica
se echo atrás y al final se publico en SST
récords, discográfica formada por
el mismo grupo y donde grabarían todos sus
discos siguientes. SST records no fue solo creada
para sacar los discos de Black Flag, sino que en
ella se publico material de grupos míticos
como: Hüsker Dü, Sonic Youth, Minutemen,
Meat Puppets y Dinosaur Jr.
Los encargados de SST Records eran Ginn y Dukowski,
que después dejaría el grupo para
dedicarse de lleno al sello, el cual se convirtió
en uno de los más influyentes en la música
independiente en Estados Unidos.
Después de la disolución del grupo,
se publico un recopilatorio con las mejores canciones
del grupo llamado "Wasted Again". Después
de esto, Ginn se centro en su discográfica
y Henry Rollins comenzó primero su carrera
en solitario y más tarde formo el grupo Rollins
Band.
Black Flag creo un sonido único a partir
de fusionar la simpleza del punk típica de
Ramones con tonos mas agudos y velocidades mas rápidas.
La banda también se caracterizo por las letras
de sus canciones de clara crítica social
y mensaje inconformista.
Black Flag sigue siendo a dia de hoy una de las
bandas de hardcore punk mejor consideradas de la
escena y una de las mas influyentes en los grupos
punk posteriores.
Discografia de
Black Flag
-Damaged (1981)
-Everything Went Black (1982)
-The First Four Years (1983)
-My War (1983)
-Slip It In (1984)
-Family Man (1984)
-Live ’84 (1984)
-Loose Nut (1985)
-Process of Weeding Out (1985)
-In My Head (1985)
-Who’s Got the 10½? (1986)
-Wasted…Again (1987)
Dos últimas más tranquilas y nos iremos al Nirvana.
A Henry Rollins no le gusta el sistema 💵🙌💸🤧
Más suavecito...
https://youtu.be/Y21VecIIdBI
Muy garajeros Velvetianos aunque como los Underground ni punto de comparación.
https://youtu.be/QUAuDKMcQik
Surgidos en plena época ‘no wave’ neoyorquina, el influyente grupo Sonic Youth, los padrinos de la música ‘alternativa’, incidieron en la actitud independiente, en el enfoque revolucionario a nivel sónico y en un tratamiento experimental, vanguardista, a la estructura rock sin despojarse de su esencia, prevaleciendo sobre la melodía un heterodoxo trabajo en texturas y atmósferas con tendencias noise, jazz, y desarrollos rugosos, afilados, áridos, a nivel instrumental.
Sus influencias tanto se encuentran en la Velvet Underground como en los Stooges, Television, Neil Young, Wire, Ornette Coleman, Mission of Burma, James Chance & The Contortions, Rhys Chatham, Ramones o Glenn Branca.
Sonic Youth se formaron en la ciudad de Nueva York en el año 1981 con la reunión de los guitarristas y vocalistas Thurston Moore (nacido el 25 de julio de 1958) y Lee Ranaldo (nacido el 3 de febrero de 1956), y la bajista y cantante Kim Gordon (nacida el 28 de abril de 1953).
El terceto, tras pasar por diversas formaciones, se conoció gracias a la mediación de Glenn Branca, vanguardista compositor con el que colaboraron a comienzos de la década de los 80.
En verano del año 1981 el grupo, completado por la teclista Ann DeMarnis y el batería Richard Edson, actuó en directo en el “Noise Festival”.
Un año despues publicaron en el sello de Branca, Natural Records, el EO “Sonic Youth” (1982), un disco en el que ya no aparecía DeMarnis, quien terminó dejando la banda poco después de su formación.
El mismo año, y ahora con Bob Bert en la batería, apareció su primer LP, “Confusion Is Sex” (1983), visceral, catártico catálogo de canciones de sonido punk y experimental con temas como “(She’s in a) Bad Mood”, “Confusion Is Next”, “Shaking Hell” o “Protect Me You”.
Al mismo tiempo editaron un EP titulado “Kill yr. Idols” (1983), disco en donde incidían en este primer caótico, estridente, oscuro y lijoso sonido en concepcion nihilista.
En el año 1984 la pareja Thurston Moore y Kim Gordon contrajo matrimonio.
“Bad Moon Rising” (1985) fue su segundo LP.
Publicado en Blast First, el disco redundó en el noise rock, en infringir las claves básicas de la ordenación pop y en la complejidad vanguardista para desarrollar fascinantes panoramas sónicos como el ofrecido en “Brave Men Run (In My Family)”.
En el álbum colaboró Lydia Lunch (Teenage Jesus & The Jerks) en el tema “Deah Valley ‘69”.
Para la grabación en SST Records de “Evol” (1986), Lee, Thurston y Kim, quienes contaron con la ayuda en la producción de Martin Bisi, volvieron a cambiar de batería, incorporándose a las baquetas Steve Shelley tras la marcha de Bert para formar Bewitched.
Su sonido monstró un enfoque mayor en su utilización poco convencional de la melodía, proporcionando mayor consistencia a sus atractivos experimentos pop, haciendo del caos, el feedback, la disonancia, la atonalidad y la estridencia belleza e insinuación.
“Star Power”, “Shadow Of A Doubt”, “Bubblegum” (una versión de Kim Fowley) o “Expressway To Yr. Scull” (conocida también como “Madonna, Sean and Me”) son algunos de sus cortes más destacados.
“Sister” (1987) consolidó su puesto de estrellas en el “college rock” y en circuitos independientes.
Los temas son más convencionales sin perder originalidad ni energía y de duración más exigua.
“Schizophrenia”, “Catholic Book” o “Tnuff Garl” forman parte de este LP, el segundo de una trilogía que concluyó con el doble álbum “Daydream Nation” (1988), quizá el epítome de su noise rock experimental.
Publicado en Blast First Records, el álbum, con cortes como “Hey Joni”, “Candle”, “Total Trash” y el single “Teenage Riot” (número 20 en el Billboard), contiene dispares tejidos sonoros con travesías hipnóticas repletas de inventiva que influyeron a una importante cantidad de bandas y solistas “independientes”.
El mismo año de “Daydream Nation”, Sonic Youth formaron un grupo paralelo de corta duración al que llamaron Ciccone Youth, formado con J. Mascis (Dinosaur Jr.) y Mike Watt (Minutemen) para establecer un homenaje a la cultura pop en general y en particular a Madonna.
Después de grabar el LP “Whitey Album” (1988) el proyecto se disolvió.
Un año antes había debutado en solitario Lee Ranaldo con “From Here To Infinity” (1987).
En el año 1990 lograron firmar con un sello más importante, Geffen, hecho que fue visto con recelo por sus fans de antaño. “Goo” (1990), co-producido por Nick Sansano y Ron Saint Germain, ofrecio un sonido más comercial y mayor rendición melódica sin perder sus singularidades.
Se trata de un gran trabajo con temas como “Dirty Boots”, “Tunic (Song for Karen)”, canción dedicada a Karen Carpenter de los Carpenters, “My Friend Goo” o “Kool Thing”, magnífico single (número 7) en el que colaboró el miembro de Public Enemy, Chuck D.
Tras este álbum, Ranaldo produjo a Babes In Toyland y a You Am I, mientras que Kim Gordon colaboró con el grupo Hole.
“Dirty” (1992) fue producido junto a Butch Vig, quien hizo un sensacional trabajo para intentar llevar el sonido de Sonic Youth a las radiofórmulas sin traicionar su identidad independiente y su crujiente apariencia sónica.
Las canciones “100%” (número 4), “Chapel Hill” o “Sugar Kane” forman parte de este memorable álbum.
En el año 1992, Kim creó con Julia Cafritz de Pussy Galore el grupo paralelo Free Kitten, mientras que Thurston Moore formó parte de la superbanda Dim Stars junto a Don Fleming, Richard Hell, Robert Quine y Steve Shelley para grabar un disco homónimo.
“Experimental Jet Set, Trash and No Star” (1994), de nuevo con el grupo neoyorquino colaborando con Vig, fue un disco muy infravalorado por alejarlos un tanto de su clásico sonido y abrazar posturas más pop, produciendo un más que notable trabajo en donde su madurez y experiencia les hizo explorar nuevos campos.
En el álbum, el más vendido de su carrera, incluyen por primera vez una composición acústica, “Winner’s Blues”.
Algunos de sus mejores temas son “Self-Obsessed and Sexee” y la subyugante “Bull In The Heather” (número 13).
“Washing Machine” (1995), un LP co-producido por John Siket, retornó a sus pasajes más experimentales con fluidas guitarras y alucinógenos desarrollos escuchados en las extensas y disfrutables “The Diamond Sea” o “Washing Machine”.
Ese año también apareció “Psychic Hearts” (1995), un álbum en solitario de Thurston Moore.
Después de colaborar con Jim O’Rourke grabando discos experimentales para sus fans más complacientes en su propio sello, STYR, Sonic Youth publicaron “A Thousand Leaves” (1998), disco co-producido por Don Fleming y Wharton Tiers.
Evoca de nuevo su magnificencia en la vanguardia, la experimentación y la creación de absorbentes atmósferas gracias a temas como el single “Sunday”, “Wildflower Soul” o “Hits Of Sunshine”, corte compuesto en homenaje al poeta de la generación beat Allen Ginsberg.
El fin de siglo fue despedido por Sonic Youth con “Goodbye, 20Th Century” (1999), un trabajo que alterna espantosos cortes con interesantes piezas en el que versionan a músicos vanguardistas como John Cage, Christian Wolff, Pauline Oliveros o Steve Reich.
Con “NYC Ghost & Flowers” (2000) volvieron a mostrar reverencia a la generación beat, con Ginsberg y William Burroughs en primer término, en un recorrido irregular con material de escasa trascendencia, bastante autocomplaciente y pretencioso sin ser consumado.
El admirable “Murray Street” (2002) mejoró de manera considerable la calidad de las composiciones de su predecesor con “The Empty Page”, “Karen Revisited” o la estupenda “Rain On Tin”, convirtiendo en beldad la improvisación, el ruido y la experimentación, como así también hacen en “Sonic Nurse” (2004).
Más tarde apareció “Rather Ripped” (2006).
Un año después, Thurston Moore publicó en solitario el disco “Trees Outside The Academy” (2007).
“The Eternal” (2009) fue el último álbum de Sonic Youth.
En el año 2011 el grupo decidió separarse.
Moore rompió su relación matrimonial con Kim y editó como solista “Demolished Thoughts”.
Un año después creó un nuevo grupo al que denominó Chelsea Light Moving.
En el 2014 volvió a publicar en solitario un disco titulado “The Best Day”.
En el año 2013, Kim Gordon, formando un dúo junto a Bill Nace llamado Body/Head, publicó “Coming Apart” (2013).
En paralelo a Sonic Youth, el batería Shelley también formó parte del grupo Disappears.
Kim Gordon creó el dúo Glitterbust junto a Alex Knost, debutando en formato LP con el homónimo “Glitterbust” (2016). El mismo año, Lee Ranaldo y Steve Shelley, lanzaron el proyecto Kino Kimino, grupo que editó el álbum “Bait Is For Sissies” (2016).
Thurston Moore publicó poco después el disco “Rock N Roll Consciousness” (2017).
El mismo año, Lee Ranaldo editó en solitario “Electric Trim” (2017).
En el año 2018 apareció el segundo trabajo discográfico de Body/Head titulado “The Switch”.
Kim Gordon debutó como solista en “No Home Record” (2019). El mismo año, Thurston publicó “Spirit Counsel” (2019).
En el 2020, Thurston Moore volvió a grabar como solista su séptimo disco titulado “By The Fire” (2020).
Tras el acto de posesión de Joe Biden como nuevo presidente de los Estados Unidos habrá que recordarle a la cuna de la mal denominada democracia del mundo, que les apesta el culo desde hace más de 130 años y salvo la segunda guerra mundial junto a los Soviéticos salvandanos del Nazismo (más estos últimos) no han hecho más que joder a todo el mundo favoreciendo los minoritarios poderes fácticos y contadas élites económicas que se reparten junto a otras conocidas potencias el cortijo nauseabundo y podrido que es actualmente el planeta; dónde una minoría está por encima de la mayoría, hasta que la población mundial ya no pueda más y reviente ante lo impuesto.
Solo faltaba el Covid19 de los Chinos para volver a esclavizar más en el nuevo orden mundial feudal del siglo XXI.
Los modernetes Sonic en su lucha contra el Fascismo (canciones como el propio Grunge) alguna de ellas con mucho mensaje.
Primera pregunta de qué Ciudad de origen son los mencionados???
👏⚡🇺🇸🍻
https://youtu.be/N3oCS85HvpY
The Pixies última referencia...
Segunda pregunta, a que película pertenecen las imágenes del vídeo.
Sin Iggy Pop y los Stooges, sin Lou Reed y la Velvet o sin Dick Daleo Pere Ubu no hubiesen existido los Pixies.
Pero sin los Pixies no hubiesen aparecido gran parte de los grupos ‘alternativos’ surgidos a partir de los años 90, entre ellos Nirvana (Kurt Cobain era un confeso fan del grupo), Weezer, Radiohead, Pearl Jam o Pavement.
Estamos ante una de las bandas más influyentes de la historia del rock.
La encarnizada, insana y fiera factura vocal del líder Black Francis (luego conocido como Frank Black), la sobria, hipnótica ejecución de Kim Deal al bajo, las connotaciones surf de la característica, hiriente, poco convencional guitarra de Joey Santiago, y la potente batería de David Lovering toman cuerpo y consistencia en lacerantes, psicóticos, atmosféricos temas que agrupan abrasivas texturas noise-rock y letras surrealistas y sinsentido en pegadizas melodías pop que han marcado un hito en la década de los 90.
Su legado se expandió en multitud de bandas de similar sonido pero, por lo general, más previsibles, de menor talento y singularidad.
Tercera pregunta superando el Meridiano.
🌍
Como se llama la mujer de Kurt Cobain?
Nirvana se formó en Seattle, cuando Kurt Cobain y Krist Novoselic se unieron a Dale Crover para tocar en pequeños locales de la ciudad en 1985 y 1986. Adoptaron varios nombres para el grupo, pero ninguno terminó de gustarles hasta que, finalmente, tomaron el de Nirvana. Ellos fueron el estandarte de lo que vino a denominarse como música 'grunge'
En 1986 editaron su primera maqueta. Fue un trabajo casero, ya que lo realizaron en un cuarto de una tía de Kurt.
En 1988 Nirvana grabó su primer sencillo, producido por Jack Endino, de la pequeña discográfica Sub Pop. El disco incluía dos canciones: 'Love Buzz' y Big Cheese'. Para entonces, el batería Dan Crover había sido sustituído por Chad Channing.
Siguiendo la estela del sencillo anterior, grabaron 'Bleach', su primer álbum de estudio, realizado en apenas tres días y con un presupuesto de 600 dólares. Mientras tanto, Nirvana seguían actuando en los circuitos de música alternativa de Seattle y habían tomado como costumbre destrozar los instrumentos musicales al final de sus conciertos.
En 1990 grabaron su segundo álbum, titulado 'Nevermind', con el nuevo batería Dave Grohl, que sustituyó a Chad Channing en plena grabación. Ahora con la discográfica Geffen, consiguieron un contrato para dos discos y un sustancioso adelanto, con lo que tenían mejores medios para realizar un buen trabajo. Si a ello le añadimos que cambiaron su estilo para hacerlo un tanto más comercial comprenderemos por qué consiguieron vender más de 15 millones de copias de 'Nevermind'.
Dos años después Nirvana edita un álbum con temas inéditos, sólo conocidos por aquellos que acudían a ver sus conciertos. El título del disco fue 'Incesticide'.
En 1993 se encierran de nuevo en un estudio para grabar 'In Utero', con el que intentaron hacer algo nuevo, un poco más alejado de su anterior éxito comercial 'Nevermind'. Aunque el nuevo disco tuvo una gran acogida por parte del público, ellos no se sintieron satisfechos con el resultado obtenido.
A finales de 1993 grabaron el 'MTV Unplugged' de Nirvana. El disco salió al mercado un año después, tras la repentina muerte de Kurt Cobain a mediados de 1994, la cual desató una gran polémica sobre sus posibles causas, que llegaron a salpicar a su viuda, Courtney Love.
Tras su muerte, aún se publicó un nuevo álbum, 'From The Mudy Banks of The Wishkah', una recopilación realizada por los otros compañeros del grupo.
Cuando sólo quedaba hastío, cansancio, matador Show Bussines, locura y enfermedad...
En Abril 27 años YA📼📺📹
“Odio tocar con ellos”: así fueron los turbulentos últimos días de Kurt Cobain
En Abril del 21 se cumpliran 27 años del suicidio del hombre que lideró la última revolución del rock. La reconstrucción de sus jornadas postreras ayuda a conocer al mito
Poca gente recuerda lo pequeño que era Kurt Cobain. Su aspecto enfermizo, delgaducho y pálido ha trascendido, gracias a la magnitud de su voz, como una figura mitológica. Desde su suicidio, hace 25 años, el mundo sigue tratando de encontrar un relato que dé sentido a los días previos a aquel 5 de abril en el que la música murió (una vez más). Pero el suicidio de Kurt Cobain a los 27 años se resiste a conceder una explicación para consolar a la masa.
Nosotros también éramos feos:
Las estrellas del pop superlativas (Elvis Presley, Bob Dylan, Madonna) lo son porque el público las percibe como criaturas enviadas por una fuerza superior para liberar al pueblo de sus ansiedades. La Generación X, compuesta por hijos de padres divorciados y furiosa al comprobar que le habían exigido una formación académica bajo la promesa de un futuro que no existía, encontró en Cobain a su mesías y portavoz. Su álbum Nevermind vendió 30 millones de ejemplares y la contracultura fue devorada por el sistema.
("Tengo un dolor crónico sin cura en el estómago y durante cinco años quería suicidarme todos los días. Estuve a punto de hacerlo varias veces”, explicó el cantante a 'Rolling Stone").
Cobain odiaba ser tan popular. Le daba asco que su autenticidad, su cólera y su poesía se hubiesen convertido en un producto de consumo masivo. Tanto, que se pegó un tiro en la cara. Esa es al menos la versión canónica del mito que además encaja con su imagen subversiva: en la mítica portada de la revista Rolling Stone llevaba una camiseta que decía: “Las revistas corporativas siguen siendo una mierda”. Pero lo cierto es que Kurt Cobain estaba obsesionado con ser una estrella del rock.
Persiguió a todas las discográficas multinacionales para que editasen Nevermind, permitió que Geffen Records remezclase Smells Like Teen Spirit (desde un punto de vista melódico, una canción pop) para que su sonido resultase atractivo a las radios y llamaba compulsivamente a los directivos de MTV (una corporación que él, por supuesto, despreciaba en las entrevistas) porque consideraba que no emitían sus vídeos lo suficiente. Su profesor de guitarra recuerda que Cobain estudiaba muchas más horas y mucho más en serio de lo que después reconocería, cuando se presentó al mundo como un músico que simplemente “hacía lo que le salía”.
Su mujer, Courtney Love, corrobora esta obsesión por el éxito: “Existe el mito de que Kurt no quería triunfar. Y una mierda. Se dejó la piel para formar la banda adecuada y le encantó quitarle el número uno a Michael Jackson, pero nunca fue capaz de disfrutarlo porque ese circo nos quitó a nuestra hija”. No, Cobain no se suicidó por culpa de la fama. Se suicidó por motivos mucho más mundanos.
Un reportaje de Vanity Fair sobre Love publicó que ella consumió heroína durante su embarazo. [Love admitiría años después que era cierto]. Los servicios sociales les retiraron la custodia de su hija Frances y Cobain amenazó a la discográfica con abandonar Nirvana si no le ayudaban a recuperarla. El supuesto factor divisivo de Love tampoco fue lo que le alejó de Nirvana: él estaba harto del grupo, solo quería trabajar con Michael Stipe, de R.E.M., y nunca estuvo satisfecho con el sonido de In Utero. “Odio tocar con ellos”, aseguró Love a la MTV que le comentó Cobain en una de sus últimas conversaciones.
Con siete años, a Cobain le recetaron Ritalin, un medicamento para el trastorno de déficit de atención, y aseguró que nunca dejaría de tomar drogas de un modo u otro desde entonces. En su nota de suicidio confesó que llevaba odiando a todos los seres humanos desde los siete años. En la adolescencia aprendió a “estar orgulloso de ser gay”, a pesar de no serlo, porque se sentía atrapado en la cultura supermasculina de su pueblo, Aberdeen, en Washington (unos 18.000 habitantes cuando nació el músico, en 1967). En la adolescencia decidió perder la virginidad (lo último que quería hacer antes de morir) y suicidarse tirándose delante de un tren, pero no consiguió su objetivo.
Aunque la leyenda dice que Courtney Love le empujó a una espiral de drogas, Cobain empezó a inyectarse heroína dos años antes de casarse y tener una hija con ella en agosto de 1992. “Tengo un dolor crónico sin cura en el estómago y durante cinco años quise suicidarme todos los días. Estuve a punto de hacerlo varias veces”, explicó a Rolling Stone el cantante. “Llegó un punto en el que estaba de gira, tirado en el suelo, vomitando aire porque no podía ni ingerir agua. Salía a cantar y después vomitaba sangre. Eso no era vida, así que decidí automedicarme”, añadió. Lo único que aliviaba su dolor de estómago resultó ser la heroína, que él aseguraba haber abandonado, pero que en realidad nunca dejó de consumir desde 1990 hasta unos minutos antes de morir.
En mayo de 1993, semanas después de recuperar la custodia de Frances, Cobain sufrió una sobredosis delante de su mujer, su hermana y su madre. Courtney Love le inyectó buprenorfina (un fármaco opioide para el tratamiento de la adicción) y le dio un Valium, tres pastillas de Benadryl (antihistamínico) y cuatro del analgésico Tylenol con codeína para reanimarle. Dos meses después, Cobain volvió a sufrir una sobredosis en el baño de su habitación de hotel en Nueva York. Esa misma noche actuó en el Roseland Ballroom. Mientras Love paría, su marido vomitaba en la habitación de al lado tratando de desintoxicarse.
Cobain accedió a ingresar en el centro de desintoxicación Exodus de Los Angeles el 31 de marzo ante la amenaza de no volver a ver a su hija. Dos días después salió a fumar al jardín, saltó la valla de casi dos metros y nadie volvió a verle
Durante la última gira de Nirvana, a principios de 1994, discutió con Love (tal y como contó ella, porque Cobain era tan sensible que adivinó sus intenciones de ponerle los cuernos, según los rumores, con el líder de Smashing Pumpkins, Billy Corgan), escribió una nota de suicidio e ingirió 67 pastillas del somnífero Rohipnol. “No se va a librar de mí tan fácilmente”, aseguró Love, “le seguiré hasta el infierno”. Tras pasar 20 horas en coma, canceló la gira y regresó a Seattle.
Cobain accedió a ingresar en el centro de desintoxicación Exodus de Los Angeles el 31 de marzo ante la amenaza de no volver a ver a su hija. Dos días después salió a fumar al jardín, saltó la valla de casi dos metros y nadie volvió a verle. El 3 de abril se le declaró oficialmente como una persona desaparecida y Love, desde el hotel Península (que años después trascendería como el infame escenario de las agresiones sexuales de Harvey Weinstein), contrató a un detective privado. Las puertas de Exodus, por cierto, no estaban cerradas. Kurt Cobain eligió saltar la valla.
Sus últimos días están llenos de rumorología: que el bajista de Nirvana, Krist Novoselic, intentó detenerle en el aeropuerto y Cobain le dio un puñetazo; que recorrió Seattle en taxis homenajeando Muerte en Venecia; que le vieron señalando águilas cual icono americano; que contrató prostitutas, o que pidió la absolución a un cura. Pero lo único que está confirmado es que en su último vuelo su asiento estaba junto al de Duff McKagan, bajista de Guns N' Roses, consumieron heroína juntos y prometieron que ese sería el último chute. Después Cobain compró más caballo y se encerró en la habitación 226 del motel Marco Polo, registrándose como Bill Bailey (el verdadero nombre de Axl Rose), para drogarse durante horas.
El 4 de abril se comió un pudin en el restaurante Cactus, lamió el plato, le fue denegado el pago con su tarjeta (Courtney Love la había cancelado) y se quedó dormido mientras firmaba el cheque. Tras pagar se metió en un cine a ver El piano, la película de Jane Campion que había ganado tres Oscar dos semanas antes. Después se atrincheró en el invernadero de su casa en Seattle.
“Courtney ya vivía conmigo cuando compré las armas”, explicó Cobain en 1993. “Yo no soy una persona muy física, no sería capaz de detener a un intruso si viene con una pistola o un cuchillo. Pero no voy a quedarme ahí mirando cómo mi familia es apuñalada hasta la muerte o violada delante de mí. No me lo pensaría dos veces antes de volarle la cabeza a alguien que hiciera eso. Es por protección”.
El 5 de abril de 1994 Kurt Cobain se inyectó una triple dosis de heroína, cogió una de esas armas (una escopeta Remington del calibre 22), la colocó entre sus piernas apuntando a su barbilla y se pegó un tiro. Un electricista encontró el cadáver tres días después junto a varias latas de cerveza, dos toallas extendidas en el suelo, su cartera con el carnet asomando para que le identificasen y una nota de suicidio atravesada por un bolígrafo. Su hermana y su madre se enteraron por la radio. Love dio una entrevista en MTV al día siguiente.
En aquella carta de despedida, Cobain confesó que ya no sentía ilusión alguna por la música y no era capaz de entender por qué. Murió sin ser consciente de la depresión que llevaba arrastrando desde los siete años, nunca diagnosticada o tratada y solo rentabilizada como una apatía vital crónica que le devolvió las entrañas al rock, caló en los huesos de la Generación X y llevó a Calvin Klein a adoptar la estética grunge en sus prendas.
Pero su autodestrucción no era una pose ni una imagen de marca, sino la aflicción de un enfermo de la cabeza, del estómago y de la adicción. La última estrella del rock, en su último escrito, expresó su horror ante la idea de que Frances acabase “convertida en una rockera miserable, autodestructiva y muerta como yo”. “Su vida será más feliz sin mí. Frances me recuerda lo que yo fui: llena de amor y alegría, besando a todas las personas que conoce porque son buenas y no van a hacerle daño. Quiero demasiado a la gente, tanto que me pone triste y no soy capaz de superar la frustración, la culpabilidad y la empatía que siento hacia todo el mundo”. En cierto modo y según su forma de ver la vida, efectivamente, había utilizado esas armas para proteger a su familia. Cobain dirigió la carta a Boodah, su amigo imaginario de la infancia.
Hoy, cuando se puede comprar un muñeco de Kurt Cobain vestido como el videoclip de Smells Like Teen Spirit, la escasa discografía de Nirvana es como un texto sagrado. Sus últimos días, idealizados como un calvario religioso. Y las drogas que le mataron, romantizadas a medio camino entre la poesía y la vergüenza.
Pero más allá del mito, Cobain era un tipo insosteniblemente sensible (se manifestó en contra del machismo, el racismo y la homofobia ante las críticas de muchos de sus fans), bromista y humilde que no se odiaba a sí mismo, sino que no se daba ninguna importancia. Pero la acabó teniendo.
🎸⚡
Load up on guns,
Bring your friends
It's fun to lose and to pretend
She's overboard self assured
Oh no I know, a dirty word.
Hello, hello, hello, hello?
Hello, hello, hello, how low?
Hello, hello, how low, how low?
Hello, hello, hello.
With the lights out, it's less dangerous
Here we are now, entertain us
I feel stupid and contagious
Here we are now, entertain us
A mulato!
An Albino!
A mosquito!
My libido!
I'm worse at what I do best
And for this gift I feel blessed
Our little group has always been
And always will until the end
Hello, hello, hello, hello?
Hello, hello, hello, how low?
Hello, hello, how low, how low?
Hello, hello, hello.
With the lights out, it's less dangerous
Here we are now, entertain us
I feel stupid and contagious
Here we are now, entertain us
A mulato!
An Albino!
A mosquito!
My libido!
And I forget just why I taste
Oh yeah, I guess it makes me smile
I found it hard, it was hard to find
Oh well, whatever, nevermind
Hello, hello, hello, hello?
Hello, hello, hello, how low?
Hello, hello, how low, how low?
Hello, hello, hello.
With the lights out, it's less dangerous
Here we are now, entertain us
I feel stupid and contagious
Here we are now, entertain us
A mullato!
An albino!
A mosquito!
My libido!
A denial!(bis)
Nirvana - Smells like teen spirit.
Carga las pistolas,
trae a tus amigos.
Es divertido perder y fingir.
Ella está exageradamente segura de sí misma
Oh no, ya se, una palabra sucia.
Hola, hola, hola?
Hola, hola, hola, ¿cómo de bajo (vas a caer)?
Hola, hola, hola, ¿cómo de bajo (vas a caer)?
Hola, hola, hola.
Con la luz apagada, es menos peligroso.
Aquí estamos, entretennos
Me siento estúpido y contagioso.
Aquí estamos, entretennos
Un mulato,
Un albino,
Un mosquito,
Mi líbido
No soy bueno ni en lo que mejor hago.
Y me siento bendecido por este don.
Nuestro pequeño grupo ha estado siempre.
Y estará siempre hasta el final.
Hola, hola, hola?
Hola, hola, hola, ¿cómo de bajo (vas a caer)?
Hola, hola, hola, ¿cómo de bajo (vas a caer)?
Hola, hola, hola.
Con la luz apagada, es menos peligroso.
Aquí estamos, entretennos
Me siento estúpido y contagioso.
Aquí estamos, entretennos
Un mulato.
Un albino.
Un mosquito.
Mi líbido.
Y me olvido de porqué pruebo.
Oh si, creo que me hace sonreír.
Lo encontré difícil, era difícil de encontrar.
Oh bien, lo que sea, olvídalo.
¿Hola, hola, hola?
Hola, hola, hola, ¿cómo de bajo (vas a caer)?
Hola, hola, ¿cómo de bajo (vas a caer)?
Hola, hola, hola.
Con la luz apagada, es menos peligroso.
Aquí estamos, entretennos
Me siento estúpido y contagioso.
Aquí estamos, entretennos.
Un mulato.
Un albino.
Un mosquito.
Mi libido.
¡Una negación! (bis)
Nirvana - Smells like teen spirit - Huele a espiritu adolescente.
Mañana más Nirvana y segunda parte con Alice in Chains, Mudhoney, Soundgarden, Stone Temple Pilots, Green River.
The Presidents of the United States of America, Rage Againts the Machine.
The 5.6.7.8 ‘s y adelanto grupo Edad del oro español.
✊🤭 Cuidado con el Cornellazo.
Muxus!!!
💙❤️🍺
Editor My LOVE💣
... Salimos de la hibernación para sumergirnos con los maravillosos acústicos de Kurt Kobain.
Voz, alma y estilo...
Empieza el Weekend lluvioso...
https://youtu.be/iz3tmYDl6XI
Segunda parte Grunge🍺☝️🎸
La pesadilla del Cornellazo paso🤔😷
https://youtu.be/HSH--SJKVQQ
De maestro a otro genio.
https://youtu.be/hEMm7gxBYSc
Soledad y tristeza desatada☔
Mi chica, mi chica, no me mientas,
dime, ¿dónde dormiste anoche?
Entre los pinos, entre los pinos
donde el sol nunca brilla,
estuve tiritando toda la noche.
Mi chica, mi chica, ¿a dónde irás?
Voy a donde el frío viento sopla,
entre los pinos, entre los pinos,
donde el sol nunca brilla,
estuve tiritando toda la noche.
Su marido era un hombre trabajador
a apenas una milla de aquí,
fue encontrada su cabeza sobre el volante,
pero su cuerpo nunca fue encontrado.
Mi chica, mi chica, no me mientas,
dime, ¿dónde dormiste anoche?
Entre los pinos, entre los pinos
donde el sol nunca brilla,
estuve tiritando toda la noche.
Mi chica, mi chica, ¿a dónde irás?
Voy a donde el frío viento sopla,
entre los pinos, entre los pinos,
donde el sol nunca brilla,
estuve tiritando toda la noche.
Mi chica, mi chica, no me mientas,
dime, ¿dónde dormiste anoche?
Entre los pinos, entre los pinos
donde el sol nunca brilla,
estuve tiritando toda la noche.
Mi chica, mi chica, ¿a dónde irás?
Voy a donde el frío viento sopla,
entre los pinos, entre los pinos,
donde el sol nunca brilla,
estuve tiritando toda la noche.
Nirvana - Dónde dormiste anoche.
Descarga una detrás de otra💣⚡✊❤️🏴🏴☠️🎚️
Lithium
Nirvana.
I'm so happy
'Cause today I've found my friends
They're in my head
I'm so ugly
But that's okay, 'cause so are you
We broke our mirrors
Sunday morning
Is everyday, for all I care
And I'm not scared
Light my candles
In a daze, 'cause I've found God
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah, yeah
I'm so lonely
But that's okay, I shaved my head
And I'm not sad
And just maybe
I'm to blame for all I've heard
But I'm not sure
I'm so excited
I can't wait to meet you there
But I don't care
I'm so horny
But that's okay, my will is good
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah, yeah
I like it (I'm not gonna crack)
I miss you (I'm not gonna crack)
I love you (I'm not gonna crack)
I killed you (I'm not gonna crack)
I like it (I'm not gonna crack)
I miss you (I'm not gonna crack)
I love you (I'm not gonna crack)
I killed you (I'm not gonna crack)
I'm so happy
'Cause today I've found my friends
They're in my head
I'm so ugly
But that's okay, 'cause so are you
We broke our mirrors
Sunday morning
Is everyday, for all I care
And I'm not scared
Light my candles in a daze
'Cause I've found God
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah
Yeah, yeah, yeah
I like it (I'm not gonna crack)
I miss you (I'm not gonna crack)
I love you (I'm not gonna crack)
I killed you (I'm not gonna crack)
I like it (I'm not gonna crack)
I miss you (I'm not gonna crack)
I love you (I'm not gonna crack)
I killed you (I'm not gonna crack)
Litio
Estoy tan feliz
Porque hoy he encontrado a mis amigos
Están en mi cabeza
Soy tan feo
Pero está bien, porque tú también lo estás
Rompimos nuestros espejos
Domingo por la mañana
Es todos los días, por lo que a mí me importa
Y no tengo miedo
Enciende mis velas
Aturdido, porque encontré a Dios
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí, sí
Estoy tan solo
Pero está bien, me afeité la cabeza
Y no estoy triste
Y tal vez solo
Tengo la culpa de todo lo que he escuchado
Pero no estoy seguro
Estoy muy emocionado
No puedo esperar para verte allí
Pero no me importa
Estoy tan caliente
Pero está bien, mi voluntad es buena
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí
Si, si, si
Me gusta (no enloqueceré)
Te extraño (no enloqueceré)
Te amo (no enloqueceré)
Te maté (no enloqueceré)
Me gusta (no enloqueceré)
Te extraño (no enloqueceré)
Te amo (no enloqueceré)
Te maté (no enloqueceré)
Estoy tan feliz
Porque hoy he encontrado a mis amigos
Están en mi cabeza
Soy tan feo
Pero está bien, porque tú también lo estás
Rompimos nuestros espejos
Domingo por la mañana
Es todos los días, por lo que a mí me importa
Y no tengo miedo
Enciende mis velas
Aturdido, porque encontré a Dios
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí
Sí, sí
Si, si, si
Me gusta (no enloqueceré)
Te extraño (no enloqueceré)
Te amo (no enloqueceré)
Te maté (no enloqueceré)
Me gusta (no enloqueceré)
Te extraño (no enloqueceré)
Te amo (no enloqueceré)
Te maté (no enloqueceré)
Aún hay más ❄️🌧️🛹
En directo ✊
https://youtu.be/D742dNm1f8Q
Plata en camino con Alicia encadenada 🥃
https://youtu.be/QECJ9pCyhns
Adiós con una Masterpiece en directo ⚡💣
https://youtu.be/QVlo81A5mHc
De alguna manera, Alice in Chains fue el grupo fundamental de heavy metal de los noventa. Adoptando en igual medida los riffs pesados del metal post-Van Halen y la mentalidad sombría del post-punk, la banda fue al mismo tiempo capaz de atraer al público de heavy metal y de ser considerada uno de los principales exponentes del grunge de Seattle. Si bien esta dicotomía impulsó al grupo al estrellato con su segundo álbum, Dirt (1992), también fue responsable de su separación. El guitarrista Jerry Cantrell nunca ocultó su predilección por el éxito masivo, mientras que el cantante Layne Staley prefería el ambiente alternativo. Dividida por insalvables diferencias internas, la banda dejó de hacer giras y nunca pudo desarrollar todo su potencial. Staley murió en 2002 de una sobredosis. A fines de los años 2000, Cantrell reclutó al cantante William DuVall (Comes With The Fall) y reflotó Alice in Chains. Black Gives Way To Blue, el primer disco en estudio del grupo en casi quince años, apareció en 2009. The Devil Put Dinosaurs Here le siguió en 2013.
DISCOGRAFÍA DE ALICE IN CHAINS
Facelift (1990)
Dirt (1992)
Alice in Chains (1995)
Black Gives Way to Blue (2009)
The Devil Put Dinosaurs Here (2013)
Rainier Fog (2018)
Una joyita de principio a final.
https://youtu.be/Nco_kh8xJDs
La canción se refiere al fallecido cantante principal de Mother Love Bone, Andrew Wood, quien murió de una sobredosis de heroína en 1990. Las palabras "Would" y Wood son homófonos en inglés.
Remenber The Time, la heroína juntos a otros excesos en el Grunge.
🙌🧤🧱💉💊
Ya puede cuidarse Eddie Vedder. El líder de Pearl Jam representa la última vaca sagrada del grunge a la que han respetado la fama y los excesos derivados de su condición de estrella. Murió Chris Cornell (52 años), líder de dos bandas fundamentales del rock alternativo norteamericano, Soundgarden y Audioslave, y, probablemente, el tercero en discordia en disputarse el trono de Seattle a comienzos de la década de 1990, con el referido Vedder y aquel mártir oficial del movimiento, Kurt Cobain, el último socio del Club de los 27 antes de que Amy Winehouse recogiera el testigo.
Cornell era un gran cantante, un buen músico y un excelente compositor de canciones apocalípticas de guitarra afilada. Su muerte repentina confirma el malditismo del movimiento grunge, aquel género nacido en Seattle a caballo entre el punk y el heavy metal del que Eddie Vedder gobierna ya como único dios de ese Olimpo de chicos y chicas atormentados. El rock and roll no es refugio suficiente para curar el peso agobiante de la celebridad.
La llama del grunge se apagó el 5 de abril de 1994, cuando el cantante de Nirvana decidió esparcir sus sesos en una habitación de su casa de Seattle. Cobain, el breve; Cobain, el triste. De esperarse un poco más, habría asumido que el auténtico genio de Nirvana no era él, sino Dave Grohl. Podría haber compartido la asfixia de la gloria, pero le perdió la impaciencia. Con la consiguiente desaparición de la banda, Pearl Jam y Soundgarden reinaron a la par en Seattle. Su corte era de lujo: Alice in Chains, Stone Temple Pilots, Mudhoney, The Melvins, Mother Love Bond,... la Generación X, la llamaban, la gente nacida en la segunda mitad de los 60. Huérfanos de todo lo que abrazaron en la década anterior, se entregaron al grunge en Estados Unidos y al brit pop en Inglaterra porque parecía novedoso y les recordaba a la música que escuchaban sus hermanos.
Heroína, cocaína, suicidio. Aquella generación sabía tanto gozar como sufrir. De aquel hedonismo al que costó tanto subir y que tan poco duraba, se bajaba muy deprisa. Andrew Wood, vocalista de Malfunkshun y de Mother Love Bond, muerto de sobredosis en 1990; Shanon Hoon, líder de Blind Melon, muerto por sobredosis de cocaína en 1995; Layne Staley, letrista y vocalista de Alice in Chains, cuya vida acabó en 2002 tras una existencia adulta dedicada a una severa adicción a las drogas; Scott Weiland, líder de los Stone Temple Pilots (luego en Velvet Revolver), muerto en 2015 cuando viajaba en autobús de gira por Minnesota; Kristen Pfaff, bajista de Hole (el grupo de Courtney Love, la viuda de Cobain, la viuda de Seattle, la viuda del rock), encontrada muerta en una bañera en junio de 1994 tras inyectarse heroína; Mike Starr (Alice in Chains), hallado sin vida en 2011 en su domicilio de Salt Lake City. Con lo encontrado alrededor del cadáver se podría haber montado una farmacia.
Coincidiendo con la muerte de Scott Weiland, el último en unirse al grupo maldito del grunge, el ahora desaparecido Chris Cornell declaró a un portal de internet acerca de la adicción a las drogas: «Si una persona realmente quiere mejorar, no creo que al final del día cualquier cosa puede detenerlos. Pero si una persona no quiere, no lo hará». Cornell parecía haberse librado de la esclavitud de las drogas, pero nada impidió que el malditismo del grunge acudiera puntual a su cita con uno de sus hijos predilectos.
Eddie Vedder, cuídate mucho👍
Know me, broken by my master
Conóceme, destrozado por mi maestro.
Teach thee, on child of love hereafter
"Te enseñaré, chico amoroso, de aquí en adelante".
Into the flood again
Dentro de la corriente otra vez,
Same old trip it was back then
el mismo antiguo viaje ha vuelto.
So I made a big mistake
Entonces, he cometido un gran error,
Try to see it once my way
intenta verlo una vez a mi manera.
Drifting body, it's sole desertion
El cuerpo a la deriva es su sola deserción,
Flying, not yet quite the notion
volando, aunque sin llegar a la noción.
Into the flood again
Dentro de la corriente otra vez,
Same old trip it was back then
el mismo antiguo viaje ha vuelto.
So I made a big mistake
Entonces, he cometido un gran error,
Try to see it once my way
intenta verlo una vez a mi manera.
Into the flood again
Dentro de la corriente otra vez,
Same old trip it was back then
el mismo antiguo viaje ha vuelto.
So I made a big mistake
Entonces, he cometido un gran error,
Try to see it once my way
intenta verlo una vez a mi manera.
Am I wrong?
¿Estoy equivocado?,
Have I run too far to get home?
¿he huido demasiado lejos para llegar a casa?,
Have I gone and left you here alone?
¿me marché y te dejé aquí solo?
Am I wrong?
¿Estoy equivocado?,
Have I run too far to get home?
¿he huido demasiado lejos para llegar a casa?,
Have I gone and left you here alone?
¿me marché y te dejé aquí solo?
If I would, could you?
Si lo hiciera, ¿tú podrías?
En acústico 👊
https://youtu.be/nWK0kqjPSVI
De lo suave a lo contundente ⚡
https://youtu.be/352RBWh6ViU
A veces es mejor morir joven dentro de lo cabe antes que acabar como un despojo entre escombros.
Circunstancias propias y ajenas, que la vida da muchas vueltas, pero siempre luchando y resistiendo.
La penúltima, nunca la última 🧾🚪
🕓📢🚬
Nada como el vinagre para la suciedad.
https://youtu.be/7PWkN9viNxA
Gero Arte ALICE!
Una buena introducción antes de otras de las principales, remenber the time:
En el rock, al igual que en cualquier otro terreno, la historia la escriben los que ganan, y los que no fueron derrotados pero tampoco pueden jactarse de alguna victoria, pasan a segundo plano. A la hora de repasar la cronología del grunge, los nombres que pisan fuerte no escapan la obviedad: Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains y, qué duda cabe, Nirvana. Esta jerarquización deja fuera del cuadro a Mudhoney, un grupo que en algún momento jugó en la misma liga que los artistas antes mencionados (o incluso antes), pero al que le tocó verla pasar mientras sus colegas subían a romperla con ganas.
Liderado por Mark Arm y el guitarrista Steve Turner, el grupo fue a fines de los 80 uno de los mascarones de proa de Sub Pop, el sello clave de la escena, que supo darle una oportunidad a todos aquellos grupos a quienes las multinacionales estaban ignorando. Con el tiempo, Mudhoney tuvo lo que sus demás colegas habían conseguido antes: un contrato con una discográfica internacional. La experiencia llegó tarde y horadó su cantera creativa durante la última etapa de los 90. La única solución posible era volver a casa, y así fue como la banda de Seattle volvió a su primer sello para continuar con una carrera que se traduce a diez álbumes de estudio en veinticinco años y una cantidad similar de EP’s y discos en vivo.
Su relación histórica con su sello hace que tenga sentido que su próxima presentación en Buenos Aires, sea en el marco de un festival de Sub Pop, en donde compartirán cartel con los canadienses METZ, uno de los nuevos fichajes del sello. Antes de viajar a Argentina, Steve Turner repasa algunas de las cosas por las que ha pasado su banda, y por qué está conforme con el lugar que les toca ocupar dentro de la historia del rock.
Van a estar tocando en un festival que celebra a Sub Pop, ¿cuál pensás que es el aporte que tuvo el sello a la escena rockera?
Fueron una parte muy importante de la escena de Seattle cuando empezamos junto a Nirvana y Soundgarden, y obtuvieron una buena reputación. Nos apoyaron mucho y le dieron un foco a la escena, y creo que eso fue lo que atrajo la atención en el resto del mundo. A través de los años mantuvieron una actitud muy alegre respecto a las cosas que publicaron, y eso es bastante atractivo. Siempre encuentran cosas copadas para publicar en cualquier género, y tienen gente que realmente ama la música en vez de alguien que esté tratando de encontrar a la próxima gran cosa. Después de la explosión de Nirvana tuvieron un par de años en los que perdieron un poco el rumbo, pero se reencauzaron cuando se dieron cuenta de que nunca iban a ser un sello multinacional.
Lo irónico es que cuando eso pasó ustedes decidieron pasarse a Reprise, que pertenece a una multinacional...
Sí, nos mudamos porque nos parecía que ellos no tenían muy en claro qué querían hacer, pero lo corrigieron relativamente rápido. A finales de los 90 ya eran de vuelta un sello bastante bueno. No me gusta todo lo que sacan, pero tampoco tiene que hacerlo.
Una vez dijiste que después de la muerte de Kurt Cobain hubo una reacción negativa hacia ustedes por parte de la prensa, como si se burlaran porque todavía siguieran en actividad. ¿Qué pasó?
Me dio esa impresión más que nada en Inglaterra. Allá tienen esos semanarios musicales y revistas que tienden a agarrar algo y venderlo como la mejor cosa en todo el mundo, solo para pisotearla un par de años más tarde. Me la veía venir y fue muy obvio, así que no puedo culparlos, a decir verdad. El gran público estaba un poco cansado de toda la escena grunge, y para mucha gente eso terminó de una manera trágica, con su héroe máximo muriendo de manera confusa. Parecía que era un callejón sin salida para mucha gente, literalmente. Nunca fuimos así de grandes, de todos modos, pero creo que después de un par de años gran parte del público ya no quería tener que saber más nada con nosotros, ja. Lo que haya sido lo superamos, seguimos sacando discos y nos divertimos haciendo nuestras cosas.
Conociste a Mark Arm cuando tocaba con su primer grupo, Mr Epp and The Calculations, y lo describiste como la peor banda del mundo: ¿qué te llevó a querer sumarte a ese proyecto?
La respuesta más sincera que encontré a lo largo de los años es que me gusta mucha música de mierda. Ellos apenan sabían tocar, y la única persona que sostenía todo eso era Tayla Christian, el baterista. Mark no podía tocar la guitarra, y John Smitty se daba maña con cantar, tocar el saxo y cualquier otro instrumento que se cruzara en su camino. Era algo bastante vago y divertido, tenían un muy buen sentido del humor, y les gustaba desafiar a los punk rockers. Yo ya me había dado cuenta que muchos punks eran tontos y de mente cerrada, y fue algo que me sorprendió porque esperaba que fuera una cosa en la que todos nos alejásemos del pasado para crear algo nuevo. Además, ellos eran bastante nerds y yo también, así que no dudé en sumarme a la banda.
El suicidio de Kurt Cobain es para varios el momento en el que finalizó el grunge. ¿Cuál creés que fue el legado de la escena, veinte años después?
Es una historia mayor dentro del relato global del rock and roll y de la cultura popular en general. Lo de Kurt es una tragedia, y no sé qué se puede aprender de eso. La historia está llena de gente torturada que se suicida, y es algo muy triste. Hubo muchas otras tragedias en la escena de Seattle, como en todos los aspectos de la vida. Al margen, creo que la música se sostiene por sí sola. Me puso muy contento ver a Soundgarden de vuelta en actividad, y que Pearl Jam siga girando, con quienes tocamos bastante seguido. Es una parte muy importante de mi vida, así que me gusta volver a ver sobre un escenario a la gente con la que crecí tocando.
Tanto los miembros de Nirvana como los de Sonic Youth eran grandes fans de Mudhoney, ¿no te resulta irónico ser admirado por bandas que se volvieron más grandes que ustedes?
Sonic Youth ya era más grande que nosotros cuando empezamos, y nos ayudaron bastante. Nos llevaron a Inglaterra en 1989 y eso fue un empujón enorme porque hizo que mucha gente nos prestara atención porque para muchos ellos definían el gusto. Nunca pensamos que íbamos a durar veinticinco años, así que jamás pensamos que podríamos ser una banda bastante grande. Nunca podés saber qué es lo que la vida tiene deparado para vos, y nosotros sabíamos muy bien qué lugar ocupábamos en el cuadro general. Quizás deberíamos haber sido más ambiciosos, pero eso podría haber cambiado la música en sí, así que no sé.
Hace unas semanas salió una biografía oficial del grupo, The sound and the fury from Seattle. ¿Te resulta extraño haber llegado a un punto en donde escriben un libro sobre ustedes?
Está bueno. No es algo que hubiéramos pensado que podría llegar a pasar, pero me honró que Keith Cameron (periodista de la revista inglesa Mojo) quisiera escribirlo. Nos conoce hace mucho, pero así y todo fue algo que nos dejó atónitos a todos. Era como pensar "Man, hicieron una película sobre nosotros, ahora un libro... parece como si hubiéramos muerto en un accidente de avión o algo así", ja.
Por Joaquín Vismara
https://youtu.be/MnB7zNrnRqk
Diversión asegurada.
Buena descarga guitarrera🖖
https://youtu.be/_nGsT_qFMBs
Pura distorsión 🎸🎸🎸🎸🎸🎸🎸
https://youtu.be/yun1IlBnDmY
Live con bonitas vistas.
https://youtu.be/CsjSDQ_MrV8
Sonido especial, limpio, onírico y fundamental.
Formados en 1984 en Seattle, Washington, USA.
ESTILOS: Alternative Metal, Alternative/Indie Rock, Grunge, Heavy Metal, Alternative Pop/Rock.
MIEMBROS:Chris Cornell, Kim Thayil, Matt Cameron, Ben Shepherd, Hiro Yamamoto, Jason Everman, Scott Sundquist
WEB: https://www.soundgardenworld.com/
Soundgarden fue formada en 1984 por Chris Cornell e Hiro Yamamoto bajo el nombre de The Shemps, ocupándose Chris de la batería al mismo tiempo que era vocalista, mientras que Yamamoto se encargaría del bajo. Más tarde se uniría al grupo Kim Thayil como guitarrista. Éste se había trasladado a Seattle desde Park Hill, Illinois, con Yamamoto y Bruce Pavitt, quien acabaría siendo más tarde el co-fundador del sello discográfico Sub Pop. La banda obtuvo su nombre de una instalación artística conocida como The Sound Garden, ubicada en Seattle al aire libre y que producía sonidos espeluznantes cuando el viento atravesaba unos tubos de metal. Esta obra artística es propiedad de la NOAA, con sede cercana al parque Magnuson de Seattle. Al comienzo Cornell tocaba la batería mientras cantaba, hecho que propició la introducción en la banda de Scott Sundquist para liberarle de la misma y permitirle concentrarse en la parte vocal. El grupo grabó dos canciones que aparecieron en un recopilatorio llamado 'Deep Six', para el sello discográfico C/Z Records, que también incluía canciones de los grupos Green River, Skin Yard y The Melvins. En 1986 Sundquist abandonó la banda y fue reemplazado por Matt Cameron, el cual había sido batería en Skin Yard.
La primera grabación del grupo fue el tema «Incessant Mace» para el sello C/Z Records, que lo incluyó en la cinta Phyrric Victory de la que sólo se distribuyeron 250 copias. Después de una de las primeras actuaciones de la banda, un locutor de una emisora de radio estadounidense, Jonathan Poneman, convenció a Bruce Pavitt, gerente de Sub Pop, para que Soundgarden firmase un contrato con la discográfica. Aunque en un principio la banda no impresionó a Pavitt, éste les ofreció un contrato discográfico según el cual el sello donaba 20.000 dólares a la banda para financiarse sus primeros trabajos. Gracias a este dinero, el grupo grabó y publicó los EP’s 'Screaming Life' en 1987 y 'Fopp' en 1988. En 1990 se lanzó un recopilatorio que reunía ambas publicaciones, titulada 'Screaming Life/Fopp'. A pesar de que Soundgarden estaba siendo pretendido por las discográficas más importantes del panorama musical, firmaron en 1988 un contrato con SST Records, sello en el que sacarían su álbum debut, 'Ultramega OK', por el que ganaron una nominación a un Grammy en la categoría de Mejor Interpretación de Metal. El disco consiguió bastante popularidad gracias a la emisión frecuente del vídeo musical del single «Flower».
En 1989 la banda sacó su primer álbum con una multinacional: 'Louder than Love', lanzado a través del sello A&M Records. Después de sacar este disco, Hiro Yamamoto abandonó la banda para regresar a sus estudios universitarios, siendo reemplazado rápidamente por Jason Everman, guitarrista por aquel entonces en Nirvana. Everman aparecería solamente en el vídeo 'Louder than Live', ya que más tarde sería reemplazado por Ben Shepherd, quien se convertiría en el bajista permanente de la banda. La firma de la banda con una compañía multinacional causó una división entre los fans de la banda y Soundgarden. Kim Thayil dijo al respecto: «Al principio, nuestros fans venían de la masa punk. Nos abandonaron cuando vieron que habíamos vendido nuestros principios punk, metiéndonos en un sello mayor y tocando con Guns ‘N Roses. Había cuestiones de imagen y cuestiones culturales, y la gente pensó que no íbamos a pertenecer más a su escena, a su sub-cultura particular». En 1991 la nueva formación graba 'Badmotorfinger'. Aunque se trató de un disco exitoso, fue relegado a un segundo plano debido a la repentina popularidad de 'Nevermind' de Nirvana.
Al mismo tiempo, la atención traída por 'Nevermind' a las bandas del movimiento musical de Seattle, brindó a Soundgarden una mayor atención, haciendo que las canciones «Outshined» y «Rusty Cage», extraídas de 'Badmotorfinger', encontraran un hueco en emisoras de radio alternativas y en la propia MTV. Además, la polémica ocasionada por la negativa de MTV a emitir el vídeo de la canción «Jesus Christ Pose», de tintes anticristianos, dio a conocer más profundamente la música del grupo. La banda se fue de gira con Guns ‘N Roses como respaldo al álbum editado y más tarde realizaría el vídeo 'Motorvision', que sería filmado en la propia gira. Soundgarden también hizo acto de presencia en el Lollapalooza de 1992, tocando con Red Hot Chili Peppers, Pearl Jam y Ministry, entre otros. La banda se benefició a su vez del éxito del disco homónimo de Temple of the Dog, un proyecto iniciado por Cornell para homenajear la muerte de Andrew Wood, (sobredosis de heroína) vocalista de Mother Love Bone y ex-compañero de piso de Cornell. La banda apareció en la película Singles tocando «Birth Ritual», canción que aparecería en la banda sonora original de la película, además de una canción con Cornell como único interprete, titulada «Seasons». En la película también figuró un fragmento de la versión demo de «Spoonman», canción que aparecería en 'Superunknown', en 1994.
'Superunknown' marcó un punto de ruptura en la banda, conteniendo los sencillos «Black Hole Sun», «Spoonman», «The Day I Tried to Live» y «Fell on Black Days». Las canciones contenidas en 'Superunknown' capturaban la creatividad de sus primeros trabajos, mientras que exhibía los aspectos más comerciales del grupo. En cuanto a las letras de las canciones, el álbum fue bastante oscuro y misterioso, ya que la mayoría trataban temas acerca del abuso de sustancias, el suicidio y la depresión. Muchas canciones tenían un toque indio o del medio oriente, como «Fell on Black Days» y «Half», en la que figura el bajista Ben Shepherd como vocalista en lugar de Cornell. 'Superunknown' alcanzó el número uno en las listas de éxitos americanas en su primera semana y vendió más de tres millones de copias en los Estados Unidos, haciendo un total de seis millones en todo el mundo. Este disco le valió a Soundgarden dos premios Grammy, un premio MTV y un premio otorgado por la revista Rolling Stone.
El último disco de Soundgarden fue producido por ellos mismos en 1996 y se llamó 'Down On the Upside'. Fue notablemente menos heavy que los discos anteriores. El álbum engendró numerosos singles, entre los que se encuentran «Pretty Noose», «Blow Up the Outside World» y «Burden in my Hand». La banda explicó que querían diversificarse y explorar otros sonidos. Sin embargo, se dieron tensiones dentro del grupo durante las sesiones de grabación, ya que Cornell quería librarse de los característicos riffs de Kim Thayil, que se habían convertido en su seña de identidad en discos anteriores, lo cual molesto a Thayil. Como resultado, Chris Cornell terminó tocando muchos de los solos de guitarra que aparecerían en el mismo. Debido a fuertes críticas, el disco no alcanzó las ventas de su predecesor, aunque llegó al segundo puesto del Billboard y vendió más de un millón de copias. Las tensiones continuaron creciendo durante la gira realizada con motivo de este último disco. En la parada final de la gira, que tuvo lugar en Honolulu, Hawaii, en febrero de 1997, Shepherd lanzó su bajo al aire ante la frustración provocada por los fallos constantes que sufría el equipo instrumental, que cayó al escenario estruendosamente. La banda se retiró y Cornell regresó para concluir el concierto con un solo de guitarra. El 9 de abril de 1997 la banda anunció su separación. El último lanzamiento de Soundgarden, un recopilatorio de grandes éxitos titulado 'A-Sides', certificó la ruptura final.
Cornell trabajó en un álbum individual titulado 'Euphoria Morning' y después formaría el grupo Audioslave con antiguos miembros de Rage Against the Machine, separado en febrero de 2007. Posteriormente editaría su segundo disco en solitario, 'Carry On', en 2007.
Matt Cameron centró sus esfuerzos en la otra banda en la que estaba involucrado, Wellwater Conspiracy. Durante este tiempo se rumoreó que podría ser el sustituto de Jimmy Chamberlin en The Smashing Pumpkins. Sin embargo, este rumor fue totalmente desmentido cuando se confirmó su participación en la de gira de Pearl Jam en 1998 con motivo del lanzamiento del disco 'Yield'. Al finalizar la gira, se anunció su unión permanente a la banda.
Kim Thayil unió fuerzas con el ex-vocalista de Dead Kennedys, Jello Biafra, el bajista de Nirvana, Krist Novoselic y el baterista Gina Mainwal para un único concierto, realizado como el grupo The No WTO Combo durante la conferencia ministerial de la WTO que tuvo lugar en Seattle el 1 de diciembre de 1999. Posteriormente Thayil contribuyó como guitarrista en el disco '999 Levels of Undo' de Steve Fisk publicado en el año 2001, y en el proyecto paralelo de Dave Grohl, Probot, que vio la luz en el año 2004.
Ben Shepherd fue de gira con Mark Lanegan y sacó el segundo disco de Hater en 2005, mientras aparecía ocasionalmente en discos de Wellwater Conspiracy.
En respuesta a los fuertes rumores que afirmaban una futura reunión de la banda, Chris Cornell declaró en octubre de 2005 que probablemente no ocurriese. 'Es como si hubiésemos sellado la tapa diciendo, esto es Soundgarden y esto es lo que duró, y lo pusimos ahí. Creo que volver juntos significaría destapar el bote y cambiaría lo que me parece que es la duración perfecta de la banda. No encuentro ninguna razón por la que tener problemas por ello'. En entrevistas posteriores a la ruptura de Audioslave en febrero de 2007, Cornell dijo que ninguno de los miembros estaba interesado en una reunión. El 1 de enero de 2010, el vocalista Chris Cornell anunció a través de Twitter y Facebook la reunión de Soundgarden después de doce años de inactividad.
DISCOGRAFIA
1987- Screaming Life / Fopp
1988- Ultramega OK
1989- Louder Than Love
1991- Badmotorfinger
1994- Superunknown
1996- Down On The Upside
1997- A-Sides
2011- Live On I-5
2012- King Animal
El cantante y compositor Chris Cornell, líder de la banda Soundgarden y pionero del movimiento grunge, murió a los 52 años tras un concierto en la ciudad de Detroit, en Estados Unidos.
La policía de Detroit había apuntado al suicidio como posible causa de muerte del reconocido artista, dato que confirmó posteriormente el forense médico.
"La muerte fue dictaminada como suicidio por ahorcamiento", le dijo a BBC Mundo James Martínez, portavoz de la oficina del forense médico del condado de Wayne, en Michigan.
El cuerpo de Cornell fue encontrado sin vida en la habitación de su hotel en Detroit, donde se encontraba de gira por el regreso de Soundgarden, la mítica banda de grunge que se formó en Seattle en 1984.
También era conocido por otro popular grupo de rock, Audioslave, además de formar parte de la "superbanda" Temple of the Dog.
Una voz inconfundible.
Cornell fue uno de los artistas que dieron forma e impulsaron internacionalmente a la música grunge, considerado por muchos como el último gran subgénero del rock.
En directo:
https://youtu.be/O3APMu6zIiM
Video:
https://youtu.be/3mbBbFH9fAg
Con letra:
https://youtu.be/T0_zzCLLRvE
Otra más hombre cuchara❄️
https://youtu.be/_Ai4I-59Oog
Directo💣
Video fondo muy Pink Floyd 🤚
https://youtu.be/14r7y6rM6zA
Stone Temple Pilots.
Formado en
San Diego, San Diego County, California, Estados Unidos.
Miembros:
Chester Bennington (2013 – 2015)
Dean DeLeo
Eric Kretz
Jeff Gutt (2017 – presente)
Robert DeLeo.
Este grupo se formó a principios de la decada de 1990 en la ciudad de San Diego, Estados Unidos. Enmarcados en la tendencia Grunge, fueron contemporáneos de Pearl Jam, Nirvana, Alice in chains, Soundgarden y Faith No More, entre otros. A pesar de sufrir notorias acusaciones de copiar el estilo de otros grupos (sobre todo a Pearl Jam), gracias a su single "Plush" Stone Temple Pilots sobrevive a las feroces críticas y escribe su particular página en la historia de la música con cinco LP's autónomos y en progresivo desarraigo con las tendencias y modas musicales del momento. Muchas de sus composiciones responden a un alto nivel de composición e interpretación técnica y vocal. Su cantante - Scott Weiland - desarrolla melodías de voz altamente sugestivas a través de un color de voz cálido, con giros de voz y registros asombrosos en tonos altos, medios y bajos. Scott, personaje polémico y controvertido, ha usado su voz en colaboración con músicos de diferentes estilos, ganándose a pulso el reconocimiento como una de las grandes voces de nuestro tiempo. El resto de los componentes de Stone Temple Pilots (Robert DeLeo en el bajo, Dean DeLeo en guitarra y Eric Kretz en batería y percusión) también aportaron a nivel individual un poderoso foco de identidad al grupo.
El bajista Robert Deleo y Scott Weiland se conocieron en un concierto de Black Flag, y se dieron cuenta que estaban saliendo con la misma chica. Pronto se dieron cuenta que tenian gustos musicales similares y decidieron armar una banda. Para ello Robert llamo a su hermano Dean DeLeo para ocupar el puesto de guitarrista. La bateria fue tomada por Eric Kretz.
Los discos Core y Purple se mantienen dentro de la linea del movimiento grunge (Sin, Crackerman) aunque el segundo con temas mas suaves y algunas baladas (Big Empty, Intersate Love Song). Entre estos dos primeros discos, STP tambien aparece en un MTV Unplugged, pero nunca sacan un cd oficial, y los temas de ese acustico son rarezas y sencillos del primer y sengundo cd.Tiny Songs… Music From The Vatican Gift Shop se aleja del movimiento grunge y juega entre el indie, el noise y lo alternativo (Tumble in the rough, Bing Bang Baby). En 1999 vuelven a dar un cambio de direccion a su música con Nº4, que contiene temas mas pesados que todos los discos anteriores con temas como Pruno, Heaven & Hot Rods y Sex & Violence; pero a la vez temas calmados y melancolicos como Sour Girl y Atlanta.
En el 2001 lanzan su ultimo cd de estudio, Shangri- La Dee Da, que cuenta con temas como Dumb Love, Hollywood Bitch o Days of the week; fue un disco que no conto con el apoyo del publico en general a pesar de ser un buen disco.
El grupo se disuelve en el 2003 tras varios años caminando por la fina línea del amor y el odio del público con un disco recopilatorio Thank You. Entre sus avales se encuentra el haber vendido millones de copias por todo el mundo y actuar en incontables conciertos y festivales.
Después de la separacion de Stone Temple Pilots, Weiland se reunió con algunos integrantes de Guns 'n Roses para formar Velvet Revolver, banda con la cual saco dos cds hasta la fecha: Contraband y Libertad. Los hermanos DeLeo formaron la banda Army of Anyone con el baterista Ray Luzier y el cantante Richard Patrick del grupo Filter, el grupo saco solo un LP homónimo sin repercusión.
El Regreso:
A comienzos del 2008 Weiland retoma relaciones con sus viejos compañeros y debido a peleas de Weiland con Velvet Revolver sale del grupo para volver a Stone Temple Pilots, arrancando más adelante la gira Rock on the Range desde Ohio, con fechas confirmadas en todo America, es importante destacar la primera gira latinoamericana de la banda que mayoritariamente solo realizó giras en su país de origen.
A fines de Mayo del 2010, se da a conocer a nivel mundial el sexto disco de estudio de Stone Temple Pilots bajo un título homónimo. Tras varias disputas legales Atlantic Records logra editar el tan esperado regreso discográfico del cuarteto de San Diego .
Between The Lines es el primer corte de difusión que se distribuye previo al lanzamiento oficial de la nueva placa discográfica. El corte logra muy buena aceptación por parte del público y de la crítica especializada hasta llega a esperanzar a que la banda regresaría a sus comienzos musicales. Pero no es así y con el resto de los temas se ve una gran variedad musical que fluctúa entre el grunge, el pop y los riffs setenteros que influenciaron al sonido de la banda.
Posteriormente se lanzó el segundo single bajo el nombre de Take a Load Off. Tiene un video que con imágenes de varias giras que ha tenido STP a lo largo de estos 2 últimos años.
Discografía:
* Core (1992)
* Purple (1994)
* Tiny Music… Songs from the Vatican Gift Shop (1996)
* No. 4 (1999)
* Shangri - La Dee Da (2001)
* Thank You (2003)
* Stone Temple Pilots (2010)
Sus singles más conocidos:
Plush (Core)
Creep (Core)
Sex Type Thing (Core)
Sin (Core)
Wicked Garden Core)
Interstate Love song (Purple)
Vasoline (Purple)
Big Bang Baby (Tiny Music…Songs from the Vatican Gif)
Lady Picture Show (Tiny Music…Songs from the Vatican Gif)
Sour Girl (No. 4)
Down (No. 4)
Days of the week (Shangri-La Dee Da)
Beetween The Lines (Stone Temple Pilots)
Take a Load Off (Stone Temple Pilots)
El 3 de diciembre de 2015, el vocalista original de Stone Temple Pilots, Scott Weiland fue hallado sin vida en un autobús durante una gira en Minnesota, según la policía del caso, Weiland murió de un paro cardíaco a causa de drogas mezcladas con alcohol.
Directo al cerebro 🎸✊🏴☠️💣🤚
Peluche
Y siento que el tiempo es una pérdida de tiempo
Entonces, ¿a dónde vas mañana?
Y veo que estas son mentiras por venir
¿Te importaría?
Y lo siento
Y lo siento
¿Adónde vas mañana?
¿Adónde vas con esa máscara que encontré?
Y siento, y siento
Cuando los perros comienzan a oler su
¿Huelerá sola?
Y siento que depende mucho del clima
¿Está lloviendo en tu habitación?
Y veo que estos son los ojos del desorden
¿Te importaría?
Y lo siento
Y ella lo siente
¿Adónde vas mañana?
¿Adónde vas con esa máscara que encontré?
Y siento, y siento
Cuando los perros comienzan a oler su
¿Huelerá sola?
Cuando los perros la encuentren
Tengo tiempo, tiempo para esperar mañana
Encontrarlo, encontrarlo, encontrarlo
Cuando los perros la encuentren
Tengo tiempo, tiempo para esperar mañana
Encontrarlo, encontrarlo, encontrarlo
¿Adónde vas mañana?
¿Adónde vas con esa máscara que encontré?
Y siento, y siento
Cuando los perros comienzan a oler su
¿Huelerá sola?
Cuando los perros la encuentren
Tengo tiempo, tiempo para esperar mañana
Encontrarlo, encontrarlo, encontrarlo
Cuando los perros la encuentren
Tengo tiempo, tiempo para esperar mañana
Encontrarlo, encontrarlo, encontrarlo
Para encontrarlo
Para encontrarlo
Para encontrarlo
Y encontramos más 🌧️🌈
Salió el Arco Iris.
https://youtu.be/yjJL9DGU7Gg
Siempre hay que leer entre líneas.
🤔
https://youtu.be/JzS590AkE6c
Rock sin Sexo y diversión, comida de ENAJENADOS; cariñosamente locura idílica.
https://youtu.be/8hhu-OyHqZM
Un Strip?🌹🏴☠️
👄
https://youtu.be/ds_43MdYiuQ
Rozando el final con horizontes de negras tormentas y barricadas directas.
Live... antes del apunte 🕖
Al comienzo del año 1984, se formaron las primeras bandas de grunge en Seattle. Mark Arm (guitarrista y vocalista), Steve Turner (guitarrista), Jeff Ament (bajo eléctrico) y Alex Vincent (batería) fueron la primera formación, a la que luego se incoporaría Stone Gossard en la guitarra, reemplazando a Mark Arm, quien deseaba ser vocalista. Algunos de ellos se habían encontrado en proyectos musicales anteriores: Mr. Epp, The Limp Richerds (del cual fueron parte el vocalista Mark Arm y Steve Turner), Spluii Numa (al cual perteneció Alex Vincent), Deranged Diction (integrado, en parte, por Jeff Ament) y Ducky Boys(en el cual se encontraron Steve Turner y Stone Gossard).
El primer tema de Green River, Swallow my pride (parte de su primer sencillo), es el más famoso de su repertorio y fue incluido en la banda sonora del documental Hype! (1996). Además, ha sido versionado por bandas como: Pearl Jam, Soundgarden y Fastbacks, cuya versión fue incorporada al disco compilatorio Sub Pop 200.
Señoras y señores los presidentes de los United States Of América 🇺🇸
The Presidents of the United States of America (Los Presidentes de los Estados Unidos de América, en español), comúnmente conocidos como The Presidents, PUSA (de ahora en adelante) o The Presidents of the USA, fue una banda norteamericana de rock alternativo dos veces nominada a los Grammy.[1] La banda se formó en Seattle, USA en 1993. La formación consta actualmente de tres componentes: Jason Finn, Chris Ballew y Andrew McKeag. El cantante Dave Dederer dejó la banda en 2004, después de 11 años. Han editado desde su formación 5 álbumes de estudio.
https://youtu.be/AQVj4QNZ90Q
Acelerados y divertidos...
Ahora un poquito de rabia contra el sistema (y el fascismo) que siempre existió a lo largo de toda la historia de la humanidad con otros nombres o referencias según siglo y época.
Perdón fuera de contexto no es lo mismo 🤭🏴☠️
No te estires tanto (aunque quisieras) como tú idolatrado cómic, el es un personaje ficticio...pero después de todo tú sigues siendo sin duda alguna de carne y hueso.
Adorable "Pepe Grillo" (que putada) yo no tengo martillo, ni lo quiero tampoco🤚
O MIERDA!!!
VAMOS!!!
https://youtu.be/T8XiUrpn6u4
La banda angelina Rage Against The Machine se formó a principios de los 90 y despuntó rápidamente gracias a su fusión de rap y metal. Famosa por sus inclinaciones políticas izquierdistas, las incendiarias letras de su vocalista Zach de la Rocha encontraron el complemento perfecto en los riffs llenos de adrenalina del guitarrista Tom Morello. Su sorprendente álbum debut catapultó instantáneamente al conjunto al Olimpo del rock de guerrilla, un género que cultivaron sin descanso hasta su disolución en el año 2000. El grupo ha vivido reuniones posteriores, a partir del año 2007, aunque,z Mon solo para tocar en directo.
Mucha gente une a RATM con su éxito Killing In The Name y no es de extrañar. Pero el grupo de Los Ángeles es mucho más que un éxito de los 90. Estos pioneros del rap metal moldearon muchas otras perlas donde el jazz, el funk y la rabia contra el sistema crearon un nuevo estilo tan influyente como sus propias letras.
Fuente: Apple Music
DISCOGRAFÍA DE RAGE AGAINST THE MACHINE
Rage Against the Machine (1992)
Evil Empire (1996)
The Battle of Los Angeles (1999)
Renegades (2000)
Estrella 5 puntas Roja.🌧️🐾🚩
A todos nos queda mucho por aprender en la vida, menos a los presidentes de los STATES.
De joven a viejo en 1,2,3...
Dudo mucho que algún ente inteligente quisiera invadir este planeta de locos.
Exceptuando tal vez por los recursos y naturaleza.
Tal vez se quedarán con algo de la sabiduría desarrollada a lo largo de miles años.
Quien sabe?
Nostradamus en sus cuartetas adelantó lo que parece el principio del fin del mundo 👏🤭
Nada es eterno!
Llegan los BONUS Tracks 🎸
Algunos decían que era hablar por hablar; como no nos vemos.... ni nos conocemos realmente...
https://youtu.be/Z0GFRcFm-aY
Aunque me gustan más los contorneos y desnudos ocultos de la siguiente.
:facepalm:
https://youtu.be/QhwdcdoSP2Y
El vídeo tuvo problemas 🏴☠️
Dulce sobremesa con una japonesa.
John Michael Stipe nos sirve con un rápido movimiento ocular una maravillosa copa de té verde.
Podemos hablar del tiempo o el gobierno con nuestras amables y delicadas Gheisas...
Surf, Garaje and Rock"N" Roll GO!!!
Tarantino, tarará...
La Katana está preparada🌩️
https://youtu.be/8BzQ0ytaJtk
Los que hablan de toxicidad a veces no se miran al espejo propio y ajeno.
Bueno el domingo Barcelona visita la Dama, NO!!!
La mejor de las suertes, la necesitaran, es muerte o susto a salto de mata...
Adelanto Edad del Pop Español.
Buena sintonía para un programa nocturno de Radio🚩
Un día más me quedaré sentado aquí
En la penumbra de un jardín tan extraño
Cae la tarde y me olvidé otra vez
De tomar una determinación
Esperando un eclipse
Me quedaré
Persiguiendo un enigma
Al compás de las horas
Dibujando una elipse
Me quedaré
Entre el sol y mi corazón
Junto al estanque me atrapó la ilusión
Escuchando el lenguaje de las plantas
y he aprendido a esperar sin razón
Soy metálico en el Jardín Botánico
Con mi pensamiento sigo el movimiento
De los peces en el agua
Un día más me quedaré sentado aquí
En la penumbra de un jardín claustrado
Cae la tarde y me olvidé otra vez
De tomar una determinación
Esperando un eclipse
Me quedaré
Persiguiendo un enigma
Al compás de las horas
Dibujando una elipse
Me quedaré
Entre el sol y mi corazón...
Con la tormenta llegando estos últimos 5 temas acompañan de verdad...
El primero:
Segundo:
https://youtu.be/4aeETEoNfOg
Sueños, tristeza, sandwiches de queso, necesidad, dinero, trabajo, sensibilidad a flor de piel, lluvia, virtuosismo, delicadeza, promesas, futuro, coches, amor incomprendido, noche, la ciudad, luces y sombras, presente y futuro...
Blue Nile con dos discos legendarios de los 80,s. obras maestras 🥃🎸🚬
Tercero:
Años de actividad
1981 – presente (40 años)
Formado en
Glasgow, Scotland, Reino Unido
Miembros
Paul Buchanan
Paul Joseph Moore
Robert Bell
The Blue Nile está compuesto por Paul Buchanan (compositor cantante y líder de la banda), Robert Bell (guitarra) y Paul Joseph Moore (teclado).
A Walk Across the Rooftop (1984) fue su primer disco; Hats (1989) el segundo y 7 años después aparecería Peace at Last (1996). Por fin en el 2004 nos ofrecen su cuarto trabajo, High, en el que a pesar de haber pasado tantos años, mantienen ese sonido elegante y melancólico que siempre ha definido a la banda.
La próxima semana MÁS, dos semanas de recuerdos 80,s 90,s españoles.
Adeu!!!
✊👊💣💙❤️
De totes les terres que jo he vist,
No n'hi ha cap que tingui el teu encís.
Els teus camps daurats dançant al vent,
L'olor de la mar sempre present.
Viure lliures es el nostre destí,
Mil i una batalles, difícil el camí.
Que de por tremoli l'enemic,
En veient la força del nostre esperit.
Que per tu jo lluitaré,
Que per tu jo lluitaré,
I amb orgull defensarem els nostres drets!
Que per tu jo lluitaré...
Tots a terra,
Sempre en guerra.
Terra de sang, terra estimada, terra catalana!
Contra la supèrbia de l'ufà,
Polítics corruptes, feixistes ignorants.
Invencible és el nostre crit,
Nostra és la victòria, si avancem units!
Som aquí, som i serem, català és el que parlem,
Més que un poble, una nació, som els lliures i rebels!
Som aquí, som i serem, català és el que parlem,
Més que un poble, una nació, socialista i independent
Que per tu jo lluitaré,
I amb orgull defensarem els nostres drets!
Que per tu jo lluitaré...
Tots a terra,
Sempre en guerra.
Terra de sang, terra estimada, terra catalana!
Y ya sabes... mañana sol y buen tiempo!!!
La asamblea de majaras se ha reunido!!!
La familia Iscariote y t...... el c......
Censured ALL🛑
https://youtu.be/rqgOWHMCB7w
:disimular: :barça:
Hello, I saw you, I know you, I knew you
I think I can remember your name...name
Hello I'm sorry, I lost myself
I think I thought you were someone else
Should we talk about the weather? (Hi...hi, hi)
Should we talk about the government? (Hi...hi, hi, hi)
Hello, how are you? I know you, I knew you
I think I can remember your name...name
Hello, I'm sorry I lost myself
I think I thought you were someone else
Should we talk about the weather? (Hi...hi, hi)
Should we talk about the government? (Hi...hi, hi, hi)
Hello my friend, are you visible today?
You know I never knew that it could be so strange...strange
Hello, I'm sorry, I lost myself
I think I thought you were someone else
Should we talk about the weather? (Hi...hi, hi)
Should we talk about the government? (Hi...hi, hi, hi)
Letra Pop Song 89 de REM.
Hola, te vi, yo te conozco, te conocí
Creo que puedo recordar su nombre ... el nombre de
Hola Lo siento, me perdí
Creo que pensé que eras otra persona
¿Hay que hablar del tiempo? (Hi. .. ji, ji)
¿Debemos hablar del gobierno? (Hi. .. hi, hi, hi)
Hola, ¿cómo estás? Te conozco, te conocí
Creo que puedo recordar su nombre ... el nombre de
Hola, lo siento, me perdí
Creo que pensé que eras otra persona
¿Hay que hablar del tiempo? (Hi. .. ji, ji)
¿Debemos hablar del gobierno? (Hi. .. hi, hi, hi)
Hola mi amigo, que son visibles hoy en día?
Tú sabes que yo no sabía que podía ser tan extraño ... extraño
Hola, lo siento, me perdí
Creo que pensé que eras otra persona
¿Hay que hablar del tiempo? (Hi. .. ji, ji)
¿Debemos hablar del gobierno? (Hi. .. hi, hi, hi)
Buenos días, tardes y noches con mejor temperatura 🏴☠️🕦🏴
Después de una ajustada victoria en Copa (con infinidad de oportunidades y el VAR en el BAR) llegan recuerdos de los 80.s del POP-ROCK en dos partes, mañana la primera, y la segunda para la semana del 15 de Febrero 👊 Holidays son vacaciones, tan ansiadas como necesarias ❄️🌤️🏞️
Como adelanto el espíritu dicharachero, más directo y verdadero de transmisión de aquellos tiempos, mucho antes que los programas musicales de Televisión 📺(en aquellos momentos Popgrama en la dos, la famosa UHF) Vídeo📼 o los canales musicales a posteriori🎤🎧🎵📻
La radio...
https://youtu.be/_R9x8CnilFc
Paraíso fue un grupo de pop formado tras el verano de 1978 por Fernando Márquez "El Zurdo" después de abandonar Kaka De Luxe, proyecto con el que ya no se sentía identificado.
El nombre de Paraíso es un homenaje a la película "El fantasma del Paraíso", dirigida en 1974 por Brian de Palma. Paraíso es a menudo citado como el primer grupo pop de la llamada Movida madrileña de finales de los años 1970 y principios de los años 1980.
Por el grupo pasaron muchos músicos, pero la formación más estable de Paraíso estuvo formada por:
- Fernando Márquez "El Zurdo": voz, ex-Kaka de Luxe.
- Juan Luis Lozano: voz, ex-Kaka De Luxe.
- Antonio Zancajo: guitarra.
- Enrique Sánchez: guitarra rítmica.
- Gregorio Pérez: bajo.
- Mario Gil: órgano.
- Paco Díez de Velasco: batería.
En verano de 1978, cuando todavía estaba en Kaka De Luxe pero ya había anunciado su marcha, Fernando Márquez publicó anuncios buscando músicos para formar un nuevo grupo.
Tras el verano el proyecto empezó a tomar forma, aunque algunos de los que formaron parte del inicio de la andadura no duraron mucho en ella: Carlos Berlanga, quien estuvo muy poco tiempo para marcharse luego a Los Pegamoides, e Isabel San Gabino, que duró unos meses a la guitarra y se marchó a Los Rebeldes de Madrid, luego renombrados como Los Bólidos.
Sin embargo, el núcleo de lo iba a ser Paraíso ya estaba presente: "El Zurdo", Juan Luis Lozano, Mario Gil, Antonio Zancajo, Gregorio Pérez y Paco Díez de Velasco. Gregorio y Paco habían estado anteriormente en el grupo Zaratustra.
A finales de 1978, el 22 de diciembre, dieron su primer concierto en la Facultad de Psicología de Pozuelo de Alarcón (Madrid), aunque todavía no con el nombre de Paraíso sino bajo el nombre Rudy Soplapollas y Los Obtusos.
En este concierto participaron varios amigos sin haber ensayado previamente con el grupo. Algunos de ellos se quedaron en Paraíso tras esta experiencia: María Portuondo, Carlos Entrena y Sergio Entrena pasaron a ser los coristas del grupo. María era esposa de Antonio. Carlos y Sergio habían estado también durante una temporada en Kaka De Luxe.
En enero de 1979 dieron algunos conciertos con la nueva formación de 10 personas (hacía bastante que ya no estaba Carlos Berlanga) y con el nombre de Cadillac Mentolado.
En febrero Isabel dejó el grupo y a la guitarra entró Enrique Sánchez. Dieron algunos conciertos con un nuevo seudónimo, Gilda y Los Garbos.
No fue hasta el 28 de marzo de 1979 cuando tuvo el lugar el primer concierto de la banda con su nombre definitivo, Paraíso. Fue en el Teatro Martín de Madrid. Para la ocasión el grupo editó y distribuyó 500 programas para publicitar el concierto.
En abril los hermanos Entrena dejaron Paraíso, convertido en octeto, mientras que siguieron con las actuaciones en directo y grabaron una maqueta en Audiofilm con las canciones "Para ti", "Mongoloide", "Vacaciones en la morgue", "Chica de hoy" y "Estrella de la radio".
Ya en mayo quedaron en segundo lugar del II Trofeo Rock Villa de Madrid, celebrado en la casa de Campo de Madrid. El concurso fue ganado por El Gran Wyoming y Su Banda, quienes con el nombre de Paracelso ya lo habían ganado el año anterior, con Kaka De Luxe como segundos clasificados.
En esta época se desarrolló una crisis personal entre María, Antonio y Gregorio que marcó a Paraíso y que llevó más adelante a la salida del grupo de María primero y de Gregorio después. Las tensiones en el grupo fueron creciendo mientras se sucedían los conciertos.
En octubre llegó la hora de grabar un single con dos canciones para la discográfica Zafiro, sello con el que Paraíso habían firmado un contrato en julio de 1979. Justo antes de grabar, María Portuondo dejó Paraíso para evitar que las tensiones crecieran todavía más.
El primer trabajo discográfico de Paraíso fue grabado entre el 18 y el 19 de octubre en los estudios Eurosonic, con Luis Soler como productor oficial y Manolo Tena como productor real.
Se grabaron "Para ti" y "Estrella de la radio", con Carmen Madirolas, de Los Bólidos, y Alaska sustituyendo a María a los coros. Ambas participaron también en algunos conciertos posteriores.
Pero la marcha de María no consiguió acabar con la tensión en el grupo.
Mientras tanto Fernando Márquez montó dos grupos paralelos: Piernas Ortopédicas, con Carlos Berlanga y Nacho Canut y que duró hasta que Los Pegamoides firmaron con Hispavox, y Biscúter, con Antonio y Gregorio, un intento de Fernando de superar los enfrentamientos entre ambos que no pasó de telonear un par de veces a Paraíso.
Tras la grabación, Paraíso dio una serie de conciertos en los que compartieron escenario con Cucharada, Radio Futura, Alaska y Los Pegamoides, Los Bólidos ... Los conciertos se sucedieron sin grandes novedades hasta que en febrero la problemática entre Gregorio y Antonio terminó con Gregorio siendo expulsado de Paraíso.
El grupo, ahora sexteto, participó en el concierto homenaje a Canito, batería de Tos que había fallecido en accidente, con Alaska y Carmen en su última colaboración con Paraíso. En este homenaje también participaron Tos, Mermelada, Nacha Pop, Alaska y Los Pegamoides, Mamá, Los Bólidos, Mario Tenia y Los Solitarios ...
Posteriormente, Paraíso grabó las maquetas de un futuro álbum que nunca fue publicado y en las que Enrique tuvo que encargarse de grabar los bajos.
El single con "Para ti / Estrella de la radio", grabado en 1979, fue publicado en 1980 y el 15 de abril fue el concierto de presentación en la Sala El Sol de Madrid. En este concierto se incorporaron a Paraíso Manolo Martínez al bajo y María del Mar Dorado a los coros.
La presentación, a la que fue convocada toda la crítica nacional, fue un desastre, pues la discográfica no sonorizó el local y al tocar con el equipo de ensayo sonó fatal. La discográfica como consecuencia les retiró la promoción, el single tuvo mala distribución y abandonó la idea de publicarles un álbum.
Tras varios conciertos en abril, mayo y junio, en los que Paraíso consiguieron recuperar parte del crédito perdido, a finales de junio de 1980 Paraíso grabó cuatro canciones para el programa de Televisión Española, Popgrama, con Carlos Tena como productor.
Estas cuatro canciones ("Makoki", "Vacaciones en la morgue", "Y al final (Carolina)" y "Lipstick") fueron emitidas en el programa y más tarde fueron publicadas en vinilo.
Tras la problemática presentación en El Sol hubo problemas con Zafiro. El grupo quería grabar un álbum u obtener la carta de libertad. Tras muchas discusiones finalmente todo terminó con la disolución de Paraíso en septiembre de 1980.
Antonio, Mario y Paco probaron suerte junto a Rubí pero la cosa no cuajo en unos nuevos Rubí y Los Casinos. Por su parte, Fernando Márquez "El Zurdo" empezó a trabajar en un nuevo proyecto llamado Pop Decó.
El 2 de octubre de 1980 tuvo lugar la primera despedida de Paraíso, ya sin María del Mar y Manolo. La segunda y definitiva tuvo lugar el 3 de marzo de 1981 ya sólo con Fernando, Antonio, Mario y Paco, día en el que también tocaron Los Coyotes y Los Bólidos. Fue el punto y final para Paraíso.
Poco después de este concierto, Fernando, Mario y Antonio decidieron emprender una nueva aventura juntos a la que llamaron La Mode.
Con el grupo ya disuelto, en 1982 Chapa Discos publicó un mini LP en el que se incluyeron cuatro canciones de Kaka De Luxe junto a las dos canciones de Paraíso publicadas en el single y en abril de 1983 Nuevos Medios publicó un EP con las cuatro canciones grabadas para "Popgrama".
Años más tarde, en 1993, Nuevos Medios publicó un triple recopilatorio con todas las grabaciones de La Mode en las que estuvo Fernando Márquez y en el que de nuevo se incluyeron las cuatro canciones grabadas para "Popgrama".
Grupos relacionados.
Además de en La Mode, de la que formaron parte Fernando Márquez, Antonio Zancajo y Mario Gil, tras el final de Paraíso se pudo ver a algunos de sus componentes en otros grupos: Carlos Entrena fundó el grupo Ejecutivos Agresivos y más adelante formó parte de Décima Víctima, y Juan Luis Lozano pasó a formar parte de Los Detectives.
Antes de que las ratas empiezen a canturrear!!!
Cuidado con Makoki y las tuberías 👊🍺
El cómic en lo que después se denominó MOVIDA 🖍️🧷
Miguel Gallardo (Miguel Ángel Gallardo Paredes, Lleida, Cataluña, 1955) es conocido en primer lugar por ser el creador de Makoki en 1977, el que sería el personaje más popular y emblemático del underground español de los 80. Nacido inspirado por un relato de Felipe Borrallo, y que contaría con guiones de Juanito Mediavila a partir de la segunda historieta, Makoki apareció inicialmente en la revista musical Disco Express, de donde pasó a Star y Besame Mucho. En 1982 el editor de El Víbora lanza una revista más enfocada al género de humor titulada Makoki (y dirigida por Gallardo y Mediavila en sus inicios) con el gancho de Makoki como personaje estrella. La revista, que no tendría una vida muy larga (y en la que publicaron gente como Azagra, Mauro Entrialgo o un Calpurnio pre-Cuttlass), significó la despedida de Gallardo del personaje, hasta que en 1994 lo retomó en solitario para realizar La Muerte de Makoki, una última historia con la que puso fin al personaje.
Además de crear a Makoki, Gallardo fue miembro fundador en 1979 de la histórica revista El Víbora, y autor fijo desde sus inicios. En estos primeros años Gallardo fue uno de los máximos exponentes de la tendencia que se dió en llamar "línea chunga" y que ejemplificaba El Víbora, en contraposición a la "línea clara" de la revista Cairo (y en la que Gallardo tambíen llegó a participar con la serie Pepito Magefesa, cogiendo por sorpresa a muchos de sus seguidores). Para los primeros años de El Víbora, Gallardo realiza historietas de La Basca (una pandilla de personajes de los ambientes por los que se movía Makoki) y Buitre Buitaker (un buitre falangista y drogadicto) una suerte de spin-offs de Makoki (personaje que no apareció en El Víbora por deseo del editor, aunque años después si que llegara a participar en alguna historia de La Basca), a los que sumaría El niñato, personaje introducido en La Basca como alternativa/sustituto de Makoki. Hasta finales de los 80 Gallardo fue autor habitual de la revista, ya fuera con guiones de Mediavila (Otan sí Otan no o Yonkis del espacio -con El Niñato-, además de los mencionados La Basca, Buitre Buitaker) o en solitario (en Los sueños del niñato o Perro Nick, en las que incorpora el color), siendo sus historietas en la revista recopiladas en su mayoría por la editorial (7 álbumes entre 1981 y 1989, prácticamente a una media de uno por año).
Dentro del cómic Gallardo también ha realizado algunas historietas para prensa, para ABC (tiras de Buitre Buitaker) o La Vanguardia (la serie Perico Carambola), pero desde finales de los 80, Gallardo relega la historieta a un plano secundario y se dedica principalmente a otras actividades relacionadas con el dibujo. Solamente vuelve a realizar historietas regularmente para la revista Viñetas de Joan Navarro alrededor de 1984 y desde encontes solamente realiza historietas de forma esporádica, como Un largo silencio o María y Yo (dedicadas a su padre y su hija respectivamente) o Emotional World Tour (realizada a cuatro manos con Paco Roca).
En los años 90 Gallardo desarrolla una importantísima carrera como ilustrador, llegando a ser muy reputado en el sector. Así, ha colaborado regularmente en el diario La Vanguardia o la revista de cine Fotogramas, y ha realizado abundantes portadas para libros (entre ellos, la de versión en catalán de la archiconocida novela El diario de Bridget Jones).
Monografías
Álbumes, comic-books y libros de historietas publicados por Gallardo (se excluyen catálogos de exposiciones, libros de bocetos y similares, que también ha publicado varios):
Emotional World Tour (Astiberri, 2009). Realizado a medias con Paco Roca, repartiéndose las páginas entre los dos autores.
María y yo (Astiberri, 2007). Obra autobiográfica sobre su relación con su hija autista. Fue trasladada al cine en forma de película documental en 2010.
Makoki Integral (Ediciones Glénat, enero/2003). De Gallardo y Mediavilla (con Bonrallo). Álbum tapa blanda, tamaño 24x33 cm, 200 pgs b/n. Reedición en un tamaño extragrande (quizá demasiado) de los álbumes Makoki (1979), La juventú de Makoki (1982) y Makoki en Niu Yors (1985). Las primeras 16 pgs son en bitono azul y naranja e incluyen artículos y curiosidades sobre Makoki, sus autores y el ambiente general de la época en que se creó.
El Informe G (Edicions De Ponent, 2000). Álbum 48 pgs b/n. Recopilacion de historietas dispersas del autor.
Héroes Modernos (Ediciones Glénat, 1998). De Miguel Gallardo e Ignacio Vidal-Folch. Álbum 152 pgs b/n, tapa dura, Colección Integral (11,99 €). Recopilación de las series Pepito Magefesa (Complot, 1984), Perico Carambola (protagonizado por un reportero de la crónica social en tono de humor con el referente inevitable del Reporter Tribulete de Brugera, creado a mediados de los los 80 por Gallardo con guiones de Ignacio Vidal-Folch; se publicó en las revistas de corta vida Complot! y TBO y años más tarde en La Vanguardia durante dos veranos, previamente fue recopilada en álbum por Glénat en 1995) y Roberto España y Manolín (una parodia/homenaje al cómic clásico español Roberto Alcázar y Pedrín publicada en la revista Viñetas desde 1994, con guiones de Vidal-Folch). Las tres obras tienen en común que se publicaron originalmente en revistas dirigidas en su día por Joan Navarro (Cairo, Complot!, TBO, Viñetas) que también es el director editorial de Glénat. Nota: La fecha de publicación el álbum está tomada de la base de datos del ISBN del Ministerio de Cultura.
Un largo silencio (Edicions De Ponent, 1997). Albumcito 60 pgs b/n. Homenaje de Gallardo a su padre en el que se alternan historietas y textos de su propio padre modo de memorias de éste de la Guerra Civil Española, en la que combatió. Algunas páginas se prepublicaron en la revista Nosotros Somos Los Muertos dirigida por Max.
Perico Carambola (Glénat, 1995)
La muerte de Makoki (Glénat, 1995)
Buitre Buitaker (El Pregonero, 1994)
Perro Nick (Casset, 1991)
Yonquis del Espacio (La Cúpula, 1989)
Los sueños del Niñato (La Cúpula, 1986)
Otan Sí, Otan No (La Cúpula, 1986)
Historia del Tío Emo (La Cúpula, 1986)
Buitre Buitaker: No hay color (La Cúpula, 1985)
Makoki en Niu Yors (Laertes, 1985)
Pepito Magefesa (Complot, 1984). La primera obra de Gallardo en solitario y un cúmulo de referencias artísticas y de la cultura popular, originalmente publicada en Cairo a principios de los 80.
Chuchita y Marilyn, alterne de postín (La Cúpula, 1984)
El Niñato (La Cúpula, 1983)
La juventú de Makoki (Laertes, 1982)
Fuga en La Modelo (La Cúpula, 1981)
Makoki (Laertes, 1979). Reedición: Complot, 1990.
Curiosidades
El hecho de que Gallardo dediciera matar a Makoki en los 90 vino motivado por el el deseo del autor de dar "un final digno" al personaje después de que Felipe Borrallo -que además de "inspirador" del personaje, abrió una librería especializada también llamada Makoki- decidiera lanzar un sello editorial -también llamado Makoki- y continuar con el personaje él mismo con otros dibujantes, iniciativa que a Gallardo no entusiasmaba precisamente pero a la que tampoco se opuso inicialmente. Así, Borrallo publicó una nueva etapa de la revista Makoki entre finales de los 80 y primeros 90 de la que llegó a publicar más de 30 números antes de que cerrara la editorial. Pero cuando Gallardo pudo ver el el tratamiento del personaje que hizo Borrallo no le gustó nada (siendo amables), y aunque llegó a informarse para tomar medidas legales para evitar que se continuara publicando, finalmente esperó a que la revista cerrara (algo que dada la orientación que estaba tomando la publicación estaba convencido que no tadaría mucho en ocurrir, y así acabó pasando). Cuando esto ocurrió, Gallardo realizó una última historia (ya en solitario, sin Mediavila, que sería publicada en la revista Viñetas y luego reeditada como comic-book) en la que "mataba" al personaje, para así ponerle punto y final defintivo y que nadie pudiera seguir desvirtuándo a su creación.
Para tí en los cines de verano y costa ☝️
El Zurdo con mucho cariño y amor 🤭
Joyita de vídeo.
https://youtu.be/SdtAyT5fRUY
"Dijiste que buscaste por todos lados y nunca encontraste nada".
Sin sufrimiento, ni preocupaciones de ningún tipo, gastos a coste cero🕶️🕰️⚰️
Mañana más con el selector de frecuencias desde Vigo a Madrid con otros múltiples lugares y "Movidas"🎤🎧🎵🎚️🎛️
Imágenes de la Edad de Oro de Paloma Chamorro TVE2.🛡️🤚
https://youtu.be/LlNj5J4efSM
Hasta Tomorrowland.
📻🌐
🛩️🚀🏭👾
Que tiempos aquellos de lucha y apertura contra el fascismo:
"El 9 de marzo de 1981 se celebró en la sala Marquee (pre-Rock-Ola) de Madrid el 1er Simposium Tecno con el objetivo de tratar de reivindicar el pop electrónico, denominado “Tecno pop”, como una forma distinta de entender la Nueva Ola. En este encuentro, además de Aviador Dro, integraron el cartel los grupos El Humano Mecano, Oviformia Sci, Los Iniciados y La Terapia Humana. Durante la actuación de Aviador Dro (mientras tocaban «Anarquía En El Planeta») irrumpe en la sala la Guardia Civil y, bajo la Ley sobre peligrosidad y rehabilitación social, efectuaron una redada deteniendo a gente, entre ellos Ger Espada de Oviformia Sci, con el pretexto de que vestían raro o por tener pinta de homosexuales siendo llevados a la comisaría del madrileño barrio de Prosperida".
So Young BABY!
☝️🎛️🤖
Gracias a los números binarios encontré a la chica de plexiglás, por eso me gusta más...
Weekend con más temperatura 🏭
Ella es de Plexiglás.
Y por eso me gusta mas
Esta hecha de metal
Y por eso me gusta mas
Una mirada incandescente
Una descarga de corriente
Una sonrisa fluorescente
Con expresión de televidente
Ella es de plexiglas
Y por eso me gusta mas
Esta hecha de metal
Y por eso me gusta mas
Encerrada en un estante
Con vestidos insultantes
Lloras pintura de labios
Que nadie puede borrarte
Ella es de plexiglas
Y por eso me gusta mas
Esta hecha de metal...
Continuamos 🤖
La televisión es nutritiva cuando sólo existían dos canales con casi idéntica carta de ajuste.
https://youtu.be/XmFZ7LtxdS0
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Un inciso en el viaje visitando la Edad de Oro.
Quién presentaba dicho programa con peinado al estilo Lily de los MONSTER parecido a la novia de Frankenstein?
Hubo una época en la que la música le importaba a la televisión. Y no hablo de la música como objeto de consumo y de programas empeñados en crear a estrellas de usar y tirar, sino de la música como cultura, con todas sus manifestaciones. En aquel momento, en los años 80, Paloma Chamorro creó y presentó 'La edad de oro', el mejor programa musical de la historia de la televisión de este país.
Durante alrededor de dos años, entre 1983 y 1985, 'La edad de oro' lo tuvo todo para convertirse en mito: modernidad (aún hoy da sopas con honda en este aspecto), recursos (que estrellas internacionales como The Smiths o Lou Reed tocasen en directo en la pequeña pantalla no era precisamente sencillo), polémica (recogió querellas por blasfemia) y una vida corta, pero intensa. 55 programas donde hubo de todo y en un formato que nadie se ha atrevido a repetir.
No es raro. Cada día, después de su emisión en La 2 (por aquel entonces, la UHF), se montaban debates públicos sobre lo conveniente de un programa así. Desde determinados sectores, inquietaban las entrevistas a los músicos (drogados, decían), los reportajes sobre artes plásticas (de mal gusto) y hasta las actuaciones musicales. A TVE cada emisión la ponía en un aprieto, como cuenta la propia Paloma Chamorro:
Cada semana se montaba un follón en el plató. José María Calviño (entonces director del ente público) me llamó a su despacho y me dijo que le contara lo que estaba pasando. Se lo conté, se echó a reír y lo único que me advirtió es que no le montara muchas como aquéllas porque tenía que estar justificándose continuamente en el Congreso de los Diputados. Pero en ningún momento me coartó.
La música paso a ser muy importante en aquella época de rotura, era una forma de escape para la gente más joven y aquellos que vivieron en parte el Franquismo, continuidad de Radios emergentes, fanzines, revistas musicales, y sellos independientes, tiendas de discos, salas, pubs especializados y conciertos, rebelión sonora y rebeldía artística a muchos niveles.
De hecho, la mayoría de la gente que tocaba en el programa, eran músicos y grupos de gran fama y crítica, vanguardia absoluta.
'La edad de oro':
Ponían La Edad de Oro para ver quien monta el numerito sacándose la polla, como hizo Stiv Bators, o soltando unas burradas de órdago, la modernidad transgresora junto a la movida más chic.
Como programa, 'La edad de oro' era un show en completo directo con actuaciones nacionales e internacionales todo en vivo y con público; con secciones de entrevistas, videos, montajes, performance, cortometrajes, exposiciones, Pero, claro, era lógico dada su pretensión "artística" o artie. Paloma Chamorro creía estar haciendo Historia y así lo decía. Sin embargo, su historia se escribía a veces con renglones algo torcidos:
En mi listado de ruegos y peticiones, había solicitado al jefe de los estudios de Prado del Rey que dejara fumar porros a los invitados y artistas en el plató durante el tiempo que duraba el rodaje. Me dieron permiso, pero lógicamente sólo verbal. De todos modos, Prado del Rey pertenece a Pozuelo de Alarcón y allí mandaba la Guardia Civil. Si querían podían meterse dentro del plató, aunque yo tenía mucho cuidado de que no se viera ningún uniforme ni en el encuadre de la cámara se colara ningún tricornio.
Así que hubo de todo: entrevistas con músicos que no contestaban porque, efectivamente, no iban en condiciones, otros que no lo hacían porque no querían o, incluso, misas negras y vídeos con (un segundo de) crucificados con cabezas de cerdo. Aquello fue el culmen y Palomo Chamorro fue denunciada. La acusación le pidió que se retractara públicamente de las supuestas blasfemias contenidas en el videoclip y que pagase 33 pesetas (una por cada año de la vida de Cristo). Fue absuelta en 1998.
TVE retiró 'La edad de oro' en 1985, por muchas razones. En primer lugar, por el esfuerzo (económico y de personal) de hacer un programa de ese calibre en directo todas las semanas. También como una manera de quitarse de encimas las presiones políticas y las opiniones desfavorables que diversos medios de comunicación lanzaban contra él. Finalmente, porque la propia Paloma Chamorro aseguró estar cansada del show.
En Europa fue la envidia sana de muchas televisiones y medios que pedían como los mismos grupos muchas de las actuaciones en directo.
8 años después de muerto el dictador, Paloma y su equipo rompieron todas las normas establecidas dando ejemplo de apertura mental y cultural ante lo impuesto; abriendo el camino con unas mínimas expectativas de cambio tras 36 años de dictadura.
Divisa editó un DVD llamado 'Los mejores momentos de La edad de oro', donde se recogían fragmentos del programa para celebrar su 25 aniversario. La selección se limitó a los grupos españoles, por lo que aún falta por ver la edición definitiva del mítico programa. Lo que está claro es que, aún hoy en día, sería muy difícil ver música en directo en la televisión de la manera en que la mostraron Palomo Chamorro y los suyos.
En Putatube puedes rescatar si te das prisa los mejores momentos y actuaciones.
Un programa inigualable.
Listado de grupos y artistas:
The Sound
The Dream Syndicate
Violent Femmes
The Lords of the New Church
Johnny Thunders
The Gun Club
The Residents
Tuxedomoon
Spear of Destiny
John Foxx
The Durutti Column
Gruppo Sportivo
Alaska y Dinarama
Pedro Almodóvar y Fabio McNamara
Los Rebeldes
Loquillo y los Trogloditas
Rubí
Azúcar Moreno
La Mode
Los Nikis
Tom Verlaine (Ex-Television)
Elliott Murphy
Alan Vega (Ex-Suicide)
Aztec Camera
China Crisis
Cabaret Voltaire
Marc Almond (Ex-Soft Cell)
Psychic TV
S.P.K.
Divine
Mary Wilson
Culture Club
Ouka Lele
Radio Futura
Gabinete Caligari
Derribos Arias
Siniestro Total
Golpes Bajos
Parálisis Permanente
Aviador Dro
Conciertos grabados para el programa:
The Smiths (Paseo de Camoens, Madrid)
Echo and the Bunnymen (Rock-Ola, Madrid)
Lou Reed (Barcelona)
Nick Cave & The Cavemen (Electric Ballroom, Londres)
The Psychedelic Furs (Estudios Roma, Madrid)
Spandau Ballet (La Romareda, Zaragoza)
La mejor entrevista 🎤🕶️🎸
Paloma Chamorro: «Llevé a Tuxedomoon a Casa Lucio a comer de mi sueldo de funcionaria cutre, y a Johnny Thunders a los toros».
La presentadora de 'La edad de oro', icono de una época, vivía alejada de los focos. Falleció con 68 años. Esta es una de las últimas entrevistas que concedió, en 2006, coincidiendo con el 50 aniversario de TVE.
En 2006 TVE celebraba su 50 aniversario. De manera excepcional Paloma Chamorro, presentadora de 'La edad de oro' (1983-85), concedió esta entrevista, que se publicó en el libro 'Religión Catódica' (Ramamalamusic).
Melena salvaje, carmín en la boca... no ha cambiado tanto. Los que la conocieron en los 80 y esos otros que la descubrieron en 2005 gracias a la reposición en TVE de 'La edad de oro' se preguntan dónde está, qué fue de Paloma Chamorro, la presentadora del que para muchos ha sido el mejor programa musical de la historia. Y no sólo de España. Por él pasaron todos los grupos que triunfaban en el momento, y todos tocando en directo. También se hablaba de arte. Aquella chica morena de pelo cardado y labios rojos, símbolo de la modernidad y la transgresión, vive ahora alejada de Madrid, la ciudad que la vio nacer en 1949 y donde estudió Filosofía y se hizo famosa. Hoy prefiere la montaña, una casita en Robledo de Chavela, donde cuida de gallinas y acelgas.
Sólo de vez en cuando regresa a la capital: conserva un piso cerca del Retiro que guarda recuerdos y tesoros de una vida dedicada a la televisión, un medio del que ella desconfiaba al principio y al que acabó entregándose «hasta la extenuación». Esto le costó una enfermedad que, un día, en 2001, apareció de pronto en su vida con intensos dolores de cabeza que sólo se van en su refugio en el monte. Por eso nunca, o casi nunca, sale en los medios de comunicación. Aún son muchos los que la reclaman para una conferencia, una mesa redonda... Pero ella siempre dice no. «Es que si acepto una vez, luego me cuesta mucho más negarme», explica. Aun así, accedió a esta entrevista, que transcurre en su piso madrileño de colores claros y miles de libros, muchos de arte, el arte que ella conoce tan bien y que decora sus paredes. Sobre ellas reposan un boceto que Joan Miró le pintó en los 70 después de su charla para el programa 'Trazos' y dos retratos. Uno la muestra como la conocimos y es obra de Miquel Barceló: «Fue el 'pago' por haber posado para una serie de tres. Aquello fue posible por nuestra amistad, que viene desde entonces, cuando él sólo era un niño. Nunca he admitido cuadros en relación con mis programas, salvo el Miró, que fue el rótulo del espacio y tiene una dedicatoria personal». En el otro, pintado por su hermana, se la ve de niña. «Me gusta contemplar los dos juntos, porque creo que la mirada, la expresión es la misma, pese al paso de los años». Hoy, ella, junto a esos dos óleos, cierra la trilogía.
¿Qué queda de aquella Paloma Chamorro?
Yo creo que mucho. La ideología es más o menos parecida y mi relación con el mundo a lo mejor no es tan expresiva, pero sigo leyendo y oyendo música. Y ahora me voy al campo porque me duele la cabeza en Madrid y allí se puede leer muy bien. (En la mesa, 'Jack', la biografía de Jack Kerouac de Barry Gifford, y un pequeño bidón de agua).
El comienzo.
Estrenados los 70, Paloma Chamorro se dedicaba a hacer teatro en la universidad cuando le propusieron hacer un programa cultural llamado 'Galería'. «Acepté por razones económicas, pero pronto vi que otra televisión era posible. Y eso que yo despreciaba el medio profundamente».
¿A qué se debía ese rechazo?
A que todo lo que veía era un horror. Imagínate, la televisión franquista. Yo empecé en 1971, a Franco le quedaban todavía cuatro años de vida, pero, de pronto, me dije: 'Esto de lo que estoy hablando merece la pena'.
Hasta 1981, se encargó de 'Trazos' e 'Imágenes'. Casi diez años hablando de arte. Por eso, los especialistas musicales más puristas no entendieron que alguien la eligiera para conducir 'La edad de oro'. «Pero es que era un proyecto mío. Lo propuse en 1981 y se mostraron muy entusiasmados, pero nombraron director general a Carlos Robles Piquer y congeló el programa. Ya vi que mientras no ganaran los socialistas no salía adelante y eso iba a suceder en el 82».
¿Qué cree que pensaba aquel hombre de usted para tener la seguridad de que no le iba a gustar el espacio antes de verlo?
Yo ya tenía mi fama. En 'Trazos' le hice a Miró la única entrevista larga que concedió y la primera en tele de su vida. Después, empecé con 'Imágenes', donde pude charlar con Dalí. Así que todo el mundo me decía que mis problemas en televisión se habían acabado. Pues no. Éramos todos colaboradores y, al cabo de un mes, aquel programa terminó, porque, según dijeron, salían 'demasiados drogadictos y maricones' por la pantalla. Fue por un reportaje con Nazario. Pero a los tres meses me volvieron a pedir que lo hiciera.
Y también lo censuraron.
Desde el primer programa. Hicimos un cuestionario a Maruja Mallo, Jiménez Caballero, Fernando Zóbel, Carlos Saura, Herminio Molero... sobre qué eran las artes plásticas. Se cargaron la parte en que Ocaña decía que lo que le gustaba era follar con su novio. Intenté que no se emitiera con cortes, pero no pude.
¿Tuvo que pelear mucho con los censores?
Sí. Había un censor en aquella época al que conocíamos como 'Pistolín', porque en algún momento alguien le había visto poner la pistola encima de la mesa.
Decía de sí misma que tenía fama de «atrevida, de roja, de chica atípica».
Bueno, es que no era muy normal en aquella época. Recuerdo, en los 70, estar en el visionado de uno de mis programas junto a un directivo de televisión y ver su cara de horror, porque yo, que entonces era una jovencita más o menos mona y maquilladita, estaba hablando de cosas que él no entendía. Si yo hubiera sido un señor con bigote... pero en aquella época eso era algo insoportable. Tampoco es que el censor estuviera siempre detrás, pero si eras una niñata les parecía más insultante.
¿Qué panorama musical televisivo encontró cuando apareció su programa?
Era todo en 'play back'. Los sábados veía 'Aplauso', me horrorizaba, pero salían los Ramones. Les veía mover la boca y se me saltaban las lágrimas. Decía: 'Nunca más', pero al poco actuaba Roxy Music y volvía a picar. Y otra vez moviendo la boca. Hice 'La edad de oro' porque quería ver un programa como ése, quería a los músicos haciendo música en televisión, no el paripé.
¿Qué espacios destacaría de estos 50 años de televisión?
'Último grito' y 'Popgrama'.
En mayo de 1983, se estrena 'La edad de oro'. El primer día reúne a Kaka de Luxe y le toca improvisar un homenaje a Eduardo Benavente, de Parálisis Permanente, que acababa de morir días antes en un accidente de coche.
Sí, lo he vuelto a ver ahora, cuando se ha reemitido el programa, y estábamos todos bajo un shock. Me acuerdo de Olvido, Alaska, la pobrecita, con una vocecilla y una carita... Casi no podía articular palabra.
Pero Parálisis Permanente llegó a actuar en el programa. ¿Cómo fue?
Estuvieron en el piloto, donde salían con Aviador Dro y Radio Futura. Lo utilizamos luego en el programa seis, junto a su último concierto en Rockola.
¿Sabía usted algo de música?
Me gustaba y me gusta mucho, nada más. Consumo como aficionada e intento informarme. Aquel programa tenía mucho de caprichoso, de darme el gusto de llevar lo que me apasionaba. Ahora, si te ves obligada a emitir una hora cada martes, tienes que amoldarte y dar cosas que a lo mejor no querrías dar.
¿Cómo se trabajaba para poner en marcha un programa que, semana tras semana, reunía en directo a los mejores grupos del momento?
Se movilizaba muchísima gente, aunque yo tenía sólo cuatro ayudantes que estaban obligados a hacer labores de producción, porque los de producción nunca hablaban inglés. La mayor parte de las gestiones eran en ese idioma. Había que hacer pruebas de sonido, gestionar un contrato, ver que aquéllos pedían tanto dinero... Cada concierto era distinto, unos traían todo el equipo porque venían de gira, a otros les poníamos nosotros la megafonía... Eran necesarias tres mezclas: una de monitores para que se oyeran ellos, otra para la emisión y otra para el público. Los técnicos de los grupos se desesperaban. Los primeros programas salieron sin ensayar.
Al principio estaba muy ilusionada.
Y todo el tiempo. No hacía otra cosa, no tenía tiempo para dormir, pero había momentos en que sólo me sentaba a ver la prueba de sonido y era muy gratificante. Decía: 'He traído a éstos y aquí están actuando'. Y teníamos a Culture Club en directo cuando eran número uno en medio planeta.
¿A quién le emocionó más conseguir?
Buff, a muchísimos... Tener a los Residents en televisión, una cosa que no ha pasado nunca más. Y lloré durante el concierto de Durutti Column, porque la música hizo que me emocionara hasta ese punto. Después tenía que volver a hablar a la cámara, pero se me saltaban las lágrimas.
¿Qué banda dio más problemas?
No sabría decirte, porque, por unas cosas o por otras, todas nos costaron muchísimo. Algunas dieron más guerra, porque les gustaba más el alcohol u otras sustancias, o porque tenían más problemas con los técnicos. Recuerdo tremendas guerras de John Cale con el alcohol, aunque luego se 'enamoró' de José Luis Fernández Rizo, nuestro técnico de sonido, y se lo quería llevar. También hubo problemas con Johnny Thunders por las distorsiones. Y con los Psychedelic Furs, por celos entre técnicos de sonido. En el segundo programa tuvimos a Tuxedomoon, sólo podían venir ese día y sufrieron lo indecible con la prueba de sonido. Se fueron llorando. Por la noche me los llevé a Casa Lucio a comer de mi sueldo de funcionaria cutre.
Al día siguiente, a pesar de que seguían llorando por la prueba, dijeron: «Lo vamos hacer porque tú nos lo dices». Luego quedaron encantados y volvieron otras dos veces. Eso pasó en más de una ocasión. Aquello era una crucifixión, rosada pero crucifixión. Los artistas están instalados en el reino del deseo, donde deben estar, y nosotros, en el de la necesidad. Y yo estaba en medio, era una pesadilla, pero merecía la pena».
Y pasaban cosas muy graciosas. El cantante de Lords of the New Church se marcó un frontal en plena entrevista.
Bueno, con Lords of the New Church tuve muy buena relación. Hicimos una fiesta de Reyes porque terminaba la primera etapa, y estuvimos hasta las cinco de la mañana. ¡Un disparate! Les trajimos a ellos y otra vez a Tuxedomoon. Y a las tantas, con cava y roscón, coge Stiv Bators y se levanta. Él estaba de espaldas a mí y la cámara lo veía, pero yo no, y entonces se bajó los pantalones y yo le decía: 'Stiv, vamos, no nos enseñes la pilila, que aquí no nos vas a impresionar'. Lo que yo no sabía es que la tenía metida por dentro y que no la estaba enseñando, ja, ja, ja
Vamos, que se lo ha pasado muy bien, hasta en directo.
Pues sí, también en el directo. Era duro pero divertido, un ataque de nervios continuo. Yo tengo genio y me cabreo, me sacaban de mis casillas muchas cosas y, como allí pasaban todo tipo de accidentes... Iba como una moto, como un toro.
Y, después de los programas, ¿de marcha con los grupos?
Con algunos, pero generalmente el día anterior. Hubo momentos estupendos, con los Tuxedomoon, con los Residents, incluso con Johnny Thunders y con uno de los New York Dolls. Les llevé a los toros; les horrorizaron, pero estuvo bien.
¿Cuántas veces intentaron ligar con usted?
Hombre, de todo hay, ja, ja, ja... Y hemos disfrutado de comidas estupendas. También he tenido que comprarle a alguno un gramo y regalárselo.
Su imagen creó estilo.
Consistía en que no tenía tiempo para ir a la peluquería ni comprarme ropa, y repetía modelos. Eso sí, mi maquilladora, Mari Carmen Sánchez, era estupenda.
¿Qué le decía la gente por la calle? La popularidad sería brutal.
Sobre todo: 'Dame entradas para el programa'. Pero sí.
¿Y ahora? Porque en Internet siguen preguntando por usted.
Hoy no me conoce nadie, de tarde en tarde alguno. Me pasa algún día, doy el carné de identidad y me dicen: '¿Usted no será?'. Pero pocas veces.
La polémica
En 'La edad de oro' hubo momentos de transgresión, de libertad creativa; pero hay una emisión que aún se recuerda especialmente. No fue la mejor ni la peor, aunque levantó ampollas. En aquel plató apareció el grupo Psychic TV, con su líder Genesis P-Orridge. Completamente borracho, cantaba en contra de las religiones. Luego le tocó a Jordi Valls, destrozando cuadros de los que brotaba sangre en una especie de misa negra. Ambos causaron un gran revuelo antes, durante y después de aquella noche. Por ello, Chamorro tuvo que afrontar una «acusación de blasfemias», capítulo que tardó años en resolverse.
El cantante Genesis P-Orridge se bebió en directo una botella de whisky. Lo mejor fue asistir a cómo durante la entrevista se lanzaba a manosear la entrepierna de un perplejo José Miguel López (director y presentador de 'Discópolis', en Radio 3), con su pinta de señor serio, que ni se inmutaba...
Ja, ja ja, sí. ¡Qué cara ponía él! Ja, ja, ja...
Y a usted le preguntaba por sus gustos sexuales y, bastante seria también, le contestaba que no estaban ahí para hablar de eso.
Es que se había bebido todo lo que faltaba de la botella de whisky. Yo no sabía por dónde iba a salir, así que aquello era como estar delante de un toro.
A pesar de todo, usted siempre transmitió una imagen de mujer tranquila.
¡Qué remedio me quedaba! Pero el lío de Psychic TV estaba ya montado desde esa misma mañana. 'Abc' había publicado que iban a salir unos desnudos con el Papa y no sé qué más, y yo le comenté al productor que el Papa no iba a salir por ningún sitio, y él me dijo: 'Bueno, si me lo aseguras, yo estaré ahí'. Pero luego no estuvo. Así que como salió aquello en el periódico, se quedó a verlo más gente de la que lo iba a ver en un principio, y hubo dementes que empezaron a poner querellas por ahí. Pero nadie las aceptó, sólo un juez de Móstoles.
Más tarde, en ese mismo programa, llegó la 'acción' de Jordi Valls. El artista había colgado de las paredes y delante de un altar cuadros valorados en más de un millón de pesetas cada uno y los destrozaba con una espada. Con cada sablazo altaba la sangre desde detrás de los lienzos, mientras unos doberman aullaban asustados...
Sí, y estaba programada para ser algo más fuerte, aunque yo la encuentro aburridísima, un espanto, y Valls tiene cosas muchísimo más interesantes. Creo que tenía preparada una misa negra, que quería dar de comulgar a los perros. De hecho, yo acabé encontrando y cogiendo unas hostias de la 'chupa' de alguien. Fíjate que luego yo tenía en el bolsillo las migas, y pillé a no sé quién y le monté un pollo. Dije: 'Ni misa negra ni narices, os vais a meter las hostias donde os diga'. Yo tenía compromiso de no censurar, pero no me habían contado nada de eso. Doy libertad absoluta si me lo cuentan todo, pero hacerme aquello por detrás, no tenía ningún sentido.
Y al día siguiente llegan los problemas.
Al aparecer en el periódico, todos los beatos se quedaron hasta las tantas. Me acuerdo de que estábamos viendo el programa ante el juez, y al terminar salía un reloj que marcaba las dos y media. El juez se quedó con cara extraña, incrédulo de que estuviéramos allí por algo que se había emitido a esas horas. Lo que más molestó fueron los subtítulos de las canciones de Genesis, que había fundado una religión legal en Reino Unido, 'El templo de la juventud psíquica', cuyo propósito era combatir el resto de las religiones por ser la causa de todos los males.
¿Y lo de la cabeza de cerdo crucificada?
Fue el pretexto, porque el crucifijo con las cabezas de cerdo y de burro forma parte de la antigua iconografía cristiana. Uno significa 'de la casa de Judá 'y otro 'de la casa de David', y a esto se aferraron, porque les llamaba la atención. ¡Si el plano duraba dos segundos! Lo que les molestó realmente fue la ideología de este señor.
Le quisieron cargar hasta doce años de prisión por un delito de blasfemias.
Sí. Duró mucho tiempo aquello. Yo no quería darle importancia ni que saliera en los periódicos. Me llamó el director de televisión y me dijo eligiera un abogado de primera. Elegí a Marcial Fernández Montes, buen amigo de mi padre. TVE nunca le pagó. Bueno, al final me absolvieron, al cabo de un montón de años.
¿Se sintió apoyada por los medios de comunicación?
Los medios han de decir lo que piensan, pero fue una etapa mala porque prácticamente toda la prensa tenía interés en el reparto de las privadas. Calviño era el 'pim pam pum', no se podía escribir nada bueno de la televisión pública. Eso me afectó. Me defendió mucha gente, pero me atacó otra. Y no sólo por eso, sino porque decían que era una intrusa, que no venía del mundo de la crítica musical, que no había hecho programas musicales. Y eso lo respeto. Se sentían así porque creían que yo sólo ponía la cara y me llevaba la pasta. Si hubieran sabido lo que estaba viviendo... Ni siquiera ellos hubieran podido hacerlo, para chula yo.
Y un día se acaba el programa.
En abril de 1985. Se terminó porque nadie quería seguir trabajando en esas condiciones, en los únicos años en que la cadena pública no recibió subvención.
¿Cómo fue la última emisión, con Violent Femmes en abril de 1985?
Estuvimos hasta las tantas. Les había visto en París en un concierto que empezaba a las once y terminó a las tres... Y en Madrid, después de la prueba de sonido, salimos a tomar algo y les dije: '¡Ah, cómo me lo pasé en París!', y me contestaron que si salía, salía. Y les pregunté: '¿Y si mañana sale?', y respondieron: 'Si sale, sale'. Pues estuvimos hasta las tres de la mañana bailando.
¿Era real toda aquella libertad que, al parecer, se respiraba en los 80?
Sí. Yo decía que como nuestra democracia era más joven, era más moderna. En la época de UCD hubo bastante anarquía y eso nos dio sensación de libertad. Calviño tuvo que ir tres veces en una semana al Congreso a dar explicaciones por mi programa. Y me dijo: 'No estoy dispuesto a ir por tu culpa más de una vez al año'. Pero eso era 'a posteriori', porque yo no contaba lo que iba a salir en mi programa, no tenía censura previa. Pedíamos a los grupos británicos que nos mandaran las letras para poner subtítulos, y yo les decía: '¡Las habéis mandado censuradas!', y contestaban: '¡Es que aquí no nos permiten estas cosas!'.
¿Era consciente de que no habría un programa similar ni en veinte años?
Si me llegan a decir eso me hubiera enfadado. Luchábamos por una televisión pública digna. Aunque suene paternalista, se estaba retrasando la llegada de las privadas para que estuviera el gusto educado y para que, como en la BBC, hubiese un consejo audiovisual que obligara a no emitir basura. Después de Calviño, en el 1986, vino Pilar Miró, y a ese proyecto le dio la vuelta. Si me llegan a decir que la tele iba a ser ésta, habría tirado la toalla. Me puedes llamar imbécil, mesiánica, pero creía que iba a salvar el mundo con la televisión pública.
Después de 'La edad de oro'
La carrera de Paloma Chamorro no terminó con el final de 'La edad de oro', a pesar de que muchos así lo creen porque no volvió a aparecer en pantalla. Pertenecía a la plantilla fija de TVE y siguió preparando programas especiales de música y arte hasta 2001, cuando, un buen día, empezaron los dolores de cabeza: «El estrés llegó a finales de 1984, un programa ni lo pude presentar. Llegué al final hecha polvo y con ganas de dejarlo, agotada. Cuando acabó el espacio me hicieron una proposición con trampa. Me hablaron de especiales de música, varios al año, y así hicimos el de Los Smiths. Yo me lo creí... pero luego no hubo más. Después me encargaron un programa que mezclara arte y esos especiales de 'La edad de oro'. Me fui a Nueva York, un año más sin vacaciones, para contactar con artistas: Julian Schnabel, Robert Mappelthorpe, Basquiat... Acumulé material y empecé a montarlo. Así salieron 'La estación de Perpignan' y 'La realidad inventada'. Yo estaba peor. ¡Imagínate, si tenía que escribir, dirigir, corregir, traducir, realizar...! Y llegó otro cambio de dirección y me dijeron que el material, en vez de montarlo junto, lo hiciera por separado... Buff, hubo un momento en que se vio que la intención no era positiva. Lo último fue que no me pagaban, y dije: 'No sigo si no me pagáis' y me contestaron: 'Pues a tu casa'. En los últimos 90, empecé un especial de Dalí para la 'Noche temática' de tres horas, pero me dijeron que sólo una. Luego querían una 'Noche temática Paloma Chamorro'... ¡Qué delirios...! Y me empezó a doler la cabeza todos los días».
Y en 2001 coge la baja.
Año y medio. Al volver hubo problemas: me dijeron que me había pasado de plazo y me echaron. Pero fuimos a juicio y reconocieron que tenía razón. Me indemnizaron. Sufro de síndrome del trabajador quemado, que se trata como una depresión. Ahora cuando me voy de Madrid estoy muy bien.
¿Cómo se ha visto en la reposición que acaba de emitir TVE?
Con muy mal humor, porque no me ha gustado la selección, me he visto yo demasiado, todo el rato. Todo son presentaciones mías larguísimas para cosas cortitas. ¡Y el programa era lo contrario! ¿Cómo me veo yo? Con el pelo frito de no ir a la peluquería, repitiendo modelo, con cara fatigada... A veces digo: '¡Qué pesada!', pero sobre todo me molesta verme tanto en proporción a la música. Me hubiera hecho más ilusión si se hubiera repuesto entero. O con respeto.
¿Se pueden hacer hoy programas como aquél?
Sí. ¡Imagínate sonorizar DJ! A ese proyecto ni me contestaron, pero lo tengo registrado. Se llama 'La noche de ls luces', duraría hasta el amanecer y combinaría televisión e Internet. Y volveríamos a ofrecer 'La edad de oro' entera.
¿Qué escucha ahora?
Cosas que me regalan los amigos. Sigo oyendo a españoles: Fangoria, Astrud, y Chico y Chica. Internacionalmente... no hay cosas que me vuelvan loca.
En el primer programa de 'La edad de oro' hizo un homenaje al fallecido Eduardo Benavente. Esto fue lo que dijo: «Toda vida es un proceso de demolición de cosas nunca demasiado tangibles, la nieve es de una pureza engañosa». ¿Su vida ha sido un proceso de demolición de algo?
No. Bueno, intento que lo sea de prejuicios y cosas así, pero nada más. Mi vida ha tenido momentos demoledores, con latigazos de muertes de tanta gente... Muertes muy cercanas, Carlos Berlanga, Ramón Gómez Redondo, mi amiga más antigua... y eso por momentos resulta demoledor. Pero no. Yo no quiero compartir esa visión mediante la cual no hay otra salida que decir cosas como ésa.
Hoy los meterían directamente en una
⚒️💣 tostadora 🤭
https://youtu.be/3mYIwUdMcNU
Nos vamos de viaje a Alaska con los pegamoides 🥶
Pop-Rock-Nueva ola- Power Pop- Punk-Sniestro- Tecno-Pop-Industrial- Experimental- Mods-Rockers Revival, etcétera...🕶️
Dentro de un rato, qué PUSSY era la movida?
Alaska temas más desconocidos🎚️🎵🧷
En septiembre de 1978, Kaka de Luxe agoniza: Nacho Canut y Enrique Sierra están en la mili, Fernando Márquez acaba de dejar el grupo, Manolo Campoamor es también llamado a filas... En Madrid sólo quedan fijos Alaska, Carlos Berlanga, Javier Hamilton (el nuevo e hiperactivo coristo) y Pablo Martínez (el batería), del que no sabían muy bien cómo deshacerse. Carlos flirtea con el proyecto de Paraíso y Olvido está dispuesta a olvidar en un internado inglés. Pese a que pudiera presagiarse lo peor, la situación se reconduce ligeramente: Manolo finalmente ha de cumplir el servicio militar en Madrid, Olvido lo que olvida es su idea de recogimiento, y Pablo es expulsado al fin, reclutándose a Álvaro de Torres, ex-Pájaro Humano, amante de la salsa y el jazz-rock, para la causa.
Por aquel entonces, contando también con la ayuda de los Urquijo (Javier a la guitarra y Enrique al bajo), se sigue dando aún algún que otro concierto bajo el nombre de Kaka, como el celebrado a beneficio de los huérfanos del recién fallecido Syd Vicious junto a Nacha Pop y otras bandas como Flor de Basura, Cliche, Oso Punk y Pene, más dedicadas a armar camorra en el Penta y a agredir a Eduardo Haro Ibars cuando los sacaba en Triunfo. Pero es así como, partiendo del material ya existente, se empieza a gestar el reciclaje de la banda, a cuyo repertorio pronto se iba a incorporar el que se puede considerar primer tema de esta nueva etapa: el sublime "Bote de Colón" de Carlos Berlanga, reflejo absoluto del giro estilístico experimentado por la formación (cuyas intenciones e influencias serían recogidas por Ordovás en aquel extenso reportaje donde unos irreverentes Paraíso asomaban la cabeza sobre el resto) hacia un pop mucho más sintético y artificial.
Así pues, en noviembre se decide poner fin oficialmente a Kaka, comunicándosele la noticia a Enrique, que aún seguía sirviendo a la patria. La disolución deja durante un mes al nuevo ente sin nombre, hasta que a Carlos se le ocurre bautizarlo como Alaska y los Pegamoides, muy al estilo de otras bandas referentes de la época (como Siouxsie and the Banshees) y un poco en homenaje al blandiblub.
Se empieza a trabajar en la creación de nuevos temas ampliando el repertorio, hasta que, por fin, en enero de 1979, hacen el debut oficial en un instituto junto a Nacha Pop.
Los dos años de rodaje de la mayoría de los componentes de la banda no han pasado en balde, y, en poco tiempo, ya se estarían encargando de bajar los humos en Aluche a unos aún camuflados Paraíso. Pero, aunque esta agresiva competencia ejercía de Leitmotiv común, la verdad es que las cosas seguían más o menos igual que en la última etapa de Kaka, siendo el cambio de nombre casi lo más significativo en una formación donde tan sólo en los permisos de Nacho la nueva identidad del grupo parecía florecer. Como en la presentación oficial de los Paraíso en el Teatro Martín, en la que por cierto, gracias a un anuncio, se incorporaría como guitarra de punteo a Poch, amigo donostiarra de los paradisíacos hermanos Entrena que hacía cosas realmente extrañas con las seis cuerdas. La presencia en la banda de Poch, sin embargo, se puede considerar de anecdótica, pues repartiendo su vida entre Madrid y San Sebastián, tan sólo unos meses después sería reclutado por Carlos Entrena al abandonar Paraíso, para formar en unión demente y delirante aquellos Ejecutivos Agresivos.
La realidad era que el estado de abulia, más evidente y sin retorno en la figura de Manolo Campoamor, les seguía invadiendo de tal modo que, Javier Pérez-Grueso (el antes conocido como Javier Hamilton, quizás ya por aquel entonces Javier Furia), decide cambiar de rumbo ante la incertidumbre del proyecto, siguiendo el de Enrique Sierra hacia uno con aparente mejor augurio: Radio Futura.
Sin embargo, Nacho vuelve definitivamente de la mili en septiembre del 79... y las canciones empiezan de nuevo a brotar como setas en otoño. Se versionan dos sintonías de series de TV ("Mundo indómito" y "Departamento de Asuntos Archivados") y se crean numerosos temas propios, bien a manos de Carlos ("No sé por qué"), Nacho ("La ardillita") o ambos ("Otra dimensión" y "Leslie es una médium innata"), siendo el tándem una buena fórmula de trabajo, aunando la musicalidad pop del primero con los textos irónicos y paranormales del segundo.
Olvido se hace con una pequeña caja de ritmos, acelerando la salida de Álvaro de Torres, quien a decir verdad no encajaba muy bien en un grupo totalmente nuevaolero como este.
Nuevos tiempos, por tanto, energías renovadas y flamante local de ensayo a compartir junto a Bólidos y Paraíso, contando con los Ejecutivos Agresivos como vecinos. También savia nueva (en una fiesta organizada por los Radio Futura, Juan Luis Vizcaya, batería de las huestes de Carlos Entrena, huye hacia las redes pegamoides y, en el colmo de la locura, se incorpora al saxo Javier de Amezúa). Todo este aire fresco no es suficiente para las inimaginables cotas de desidia que Manolo Campoamor llegaría a alcanzar -quienes tengan posibilidad de ver el primer programa de La Edad de Oro pueden hacerse a una idea-, quien poco a poco va siendo relegado por un Carlos que, tras haberse lanzado en su coqueteo paradisíaco, pasa a cantar como solista muchos de los nuevos temas.
A la vez que se sigue actuando (junto a Radio Futura en el Alfil, con Paraíso en Derecho y Caminos...), se siguen incorporando nuevos temas al repertorio, concibiéndose la ultrapopera "Odio", e incluyéndose "Drama en spray", canción que los Paraíso habían rechazado por problemas de ejecución, y que, con mucho más oficio, recogieron amablemente. Sin duda, eran en ese momento el grupo más en forma de la Nueva Ola, algo que al parecer no deja indiferente a Miguel Ángel Arenas, Capi, que pretende reclutarlos para Hispavox. El productor de Pecos y Parchís, fan de Kaka de Luxe, parece sinceramente interesado y acepta una serie de temas de Nacho y Carlos que se ocuparía muy bien de guardar para el futuro lanzamiento de un Bosé más acorde.
Por otra parte, el estado de Manolo comienza a ser una lacra, tanto en la maqueta que graban para Popgrama, como en los sucesivos conciertos, por lo que se decide prescindir de él sin originarse la menor polémica entre ninguna de las dos partes. Manolo crearía Neopreno, e inmediatamente después, en 1980, ingresaría en la Escuela de Artes y Oficios para prepararse para lo que realmente quería que fuese su profesión: la pintura y todo lo relacionado con ella. En cualquier caso, la música no la deja definitivamente nunca, ya que en 1983 hace una banda sonora ambiental para una exposición en el Museo de Bellas Artes de Santander junto a Herminio Molero y Javier Amezúa (quien tras su mili curiosamente renacería de nuevo ayudando a construir su muralla china a los Zombies), y desde 1998 más o menos hace vídeos para los que él mismo crea la música abstracta que los completa.
A principios de 1980 se graba una nueva maqueta, esta vez ya para Hispavox, en la que Carlos interpreta todos los temas, consistentes en "Odio", "Horror en el hipermercado" (nueva joya del tándem) y "La alegría de vivir" versión reggae, con tan buen resultado que se firma por un año de la mano de Capi, su ahora nuevo mánager. Siguiendo su evolución plasticosa, se decide incorporar un teclado, por lo que Alaska en una actuación busca entre el público a alguien que supiera tocarlo: allí estaba Ana Curra en primera fila, estudiante de Conservatorio y fan total de Pegamoides. La entrada de Ana provocaría el regreso del batería, Juan Luís Vizcaya a Ejecutivos, disconforme con la adquisición de la teclista.
De entre estos últimos movimientos de inestabilidad hacia el asentamiento cabe destacar uno que a la postre sería cuando menos decisivo en el devenir del grupo: Alaska, cansada de su silenciosa labor tras las cuerdas, decide asumir el rol de cantante solista, menester que si bien no es que hiciese mejor, había comenzado a desarrollar junto a los Paraíso como corista, y había degustado ya del todo haciendo de Bom en el rodaje de "Pepi, Luci, Bom y Otras Chicas del Montón" (Pedro Almodóvar, 1980) (donde por cierto sólo aparecen Olvido y Carlos por negativa de Nacho a sumarse a la corte plumosa de Almodóvar).
La primera actuación de la que ya puede considerarse Pegamoides, en el famoso homenaje a Canito, resultó bastante caótica. En ella, el grupo tocaría por primera y única vez con caja de ritmos con resultados bastante discutibles por culpa de la mesa de mezclas. Los agudos emitidos por Olvido hicieron las delicias de los críticos más fieros y a la nueva teclista apenas se la oyó.
Tras dar de lado la caja de ritmos, se busca batería. Así es como ingresa en la banda Eduardo Benavente, cantante procedente del grupo de pop Plástico, con un single ya en su haber, y que, pese a no saber tocar la batería, se adapta rápidamente al nuevo rol.
Olvido cae enferma de sarampión y la casa discográfica, más agradada con las capacidades vocales de Carlos plasmadas en la maqueta, aprovecha la circunstancia para intentar convertirla en una cover girl, provocando que ésta incluso deje la banda, aunque tan sólo fuera por una tarde. Tras pasar de las estrategias de marketing que les sugiere Hispavox, el grupo, con Nacho como portavoz, se planta ante Trabucchelli, quien se disponía a producirlos como gran gurú de la casa, recordándole que sus días dorados pertenecían a otro siglo.
La casa accede a que elijan productor de entre los que contaban, eligiéndose a Julián Ruiz, por el mero hecho de al menos haberse encargado de la Orquesta Mondragón.
Lo más destacable es que poco a poco se va haciendo poda, alejándose el grupo cada vez más de sus orígenes, y reafirmando su personalidad propia de la mano de un Carlos pletórico, bien pariendo temas como "Tokyo" (surgido en Piernas Ortopédicas, el amago de proyecto paralelo de Nacho, Carlos y El Zurdo) y "Rendivú en el hipódromo" (también grabado por los Radio Futura con otro título, "Ivonne", coexistiendo en la SGAE las dos versiones), bien cuidando su faceta gráfica, integrado ya del todo en el mundillo artístico/intelectual, bien complementándose con Nacho a la perfección, creando conjuntamente una de las joyas del pop de todos los tiempos: "El hospital".
Estamos, posiblemente ante el momento más dulce de la banda. Convertida en referente de la noche madrileña, crítica y público en comunión armonía, protagonista de cualquier espacio con pretensiones modernas (Dominó, Dezine...); lo cierto es que la banda entera derrocha vitalidad por cada poro de su piel. La actividad es frenética y aún así queda tiempo que llenar: Eduardo, monta junto a su hermano Javier y unos amigos el grupo poppy Escaparates.
Tras negarse en rotundo a trabajar con la editora que le convenía a la casa (la portada del disco la diseñan sus amigos Las Costus), a principios de mayo se graba el primer y extraordinario single "Horror en el Hipermercado / El Hospital / Odio" (Hispavox, 1980). Las relaciones con Hispavox son cada vez más tensas, intentando esta (en vano) imponer sus obsoletas ideas de promoción, así como silenciar las constantes críticas que en público vertía el grupo sobre la producción.
Pero el tirón es grande, la casa lo sabe, y hay un disco en promoción, por lo que traga. Al menos por el momento.
El grupo se encuentra en plena forma, manteniendo durante cuatro noches uno de sus mejores sonidos en escena en el mítico teloneo a las Modettes en el Martín. Este teloneo, aparte de ejemplo para ilustrar el nivel que habían adquirido ya por aquel entonces, conlleva además un punto de inflexión determinante: Eduardo liga con una de las modettes y viaja junto a ella a Londres, experimentando la primera de sus mutaciones.
Tras el primer acto de promoción (primera y última visita a la SER), se decide retirar a Nacho de estas actividades, dejando a Ana Curra y a Olvido encabezar estas tareas (respirando la casa un poco más tranquila). Mientras tanto, el grupo sigue demostrando su estado de gracia, despidiendo la temporada en el Martín y grabando unos temas para "Musical Express" (TVE). Se incorporan al repertorio "La rebelión de los electrodomésticos" y "Rosa y verde", ambas del tándem, y "La tribu de las Chochoni" (música de Carlos con letra de Fabio McNamara, amigo de Javier Hamilton que, gracias principalmente a Almodóvar y sus presentaciones de Pegamoides, estaba adquiriendo mucha notoriedad).
Nacho, tras el veto de Hispavox, se va a Miami con la familia de vacaciones, sustituyéndole Javier Gutiérrez, el bajo de Bólidos, en los playbacks que hacen para televisión, así como en "El Gran Musical" (SER), donde suenan bien ante toda España.
Carlos se va también de vacaciones a Miami, y mientras, Eduardo sigue con Escaparates (cambiados de estilo) metiéndose en muchos líos con su recién estrenada identidad punk (Ana y Olvido, por cierto, encantadas).
Tras las vacaciones, se suma a esta alianza riot Nacho, quien ve con agrado cómo sus incisivos textos pueden resultar más cortantes y rudos aún. Carlos, por el contrario, no comulga con este viraje estilístico y se refugia inicialmente en sus creaciones gráficas. Las discrepancias se agravarían tras una nueva visita de Eduardo a Londres, con Ana Curra y Olvido, en la cual experimenta su segunda mutación, más radical si cabe, hacia posturas afterpunk, góticas y siniestras: Bauhaus, Killing Joke y sobre todo, Siouxie.
Eduardo no sólo ha importado un nuevo estilo musical sino también su violencia y sus broncas (de entre las cuales destaca la de Eduardo y Olvido contra Ramoncín y Diana Polakov en la sala El Sol por el "Sé una chica de hoy" de Paraíso) siendo este momento el más punk, estrictamente hablando, de la banda.
Los primeros temas oscurillos empiezan a salir a relucir, estrenándose la claustrofóbica "Quiero salir" (letra de Nacho, música de Carlos y Olvido) en una fiesta organizada por Dezine en El Sol.
En este nuevo ambiente de tinieblas se comienzan a grabar nuevas maquetas para el segundo single (el grupo tiene la idea de grabar sólo EP) y las relaciones entre casa y grupo se hacen más tirantes que nunca. Nacho niega la mano al supremo de Hispavox y éste suspende la grabación en represalia.
Carlos amenaza con abandonar el grupo, y establece dos condiciones para seguir: que se eche a Eduardo y que Nacho enmudezca ante los medios y la casa de discos.
En diciembre, tras grabar para el espacio televisivo Gente Hoy, el grupo se disuelve.
Nacho y Eduardo deciden formar, junto al hermano del segundo, Javier, y a uno de los hermanos del primero, Johnny, Parálisis Permanente. Pero Ana y Olvido logran acercar de nuevo a Nacho y resucitar Pegamoides, con la idea de que, cogiendo otro batería, Carlos cedería. Sin embargo, los baterías no salen y los que salen, no valen. Eduardo acaba volviendo al redil, sin abandonar, eso si, sus otros proyectos musicales. Por otra parte, que Nacho formase junto a Benavente Parálisis Permanente es algo que Carlos siempre guardó como una pequeña traición.
Los Pegamoides, descontentos tanto con el sonido como con la producción del primer EP, deciden producir este segundo trabajo ellos mismos. Para las fotos, se decide contar con Gorka Dúo, ya que tampoco habían quedado conformes con las del trabajo anterior. Se graba sin mayores incidentes, aunque el resultado, "Otra Dimensión / Bote de Colón / Quiero Salir" (Hispavox, 1981), no les satisface del todo.
A comienzos del 81, Hispavox ha de renovarles contrato... y sólo lo hace con Olvido, Ana Curra y Carlos, figurando Nacho y Eduardo como músicos de sesión. Esto perjudica la promoción del disco, liando aún más el embrollo. De nuevo las féminas median en el conflicto, actuando ellas mismas como mánagers y promotoras, ayudadas por Pito y Ana Díaz, amigas de Olvido.
La afinidad alcanzada entre ambas es tal, que comienzan a componer nuevos temas juntas, tales como "Estrategia militar", "Redrum" o "Quiero ser santa" (este último popularizado por Parálisis Permanente), canciones que, para más inri de Carlos, son de evidente calado gótico. Carlos abandona definitivamente el grupo.
La casa comienza a estar ya más que harta de la banda, y todo parece indicar que Pegamoides va a pasar a mejor vida. Pero Carlos Juan Casado (encargado de las relaciones entre grupo y casa) guarda aún un as en la manga: un tema nuevo que había compuesto Berlanga, titulado "Bailando", muy bailable y radiable. Casado convence al grupo para hacer una versión en inglés para presentarla a los directivos de Hispavox. Escépticos y hastiados, les explica que es algo totalmente nuevo, que será un bombazo. Tras la audición de "Dancing" quedan tan entusiasmados, incluido el director de la compañía, José Luis Gil, que Hispavox ya no tiene excusa para promocionar al grupo en el lanzamiento de su primer LP.
La grabación se realiza a finales de 1981. Pito, que había pasado de fan a mánager del grupo, convence al resto y a Berlanga de que debe participar en la grabación de este primer LP, ya que iba a aglutinar todo el repertorio que el grupo había ido realizando en directo desde su gestación, desde el pop luminoso de los orígenes al gótico de los últimos tiempos. Es por ello que deciden llamar al disco "Grandes Éxitos".
Mientras tanto, "Bailando" no tarda en convertirse en un éxito inmediato. Tanto el single como el EP -"Bailando / La Rebelión de los Electrodomésticos / Vértigo" (Hispavox, 1982)-, se editan en países como Grecia, Holanda, Canadá, Inglaterra y Portugal, realizándose numerosísimas versiones del mismo, como la realizada para el mercado anglosajón con "Dancing" y "Redrum" en inglés.
Este éxito supone para los Pegamoides la multiplicación de los conciertos de cara al álbum, "Grandes Éxitos" (Hispavox, 1982), que se publicaría finalmente en la primavera del 82.
Por esta época colaboran además poniendo sonido al proyecto musical de Almodóvar & McNamara.
Con la buena acogida del disco, el grupo se embarca en una gira por toda España en la que ya no participa Carlos Berlanga, reestructurándose la formación del siguiente modo: Alaska, a la voz, Eduardo pasa a la guitarra, Nacho y Ana se mantienen en el bajo y teclados respectivamente, y Toti Árboles, amigo de Eduardo, se incorpora a la batería.
Ya nada queda de los orígenes y se estrenan nuevas canciones compuestas por Eduardo como "Dan las doce", "Recuerda", "Caras pintadas" o "Cristal blindado".
Ana y Eduardo cada vez están más volcados en su propio proyecto musical, Parálisis Permanente, y, sumergidos en ese halo de autodestrucción se introducen en el consumo de heroína, hecho que no es del agrado de Nacho, que abandona la formación paralela, dejando a ellos dos al frente del proyecto.
En medio, Alaska. Su relación con Nacho es mucho mejor, pero éste ya ha perdido el interés por Pegamoides debido a las discrepancias con Eduardo y Ana.
A todo esto, llega el momento de sacar el segundo sencillo del álbum, eligiéndose no exento de ironía una nueva versión de "La línea se cortó" interpretada ahora por Olvido y Ana. Como cara B se incluye el tema del tándem "Reacciones", en la que poco o nada queda ya del sonido de Carlos.
Finalmente, después del verano, Nacho decide dejar definitivamente el grupo, uniéndose al nuevo proyecto musical de Carlos Berlanga: Dynarama. En ese momento, Alaska comprueba que el interés de sus otros dos compañeros por Pegamoides es residual, con lo cual Alaska no encuentra sentido al asunto y decide disolver el grupo. Los Pegamoides todavía tienen algunos conciertos contratados, así que se decide editar un magnífico flexi, "En el Jardín / Volar" (Hispavox, 1982), de despedida para regalar a los asistentes de los mismos en Madrid, que se celebran en la Escuela de Caminos en noviembre de 1982.
Con el fin de Pegamoides y tras las buenas ventas del "Grandes Éxitos", Hispavox sacaría en ese mismo año un fantástico LP "Alaska y los Pegamoides" (Hispavox, 1982) que prácticamente recogía todos los singles y caras B que no habían tenido sitio en el primer larga duración de la banda, así como los temas del flexi de despedida.
Sin embargo, el último concierto de Pegamoides se celebraría el 26 de noviembre de 1982 en la sala Yoko Lennon's de Bilbao, siendo acertadamente editado por Subterfuge en el 97, "Llegando Hasta el Final" (Subterfuge, 1997) (aunque el 1 de marzo de 1983 se reunirían de nuevo en la 1ª Fiesta de Diario Pop para tocar en la legendaria sala Rock-Ola de Madrid, excepto Carlos Berlanga que estaba haciendo el servicio militar en Canarias).
De entre todos los numerosos recopilatorios y reediciones cabe destacar "Mundo Indómito" (Subterfuge, 1998), con bonito diseño a cargo de Javier Aramburu, que recoge prácticamente todo el material grabado por Pegamoides incluyendo desde maquetas hasta rarezas muy interesantes que harán las delicias de los más fans de la banda.
Daban ganas de salir corriendo🤔🤭
https://youtu.be/H1nqDGB_oWE
Algo mejoraron con algún músico mercenario en directo.
Verlos en el 82 con Barón Rojo de teloneros era de colocón directo...
Teutona, fría y más blanca qué la leche.
Hotel Son Vida, 1982, piscina...🤭
Los que valían eran Benavente y Berlanga, Canut tal vez, ahí están con Fangoria, tal para cual...
Adorada Ana Curra(Seres Vacíos).❤️
Vértigo para la despedida, con Parálisis Permanente esperando 🕯️🧤
Mañana más grupos maravillosos, divertidos e impactantes dentro de la primera parte 🤚
Segunda parte segunda semana Febrero, Vigo, Valencia, BARCELONA....
A veces para ser feliz no hace falta salir de casa y menos con el Covid19 😷👊🌚👍
Mañana más!
Fin de semana de trabajo con sol y buen tiempo.
Vacaciones desde el lunes con más Parálisis Permanente y otros rollos...🎚️🎵🧷🕶️
Viaje alrededor de la explosión de los 80.s mal llamado MOVIDA; aunque puede que existiera...
Tras la separación de Alaska y los Pegamoides surge Parálisis Permanente. Grupo madrileño de la década de los ochenta. La discográfica de Parláis Permanente se reduce a tres singles y un LP, y de alguna maqueta. Vieron rota su prometedora carrera musical cuando se encontraban en su mejor momento. Aun siendo breve su trayectoria, en la actualidad se les considera una banda de culto.
El grupo fue constituido por Eduardo Benavente y Nacho Canut, ex componentes de Alaska y los Pegamoides, en 1981. Nacho Canut abandona el proyecto para unirse a Dinarama. Al poco tiempo entraron a formar parte de Parálisis Permanente Ana Curra, compañera sentimental de Eduardo Benavente, que anteriormente había tocado con Alaska y los Pegamoides, y Jaime Urrutia, quien estuvo en Gabinete Caligari.
Eduardo Benavente tocaba la guitarra y era vocalista (voz), Ana Curra en los teclados y Nacho Canut en el bajo.
Eduardo Benavente, nació el 30 de octubre de 1962 en Madrid. Su primer grupo fue Prisma donde coincidió un tiempo con Toti Arboles y Nacho Cano, que luego seria teclista del conocido grupo Mecano, más tarde Eduardo Benavente y Toti macharían al grupo Plástico, que más tarde dejaría el grupo, para formar junto a Ángel Álvarez Caballero el grupo Escaparates.
Ana Curra nacida en Madrid el 29 de diciembre de 1958, hija de un farmacéutico de El Escorial, cursaría los estudios de piano en
el conservatorio de música, formaría parte de Alaska y los Pegamoides. Allí conoció a Eduardo Benavente con el que acabó teniendo una buena relación sentimental. Por cierto, Ana Curra realmente se llamaba Ana Isabel Fernández.
En el mes de julio de 1982 se creó "El Acto" con 13 canciones. En él se explotaba un camino largo, difícil de ver de la música Punk. También grupos como Gabinete Caligari, o Décima Víctima son representante tempranos de esa corriente.
Registraron 2 canciones versionadas en las que posiblemente orienten sus influencias musicales. Las canciones en sí son "Héroes" de David Bowie y "Quiero ser tu perro" del grupo los Stooges.
En el año 1983 sacan su último single, "Nacidos para dominar". El 14 de mayo del mismo año, los miembros de la banda sufrieron un accidente de tráfico en las proximidades de Alfaro (La Rioja) que causó la muerte de uno de los componentes del grupo. De ahí que Parálisis Permanente se muriera para siempre. Dejó un vacío musical enorme, muy hondo fue el vacío, demasiado hondo diría, ya que como dije este grupo parecía que iba a triunfar.
La compañía discográfica DRO, en el año 2001 sacó un recopilata que se titula “grabaciones completas 1981-1983”.
Lo mejor en aquella época (aparte de los gratuitos discos promocionales), era comprar el resto de grupos dentro de las múltiples independientes que rompieron el cerco de los buitracos de las discográficas internacionales (aunque hay que recordar que Zafiro o Belter apostaron por lo patrio, ejemplo los Burros), el boom de las independientes como Tres Cipreses, Dos Rombos, DRO, Spansuls, Nuevos Medios, etcétera allanaron el camino.
Actualmente esos singles, ep.s, maxi-singles, lps(vinilos) tienen un valor incalculable 💎💵
Junto a Zeleste en Barcelona, una de las salas más importantes de la historia de la música de Iberia y sus restos🎧🎸🎹
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LA SALVAJE HISTORIA DEL ROCK-OLA.
Así funcionaba el llamado ‘Templo de la Movida’, desaparecido hace 35 años, con el que el Madrid más gamberro encontro su aforo ideal.
La de Rock-Ola es la historia de una sala de conciertos oscura y hecha a base de retales que, durante cuatro años, logró convertirse en el referente de la noche madrileña. Propiedad de un empresario argelino francés, el efímero local abrió sus puertas en abril de 1981 y, como por arte de magia, ayudó a que (la entonces gris) Madrid empezara a salir de la apatía y tristeza de aquellos años posfranquistas. “La sala la abrieron Paco Martín y Mario Armero”, cuenta Ramón García del Pomar, quien durante un tiempo trabajó como relaciones públicas y director de eventos de una discoteca que tomó su nombre de una máquina americana que daba bebidas y discos. “Paco había abierto antes el Marquee, en los bajos de Rock-Ola, pero Mario y él decidieron que hacía falta un local donde dar conciertos internacionales. El dueño, Jorge González ‘Pancho’, tenía la sala de arriba, que antes había funcionado como music hall y como sala de bingo, y decidió habilitarla como sala de conciertos, aprovechando que el espacio contaba ya con escenario y juego de luces, por lo que ya tenía mucho hecho”.
Lo de Rock-Ola, que tenía un aforo de 700 personas y ocupaba el primer piso del inmueble situado en el 5 de la calle de Padre Xifré, a poca distancia del metro de Cartagena, no fue un éxito inmediato. En los primeros días no acudía nadie. Pero, a pesar de sus titubeantes inicios, la sala despegó definitivamente después de que el quinteto británico Spandau Ballet fuese contratado para dar allí un concierto en julio de 1981. “A partir de entonces es cuando todo el mundo quiso tocar allí. Artistas de cualquier estilo, porque hubo grupos que no pegaban mucho ni con la Movida madrileña ni con nada, como Caco Senante o el pianista Richard Clayderman”, confiesa Pepo Perandones, dj y diseñador gráfico de la discoteca.
En poco tiempo, todos los grupos españoles de la época, conocidos y desconocidos —algunos de ellos con más ganas que talento, todo sea dicho de paso—, empezarían a partirse el culo por tocar en Rock-Ola. De Los Secretos a Los Chunguitos, pasando por Radio Futura, Gabinete Caligari, Alaska y Dinarama, Parálisis Permanente, Siniestro Total, Hombres G, Almodóvar & McNamara, Aviador Dro o Nacha Pop. Pero como no solo de producto nacional vive el hombre, los responsables del local se esmeraron desde el principio por subir al escenario de la sala a un variopinto crisol de artistas extranjeros como el rockero Iggy Pop, la banda postpunk Siouxsie & the Banshees, los entonces jovencitos Depeche Mode o el escandaloso Divine. Todos ellos llenaron hasta la bandera y deleitaron al público asistente, que tenía la posibilidad de ver a menos de un metro de distancia a los principales artistas del momento.
Cada noche, una fiesta:
García del Pomar, quien durante un tiempo ejerció como programador de la sala, recuerda que, en un primer momento, los viernes y sábados se reservaban para los conciertos internacionales, porque contar con grupos españoles esos dos días no salía demasiado rentable a Rock-Ola. “En un principio, los grupos españoles no llenaban, pero había que ir apoyándolos para que fueran creciendo. En esas programaciones que hacíamos podía haber exposiciones de cualquier género, desfiles de moda, etc., pero en las presentaciones de los fanzines ya aprovechábamos e íbamos metiendo grupos y grupos que, poco a poco, iban haciendo caldo. Finalmente, llegó un momento en que Radio Futura o Alaska y Dinarama sí llenaban ya un fin de semana”.
Cada noche en Rock-Ola era totalmente distinta a la anterior. Las borracheras de garrafón, el calor sofocante y los colocones compartidos eran marca de la casa. Lo divertido que era ir de fiesta a esta discoteca tan cutre como cool corría de boca en boca. “Hay un momento en Inglaterra en que el hecho de venir a tocar a Rock-Ola significa que vas a tener proyección internacional”, explica García del Pomar. “El que ellos mismos los artistas ingleses dijeran ‘Voy a tocar al Rock-Ola’ podía ser como para un grupo español decir ‘Voy a tocar en Nueva York’. Era muy importante actuar allí, porque la sala está siendo un referente en toda Europa y aquí querían venir grupos alemanes, franceses e italianos”.
No en vano, el cántabro señala que aquella suerte de prestigio, unida a lo mucho que podían contribuir los medios a la causa de la promoción, hizo que se decidiera otorgar un trato preferente a los periodistas de la época: “Había como cuarenta periodistas con carné VIP. Y el carné no era solo para que ellos pudieran tomarse una, veinte o cincuenta copas gratis, sino para que pudieran invitar allí a todo el mundo. No todos los músicos ni toda la gente guapa tenía entonces dinero para tomarse dos copas cada noche, pero tú sabías que si ibas a Rock-Ola y estaban allí Carlos Tena, Julio Ruiz o Jesús Ordovás te iban a invitar a todas las copas de esa noche. Esto fue consolidando también la sala”.
No es un secreto que aquella especie de oasis de sexo, drogas y rock&roll se convirtió también en parada obligatoria de muchos artistas de la Movida madrileña. Es más, la mayoría de nostálgicos hablan de la sala como el auténtico templo de aquel movimiento cultural que transformó la España de la época. “Siempre comparo la Movida madrileña con la salida de un preso de la cárcel que se coge una juerga esa misma noche después de haber estado diez años sin libertad”, argumenta Perandones. “Rock-Ola fue importantísimo en eso. Tuvimos la suerte de tener un alcalde tolerante y que vio en aquello un síntoma de modernidad, algo que ya estaban necesitando Madrid y toda España. Lo que ahora hubiera sido muy transgresor, en aquella época se permitió. Se empezó a llevar no ya la libertad, sino el libertinaje directamente, algo que era muy divertido, pero también muy peligroso. La gente en general, no solo los quinquis o las personas de sitios periféricos y economías más vulnerables, se drogaban. Los niños bien se metían heroína y presumían de ello”.
Pijos. Punks. Hippies. Rockabillies. La capital española era entonces un hervidero de tribus urbanas y la fauna que uno encontraba en Rock-Ola resultaba un reflejo de aquella circunstancia. Perandones recuerda que muchos de los asiduos a la sala aparecían por allí “vestidos como los fans que veían en revistas como The Face”, vademécum de la música, moda y cultura británica. “Daban con imitaciones —comenta—. Por ejemplo, si no podían comprarse unas Tod’s, que aquí no las había, se compraban unas botas militares. La gente era muy colorida, y después empezó a llegar gente de fuera de Madrid que iba como si fuese a un museo. Venían personas de todas las clases, y los aficionados a la música se encontraban en la gloria. También había luego algún paleto que se colaba y que no daba crédito. Realmente, allí dejábamos pasar a todo el mundo. No había problemas con los calcetines blancos ni con ese tipo de cosas, lo cual era muy de agradecer en el ambiente de la época”.
El diseñador de la original (y hoy cotizadísima) cartelería de la sala añade que la política de acceso a la discoteca era tan poco restrictiva que resultaba muy fácil presenciar escenas de lo más curiosas: “Los señores que recogían la basura llegaban al final de la sesión, que entonces era a las cuatro o cuatro y media de la mañana, y los invitábamos a tomarse un cubata allí. Ahí estaban los señores con sus monos naranjas, tomándose un cubata al lado de Ana Curra, de Alaska y del paleto de un pueblo de Valladolid que había ido a ver aquello como el que va a la Puerta del Sol o al Museo del Prado”.
La sala funcionaba los sietes días de la semana y su dueño viviría varios años de vacas gordas con un negocio que sirvió de inspiración para futuras discotecas del país. Muchos de los asiduos a Rock-Ola recuerdan con nostalgia y cierto romanticismo las memorables actuaciones musicales y fiestas temáticas organizadas entre sus descascarillados muros. Otros han sido incapaces de olvidar aquel desmadre popular que era marca de la casa, así como lo mucho que a algunos artistas les gustaba provocar a la audiencia. En una ocasión, la banda de psychobilly británica King Kurt apareció sobre el escenario con un montón de huevos y varios sacos de harina. En mitad del concierto, dejaron de tocar y comenzaron a lanzar los huevos al aire, golpeándolos con la guitarra a modo de bate de béisbol. Después, con la gente de las primeras filas cubierta de clara y yema, remataron la faena arrojándoles harina, convirtiendo a aquellos pobres en croquetas rebozadas —aunque la peña no hizo demasiados aspavientos y continuó bailando y viéndoles tocar como si nada—.
Antes de que Rock-Ola comenzara a funcionar, los seguidores del punk ingleses pusieron de moda la puerca costumbre de escupir a los músicos durante los conciertos. Un gesto de transgresión, consideraban. Perandones recuerda que la gente que pisaba la sala madrileña se coscó de aquella historia y empezó a imitar (con algo de atraso) aquella escatológica conducta: “Allí en Rock-Ola se escupía a todo Dios; daba igual quién fuera. Spandau Ballet, vestidos impecablemente y peinados de peluquería, se sorprendieron muchísimo, porque en cuanto salieron al escenario empezó a caerles una lluvia de lapos y ellos no entendían nada. En el concierto de los Cramps, en concreto, el batería saltó de la batería, se metió entre el público y empezó a darle hostias al que más escupía. Tuvimos muchas situaciones así y, realmente, se pasaba un poco de vergüenza”. Aquella moda se pasó al cabo de un tiempo, apostilla, “porque los que estaban en la puerta filtrando al público, estaban al loro y no dejaban que nadie empezara con los escupitajos”.
Y si las noches de alcohol en vena e intercambio de saliva eran poco menos que legendarias, no menos disfrutables resultaban las muchas fiestas postconcierto que la cúpula de Rock-Ola celebró en la casa que el empresario local Manolo ‘Oh’ Calcuta tenía en la calle Mayor. “Generalmente después de cada concierto, de Rock-Ola llegaban allí varias cajas de bebida y cierta élite seleccionada, que no fuera bocazas, pasaba la noche ahí. Estas fiestas se organizaban para los artistas extranjeros, para que se fueran a Inglaterra diciendo ‘Ir a tocar a Madrid es lo más y en ningún sitio nos han tratado como allí’. La élite de la que te hablo son artistas, actores y periodistas españoles que sabían guardar la confianza”, revela García del Pomar, autor del libro La materia de mis edades. Desde Argelia a Rock-Ola. Una biografía de Jorge González ‘Pancho’.
Pero ya se sabe que nada es eterno, y el boom de Rock-Ola empezaría a decaer a partir de 1984, tras una serie de "desafortunados" eventos. Por un lado, en noviembre de ese año se produjo un incendio en los bajos del edificio que destrozó el mobiliario y los archivos almacenados en el local, lo que hizo que el Ayuntamiento ejecutase una orden de cierre de Rock-Ola por supuestas irregularidades e insuficiencias en materia de seguridad contra incendios —orden que el dueño de la discoteca se pasó por el forro en un principio—. Por otro, en marzo de 1985 se produjo frente al local una fuerte reyerta entre varios mods y rockers, y la pelea acabó con la muerte de un adolescente rockero. Esta tragedia, unida a las incesantes quejas de los vecinos, la descarada campaña de desprestigio de algunos medios de comunicación y las presiones políticas que recibió Jorge González —quien en su día había sido uno de los líderes del grupo terrorista francés OAS— llevaron al cierre definitivo del que un día fue templo de la modernidad madrileña.
Aquel maravilloso y tortuoso caja de ritmos de el Gran Carlos Tena:
https://youtu.be/1uLSP1xYcbA
👍
Recuerdo a Eduardo y a la musa Ana Curra❤️🎸🕯️🧤
https://youtu.be/C4do09wJLMA
https://youtu.be/hwA2S_oEHVw
Onda Siniestra.🌚
Unidos volvemos al inicio con Radio Futura.
No se puede olvidar aquel Musical Express del circuito catalán de TVE en sus estudios en Miramar; posteriormente traspasado al circuito nacional.
Programa musical emitido en La 2 entre los años 1980 y 1983. Àngel Casas presentaba el espacio desde Barcelona, compuesto de actuaciones en directo de todo lo novedoso a nivel nacional y figuras consagradas de la música de todo tipo con reportajes.
Sus actuaciones son auténticas joyas de archivo, sin olvidar la voz y el estilo del propio Ángel.
Como diría Piqué 🤭
En cierta manera con ellos empezo todo!!!
https://youtu.be/-iob5nbQ0Sw
Video de bandera en aquellos tiempos, aunque con Valerio Lazarov y discípulos, desde mitad de los 60.s cualquier grabación era posible...
Zoooooom con Ballet incluido 🐾
Recuerdo Especial a los Riojanos del sello distribuidor de independientes Pancoca, (con ellos posteriomente) iniciamos aquéllos memorables conciertos en la sala Tagomago de Gomila en Palma en 1982🎧🎤🧷
Furnish Time, Toncar Pop, Zincpirithione...
Para posteriormente entre el 82,83, disfrutar en directo de Sindicato Malone, Glutamato Ye-Ye, Aviador Dro y sus obreros especializados, Radio Futura, Etcétera 🎸🎚️
Palma fue un hervidero en aquella época de actuaciones de grupos locales y nacionales; en otras pequeñas salas actuaron Gabinete Caligari (gran Ulises Montero con su eterna Mahou) Derribos Arias (iconoclasta y divertidísimo OUT Poch) Polanski y el ardor, Vídeo, Betty Troupe, Las Vulpess( concierto de lapos y latas de cerveza al escenario, copas posteriores en NEW Babels con singles incluidos y posterior disolución en Bilbao), Etcétera... tiempos de entrevistas, música y maquetas desde Antena del Rock🎧🎤🎸🎚️
Radio📻 Futura ☝️
Vivencias, anécdotas, recuerdos and destroy👊😷🤚
Radio Futura es un grupo musical de rock español. Radio Futura nació en 1979; Herminio Molero, pintor y músico conocido por sus experimentaciones con sintetizadores, convocó en su local a diversas personas para formar un nuevo grupo de rock. Entre ellos estaban los hermanos Luis y Santiago Auserón, que en aquellos días escribían en la revista Disco Express con la firma de Corazones Automáticos y que serían bajo, guitarra y voz, respectivamente, de la nueva banda. Otros componentes serían Enrique Sierra, guitarra del mítico grupo Kaka de Luxe; Javier Pérez Grueso, voz y encargado de la percusión electrónica, Carlos Velázquez (cuyo nombre artístico era Solrac, su nombre dicho al revés) y el propio Molero en los sintetizadores y como compositor. Ésta fue la primera formación de Radio Futura, cuyo nombre deriva del de una emisora de radio libre italiana. El pintor Manolo Campoamor fue quien bautizó al grupo. La música de Herminio Molero consistía principalmente en una fusión entre música electrónica y música tradicional española, Enrique Sierra aportaba su punto heavy y los hermanos Auserón aplicaban la teoría musical. Entre todos querían proporcionarle al rock un aire popular y callejero y dar un nuevo enfoque a la música. Tras meses de ensayos y algunas actuaciones en directo, publicaron su primer álbum en 1980: 'Música moderna', gracias a los contactos de Herminio Molero en la industria musical. Este primer disco supuso un estallido en los medios y tuvo un éxito inesperado, fruto quizá del intento de la compañía discográfica por convertirlo en un grupo juvenil para fans: la compañía se había creído eso de 'enamorado de la moda juvenil' sin ser consciente de su carga irónica.
Radio Futura se balanceaba entre conciertos en los que actuaban como teloneros de Elvis Costello y otros en los que iban de la mano de edulcorados cantantes comerciales de los que nunca más se supo. Fue memorable el concierto que dieron a principio de los 80 en la plaza mayor de Madrid junto a Mario Tena y los Solitarios, y los Secretos. Es en ese momento cuando surgieron las primeras rencillas entre los distintos miembros del grupo, cuando el éxito los obliga a una profesionalización y a una definición de estilos y actitudes; todo ello lleva a la separación de Herminio (el cual sólo concebía la música como un medio de comunicación, haciendo que se desprendiera un sonido forzado) y Javier, y a la mayor prominencia de Carlos Velázquez, miembro del grupo ya durante la grabación de 'Música moderna' pero vetado por la compañía al no 'dar la imagen' que ésta pretendía imponer: ése es el motivo por el que no aparece en la foto de portada. Es a partir de este momento, 1981, cuando nace el grupo que ha marcado huella en el rock en castellano: los hermanos Auserón y Enrique Sierra, junto a Solrac, superaron la imagen de grupo títere de los intereses comerciales de la industria discográfica y, usando la combinación básica de voz, guitarra, bajo y batería, comenzaron a componer y ensayar nuevos temas que sentarían las bases de lo que años más tarde sería llamado 'rock latino'. A finales de ese año el grupo cuenta ya con varias maquetas que son continuamente pinchadas en la radio y tocadas por la banda en sus cada vez más frecuentes conciertos. También en esta época graban el sencillo "La estatua del jardín botánico-Rompeolas", cuya psicodélica cara A quedó, según ellos, un poco más redonda que el resto de las canciones de la época.
El sencillo fue producido por Jaime Stinus y supuso un relanzamiento para Radio Futura, pues poco después salió a la venta otro que contenía los temas "Dance usted" (en el que pretendían volverse a presentar como una humilde banda de baile) y el instrumental 'Tus Pasos'. Con todo esto, la banda comenzaba a llenar las salas de los conciertos, ya no sólo de Madrid sino también del resto de España. El año 1983 fue un año de conciertos por toda España, por lo que el grupo se vio obligado a llevar una vida de carretera, lo que inspiraría muchas de sus próximas canciones. En ese tiempo Radio Futura tiene ya un enorme prestigio a nivel popular; manejan un repertorio no grabado en ningún álbum, pero escuchado por la radio, por lo que todo el mundo conoce sus temas y tararea las letras en sus conciertos. En otoño de este año Radio Futura llega a un acuerdo con la casa discográfica Ariola para editar su segundo álbum, 'La ley del desierto, La ley del mar', que salió a principios de 1984 y fue un éxito total, rebasando largamente las previsiones de ventas. En este primer disco 'serio' nos encontramos con la 'terrible' "Tormenta de arena", la cortante "Hadaly", "Escuela de calor", realizada a partir de retazos sueltos de textos sobre la ciudad en general y convertido seguramente en su tema más conocido, la versión instrumental de esta última, la original "Historia de play-Back", la divertida y con aires de película del oeste "La ley", la onírica "En Portugal", el eléctrica "Oscuro affaire", la bella "La secta del mar", los aires latinos de "Un africano por la Gran Vía", la casi desconocida "El nadador" y la sublime "Semilla Negra", también uno de sus más famosos temas.
De 'La ley del desierto, la ley del mar' se extrajeron como sencillos las canciones "Escuela de calor", "Historia de play-back", "En Portugal", "Un africano por la Gran Vía", "Semilla Negra" y la instrumental de esta última, no contenida en el álbum. La principal característica de este álbum es que se trata de un álbum conceptual con dos partes: la primera, 'La ley del desierto', contiene sonidos secos y duros, mientras que la segunda, 'La ley del mar', consta de sonidos deliciosamente acuosos. Como 'La ley del desierto, la ley del mar' había sido un álbum con nada menos que tres largos años de preparación, el grupo se planteaba ahora la realización de un disco con mayor rapidez; así que se encerraron en una casa en El Escorial para realizar la maqueta del nuevo trabajo, con ocho temas de los que se extrajeron seis, y más tarde viajaron a Londres para completar la grabación definitiva, con diez temas que hasta llegar allí no habían tocado aún todos juntos. El resultado fue 'De un país en llamas', un disco bonito aunque barroco por estar cargado de innovaciones tecnológicas (aunque en cualquier caso realizado con el feeling de los viajes, quedando como un disco de carretera), publicado en 1985. En 'De un país en llamas' encontramos el punk de "No tocarte", la casi discotequera "La ciudad interior", la experimental caricatura de "El tonto Simón", los aires asiáticos en "En alas de la mentira", los africanos en "El viento de África", el rock suburbial de "En el Chino", el existencialismo de "Las líneas de la mano", el pretendido retrato de temores "Han caído los dos", la ética en "Un vaso de agua (al enemigo)' y la pre-latina "La vida en la frontera". De este 'segundo' álbum se publicaron independientemente como sencillos los temas "No tocarte", "La ciudad interior", "El tonto Simón" en sus versiones 'de tarde' y 'de madrugada', "En alas de la mentira", "El viento de África", "Las líneas de la mano", "Han caído los dos" y "Un vaso de agua (al enemigo)'.
Por otra parte, se plantean remezclar el tema "Semilla Negra", publicado anteriormente, por lo que llaman a Raimundo Amador para introducir una guitarra flamenca. Con el sencillo obtienen no sólo un gran éxito en España sino también un éxito internacional. Por último, el batería Solrac Velázquez decide abandonar el grupo por desavenencias con el resto de los miembros de la banda, ya que ellos quieren evolucionar hacia ritmos latinos, mientras que él quiere quedarse en el rock. Radio Futura tiene como propósito para el año 1987 buscar nuevos estilos, así que deciden buscar a un batería que se complemente más con el bajo y a un teclista que produzca nuevas texturas en las canciones. Es así como se unen al grupo el batería Carlos Torero, batería bregado en multitud de formaciones (Espasmódicos, Ciudad Jardín, Mercedes Ferrer y La LLave...) y un especialista en estilos rumberos, y Pedro Navarrete, un teclista de conservatorio decidido a pasarse al rock. A principios de ese año se publica el single "37 grados", que llega como adelanto del próximo trabajo del grupo. A finales de 1986 el grupo viaja a Nueva York (donde, según dicen, vivieron una experiencia inolvidable a la hora de componer) para hacer lo opuesto a lo que hicieron en Londres: grabar un disco con la mínima tecnología posible y siempre con sonidos naturales y clásicos. Contrataron a Daniel Ponce, percusionista cubano y, como sección de viento, a los Uptown Horns. La banda trae así a España un trabajo sólido y depurado: 'La canción de Juan Perro', publicado en 1987 y que se vendió bastante bien, aunque no acabó de convencer a la crítica. Este álbum, considerado actualmente como el mejor de Radio Futura, es recordado como el primer trabajo de rock latino, que inició la senda por la que se han encaminado muchos de los grupos españoles actuales, además del disco con el que el grupo se siente más satisfecho.
'La canción de Juan Perro' comienza con un tema corto (de dos minutos y medio), con una música relativamente alegre, quizá con un estilo semejante al de los años veinte. Tras esta rápida introducción, nos tomamos un descanso con "El hombre de papel". Y, al acabar ésta, comienza sin previo aviso y de repente la impresionante "A cara o cruz", nombrada por la prensa mejor canción de ese año: cinco minutos y medio de puro rock con ciertos toques latinos. Al seguir escuchándolo, uno se toma otro descanso con la oscura "Lluvia del porvenir", pero a continuación viene una de las grandes de Radio Futura: "La negra flor", otros cinco minutos y medio de genialidad. Tras desvanecerse ésta entre instrumentos de viento comienza la trepidante "37 grados", una de las mejores canciones del rock español: frases apenas sin sentido encadenadas mágicamente con un ritmo increíble. Entonces viene la belleza inmortal de "Annabel Lee", cuya letra es una traducción del poema de Edgar Allan Poe a cargo de Santiago Auserón, y, tras ella, 'Luna de Agosto', con referencias constantes al vino. El último descanso antes del gran final es 'La mala hora', con la cual uno se hunde en la miseria antes de cantar al amanecer con los últimos cinco minutos y medio de "El canto del gallo", otra de las más grandes del grupo. De este álbum se extrajeron como singles las canciones "En un baile de perros", "A cara o cruz", "Lluvia del porvenir", "La negra flor", "37 Grados", "Annabel Lee", "La mala hora" y "El Canto del Gallo". Es entonces, precisamente en el mejor momento del grupo, cuando las cosas se complican.
Enrique Sierra enferma del riñón y es ingresado en el hospital. el grupo se ve obligado a contratar a un nuevo guitarrista, Javier Monforte, previas suplencias temporales por parte de Alex Sánchez, antiguo miembro de Lone Star, y Ricardo del Castillo, hermano de Carlos Torero. En 1988 Enrique Sierra quedó recuperado, pero el grupo decidió conservar a Javier Monforte como guitarrista, de modo que el grupo quedó constituido por seis miembros, y a mitad de temporada Carlos Torero es sustituido por Óscar Quesada. Radio Futura lleva desde 1981 con ganas de grabar en directo, pero la compañía les pide un nuevo disco de estudio. En el peor momento del grupo, aparece en las tiendas un nuevo tema que les va a relanzar: 'Paseo con la negra flor'. Éste es un tema en clave de rap que se deriva de 'La Negra Flor' y que se plantea como un homenaje a la ciudad de Barcelona, en especial a la conocida Rambla. Durante la gira de 1988 se graban distintos conciertos para reunir el material del próximo disco en directo, pero serían los dos últimos conciertos de la gira en el Arena de Valencia el 28 y 29 de octubre los que al final se editarían, como un disco doble con sólo once temas (una maniobra para encarecer el producto, cabían perfectamente en un solo disco). Con el título de 'Escueladecalor', salió al mercado a principios de 1989. Se les acusó de retocar el disco demasiado en el estudio, con lo que transmitían cierta frialdad que en realidad no transmitían en sus conciertos, aunque realmente se vendió muy bien. De este álbum en directo sólo se aprovecharon para singles los temas 'Escuela de calor' y 'En el Chino'.
En 1989 el grupo dio una serie de giras por toda España para celebrar su décimo aniversario. Enrique Sierra volvió a enfermar, y fue sustituido por Ollie Halsall (guitarrista de la 'escuela de Canterbury', habitual en las grabaciones de gente como Kevin Ayers, y fallecido en 1992 por sobredosis de heroína en la calle de la Amargura de Madrid). Entre noviembre y enero de 1990, el grupo vuelve al estudio para la grabación de un nuevo álbum. Este nuevo disco de estudio se llama 'Veneno en la Piel' y es grabado por una nueva formación: Enrique de nuevo, Ollie Halsall, Antonio Moreno "El Tacita" -reputado músico en multitud de producciones de 'nuevo flamenco'- en la batería, Santiago y Luis. Se trata del 'álbum "acústico" de Radio Futura', en el que se propusieron grabar con un sonido limpio y claro o, como ellos mismos lo definieron, 'para escuchar en un seiscientos'. En este álbum podemos encontrar el tema que le da título; "Si me dejas solo", con cierto aire country; "Al otro lado" y "Radar", las únicas canciones del disco en las que sobresalen las guitarras eléctricas, y "Corazón de tiza", la más famosa junto con la que da título al álbum y que trata sobre un amor infantil ambientado en un barrio pobre de Zaragoza, además de la versión instrumental del tema principal. De 'Veneno en la piel' se sacaron singles con las canciones 'Veneno en la piel', 'Condena del amor', 'Si me dejas solo', 'Imagen pública', 'Radar', 'El amigo desconocido', 'Corazón de tiza' y un tema no incluido en el álbum con el título de 'La ronda del colgado'.
La gira promocional del álbum, con la misma formación que graba el disco, exceptuando la sustitución de Antonio Moreno El Tacita por Antonio Vázquez, será la más elaborada, debido a que el grupo cuenta ya con muchos más medios, y el 30 de septiembre de 1990 Radio Futura sube por última vez al escenario en Las Rozas, en Madrid. Fueron 439 conciertos en once años. La banda, al estar sujeta a compromisos con la casa discográfica, debe permanecer unida, a pesar de las intenciones de Santiago Auserón de colaborar con Kiko Veneno. En 1992 se publica 'Tierra para bailar', álbum en el que realizan nuevas versiones de temas antiguos, junto con un tema nuevo, "El puente azul", y una versión de un tema de Caetano Veloso, "Tierra". Con este disco se pone fin al contrato que Radio Futura tenía con Ariola y, por tanto, también es el fin de la propia banda. A finales de ese año se pone a la venta una caja con todos los álbumes del grupo en CD, junto con un disco extra titulado 'Rarezas', que contiene grabaciones de conciertos y de las primeras sesiones y algunos temas inéditos. En 1998, seis años después de su disolución definitiva, se publicó un nuevo trabajo titulado 'Memoria del porvenir' en el que se incluían versiones de los temas más clásicos de la banda. En 2003 salió a la venta, con el nombre de 'Caja de canciones', una caja con seis de los álbumes del grupo en edición mini-LP, con algunas modificaciones en dos de los trabajos (en 'Escueladecalor' se sustituyó "Semilla Negra" por 'Annabel Lee', y 'Tierra para Bailar' se reestructuró, añadiendo las versiones de 'Escuela de Calor' y 'La estatua del jardín botánico' realizadas para 'Memoria del Porvenir', sustituyendo la versión de 'Paseo con la negra flor' por la de ese mismo álbum y suprimiendo la remezcla de 'Dance usted'), con un libreto con las letras de las canciones y los datos de cada disco.
En 2004 fue editada una recopilación llamada 'Lo mejor de Radio Futura: Paisajes eléctricos (1982-1992)' con dos discos de música y un DVD, con todos los videoclips y las actuaciones en TVE, además de la discografía oficial y el cómic que Max realizó para la canción 'El canto del gallo'. En ese mismo año apareció el disco 'Arde la Calle. Un Tributo a Radio Futura', con veinte temas de la banda interpretados por artistas actuales. No parece haber posibilidades de que el mítico grupo de los ochenta se vuelva a reunir, sin embargo en 2005 los hermanos Auserón se reúnen para editar un trabajo denominado 'Las Malas Lenguas', donde dan un toque latino y en castellano a temas del rock de los años 60 y 70. A finales del 2008, el tema 'Escuela de Calor' apareció en el video juego Guitar Hero World Tour.
DISCOGRAFIA
1980- MUSICA MODERNA
1984- LA LEY DEL DESIERTO, LA LEY DEL MAR
1985- DE UN PAIS EN LLAMAS
1987- LA CANCION DE JUAN PERRO
1989- ESCUELA DE CALOR. EL DIRECTO DE RADIO FUTURA
1990- VENENO EN LA PIEL
1992- TIERRA PARA BAILAR
1992- RAREZAS
1998- MEMORIAS DEL PORVENIR
Segunda pregunta cómo se llama el "líder' de Radio Futura?
Oh IVONNE ❤️
Imágenes con Paloma Chamorro 1980.
Radio Futura y el inicio de una época.
Para enmarcarlo👀
https://youtu.be/IleYbVWF4v8
Semilla negra y Corazón de Tiza en la pared en la segunda trayectoria de Solrac, Sierra and Auseron Brothers 🍻🍺🚦80.s y nueva década 90.s.
Llegando al final de la primera parte; recordando a los más POPIS de aquellos tiempos, los Secretos (gozada de verlos en directo en el 81 junto a Nacha Pop que recordaremos en segunda parte) junto a un grupo de culto en aquella época ( como Parálisis Permanente) nada parecido al resto, los irreductibles y "boludos"🤭 Derribos Arias, para acabar con Glutamato Ye-Ye del multifacetico Iñaki Fernández.
Más "cuatro bonus track"💙❤️
Aquel Pub STAR de Atarazanas en Palma...
El mejor sonido desde el Punk al Electro al mejor POP- ROCK internacional...
Y otros complementos👀🤚 y como dirían en
Polònia (con el Emérito Rey Fugado de la anacrónica Monarquía del atado y bien atado) CAMPAMENTOS.
Lo último es broma🤭
1981 en Popgrama con Carlos Tena, Moncho Alpuente, Jesús Ordovas... tercera pregunta salía o no?
Que recuerdos 😮
https://youtu.be/aY6xGBo3J4E
Radio 3 generadora, mañanas, tardes y madrugadas de Diario POP y tris, tras, tres en Radio Tres...Rosa de Sanatorio 🌷🥀🌹
Los Secretos:
Banda de largo recorrido que ha huido de las modas para refugiarse en un sonido propio, con el que han escrito algunas de las mejores canciones del pop en español. Sabiendo hacer de la nostalgia y los sentimientos a flor de piel una bandera bajo la que se han refugiado miles de seguidores que avalan la trayectoria de la única banda que sigue en activo de las surgidas en los primeros años ochenta.
Un poco de historia
Una cruda portada en blanco y negro fijaba en 1980 la imagen de Los Secretos en su primer Ep. Una edición limitada que escondía cuatro temas pop encabezadas por Déjame y que convirtieron a ese disco, además de en obligada y cotizada pieza para coleccionistas del mejor pop español de todos los tiempos.
Y es que por mucho que después la historia se empeñara en escribir que Los Secretos fueron un grupo de La Movida, no es cierto, fueron un estandarte de la Nueva Ola. Movimiento de efímera pero intensa vida del que surgieron nombres básicos como Nacha Pop, Mamá, Los Secretos o Trastos.
La historia de Los Secretos se remonta a 1978 cuando los tres hermanos Urquijo, Javier, Enrique y Álvaro, por orden de edad, se juntan con Canito, batería amigo de Enrique desde el colegio, y forman el grupo Tos sus maquetas dieron lugar a un EP, en el que se dejan llevar por la influencia de los Byrds, CSN&Y y otros ilustres artificieros del country rock abonados a la electricidad rural envasada con arreglos y juegos vocales.
Aquellas primeras maquetas de Tos serán difundidas para toda España por Jesús Ordovás en el explosivo "Criba 3" -en la recién estrenada Radio 3-, el programa donde lanza nuevos sonidos a las ondas y comienza a hacer realidad una renovadora escena musical, con sede en Madrid pero que rápidamente tendrá su reflejo en el resto del país. Tos son un grupo de futuro, pero la muerte en accidente de tráfico, en el año nuevo de 1980, de Canito da al traste con el grupo.
La fatalidad de esa muerte origina en febrero un concierto (mítico con el devenir de los años) de homenaje en el que algunos grupos de la Nueva Ola (Nacha Pop, Mamá, Alaska y Los Pegamoides, Mario Tenia y Los Solitarios) rinden tributo al batería fallecido. Los hermanos Urquijo también actúan, pero ahora bajo el nombre de Los Secretos. Las cámaras del "Popgrama", de Carlos Tena y Diego A. Manrique, están allí y los jovencitos de todo el país podemos ver en directo (aunque diferido) la puesta de largo de la Nueva Ola.
Primera etapa
Los recién fundados Secretos cuentan con un nuevo batería, Pedro A. Díaz, quien, como ya ocurriera con Canito, no sólo se dedica a tocar los tambores, sino que además compone y canta. Varias discográficas los pretenden y al final fichan con Polydor, que publica ese mismo 1980 el ya mencionado primer Ep. En 1981 ponen en circulación el primer disco grande, contaba con tres de los cortes del Ep ("Déjame, "Niño mimado" y "Sobre un vidrio mojado", fuera se quedó la maravillosa "Loca por mí").
Todo sigue igual y Algo más son útiles para apreciar el crecimiento permanente como intérpretes y compositores ("No me imagino", "Ahora que estoy peor", "Cuando las luces se apagan") y sirven como banda sonora de dos años, 1982 y 1983, donde la carretera y los shows en vivo son permanentes en la vida del grupo. Y justo será en la carretera donde morirá, en 1984, Pedro A. Díaz.
La segunda fundación
La muerte de Pedro sume en la tristeza al grupo a lo que se añade la marcha de Javier, el hermano mayor. Enrique y Álvaro, tratando de olvidar las drogas, siguen adelante...
En 1986 reaparezcan con el cuarto disco. Un mini-Lp, El primer cruce, en el que el pop directo de antaño ha dado lugar al country rock -un afortunado reencuentro con sus raíces musicales- y a los aires mestizos. El dúo se amplía a quinteto con la incorporación de Nacho Lles (bajo), Ramón Arroyo (guitarra) y Steve Jordan (batería). Destacan "Quiero beber hasta perder el control".
En 1987 llega Continuará, que abría "Buena chica". Tras un disco en directo en 1988 con el que se reconcilian con su pasado y lo funden con el presente -con el apoyo de amigos como José María Granados, Javier Teixidor y Joaquín Sabina-, graban en 1989 La calle del olvido. Otra obra maestra que dió lugar a una de esas canciones que José Alfredo Jiménez habría firmado orgulloso, la misma La calle del olvido que daba título a un álbum que significaba la incorporación completa al grupo de Jesús Redondo (teclados) y que junto a Ramón Arroyo completarán la formación definitiva de los Secretos.
Los mejores momentos
Los Secretos viven sus mejores años, con discos como Adiós tristeza o Cambio de planes, en las que Álvaro va ocupando -lo venía haciendo desde "La calle del olvido"- un lugar destacado en la composición.
El mismo año que se publicaba Cambio de planes, Enrique lanza su primer disco como Enrique Urquijo y Los Problemas, proyecto paralelo.
En 1995 editan Dos caras distintas, que parece querer presentarnos desde el mismo título la realidad de un grupo que funciona por la suma de las canciones de Álvaro y Enrique, dos hermanos refractarios pero que cuando se complementan hacen brotar magia de cada nota. En 1996 publican una lujosa caja recopilatoria, La historia de Los Secretos: tres discos que recogen la evolución del grupo desde los primeros días.
Grandes éxitos y La historia marcan un alto en el camino, la banda lleva mucho tiempo rodando y grabando y necesita tomar aire, oxigenar ideas. Para ello, en 1998, Enrique vuelve a lanzar un disco junto a Los Problemas, "Desde que no nos vemos" y Álvaro graba su primer trabajo en solitario, "Álvaro Urquijo".
Adiós a Enrique
Enrique había estado trabajando en la edición del Grandes éxitos II, recopilatorio que se ponía a la venta el 18 de noviembre de 1999. Pero, ironías del destino, la noche anterior los teléfonos se pusieron a sonar: hacía pocas horas que se había encontrado el cuerpo sin vida de Enrique en un portal de Madrid.
Con la muerte de Enrique se desvanecía la ilusión de miles de seguidores. El final de Los Secretos parecía inevitable: Enrique había mantenido durante años el peso compositor y sobrevivir a su muerte parecía imposible. Sin embargo, Álvaro, con la aquiescencia de Ramón y Jesús, decide seguir adelante.
Los Secretos se sobreponen, una vez más, a la muerte y en 2000 publican A tu lado-Un homenaje a Enrique Urquijo, en el que convocan a un montón de amigos (Carlos Goñi, Antonio Vega, Carlos Tarque, Ariel Rot, Celtas Cortos, Cómplices, Cristina Lliso, Javier Álvarez, David Summers, José María Granados, Luz, Manolo Tena, Miguel Ríos, Mikel Erentxun, Nacho Campillo, Pau Donés e incluso Javier Urquijo), para juntos recordar las canciones de Enrique. Se incluye un tema de la última maqueta que dejó grabada Enrique.
En el mes de septiembre de 2002 tuvo lugar la grabación del 14º disco de la carrera de Los Secretos. Ya sin Enrique, pero con algunas colaboraciones de lujo, publican Sólo para escuchar.
2003 ve la luz un Con cierto sentido, todo un juego de palabras para un disco grabado en directo.
https://youtu.be/WYHJkS_tfcQ
Aplauso
Con José Luis Fradejas y el desaparecido DJ, Cantante y productor Nacho Dogan🤔
La juventud BAILA 📻💵
Lógicamente ya nada es igual por si no amanece 🌄
https://youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_lxgY3HqfKmWADJLDDHuG3jAudf2JT8enM
Al paso que van la herencia tecnócrata y vividora Bartoliana tendrán que derribar el Camp Nou y vender el SOLAR🤔
Para eso estaban Derribos Arias, recuerdos a Donosti...🍴🔪🍷🥩
Derribos Arias fue una banda afincada en Madrid formada en 1981, aunque algunos de sus componentes fundadores provenían de San Sebastián, donde habían tocado juntos con anterioridad en La Banda Sin Futuro.
Derribos Arias fue un grupo con un estilo propio, original y extravagante, resultado de mezclar todo tipo de estilos (rock, pop, punk, electrónica ...) con humor y algún toque siniestro.
La formación estable de Derribos Arias estuvo compuesta por:
- Ignacio Gasca "Poch": voz y guitarra.
- Alejo Alberdi: guitarra, teclado y caja de ritmos.
- Juan Verdera: bajo.
- Manuel Moreno "Paul": batería.
Paul tocó la batería durante la primera época del grupo. Posteriormente Ñete ocupó su puesto. En la última etapa de Derribos Arias también estuvo en el grupo Deme Gómez tocando la guitarra. Estos dos últimos no participaron en ninguna grabación aunque sí participaron en varios conciertos.
Derribos Arias nació a finales de 1981 cuando Poch y Alejo dejaron San Sebastián y se mudaron a Madrid para fundar un nuevo grupo, dejando en estado de letargo su anterior aventura musical, La Banda Sin Futuro. Paul, quien también estaba en esta otra banda, se unió a Derribos Arias al año siguiente.
En 1982 se presentaron al concurso Villa de Madrid, obteniendo el primer premio y fichando poco después por el sello discográfico GASA, quienes publicaron todos los trabajos de Derribos Arias mientras el grupo estuvo activo.
Su primer trabajo discográfico fue un vinilo de 7 pulgadas, "Branquias bajo el agua", publicado en 1982. La canción titular de este disco es una de sus canciones más recordadas.
Ese mismo año publicaron el single "A flúor", que contó también con una edición en maxi-single. El single incluyó en la cara B "Tupés en crecimiento" y el maxi-single "¿Quién hay?". Para la canción "A flúor" se realizó un videoclip.
Ya en 1983 Derribos Arias publicó su único álbum, "En la guía, en el listín". También en 1983 editaron el single "Aprenda alemán en 7 días" y un flexi-disco compartido con O.X. Pow que incluía "Aprenda alemán en 7 días" y que fue regalado con la revista Du-Duá.
Las últimas canciones publicadas por el grupo fueron las incluidas en 1984 en el single "Disco pocho" y en el maxi-single "Disco pocho". La cara B del single fue "Lo que hay" y la del maxi-single una nueva mezcla de "Branquias bajo el agua".
Poco después de la publicación de estos dos singles, Derribos Arias se disolvió.
En 1996 Dro reeditó gran parte de las canciones de Derribos Arias en un CD titulado "Derribos Arias CD". En 2001, otra vez Dro, editó el CD "La centralita de información" que incluía las mismas canciones más la versión "Lili Marleen".
En ambos recopilatorios se incluyeron tres canciones de la etapa de Poch en solitario tras la disolución de Derribos Arias.
Posteriormente, Munster Records reeditó en vinilo los singles "A flúor", "Aprenda alemán en 7 días" y "Branquias bajo el agua", así como el álbum "En la guía, en el listín" con dos canciones extra no incluidas en la versión original: "Tupés en crecimiento" (publicada originalmente en el single "A flúor") y "Estrellas, sol y luna" (publicada originalmente en 1982 en el recopilatorio "Navidades radioactivas").
Además de todas estas reediciones, en 1991 GASA publicó un doble vinilo homenaje a la trayectoria de Poch titulado "El chico más pálido de la playa de Gros" en el que diferentes grupos españoles (Fangoria, Los Enemigos, Décima Víctima, Glutamato Ye-Yé, Gabinete Caligari ...) versionearon canciones de los diferentes grupos por los que había pasado Poch, entre ellos Derribos Arias.
Grupos relacionados.
Poch, Alejo y Paul antes de en Derribos Arias habían coincidido en La Banda Sin Futuro. Cuando se reencontraron en Madrid retomaron el grupo de nuevo como banda paralela a Derribos Arias.
Tras Derribos Arias y La Banda Sin Futuro, Poch inició una carrera en solitario bajo el nombre de Poch (a veces citado como Poch Pinza o ex-Poch Pinza). Por su parte Alejo Alberdi produjo a varios grupos, como por ejemplo a Aventuras De Kirlian.
Poch en su salsa😎
Con su bote de Colón por ZGZ!
Chico pinza.
https://youtu.be/4LGr5WBsisE
Vírgenes sangrantes...que miedito daba la canción ( Décima Víctima llegará).
Viajes por países pequeños y nos encontramos de golpe con el Glutamato de los chinos 🌡️☔🐂 se acerca el año nuevo del TORO LOCO agárrense los cinturones 🌛🌚🌜🤞
Repaso a los países más pequeños de Europa.
https://youtu.be/60aeYqw94IA
Que bonita historia, me emociono😮
Rompedores Glutamato Ye-Ye.
Dónde están los reiterados CaticatosIPS🤭
https://youtu.be/zBipBSQopJM
Glutamato Ye-Yé es un grupo de pop-rock español, formado en 1979 y disuelto en 1986. Inicialmente parte, junto a Derribos Arias, Pelvis Turmix y Sindicato Malone, de las «hornadas irritantes», que se oponían a ciertas tendencias pop de la Movida madrileña, llegaron a obtener cierta repercusión comercial a mediados de los años 1980 con canciones como «Todos los negritos tienen hambre (y frío)». El cantante del grupo, Iñaki Fernández, llegó a ser uno de los personajes más vistosos de los primeros años de la Movida, gracias en buena medida a su provocadora imagen.
Glutamato se formo en 1979 de la mano de Ramón Recio e Iñaki Fernández y se sumaron Manuel "Patacho" Recio y Alberto Haro. Bastante gente pasó por el grupo, siendo los miembros estables Ramón Recio (letras), Iñaki Fernández (voz), Patacho (guitarra), Eugenio Haro (guitarra), Jacinto Golderos (bajo) y Carlos Durante (batería).
Tras tocar en muchos bares madrileños ficharon en 1981 por Spansuls. Grabaron su primer EP en 1982. Pero el que debía ser la referencia PNK-001 de Spansuls fue vendido al sello DRO, convirtiéndose en DRO-005. Se trata del EP que contiene «Un hombre en mi nevera».
Debido a que Iñaki tuvo que hacer la mili, su primer álbum se quedó en el mini-LP Zoraida. En 1982, Ramón creó el sello Goldstein, lo que dio al grupo estabilidad para tocar en los locales de moda y grabar canciones como "Comamos cereales".
Cuando Pancoca, distribuidora de Goldstein, quebró, el sello desapareció también, pero Glutamato Ye-Yé recalaron en Ariola, una discográfica de peso. En 1984 grabaron un álbum que incluía el irónico tema "Todos los negritos tienen hambre y frío", que se convirtió en un clásico del grupo. Se hicieron muy populares y vendieron unas 40.000 copias. Al año grabaron Guapamente, que tuvo menores ventas, pero que incluía la canción "Alicia", por la cual fueron propuestos para ir a Eurovisión.
En 1986 el grupo se disolvió, reuniéndose en 1987 para dar un concierto de despedida. En adelante sus miembros pasaron a otros grupos o bien actuaron en solitario. Iñaki Fernández formó, con Ricardo del Castillo, el grupo Iñaki y Los Beatos, con el que grabó un EP antes de pasar a llamarse Los Pecadores tras un incidente con una de sus canciones. Carlos Durante fichó por Desperados y Patacho inició un nuevo proyecto con Fino Oyonarte y José María Granados (de Mamá) bajo el nombre de La Banda del Otro Lado. Algunas veces se reunieron, para grabar recopilatorios u homenajear a compañeros fallecidos como Ramón Recio, Alberto y Eugenio Haro.
El 23 de mayo de 2008 se reunieron para dar un concierto en la sala Joy Eslava de Madrid.
:facepalm:
La pobre Alicia se escondió tras el espejo tras su paso por TOCATA👊
Algún día recordaremos a otros grupos de Pop-Rock de aquellos finales de los 70.s y principios de los 80.s como Tos, Los Modelos, Bólidos, Pistones, Bulldog, etcétera 🎸📼
Tengo un corazón loco❤️ 🍫que hace un ruido infernal.
Profético Iñaki con la debacle a futuro de DAESH y lo que queda🚨🕌
https://youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_lLsYhTsd8kHAR2PMqW590G5hAmTeDMIhk
La despedida tiene guasa🤭
En el fondo te llena el corazón.
Iñaki recordando sus tiempos mozos de
CAMPAMENTOS.(OJE).🤚📸🪀🥾⛓️📣💣
Oyeme tu que eres joven
Tu que sabes entender
Tu que guardas en tus manos
Tanta fe
Tu que buscas las verdades
Tu que tienes corazón
Tu serás como nosotros
Cantaras nuestra canción
Canto ala flor del campo
Canto al viento canto al mar
Canto ala voz que muere en el trigal
Canto al amor sincero
Canto al fuego del hogar
Canto ala verdadera libertad
Canto alos verdes prados
Canto al aire canto al sol
Canto ala azul del cielo y al amor
Canto ala gente humilde
Que me mira sin rencor
Canto ala paz del mundo
Canto a dios
Tu que buscas las verdades
Tu que tienes corazón
Tu serás como nosotras
Cantaras nuestra canción
Canto ala flor del campo
Canto al viento canto al mar
Canto ala voz que muere en el trigal
Canto al amor sincero
Canto al fuego del hogar
Canto ala verdadera libertad
Canto alos verdes prados
Canto al aire canto al sol
Canto ala azul del cielo y al amor
Canto ala gente humilde
Que me mira sin rencor
Canto a la paz del mundo
Canto a dios👐👐👐👐👐👐👐
Y camisetas azules y derivados ☀️
⭐🌟✨Las estrellas como van?
Como llegan?
https://youtu.be/UKGfeS1PPu4
Semana 14 Feb, segunda parte.
Bonus Track.
En dos, original y versión ☠️🏴🏴☠️
Por el momento algo más tranquilo menos en Siria y Yemen🎸
Recordando a los combativos The Clash✊
Versión.
https://youtu.be/02Sg9H2T_TQ
:palmadas: :palmadas: :palmadas: :palmadas: :palmadas: :palmadas: :palmadas: Desaparecido Rachid Taha maestro de la música Raï🌛
Suavizando antes de la traca final de Holidays, esperando con esperanza y buenas vibraciones; un triunfo con FAIRPLAY y juego bonito del BARÇA ante los Bilbaínos de mano fina ✊
Ya veremos que arbritaje nos toca y que PUSSY hace el Holandés, aparte de la entrega de los jugadores.
Malos tiempos para la lírica 🎶🎵🎼
Antes Cat Stevens y desde hace muchos años Yusuf🌛
Steven Demetre Georgiou, conocido en el mundo de la música como Cat Stevens nació en Londres, Inglaterra, el 21 de julio de 1948 (tiene 72 años de edad).
Cat Stevens estuvo desde pequeño muy involucrado en la música, pues a la edad de 12 años, ya tocaba el piano, la guitarra y escribía canciones propias. A los 16, tras terminar la escuela, es aceptado en el Instituto de Arte Hammersmith en Suecia.
Paralelamente, comenzó a tocar en cafés y pubs locales. A partir de ese momento se dio cuenta de que su nombre (de ascendencia griega) no resultaba muy commercial, así que decidió cambiarlo por el de Cat Stevens.
En 1966, a la edad de 18, conoce al productor Mike Hurst, quien le propone grabar una demo para conseguir un contrato discográfico. Es así como aparecen sus primeros temas, "I Love My Dog" y "Matthew and Son". Ambas canciones formaron parte de su album debut, “Matthew and Son”, lanzado en 1967. Este disco logró situarse dentro del Top 10 de las listas de éxito.
Ese mismo año aparece una nueva producción, bajo el título de “New Masters”, del que se extrae el sencillo “The First Cut Is The Deepest”, que se convirtió en un éxito internacional y ganó una serie de premios. A pesar del éxito de la canción, el álbum no logró ingresar en las listas de ventas.
Los siguientes dos años, Cat Stevens se los pasó escribiendo nuevos temas para futuras producciones, así como de gira promoviendo su último material. Para ese entonces, Cat Stevens era considerado una sensación joven del pop que se mantenia bien ubicado en las listas inglesas.
En 1968, Cat Stevens enferma de tuberculosis, lo que le lleva a permanecer en el hospital durante varios meses. En este tiempo, se dedica a repasar aspectos de su vida personal, tomó la meditación como una forma de vida, leyó libros de religión y se volvió vegetariano. Para ese entonces, había escrito ya cerca de 40 canciones, mucho más introspectivas que sus trabajos anteriores.
Ya curado y con una nueva perspectiva del mundo y de la música, firma un nuevo contrato con una compañía discográfica americana (Island Records) en 1970. Al poco tiempo aparece “Mona Bone Jakon” (1970), un disco folk que contenía canciones como "Lady D'Arbanville", "Pop Star", y "Katmandu" (la cual contó con la colaboración de Peter Gabriel en la flauta). Ese mismo año presenta lo que sería su escalón a la fama, el álbum “Tea for the Tillerman”, que se convirtió rápidamente en el número uno de la lista Billboard. Además, alcanzó el status de disco de oro a las 6 semanas de haber sido lanzado. “Tea for the Tillerman” dio como resultado grandes éxitos, como "Wild World", "Hard-Headed Woman", y "Father and Son".
Pronto aparecería un nuevo álbum, “Teaser and the Firecat” (1971), que lograría situarse en la segunda posición de las listas. De esta manera el LP consiguió nuevamente convertirse en disco de oro a las 3 semanas de haber salido a la venta. De este disco se extraen los sencillos "Peace Train", "Morning Has Broken" y "Moonshadow".
Por otro lado, también en 1971, muchas de sus canciones fueron usadas en la banda sonora de la película “Harold and Maude”.
Su siguiente producción sale a la luz en 1972, y se titula “Catch Bull at Four”. Este disco fue con el que pudo conseguir más méritos en menos tiempo: consiguió disco de oro a 15 días de haber sido presentado, y permaneció en la primera posición de la lista Billboard durante 4 semanas consecutivas.
A lo largo de la década de los setenta, Cat Stevens presentó muchos otros discos tales como: "Foreigner" (1973), “Buddha and the Chocolate Box” (1974), el disco en vivo “Saturnight (Live in Tokyo)” (1974), “Numbers”(1975), “Izitso” (1977) y “Back to Earth” (1978).
En 1977, Cat Stevens se convierte al Islam y cambia su nombre a “Yusuf Islam”, en 1978. Este cambio de religión se debió a un accidente que tuvo en Malibu en 1975, donde casi piede la vida. Según cuenta el propio Cat Stevens, de pronto vio a Dios, y le pidio que si lo salvaba trabajaria para él. Es así como se acerca a distintas religiones, pero ninguna lo convence. Hasta que su hermano David le entrega una copia del Corán, y ahí en donde encuentra la paz que tanto anhelaba.
En 1979, hace su última presentación pública, en el concierto “The Year of The Child” en el estadio Wembley.
De esta manera, Yusuf Islam abandona su carrera como estrella de pop, pues el uso de instrumentos musicales así como el hecho de cantar canciones es un tema de debate en el mundo musulmán. Fue tanto su compromiso con esta nueva postura radical, que llegó al punto de pedirle a las compañías discográficas que dejaran de distribuir sus discos anteriores, hecho que, obviamente, nunca se produjo.
Tras su alejamiento de la música, se dedica a hacer obras filantrópicas y educacionales hacia colegios musulmanes en todo el mundo.
Paralelamente, las compañías discográficas lanzan un disco recopilatorio en 1994, tituladoo “Footsteps in the Dark: Greatest Hits, Vol. 2”.
En 1989, Yusuf Islam visita la Universidad de Kingston en Londres para hablar con los estudiantes acerca del Islam, y pide la ejecución del escritor Salman Rushdie, lo que se convierte en un escándalo mediático.
En 1995 retorna a la música no comercial, sino para promover su religión con el disco “The Life of the Last Prophet”. Ocurre lo mismo 4 años más tarde con “Prayers of the Last Prophet” (1999).
A partir del año 2000 lanza 5 discos más bajo la misma temática: “A is for Allah” (2000), “I Look I See” (2003), “Indian Ocean” (2005), “Footsteps In The Light” (2005) y “An Other Cup” (2006).
Calidad 5 puntas Rojas.
Aki Kaurismäki y mucho más 🤝👁️
Los Leningrad Cowboys son un grupo finlandés de música rock, famosos por sus canciones humorísticas y sus conciertos junto con el Coro del Ejército Rojo.
La banda fue una invención del director de cine finlandes Aki Kaurismäki, apareciendo como una banda ficticia en su película de 1989 "Leningrad Cowboys Go America". La banda ficticia, así mismo, fue formada por ex miembros de una banda finlandesa real, the Sleepy Sleepers, junto con miembros adicionales. En la película, ellos son presentados por Nicky Tesco, líder y miembro fundador de la banda britancia de punk rock, The Members.
Despues de la película, la banda sigue por sí misma, grabando música, creando videos y realizando conciertos. Aparecen también en otras dos películas de Aki Kaurismäki, "the Leningrad Cowboys Meet Moses" (1994) y "the Total Balalaika Show" (1994), con una película de un concierto realizado por la banda y los 160 miembros del Coro del Ejército Rojo en Helsinki, Finlandia en Junio de 1993. Kaurismäki a su vez escribió y dirigió dos videos presentando la banda: su cover de la banda de folk de los 60, "Those Were The Days" (1992) y "Thru The Wire (junto a Tesco)" (1992).
En 1994, la banda aparece junto con 70 miembros del Coro del Ejército Rojo en el 11th annual MTV Music Awards, en el Radio City Music Hall de Nueva York, donde ellos cantaron el clásico "Sweet Home Alabama". El show fue visto por aproximadamente 250 millones de personas en el mundo. Ese mismo año, la banda y acompañantes nuevamente unen fuerzas para el "NOKIA Balalaika Show", un concierto realizado en Berlin.
En este momento, la banda tiene once Cowboys y dos Leningrad Ladies. Las canciones, todas influenciadas por el polka y el rock progresivo son realizadas en inglés y tienen como tema principal vodka, tractores, cohetes, y Genghis Khan, como el buen folklore ruso, baladas rock and roll y covers de diversas bandas como The Beatles, Led Zeppelin, y Lynyrd Skynyrd, todas presentando toneladas de humor.
DISCOGRAFÍA
1917 - 1987 (Megamania 1988)
Go America (Megamania 1989)
Those Were The Days CD-Single (BMG Ariola 1991)
Those Were The Days CD-Single (BMG Ariola 1992)
Thru The Wire CD-Single (BMG Ariola 1992)
We Cum From Brooklyn (Johanna 1992)
Total Balalaika Show - Helsinki Concert (Johanna 1993)
Live in Prowinzz (Johanna 1993)
Happy Together (Johanna 1994)
Jupiter Calling CD-Single (BMG Ariola 1996)
Where's The Moon CD-Single (BMG Ariola 1996)
Go Space (Johanna 1996)
Mongolian Barbeque (Johanna 1997)
Thank You Very Many - Greatest Hits And Rarities (BMG 1999)
Be Worry Don't Happy CD-Promo Single (Megamania 1999)
Terzo Mondo (Johanna 2000)
Go Wild (BMG 2000)
Happy Being Miserable CD-Single (Roadrunner 2000)
Global Balalaika Show (Johanna 2003)
Zombie's Paradise (Sony BMG 2006)
MIEMBROS
Tipe Johnson
Sakke Järvenpää
Vesa Kääpä
Teijo "Twist Twist" Erkinharju
Pemo Ojala
Ykä Putkinen
Silu Seppälä
Antti Snellman
Mauri Sumen
En Pamplona empieza a diluviar 🎊🎉🌥️🌦️🌧️☔
https://youtu.be/sGvcBPdtGdA
La estética de los Finlandeses para la próxima celebración del BARÇA ojalá sea en Copa y Liga.
💙❤️
Muxus!!!
Estos por lo menos son de carne y🦴💀
🤭
https://youtu.be/B6uhLklMPSU
Mañana🏴☠️🏴☠️📽️
Que raro que el editor sin hacer nada se cobrará una 🤭🏴☠️🏴🏴☠️✊💙❤️🎸
Nunca olvidar, siempre presentes.
Dudas razonables.
Abuelos del rock.
TOMÁS DE LA OSSA 02.02.2021 | 01:08
Todos conocemos la leyenda negra del rock y su larga lista de muertes prematuras por culpa de excesos varios –drogas y alcohol, mayormente–. Desde los que pertenecen al club maldito de los 27 años –a esa edad fallecieron Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain y Amy Winehouse, que ya es triste casualidad– a otros tan sonados como Keith Moon (Who), Bon Scott (AC/DC), Sid Vicious (Sex Pistols) o John Bonham (Led Zeppelin).
Pero, dicho y admitido eso, resulta curioso comprobar que los rockeros que lograron sobrevivir a esos tiempos han tenido y tienen, en general, una larga vida. Como si se hubieran inmunizado o, mucho más probable, como si un buen día hubieran decidido (y conseguido) abandonar los vicios de esos días de vino y rosas y se hubieran centrado en cuidarse un poco.
Sin bajar de los 75 años, y sin ser exhaustivos, porque sería imposible, de los que ya lo andaban petando en los 60 todavía andan por ahí zurrando los beatles Ringo Starr (80 años) y McCartney (78); los rolling Mick Jagger (77), Keith Richards (77) o Charlie Watts (79); los Beach boys Wilson (78), Love (79), Jardine (78) y Johnston (78); Simon y Garfunkel (ambos con 79); Jimmy Page (Led Zeppelin, 77); Blackmore (Deep Purple, 75); Eric Clapton (75); los who Daltrey (76) y Townshend (75); Jon Anderson (Yes, 76); Bob Dylan (79); los cuatro de Crosby, Stills, Nash and Young (con 79, 76, 78 y 75, respectivamente); Joan Baez (80); y hasta la reina madre del blues británico, John Mayall (87).
Y sí, muchos cayeron jóvenes; y sí, muchos otros se fueron yendo por accidentes o enfermedades. Pero creemos que al rock no le ha ido tan mal en general para lo mal que en general se ha portado y que, salvo en los años iniciales, los más locos, le ha hecho pocos honores (y mejor así) a eso de "Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver". Más bien es lo que Ian Anderson (por cierto, de 73 años) canta con Jethro Tull de "Demasiado viejo para el rock and roll, demasiado joven para morir".
Otra conclusión, bastante más triste para la gente joven a la que le guste el rock clásico, es que, con esas edades, en un par de décadas no va a quedar ninguno. Pero, como también está ya cantado por el rock, ¿quién quiere vivir para siempre?
Salvo en los años iniciales, los más locos, el rock le ha hecho pocos honores (y mejor así) a eso de "Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver"
Pablo Hasél, el uso del Código Penal para perseguir ideas.
Por Joseba Santamaria.
Iruña.
La Audiencia Nacional ha ordenado el ingreso en prisión del poeta y rapero Pablo Hasél por el supuesto delito de injurias a la Corona. En realidad, a Hasél le han condenado por denunciar en sus canciones las andanzas de Juan Carlos de Borbón y tildar en una de sus estrofas de ladrones a los Borbones. Admito que no conozco nada más de Hasél. Pero no deja de parecerme otra injusticia judicial que afecta, además, a derechos democráticos y a libertades constitucionales fundamentales. Como el propio Hasél argumentó en su juicio –sin éxito–, sus canciones no dicen otra cosa que lo que han dicho y publicado la mayoría de los medios de comunicación del Estado y buena pare de la prensa internacional sobre el todavía rey emérito. Hechos investigados por la Justicia en España y en otros países europeos y por los que, por cierto, se marchó en agosto a los Emiratos Árabes, donde vive desde entonces alojado en un hotel de lujo a cargo del erario público. Si ya es democráticamente inaceptable que Hasél haya sido condenado a prisión por expresar sus opiniones sobre la actual situación de Juan Carlos de Borbón en la misma línea que muchos políticos, periodistas, historiadores, etcétera, más preocupante aún es que la Audiencia Nacional vuelva a actuar contra derechos y libertades. En una justicia garantista y democrática, son los tribunales superiores los encargados de velar por esos derechos fundamentales, pero en el Estado español se han convertido precisamente en los órganos más duros en su persecución penal. La llamada ley Mordaza, la actual Ley de Enjuiciamiento Criminal y el endurecimiento del Código Penal son armas contra esos derechos y libertades. Y se aplican de forma desigual: se avalan mensajes y discursos xenófobos, golpistas o discriminatorios que azuzan el odio, pero se persigue la crítica a la Monarquía o a otras estructuras de poder. El actual Gobierno de Sánchez e Iglesias se comprometió a derogar la ley Mordaza y a revisar la utilización política e ideológica del Código Penal para perseguir ideas, críticas o disidencias que ha impulsado sucesivamente el PP desde tiempos de Aznar. No lo ha hecho aún. El Tribunal Europeo de Derechos de Humanos ha condenado en varias ocasiones a los tribunales españoles por vulnerar la libertad de expresión y ha puesto en evidencia lo que vienen denunciado especialistas en Derecho Constitucional, juristas, fiscales, abogados o periodistas y organizaciones de derechos humanos como Amnistía Internacional: una aplicación discrecional del Código Penal para limitar derechos civiles y políticos. Los depredadores de valores democráticos son muchos, no sólo dictadores y fanáticos, grupos terroristas o mafias organizadas. Al contrario, los más efectivos censores forman parte del poder político, económico, financiero, judicial, religioso... normalizado. También en las democracias. O más aún incluso.
Lucha y resistencia.
Salud!
Calentando motores para segunda parte de la "movida" y otros rollos...
Holaaaaaaa!
Holaaaaaaaaaaaaa!
Joder por lo menos no hablo SOLO el ECO me contesta 😅😂🤣😭
Jueves y Viernes, con Cómics, Viejos recuerdos musicales, Salas mágicas y otras Sorpresas...
Paris bien vale un TRIUNFO 🤔🕵️💙❤️
I LOVE GLAM- ROCK AND POWER POP... si de aquel de pintas 🍻🍺y más pinta😎 con borrachera lúcida y experiencia religiosa In The TOILETTE 🏴☠️🙏🤭
https://youtu.be/8AT_Pbtyid0
I love bad REPUTATION!
https://youtu.be/jUxsP8ED_cM
💀🦴⚰️
✊
Pablo algún día en Mafianistán se hará justicia.
Contra la Monarquía, ley mordaza, y la democracia de cartón piedra de bancos, empresarios, políticos, sindicatos, corrupción, poderes fácticos, cuarto poder, fuerzas vivas y minoritarias élites económicas que siguen repartiéndose el cortijo nauseabundo y podrido del atado y bien atado.
Libertad para Pablo Hasél y otros presos políticos!!!
La Melomanía es la afición o fanatismo o pasión que una persona siente por la música, la persona que siente esta peculiar pasión se ve influenciada por un género o artista en específico. A diferencia de las manías que son relacionadas con conductas disociadas como la mitomanía (mentir) o la cleptomanía (robar), la melomanía no se le considera un peligro para la sociedad, porque no representan ningún tipo de riesgo para la sociedad o al menos para quienes rodean.
Por los motivos antes descritos, la melomanía no es considerada como una enfermedad, no degenera, no desgasta la vida, un melómano puede de hecho basa tanto sus actividades académicas como profesionales en sus gustos musicales. Lo más que podría pasar desde un aspecto negativo sería lo que afecte financieramente al sujeto. Un melómano siente la necesidad impulsiva de tener todos los discos o productos que ofrezca el cantante o género en cuestión, así como asistir a todas las presentaciones y conciertos que tenga el artista. Esto representa gastos que pueden ser exorbitantes. Según la etimología griega, Melomanía viene de “Melos” que significa “Canto” y “Manos” que es el que define las conductas de pasión de una persona por algo o alguien.
El término Melomanía ha sido empleado incluso en diversas generaciones como un halago y una conducta intelectual. Quienes son aficionados a la música.
😎🎼🎵🎶🎹🎸🥁🎤🎧🎚️🎷🎺
La tierra para el que la trabaja; como la música y el arte...
La meta está cercana, el corredor llegó al fin a su destino, tal vez algún día se eche alguna carrera, pero por el momento lo duda mucho, próxima semana META al fin.
Última estación Blaugrana ☝️
Por el camino quedarán 50,s, 60,s 70,s 80,s 90,s y nuevo milenio, bandas sonoras, música étnica, grandes guitarristas, temas dance, funky, soul, clásica, música electrónica, sus orígenes, gótico y siniestro, power pop, grandes cantantes féminas y masculinos, otro repaso al pop- rock generacional o lo que nos quedaba del Hard Rock y Heavy Metal...
🏴☠️👊⚽
Para el fin de fiesta repaso a los orígenes del Blue-Beat- Ska-Reggae-Dub con lo más representativo de la historia y otros rollos...
Rancheras eternas de lucha✊
Voy a cantar el corrido
De un hombre que fue a la guerra
Que anduvo en la sierra herido
Para conquistar su tierra
Lo conocí en la batalla
Y entre tanta balacera
EL QUE ES REVOLUCIONARIO PUEDE MORIR DÓNDE QUIERA
CAPITO :victoria:
El general nos decía
"Peleen con mucho valor
Les vamos a dar parcelas
Cuando haya repartición"
Mi padre fue peón de hacienda
Y yo un revolucionario
Mis hijos pusieron tienda
Y mi nieto es funcionario
Gritó Emiliano Zapata
"¡Quiero tierra y libertad!"
Y el gobierno se reía
Cuando lo iban a enterrar
Vuela, vuela palomita
Párate en aquella higuera
Que aquí se acaba el corrido
Del mentado Juan sin Tierra
Ahí va la OSTIA que nada es lo que parece, y casi nunca nadie es como dice ser🤭🌛🌚🌜
Otro adelanto de aquello mal llamado MOVIDA...
El coche de la PLAS👊💙❤️
🚨🚓
Segunda parte se acerca...
Por cierto ayer pasó algo???
🕶️🕶️🕶️🕶️🕶️🕶️🕶️
🍺🍻🍺🍻🍺🍻🍺
💣💣💣💣💣💣💣
CaricatosIPS ⚽🤭
Aquellos conciertos de Radio 3.
Entonces al menos se respiraba libertad en Mafianistán 📜
https://youtu.be/SNYc0jL0bvk
Primera pregunta adelantada que cantante femenina quiso cantar con ellos???
Blanca como la leche...
🤭👊
Nega]
Rap escéptico, tengo adorno prisionero,
Prosoviético, como Manolo Monereo,
Esotérico, espíritu Mulder y Scully,
Crecí en un barrio periférico, otro atentado en Bali,
Corazón de hojalata.
Lo reconozco: me ponen los tweets de Guillermo Zapata
Lo siento papa, nunca seré concejal,
Terminaré en un club de mala muerte cantando bachatas.
Delincuentes de gomina y corbata,
Y el problema es una mujer de reina en la cabalgata,
Así funciona, es la ley de la selva,
El Pequeño Nicolás se forra; Alfon resiste en una celda.
Y la rueda sigue girando, yo lo veo
El negro del Whatsapp, Rafael Hernando.
Cosmopaletos, no os enteráis,
Subversivo es Luis Buñuel, no los artículos de Vice,
Lloré con Pride, orgullo,
Homosexuales y mineros combatiendo a Thatcher juntos.
Así que vive y deja vivir, machito,
Que hay mineros jubilados que te llevan años de ventaja,
¿Capito? La tierra pa'l que la trabaja,
Como la música y el arte, ¿Lo pillas, chico?
No quiero juzgarte ni ponerme tremendo,
Tanta droga, tanta p, tanta... ¿Joder, de qué estás huyendo?
No busco el dividendo, busco llenar el calendario,
Soy tu Robert Mitch, un falso reverendo,
La información, en manos de sicarios,
La televisión es mugre, es arresto domiciliario.
Mercenarios, medios generalistas,
Bertín Osborne es un machista reaccionario,
Legendario, permanecer,
Si muero algún día quiero un funeral estilo Berlinguer.
Estribillo]
La soledad de quien huye del rebaño,
La Europa del sur, la Europa del Mediterráneo,
Llantos y miedos, cajas y bombos,
Es la soledad del corredor de fondo.
[Toni El Sucio]
Ey, pibe, aquí nadie se rinde,
Para todo aquel que es libre no existen los imposibles,
Los invisibles queremos dejar de serlo,
Tenemos voz, nombre y rostro, y queremos lo que es nuestro.
No existe el miedo, somos la resistencia,
Contra la Ley Mordaza, receta: desobediencia.
Nos quieren callados, maniatados, y lo llevan claro,
Para Pablo Casado, zulo y trabajos forzados.
Hipócritas de mie, sí, hablo de Occidente,
Están llorando en París lo que en Gaza consienten,
O en Irak, o en Siria, o en Burkina Faso,
Aquí eres víctima si eres europeo y blanco,
Y Anders Breivik era un loco, era un perturbado,
Nadie te hablará nunca de integrismo cristiano.
Hablan de lobo solitario, ¿Verdad?
Si hubiera sido un musulmán, ya habría un país bombardeado,
Lo tienen todo atado y nos dicen qué pensar,
Y hasta la tele, pavo, y nos dice a quién votar.
Y fabrica líderes de pacotilla,
Como el cuñado falangista Miguel Ángel Revilla,
Y fachas se indignan por el disfraz de Reyes Magos,
Y se la suda que existan niños sin regalos,
O niños desahuciados en la calle con frío,
Sólo les importan los niños que aún no han nacido,
Es vomitivo este poder que nos gobierna,
Que nunca han sentido ni frío, ni hambre ni problemas,
O que se van a un spa tras el Madrid Arena.
Ana Botella a un gulag junto a Álvaro Ojeda,
Y ¿qué nos queda?
Pues luchar o chupar de su rueda,
Hagamos lo primero aunque las derrotas duelan,
Y no te rindas, por favor, no cedas,
Porque mañana se abrirán las grandes alamedas.
La soledad de quien huye del rebaño,
La Europa del sur, la Europa del Mediterráneo,
Llantos y miedos, cajas y bombos,
Es la soledad del corredor de fondo.
📢
Penúltimo buenos días, tardes, noches, acercándose la primavera con un mundo muy revuelto a TODOS LOS NIVELES 🤭👌
Con el Barça y Mafianistán se pasa de frío a calor en menos de tres segundos ☔🏜️que felicidad...
Segunda parte de aquellas movidas 📢🏴☠️⛔😎 Más de 9000 kilómetros hasta Vladivostok🚂
Recordando a PVP:
La queja, aun dicha sin acritud, no pilla por sorpresa: “El único lado negativo de la Movida es que siempre se citan los mismos nombres, como si no hubiera existido ninguno más”. Y el de PVP, el grupo de Juanjo Valmorisco (Madrid, 1957), no pertenece a dicho estamento de mención constante, a pesar del prestigio en la primera mitad de los ochenta de una banda conocida como ‘los Clash madrileños’. “Esa etiqueta nunca nos molestó, si nos perdimos fue por el afán de experimentación, nos daba pánico quedarnos anclados, y sobre todo por las malas influencias. El típico consejo de la compañía de ‘¿por qué no hacéis algo más comercial?’”.
Valmorisco (guitarra y voz) y Jesús Amodia (guitarra) están de regreso con Hermanos de piel, el primer álbum de PVP en tres décadas, y lo presentan este viernes en la sala Changó. 11 temas nuevos de forja terapéutica: “Surgieron a raíz de la enfermedad de nuestro batería, Jorge García Ramiro [el tercer miembro fijo en la historia de la banda]. Qué mejor para ayudarle en su lucha que volver a ensayar y hacer canciones juntos”. El hombre de las baquetas falleció de cáncer en 2012. “Se fue con la idea de que íbamos a grabar un disco pero le devolvimos la ilusión por tocar. Tras el shock, Jesús me convenció de la necesidad de culminar el proyecto como el mejor homenaje posible”.
¿Y qué han confeccionado los autores de himnos alternativos de los ochenta como El coche de la plas o Entre las ruinas (regrabada la una, remezclada la otra como cortes extra). “A nuestra edad las opciones eran un álbum de boleros o uno de versiones de la nueva ola”, bromea Valmorisco. La elección ha sido abrazar el espíritu combativo que desprendía su ópera prima, Miedo, en 1982, un muy buen trabajo de punk-rock aderezado con gotas de ska. “La batalla de Jorge por la salud y los tiempos que corren lo exigían. No vamos a ponernos tachuelas, pero seguro que nadie nos va a acusar de autocomplacientes”.
Los Clash madrileños, treinta años después
La movida echó a andar en Caminos:
Ojo con los nuevos títulos: Señor presidente, La revolución, Conciencia o incluso uno de préstamo dylaniano, Los tiempos están cambiando. Dardos urgentes llenos de enjundia y melodía. “Partimos de tres premisas: nada que tuviera que ver con el blues, nada de canciones de amor, hemos hecho en cambio una sobre los malos tratos, y no repetir estribillos”.
La de PVP es una historia en parte de huidas, más allá de la anecdótica del homenaje a Tierno Galván. “Suspendieron por la lluvia el festival en su memoria y parte del público se encabritó. Hubo que salir por patas porque volaban las litronas, entonces permitidas en los conciertos”. Otra escapada la protagonizó Valmorisco dos años antes de fundarse la banda. “Me instalé en 1978 en París huyendo de la heroína de la que Madrid estaba plagado. Musicalmente, supuso para mí una reeducación”.
Lo de pirarse o salir de naja (en jerga de Ramoncín, productor de la segunda maqueta de PVP) se repetiría con el sello que albergó su primer largo. “En Belter convivían La Banda Trapera del Río [pioneros catalanes del punk] y Burning con Manolo Escobar o María Jesús la de Los Pajaritos. Nos marchamos y sacamos el segundo con una discográfica minúscula creada ex profeso”.
Tras un amago de formar un nuevo grupo con Alaska como vocalista (“cuando se disolvieron los Pegamoides llegamos a ensayar, luego ella acabó en Dinarama”) nuevo cambio para la tercera entrega: fichan por Dro-Tres Cipreses, casa emblema de la independencia surgida en la Movida. “Pero, en realidad, nosotros bebíamos del rock urbano de Leño y compañía. Somos en el fondo hijos del sello Chapa. De hecho, su creador, Mariscal Romero, impulsó nuestra primera maqueta”. El último capítulo hasta ahora, un cuarto disco equivocado con una multinacional. “Nos remató el veto televisivo a que interpretáramos cierta canción en un programa. Propuse aprovechar la circunstancia para boicotear el playback como protesta, y la compañía y el resto se opusieron. Era momento de parar”.
El actual bajista de PVP es otra pequeña celebridad de la escena madrileña en los ochenta, Manolo UVI, líder de una de las bandas seminales de nuestro punk, La UVI. “Debo ser el único músico que ha logrado que Manolo toque funk alguna vez”, se jacta entre risas un Valmorisco amante de lo ecléctico. Si el funk o lo jamaicano formaron parte de la andadura de PVP, este estudioso del sonido (“es mi vida”) también puede presumir de otros logros: una candidatura a los Grammy latinos como productor del rapero Nilo MC o su aventura como artista electrónico sampleador de flamenco, Digitano. “Desde el respeto y siempre dentro del compás”.
Tanta hiperactividad en estos años contrasta con el alejamiento de Jesús Amodia del mundillo musical. “Pero él no mostraba ni un gramo de óxido, no veas cómo nos hemos entendido con las guitarras”. Al fin y al cabo, los PVP siempre gastaron fama de saber tocar y de ser muy profesionales. “En nuestros comienzos teníamos mánager, técnico de sonido y técnico de luces. Cuando nada de eso existía por aquí, salvo para las folclóricas”.
"Una vez, me encontré por la calle a Rubén Nogueira [escaparatista vigués y marido de Boris Izaguirre] y me dijo que iba al local a ensayar. ¿A ensayar? Que yo sepa no tocas ningún instrumento, le dije. Ya, pero el que no tiene ahora un grupo en Vigo es idiota, me contestó", recuerda a Verne Julián Hernández, cantante y líder de Siniestro Total, sobre la movida viguesa de los años 80. "Era cierto lo que decía Rubén. En esa época había casi más grupos que músicos, porque algunos estaban en varias bandas a la vez".
Madrid y Vigo compiten ahora por las luces navideñas más obscenas, pero esta pequeña explosión creativa vivida hace tres décadas igualó durante un tiempo a una pequeña ciudad gallega con la capital española. Al menos, en cuanto a inquietud y modernidad.
Manuel Soto, el primer alcalde de Vigo en la democracia con el Partido dos Socialistas de Galicia-PSOE (PSdeG-PSOE) fallecido el miércoles 27 de noviembre, tuvo bastante que ver en ello. Fue él quien se encargó de promocionar esa efervescencia cultural.
La crisis económica de los 70 había hecho de Vigo un lugar gris que se enfrentaba al desempleo. Siniestro Total y otras bandas como Golpes Bajos, Os Resentidos de Antón Reixa, Aerolíneas Federales y Semen Up, entre otras muchas, invadieron los escenarios en el mismo espacio y el mismo tiempo. Y atrajeron de nuevo las miradas y los oídos hacia una ciudad a punto de caer en el olvido.
Para Hernández, Manuel Soto "no dejaba de ser un político al fin y al cabo…", dice por teléfono desde Ferrol. "Era un tipo educado que vio la oportunidad de promover la cultura, que en los tiempos de la Transición estaba en muy mal estado, como una forma de aprovechamiento político. Y lo hizo por lo general de forma bastante honesta".
Del cine Salesianos a las listas de éxitos
El germen de la movida viguesa se había dado cinco años antes, a finales de 1981, con un concierto de Siniestro Total en el cine Salesianos de la ciudad. "No fue ni Dios a vernos tocar, pero algo pasó", dice Hernández, que prefiere desmitificar esos años. "No fue un bluf, pero tampoco legendario. Sí que movió la ciudad en cuestión cultural y trajo algo de modernidad. Había gente haciendo de todo, también pintura y poesía, aunque la música es la que ocupaba las portadas".
El músico reivindica a los grupos ye-yes que ya crearon una tradición de música en directo en la ciudad durante la década de los 60. "Los cruceros paraban en Vigo y muchos se montaban una banda para sacarse algo de dinero y ligar con las turistas. Esa era la motivación del rock en Vigo".
Pero los grupos de los 80 estaban mucho más conectados entre ellos. Germán Coppini, que durante un tiempo fue cantante de Siniestro Total, alcanzó el éxito junto Teo Cardalda con el sonido más comercial de Golpes Bajos y sus Malos tiempos para la lírica. Alberto Torrado y Javier Soto, miembros de Siniestro Total, formaron junto a Antón Reixa Os Resentidos. Todos ellos triunfaron a nivel nacional.
"NO PODEMOS ESCRIBIR LETRAS DICIENDO ME PASEO POR BERLÍN PORQUE NOSOTROS NOS PASEAMOS POR PORRIÑO (PONTEVEDRA)", CONTABA SINIESTRO TOTAL EN LA EDAD DE ORO EN 1983.
El tren de los modernos:
El gran hito de esa movida viguesa fue el único viaje del llamado tren de los artistas que viajó de Madrid a Vigo en 1986. Soto apoyó esta iniciativa junto a Joaquín Leguina, en esos momentos presidente de la Comunidad de Madrid, para unir las movidas musicales de ambas ciudades. Alguien decidió poner barra libre en el bar del tren nocturno y los invitados se pasaron todo el viaje bebiendo. Así contaba el encuentro la crónica de EL PAÍS del 22 de septiembre de ese año:
"Un tren cargado de modernos y algunos infiltrados llegó el sábado por la mañana a Vigo. Era la expedición Madrid-Vigo, encuentros en la vanguardia, organizada por el Ayuntamiento vigués y la Comunidad de Madrid. En dos días, encuentros, pocos; vanguardia, incierta. Eso sí, muchas copas y mucha algarabía. En la fiesta de despedida, anoche, Teresa Lozano Díez, de Madrid, resultó herida por una botella que lanzó Fabio MacNamara, y en el hospital General de Vigo le dieron tres puntos de sutura".
"Entre la que lio de MacNamara intentando lanzar una botella al alcalde Manuel Soto y que Alaska terminó llamándole Manueliño, eso acabó un poco como el Rosario de la Aurora. Fue algo parecido a una película de Berlanga", comenta entre risas el líder de Siniestro Total.
El encuentro entre movidas costó al Ayuntamiento gallego 18 millones de pesetas de las de entonces (algo más de 100.000 euros). Cientos de muñecos de tamaño humano colgando en las calles de la ciudad, un concierto conjunto con la banda de Julián Hernández, Los Nikis y Gabinete Caligari y mucha fiesta convivieron durante un día y medio bajo un lema, "Vigo se escribe con M de Madrid". Y el alcalde Soto vistió para el acto con moda gallega, de Adolfo Domínguez.
"A la oposición le parecía un despilfarro. ¿Cómo se gasta el alcalde ese dinero en traer a una panda de borrachos y drogadictos en tren desde Madrid?, decían. Consumir cosas, se consumieron, pero digo yo que no las vendía Manuel Soto…", cuenta Hernández. Al cantante, le valió la pena: "Vigo salió en todos los telediarios y ocupó muchos centímetros cuadrados de revistas y periódicos. Con ese dinero, hubiera comprado mucha menos publicidad de la que se le dio a la ciudad esos días".
Según su experiencia los gallegos recibieron una gran acogida en Madrid en esa época de la Transición. "Les caíamos simpáticos. Seguramente era una cuestión política. A los vascos se les veía como a terroristas. Y a los catalanes como… catalanes. Así que nosotros, que acabábamos de dar a España un dictador gallego, salimos ganando", analiza el espíritu punk de Julián Hernández.
Cuando Vigo y Madrid competían por la mejor movida musical de los 80🚂😎
EL KWAI. En la calle de Fernando VI, 8. Bar cutre abierto por los años 60 del pasado siglo que fue mítico en los años de la movida. “¡Vámonos al Kwai!” era la frase que se gritaba siempre por la zona de Alonso Martínez un viernes o un sábado por la noche. Estaba atendido por Constante, un asturiano que despachaba las pechugas (copas) más mata-hígados que se haya conocido, vasos prácticamente hasta arriba de vodka Yurinka o whisky DYC, que apenas dejaban espació para el refresco. Y el Kwai es famoso también porque el grupo Siniestro Total le hizo una canción y grabaron en el bar uno de sus vídeos. También Os Resentidos.
🥚🥚"Arrascatelo pardiez"
👊☠️🎸
https://youtu.be/DwEELwag81s
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Cuando se nombra a Siniestro Total da la sensación de que siempre han estado ahí; desde luego son uno de los grupos más longevos de nuestra escena y unos de los principales responsables del Big Bang de La Movida y del punk en nuestro país. Varias décadas caldeando el ambiente dan para mucho, así que iniciamos por partes un largo recorrido por una de las bandas con mayúsculas de estas tierras.
Desde muy temprana edad Julián Hernández se interesó por la música, ya en el Colegio Alemán de Vigo -en el que coincide con Alberto Torrado- tocaba la guitarra de su hermana menor con una pipa de girasol al no disponer de púa. Como en aquel entonces no era muy corriente encontrar gente de su misma edad interesada por la música, comienza a asociarse con toda persona en el mundillo que se le acerque. Así, ya en el Instituto del Calvario, establece contactos con Javier Soto y Miguel Costas. Julián entra en el conservatorio y la idea de formar un grupo comienza a ganar fuerza. Influenciados por el blues comienzan a ensayar en casa de Javier todavía sin un nombre fijo.
La estancia de Julián en Madrid -se marcha a estudiar Filología pero abandona rápidamente, tranquilizando a sus padres al seguir en el Conservatorio para convertirse en profesor de música- resulta fundamental para afianzar la idea de formar un grupo. Allí conoce a los Ramones -dándose cuenta de que para tener un grupo es suficiente tener actitud y ganas más que conocimientos musicales- y gente como Sebas, bajista de Polanski y el Ardor, que hacen que su sueño sea más tangible.
En Vigo conocen a Germán Coppini, que entonces ya tenía un grupo, Coco y los del 1500, y un aspecto muy peculiar: chupa de cuero, chapas, botas militares y pelos de punta. Estamos en verano del 81, para celebrar que Javier Soto está de permiso durante la mili, Julián coge el coche de sus padres para celebrarlo. El problema es que la conjunción del alcohol y la niebla es nefasta y el Renault 12 familiar termina estampado. Tras un tiempo en el dique seco se ponen de nuevo en marcha a grabar canciones en cassette bajo el nombre de Mari Cruz Soriano y los que Afinan su Piano. La compañía de seguros dictamina que se trata de un siniestro total y Miguel Costas sólo puede decir “Joder, es un buen nombre para un grupo”.
Comienzan a ensayar en el garage del padre de Antón Reixa, que tenía una distribuidora de bebidas alcohólicas. Hecho que sin duda convertía el lugar en el más idóneo. Tener un nombre como el de Mari Cruz Soriano y los que Afinan su Piano hacía que la gente no supiese qué pensar realmente de ellos, por lo que no tardarían mucho en cambiarlo por Siniestro Total. El 27 de diciembre del 81 tiene lugar en el Salesianos de Vigo su primer concierto junto a otras formaciones como Nacha Pop o Trabalhadores do Comercio. En la formación: Julián Hernández (batería y coros), Miguel Costas (guitarra y coros), Germán Coppini (voz) y Alberto Torrado (bajo).
Graban una maqueta de doce temas para comenzar a difundir la palabra, en ella ya nos encontramos “Ponte en mi lugar”, “Ayatolah!”, “Mario (Encima del armario)", “Purdey” y “Matar jipis en las Cíes”. Esa maqueta llega a manos de Jesús Ordovás -de hecho se la entrega Julián en persona en la Plaza de España de Madrid- que comienza a radiarlos en Radio 3, y más concretamente en su programa Esto No Es Hawai.
Pronto llega su primer concierto en Madrid, en el Marquee, con equipo prestado y Derribos Arias como teloneros. Tocan dos días seguidos, gracias al apoyo de Ordovás y a la gran aceptación de sus canciones se monta un revuelo enorme. Julián con respecto a esto afirma en el libro de Ordovás “Apocalipsis con Grelos” (Antonio de Miguel, 1994) que “se armó un follón y hubo unas hostias acojonantes. A un pobre jipi, con melenas y barbas que estaba saltando en el medio de la sala le metieron una mano de hostias cuando cantamos 'Matar jipis en las Cíes'”.
Es entonces cuando entra DRO en escena y Servando Carballar -Aviador Dro- que se decide a grabarles su primer EP. Todo era tan amateur en la época que ni siquiera firmaron un contrato. Simplemente se pusieron de acuerdo y lo celebraron en el bar de al lado. Se llegaron a editar más de 5000 copias de su debut, “Ayudando a los Enfermos” (DRO, 1982). A los pocos meses llega su primer largo, “¿Cuándo se Come Aquí?” (DRO, 1982), grabado en sólo tres días con un ocho pistas. La que se armó fue todavía mayor. La primera edición se agota a los pocos días y DRO no da abasto para satisfacer la demanda. La repercusión de la banda es cada vez mayor, y todo se acrecienta con la presentación en el Rockola del disco -10 de enero del 83- y sobre todo, con su participación en la Primera Fiesta del Diario Pop, el 1 de marzo de 1983.
Es también al comienzo del mismo año cuando el grupo recibe el encargo del programa de televisión Caja de Ritmos dirigido por Carlos Tena de componer dos temas inéditos para el mismo. Los videos grabados para las dos canciones, “Sexo chungo” y “Me pica un huevo”, compuestas en un periquete por Miguel y Julián, resultan ser dos pequeñas joyas que muestran el sentido de humor del grupo. El de la última en concreto muestra un playback imposible en el que, por ejemplo, Germán canta con una cabeza de gallo como micrófono, Julián se las ve con una gaita y Miguel tontea con un tambor. Ninguno de los dos trabajos tuvo ocasión de ser emitido porque unas semanas antes se había producido la actuación y posterior escándalo de las Vulpess, que conllevó la suspensión del programa. Aún así, el sencillo que editó la discográfica es todo un lujo: “Sexo Chungo / Me Pica un Huevo” (DRO, 1983) fue concebido tras pedirles una edición cuidada porque pagaba RTVE. Así, contenía póster y carpeta doble, con una portada inolvidable con homenaje incluido a The Clash.
Al poco tiempo se produce el que quizás fuera uno de los episodios más dramáticos del grupo: la salida del mismo de Germán, su cantante original. Germán había empezado a tocar junto a Teo Cardalda, en lo que vino a ser el núcleo de Golpes Bajos. Aunque inicialmente simultaneaba la pertenencia a ambas bandas, la aparición en el programa de televisión La Edad de Oro con estos últimos desencadenó la salida de Siniestro Total. Preguntado por la presentadora, Paloma Chamorro, Germán pareció olvidar que también cantaba con ellos. Además, en declaraciones posteriores indicaba que las canciones que le hacían cantar en Siniestro podían resultar graciosas pero insoportables cuando las repites unas cuantas veces. La reacción del resto fue bastante agria. “Germán es de puta madre, es muy buen chaval, pero no hacía canciones, no tenía la misma voluntad de grupo de rock and roll que nosotros y llegó un momento que no pintaba nada”. Él, por su parte responde, en entrevista posterior: “No fue cuestión de ego personal, eso de ahora me callo y tiro adelante con Golpes Bajos. Fue falta de comunicación y diálogo con Julián, con Miguel y con Alberto”. Reconoce no haber hablado “todo lo claro y bien que debía hablar de Siniestro”, y respecto a su salida del grupo “(…) le echo la culpa a terceros, a los que rodean la vida de esos grupos. A productores, gente de compañías discográficas, managers y tal.”
La Movida se estaba desarrollando sobre todo de acorde con los patrones de la denominada postmodernidad, imagen con la que claramente Golpes Bajos casaban muchísimo mejor que los propios Siniestro Total. Para estos, la salida del cantante fue un auténtico palo: “Era la imagen y cantaba muy bien”, reconoce Julián.
Es en estos momentos de transición, en los que el grupo es sometido a las dudas de crítica y público que dan por hecho que sin Germán, terminarán por hundirse, que el papel de Paco Trinidad, productor de sus discos anteriores resulta fundamental. Es el verdadero motor de la grabación del siguiente larga duración, “Siniestro Total II: El Regreso” (DRO, 1983). Les pide unas veinte canciones, como el “Get Happy” (Demon, 1980) de Elvis Costello. Algo caótico, con temas de muy diversas fuentes (Manolo Romón, Antón Reixa, Moncho Alpuente… ) que es, sin embargo, un disco intenso y que da respuesta a toda la expectación creada. La portada, con Bob Hope y un vaso de leche, es de las más logradas en la larga lista de LP del grupo.
Del mismo saldrá un primer sencillo “No Somos de Monforte” (DRO, 1983), que contiene el tema homónimo, ya en el larga duración, y un ejemplo de la capacidad que el grupo tiene para hacer versiones de grandes grupos, apropiándose de la canción en cuestión y adaptándolo a sus muy personales letras; en este caso, nada más y nada menos que “Luna sobre Marín” sacada del cancionero de los Dead Kennedys; por si acaso alguien hubiera pensado que se había agotado el punk en Siniestro Total tras la marcha de Germán. También editan “Más Vale ser Punkie que Maricón de Playa” (DRO, 1984), que recogía dos muy buenos cortes del larga duración: el que daba título al sencillo y “Trabajar para el enemigo”.
La gran conexión entre las bandas que iban conformando el más que interesante panorama gallego tiene una muestra en el EP que editan conjuntamente con Os Resentidos, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), el grupo formado, entre otros, por el polifacético Antón Reixa y Xavier Soto. Cada grupo contribuyó a la irreverente proclama filosoviética mod (pretendían “(…) influir definitivamente en los procesos degenerantes del sistema capitalista para difundir, de una vez por todas, la buena nueva del rhythm & blues en el mundo”) con dos temas. Siniestro Total aportó “Voy a ver a Leonidas” y “La pista búlgara”. El primer larga duración de Os Resentidos -“Vigo Capital Lisboa” (GASA, 1985)- resultó, en el fondo, una prolongación del maxi editado previamente con Siniestro Total.
La sinergia entre ambos combos no se limitaba a este tipo de experiencias conjuntas en grabaciones y actuaciones sino que algunos de sus miembros pivotaban entre ambas formaciones. Así, Alberto Torrado simultaneaba el bajo con los dos grupos, mientras que Xavier, inicialmente guitarrista en Os Resentidos, terminó tocando el teclado con Siniestro Total. Así relataban los implicados y compañeros la situación; Julián: “Alberto tocaba con Os Resentidos cuando no estaba con nosotros (…) Se fue decantando poco a poco hacia el grupo de Antón Reixa mientras que (Xavier) Soto tocaba más con nosotros”; Xavier: “Entré a tocar teclados aunque no tenía ni idea. Lo mío es la guitarra”.
La reafirmación del grupo en su nueva etapa llega con “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), para muchos, uno de los discos más rotundos y redondos del grupo. Letras geniales, de punk desquiciado como sólo ellos saben hacer y con tiempo para la filosofía personal. El disco tiene carrete para tres sencillos “Tipi Dulce Tipi” (DRO, 1984), “Te Quiero” (DRO, 1985) y “Si yo Canto” (DRO, 1985), pero fácilmente hubieran podido ser tres o cuatro más, dada la pegada de muchos de los cortes de las dos caras del disco.
La hiperactividad de Julián y Miguel les da para lanzar a Siniestro Total a una meteórica carrera y colaborar con proyectos en paralelo. Miguel, por ejemplo, ha empezado a montar con Silvino Díaz, a la sazón novio de su hermana Rosa, Aerolíneas Federales. Al grupo se les irán uniendo componentes, femeninas sobre todo, Coral y la propia Rosa, hasta que un disco antes de su disolución, Miguel se quedase en tierra. Por su parte, Julián colabora con Os Resentidos y se dedica a experiencias personales como Mil y Sus Muermos, donde se presentaba con una guitarra y caja de ritmos para hacer versiones, entre otros, de Derribos Arias.
En verano de 1985 sale “Bailaré Sobre tu Tumba” (DRO, 1985), un disco con una cara grabada en estudio (los Trak de Madrid) y otra en directo, con actuaciones en una variedad de sitios diferentes grabados por Paco Trinidad y Juan Verdera (Derribos Arias). De ese verano destaca por ejemplo el concierto dado en Santiago de Compostela, en el auditorio de Castrelos, donde coincidiría con otras muchas bandas como Golpes Bajos, Poch (tras su frustrado paso por CBS), etc. La presentación del disco se produce en Madrid, en la Sala Universal, cosechando un enorme éxito de crítica en prensa. Del mismo salieron tres sencillos “Bailaré Sobre tu Tumba / No me Lavo en la Vida” (DRO, 1985), “Al Final” (DRO, 1986) y “¿Qué tal Homosexual?” (DRO, 1986).
El grupo, una vez consolidado como banda grande, empieza a trabajarse en serio lo de las giras veraniegas. Tras muchas malas experiencias en la carretera deciden además contratar los servicios de Paz Tejedor (que trabaja también con Radio Futura) y la agencia Party? como manager. Siniestro siempre tuvo fama de ser buenos cumplidores en el circuito de actuaciones. Contaba de ellos Pepo Fuentes, compañero junto a Paco Trinidad en muchas de las salidas que hacían los gallegos: “Llegaban en el tren, les recogíamos con la furgoneta, iban a probar, comían, se echaban un poco y se presentaban frescos a tocar, mientras que otros grupos, si tenían que tocar a las once de la noche llegaban a las nueve y pretendían probar el sonido con la gente esperando fuera”.
Las constantes referencias a sus orígenes hacen que Siniestro Total termine siendo asimilado, de alguna manera, como exponente en todo el ambiente musical de los 80 de Galicia. No es de extrañar pues que se vieran involucrados en la composición de un irreverente himno gallego: “Galicia, gran Carallo de Sal” (Baterías Taponadas, 1986). La letra corre a cargo de Manolo Romón y la música es obra de Julián Hernández. El single aparece como Os Cantores do Sil (Siniestro Total) y fue publicado por mediación de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo y la Xunta de Galicia y presentado en unas jornadas en Santander a cargo de Las Fuerzas Atroces del Noroeste. En la cara B del single se incluye su versión en castellano, interpretada en clave punk, "Galicia, gran carajo de sal", tema que aparece en el 93 en el recopilatorio recopilatorio de rarezas y caras B “Ojalá Estuvieras Aquí” (DRO, 1993). Existe una edición en flexi disc del single.
De igual forma participan activamente en las desquiciadas jornadas de hermanamiento entre Madrid, Vigo y Cangas de Morrazo. Estas últimas trajeron a lo más granado de la movida madrileña a tierras gallegas, autoridades y artistas incluidos. Siniestro Total tocaría con Nikis y Gabinete Caligari.
Es entonces cuando, a iniciativa de la compañía, sale “Grandes Éxitos” (DRO, 1986), un compendio de temas diversos de la banda desde sus comienzos, que aunque aparentemente no contó con el beneplácito del propio grupo, supuso una oportunidad inmejorable para escuchar algunas rarezas de lo más interesante. Como por ejemplo la que editaron como sencillo “Dios Salve al Conselleiro” (DRO, 1986).
El siguiente disco que prepara realmente el grupo, “De Hoy no Pasa” (DRO, 1987), es el resultado de una nueva visita de Julián desde Madrid, donde sigue estudiando. Normalmente Miguel y Julián comunicaban sus progresos con nuevas canciones por teléfono. Cuando Julián volvía a Vigo por unos pocos días, se aprovechaba para montar los discos. En este caso, sí es cierto lo que respondían en entrevistas, el título respondía a los problemas para encontrar un lugar donde tocar y ensayar. Echados de la casa del padre de Javier Soto, “(…) fue cuando dijimos de hoy no pasa que encontremos un local. Y fue la primera vez que empezamos a trabajar en serio los cuatro juntos, según el concepto que hay ahora de grupo: tocar en el local todos juntos, ensayar, arreglar las canciones entre todos”.
Para algunos se trata del disco con mejor producción y sonido de Siniestro Total. Comienza con una versión de Cucharada, el grupo de Manolo Tena, y supone un paso adelante más en la carrera de los vigueses. Se grabaron muchas más canciones que las que luego pudieron entrar en el vinilo final, pero la sucesión de sencillos -“Diga qué le Debo” (DRO, 1987), “Quiero Bailar Rock and Roll” (DRO, 1987), y “De Hoy no Pasa / Elefantes Rosas” (DRO, 1987)- permitió darles salida como caras B.
Se trata además del trabajo en el que Julián comienza a cansarse de la batería. Algunas de las que aparecen en el disco, son programadas. Por otro lado, es el último disco de Alberto Torrado con Siniestro Total, ya que decide marcharse a tocar con Os Resentidos, con los que dice sentir que su música está más valorada. Aun así colaborará con sus antiguos compañeros tocando el bajo en su siguiente trabajo “Me Gusta Cómo Andas” (DRO, 1988).
Por su parte, Julián se implicará en el apadrinamiento y labores de producción de Bromea o Qué?, ofreciendo su propio sello BBTT (Baterías Taponadas). El grupo busca de forma urgente un bajo y un batería para completar la formación y los encuentra en Segundo Grandío, que se encarga del bajo, y Ángel González que pasa a tocar la batería.
En el 90 llega “En Beneficio de Todos” (DRO, 1990), grabado en los estudios Trak con Eugenio Muñoz. Siniestro Total continúan creciendo con cada disco, con este superan las 50.000 copias -disco de oro- y media España se viste con camisetas con eslóganes como “En Beneficio de Todos: No Me Deis más de Beber” o “En Beneficio de Todos: Cállese, Señora”. Este crecimiento obliga al grupo a crear una nueva estructura capaz de controlar su desarrollo, y se une como manager Xosé Manuel Blanco, creando la corporación Loquilandia. Dos años después, Siniestro Total alcanzan su cumbre particular; estamos ante su momento de mayor éxito y repercusión social. “Ante Todo Mucha Calma” (BMG, 1992) los lleva hasta la cima. Un disco grabado en directo en la sala Arena de Valencia el 22 de noviembre del 91 que repasa toda la carrera de los vigueses.
En el 93 llega “Made in Japan” (BMG, 1993), el octavo álbum de estudio, a la postre el último en el que participa Miguel Costas -quien posteriormente monta Los Feliz con Martín Esturao (Dr. Gringo) a la segunda guitarra y Pedro Feijoo al bajo-. El disco es grabado entre mayo y junio del 93 en Memphis, en los míticos estudios Ardent, con la producción de Joe Hardy -ZZ Top, Georgia Satellites, Jeff Healey-, quien en cierto modo pasa a ser un miembro más de la banda desde la distancia. El aspecto audiovisual comienza a tener cada vez más peso gracias a la vinculación del realizador Mikel Clemente, quien se encarga de realizar los videoclips de tres de los cortes del disco: “El hombre medicina”, “Yo dije Yeah” -con la colaboración de Álex de la Iglesia- y “Cuenca minera”.
En su siguiente trabajo “Policlínico Miserable” (BMG, 1995) se mantiene la conexión con Memphis, los estudios Ardent y Joe Hardy. Un disco grabado entre el 14 y el 28 de Marzo del 1995 que es presentado en la Sala Revólver de Madrid con la incorporación al saxo de Jorge Beltrán. Mikel Clemente se dedica a grabar imágenes a lo largo del Mississippi para un reportaje y un nuevo video.
En un momento conflictivo de su carrera, en el que las ventas no son las de antes, deciden hacer un exquisito repaso por la música popular nacional con interesantes paradas como las que los llevan a Los Cafres, Los Coyotes, Los Salvajes o Ilegales. Johnny Cash siguió un camino parecido con sus American Recordings, aquí, con “Cultura Popular” (Virgin, 1997) fueron Siniestro los que se atrevieron a desempolvar el cancionero nacional. Y digo desempolvar porque el rescate de cortes como “Cultura popular” de Moncho e Mailo Sapoconchos, la “Alimaña” de Los Cafres o el “Es muy fácil” de Los Mitos, es realmente meritorio. Más de veinte versiones, desde el “Soy así” de Salvajes a “Gelito” de Los del Páramo. El disco se presenta -y es grabado en directo- los días 9 y 10 en el Palacio de Congresos e Exposicións de Santiago de Compostela por todo lo alto, mediante un espectáculo audiovisual concebido para la apertura de curso universitario 1996 / 97 dirigido por Mikel Clemente.
Un año muy prolífico el 97, en el que también nos entregan “Así Empiezan las Peleas” (Virgin, 1997) -disco en directo grabado en la gira que dio el grupo en 1996, y que recoge momentos de las actuaciones en el campo de futbol de Maceda (Orense), la plaza de toros de Oviedo, el pabellón Interpeñas de Zaragoza, la sala La Riviera de Madrid y un tema en Dr. Jeckyl de Buenos Aires-, “Gato por Liebre” (DRO, 1997) –recopilación hecha por DRO a su libre albedrío de todas las versiones que realizaron Siniestro Total a lo largo de su historia- y “Sesión Vermú” (Virgin, 1997) -segundo larga duración de Siniestro Total en su etapa con Virgin-.
En el 93 Siniestro Total viajaron a Memphis para grabar “Made in Japan” (BMG, 1993) con Joe Hardy en los míticos estudios Ardent. Pero además de grabar se pasearon por las tiendas de segunda mano de la ciudad buscando discos de pizarra recubiertos de polvo. Entre las compras les llamó la atención uno de Jack Griffin, un personaje del que desconocían su existencia y que a base de muchas búsquedas de información e ir atando cabos se dieron cuenta que era un referente tan valido como cualquier otro para desarrollar un viaje sin red a las entrañas más profundas del blues. Así nace “La Historia del Blues” (Virgin, 2000). Segundo Grandío abandona la banda y ocupa su lugar al bajo Oscar G. Avendaño. Al mismo tiempo Julián se asocia a Rómulo Sanjurjo (Os Diplomáticos de Monte-Alto) y pone en marcha Transportes Hernández y Sanjurjo.
Dos años después llega el triple álbum “¿Quiénes Somos?, ¿De Dónde Venimos?, ¿A Dónde Vamos?” (DRO, 2002). Un trabajo temático en el que un disco está dedicado a repasar el presente de la banda, otro a repasar el pasado y otro a mirar hacia delante y adelantar el futuro. En los agradecimientos podemos leer un emotivo mensaje: “Siniestro Total desea aprovechar la edición de este triple álbum para dar las gracias de corazón a toda la gente que de una u otra manera ha colaborado con el grupo y le ha proporcionado la energía, las ideas y los medios que han hecho posible una carrera de veinte años. Somos conscientes de que no están todos los que son (sería una tarea imposible) pero sí son todos los que están. Este disco está dedicado a ellos y a todos los que han apoyado el proyecto ST desde 1981”.
Incluyen dos temas -“800 balas” y “Enseñarle a Dios (una cosa o dos)”- en la banda sonora de la película de Álex de la Iglesia “800 Balas” (2002) y su particular versión de “Correcaminos (The Road Runner)” en el recopilatorio “Patitos Feos” (BMG, 2002).
En el 2005 Siniestro Total con una formación estabilizada con Julián Hernández (voz, guitarra), Javier Soto (guitarra solista, coros), Ángel González (batería), Jorge Beltrán (saxo) y Oscar Avendaño (bajo, coros) entran a grabar en Casa de Tolos -el estudio de Segundo Grandío en Mañufe (Pontevedra)- “Popular, Democrático y Científico” (Loquilandia / Diablo, 2005). De la producción se encarga de nuevo Joe Hardy y del apartado audiovisual Mikel Clemente.
El 1 de abril del 2008 se publica “Que Parezca un Accidente” (Sony / BMG Loquilandia, 2008), un 2CD+DVD que recoge la grabación en directo del concierto del 27 de diciembre de 2006 en el Cine Salesianos de Vigo. Un repaso por todos sus grandes éxitos grabado en directo el mismo día, a la misma hora y en el mismo lugar en el que dieron su primer concierto pero veinticinco años después. Ellos lo explican a su manera: “El criminal vuelve al lugar del crimen, sin nostalgia y sin arrepentimiento, para celebrar una fiesta bestia sin concesiones. Que parezca un accidente es el testimonio puro, duro y crudo de esa noche. Sin retoques de estudio y sin cirugía tecnológica; todo lo que ocurrió está en este disco y todo lo que está en este disco ocurrió”. Este mismo año Miguel Costas graba su primer trabajo en solitario “Condenados a Costas” (G. Domani, 2008).
En 2009 participan en el aniversario de la Sala El Sol por sus 30 años, para unos meses después viajar hasta Venezuela, donde da tres conciertos en la capital.
Las ganas del grupo se manifiestan en la grabación de un nuevo disco "Country & Western" (Sony, 2010) que graban en los estudios de The Foam Box en Huston (Texas) donde vuelven a trabajar con Joe Hardy como productor. Disco que rebosa energía por todos lados, indaga de nuevo en diferentes aires de la música norteamericana, para seguir, eso sí, con sus constantes vitales en letras y referencias a su Galicia del alma, perfectamente intactas.
Seis años después, y tras publicar varios singles digitales, publican un nuevo trabajo en vinilo 10": "El Mundo da Vueltas" (Trilobite, 2016). El brillante diseño, en gatefold, es obra de Depende Durante. Se trata de una impactante “intervención” (en parte collage, en parte manipulación) sobre el “Inferno” de Giovanni da Módena (siglo XV), por la que se pasean Luis Tosar, John Malkovich, Felipe González, Aznar, Rouco Varela o Mick Jagger.
Actualmente Siniestro Total son una leyenda viva de la escena nacional, respetados por compañeros, prensa y público, continúan con la misma ilusión de siempre demostrando que se puede mantener la actividad durante más de tres décadas siendo fieles a sus principios.
(*) Recuerda por la CULERADA zapatos de Claqué.
Ostras como se dice en Mallorca!!!
Entonces en el 92, ya había canal pus, con tele FIVE ( bailemos el hincó) y Antena Free Facha.
Como avanzó Iberia 😎
Después VINO 🍷otra crisis IMPUESTA del CARAJO.
España moderna Sevilla92 y salta la tapia BARCELOOOOONA!🤔
Ahora la letra puede que te llevará a la cárcel🏴☠️✊
Te mataré con mis zapatos de claqué
Te asfixiaré con mi malla de ballet
Te ahorcaré con mi smoking
Y morirás mientras se ríe el disc-jockey
Y bailaré sobre tu tumba
Te degollaré con un disco afilado
De los Rolling Stones, o de los Shadows
Te tragarás la colección de cassettes
De las Shan-Gri-Las o de las Ronettes
Y bailaré sobre tu tumba
Te clavaré mi guitarra
Te aplastaré con mi piano
Te degollaré con mis platillos
Te trepanaré con mi órgano Hammond
Y bailaré sobre tu tumba...
🎷💊💉🧯📆🚬⚰️💣⚰️🎺🎛️🎚️🎧🎤
Una de Aerolíneas 🍊🍌🍍🍉🍒🍓
Bendigamos MIA TERRA GALEGA🏴☠️💣🚬
Sin acritud y resentimiento nos vamos a VALENCIAAAAAAAAAA 🥘🥘🥘🥘🥘🥘🥘
La semilla de la denominada “Ruta Destroy” se sembró a caballo entre finales de los 70 y primeros 80, dentro de lo que fue la particular “Movida Valenciana”, movimiento que a pesar de tener mucha menos repercusión mediática que la conocida Movida Madrileña y de haber sido injustamente marginada, muchos afirman que tuvo tanta o mayor importancia real que esta, no solo por la infinidad de grupos autóctonos que aparecieron y la vitalidad cultural que aportaron a la ciudad de Valencia, mientras que la verdadera movida madrileña fue en realidad, en palabras de muchos que la vivieron, disfrutada por unos pocos privilegiados, sino porque esta otra movida, la valenciana, actuó como potente catalizador para que una ingente cantidad de grupos extranjeros, principalmente e inicialmente británicos, fueran dados a conocer en toda España, a través de Valencia, donde dieron su primer paso en la península, para después dar el salto al resto del país. Además, la de Valencia acabó derivando en el culto a esos centros de ocio llamados discotecas,
creando por primera vez en España un movimiento de música de baile con sonidos que hasta entonces no eran entendidos como tal, sonidos de importación que asiduamente traían los disc-jockeys valencianos y otros personajes importantes directamente desde Londres, Manchester, y otras ciudades europeas. Lo que derivó en la posteriormente llamada Ruta Destroy. El término movida valenciana, de hecho, se ha extendido hasta incluir a la movida discotequera de la Ruta Destroy.
A finales de los 70, en plena transición, la ciudad de Valencia, que por aquel entonces apenas llamaba la atención en cualquier aspecto cultural, político o social, quiso reclamar su parte de protagonismo. Durante la era Post-Punk y New Romantic (la llamada era new wave), la ciudad empezó a florecer, no sólo musicalmente sino también culturalmente. Empezaron a aparecer grupos musicales autóctonos con una marcada tendencia vanguardista, y de una manera menos mediática que en Madrid. Se dice que mientras en Madrid, los iniciadores del movimiento fueron Kaka de Luxe y Burning, en Valencia lo fueron, en 1979, La Banda de Gaal y seguidamente La Morgue. Grupos como Seguridad Social, Video, Glamour, Comité Cisne, Betty Troupe, In Fraganti, La Morgue o Interterror lideraban una legión de artistas valencianos que apostaban por los nuevos sonidos llegados directamente del Reino Unido o Alemania, y empezaban a poner de moda la imagen del post-modernismo de principios de los 80, con looks elegantes, sofisticados y estridentes, heredados y evolucionados de la era punk. En esa época, un local sobresalió entre todos por su amalgama cultural, Pyjamarama, pero hubo otros, como Bowie, Gasolinera, Tropical (que años más tarde se conocería como ACTV), Video, Estandarte o Planta Baja. Asimismo, debido a esta apertura en Valencia a sonidos no tan convencionales, muchos grupos extranjeros empezaban su andadura por tierras españolas pisando primero Valencia, como el caso de Soft Cell. La gente empezó a interesarse cada vez más por estos sonidos de synth-pop/rock/pop/gótico, etc, en su mayoría procedentes de las islas británicas, en una época con demasiada influencia de la canción ligera y de cantautor. En aquel momento, sin embargo, aún no había ninguna discoteca que realmente pinchase esa clase de sonidos. Dichos sonidos no iban ligados a la música de baile, que aún estaba basada casi exclusivamente en música negra (funk, los inicios del house, etc) y sonidos disco europeos como el italo-disco, y por ello, aún no se entendían como tal, por lo cual aún estaban relegados a las salas de conciertos y los bares de copas. Seguían existiendo exclusivamente las boîtes y salas de fiesta setenteras, tapizadas y llenas de espejos.
Fue a raíz de abrirse una sala llamada Oggi, auspiciada por el principal precursor y gurú de la movida discotequera, Juan Santamaría, cuando esos sonidos, y toda clase de rarezas electrónicas y guitarreras, eran pinchados para un público aún muy selecto y con grandes inquietudes musicales y culturales. La sala no tardó en decaer por oscuros derroteros (gente adicta a la heroína y otros problemas). Más adelante, la misma gente responsable del Oggi se trasladó a la sala Metrópolis, en un intento de agrupar a todas las tribus urbanas de Valencia (rockers, mods seguidores del garage rock o del ska y otros sonidos con marcada influencia sesentera, nuevos románticos, punks, góticos, etc), tribus que por aquel entonces y durante todos los 80 fueron muy prolíficas. Esto no estuvo exento de problemas, ya que muchas de estas tribus urbanas rivalizabasn entre sí, como los rockers y mods. Hasta que la fiesta se trasladó a una sala llamada Barraca, en Les Palmeres (Sueca).
Valencia 1982
Barraca empieza la fiebre:
Todo se puede decir que empezó allá por 1982 , Barraca una legendaria discoteca cambio su forma de entender la música y cambio su ambiente por uno mas radical y liberal ,los sonidos electrónicos principalmente alemanes hacían presencia en Barraca, esta discoteca que fue inaugurada allá por 1976 dio el paso definitivo para empezar toda esta locura cuando decidió cambiar el panorama musical de su local de ocio . Front 242 ,Kraftwerck ,Ultravox , Anne Clarke ,Invisible Limits , Farm ,Vicius Pink , A split second etre otros empezaban a sonar por las noches de Barraca Destroy , la fiebre estaba cerca de llegar las sesiones se hacían cada vez mas largas y se hacia normal ver amanecer en su terraza , aun así Barraca aun no era del todo conocida hasta que Abrió Chocolate en Septiembre de 1982 ,fue el impulso definitivo para comenzar la ruta ,la gente se empezó a congregar por aquélla zona entre el Perelló y Sueca , en 1983 se hacían populares los viajes de una discoteca a otra ,Chocolate impulso sus sonidos hacia un corte mas radical y vibrante ,Barraca se encomendaba mas a sonidos mas Synt Pop y electrónico melódicos , Los denominados chocolateros disfrutaban como enanos con la maquinaria alemana (industrial) que Chocolate tanto apreciaba pinchar es sus locas sesiones hasta el amanecer , todo esto impulsado por una droga que iba a ser determinante para forjar la leyenda .LA MESCALINA ,una mezcla de excitantes con estimulantes varios tales como anfetamina, centramina y lisedrinas ,estas drogas mezcladas con alcohol revitalizaban las ganas de bailar y las ansias (virtuales) de vivir .
1984-Nace Spook Factory
Todo era buen royo por Barraca y Chocolate ,sus interminables sesiones se hicieron famosas en 1984 ,cuando abrió para muchos la mejor discoteca de todos los tiempos en la península ,Spook Factory la mas psicodélica y excéntrica discoteca de la costa levantina una leyenda viva ,rompió moldes con sus sesiones matutinas abriendo viernes y sábados ,atrayendo así a gente necesitada de experiencias radicales de evasión , la ruta empezaba a tomar forma ,Valencia se esgrimía como la capital mundial de la fiesta Techno , los grupos alemanes electrónicos eran los lideres en las sesiones de las discotecas ,la música Industrial llegaba su máximo esplendor con los Front 242 este grupo nacido en 1982 hizo las delicias de los jóvenes de la época con sus sonidos radicales y sus vibrantes percusiones electrónicas .
¿por qué Valencia? Porque Valencia fue la ciudad elegida para la evasión y la expansión de libertades y no por ejemplo Madrid o Barcelona , hay muchas respuestas ,muchas lógicas e ilógicas pero la que mas se sustenta es la idea de que tras la represión por la muerte del caudillo Madrid estaba muy en el punto de mira y Barcelona se cernía como una ciudad nacional socialista .
Valencia estaba liberada de toda presión social y era idónea para crear un ambiente evasivo de euforia compartida , esta libertad se empezaba anotar en la misma ciudad donde locales nocturnos cerraban sus puertas entre las 5 y 6 de la madrugada ,con esta premisa era fácilmente adivinable lo que se venia encima.
Destroy y ruta 💊🎧🎚️🎛️🎤👌
Para mí de los más recordados y queridos!
Funk-Punk para recordar el 12 a 1 a MALTA 👌
🥅⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽en muy buena compañía...✊
https://youtu.be/-AqbRI-RtzI
El estribillo hoy sería de denuncia directa.
:facepalm:
La única evidencia si queda💰💵el poderte pagar el apartamento del futuro (hasta que el planeta se vaya al carajo)☠️
Y ya de paso traje para el entierro color plateado, muy Bowie y muy GLAM🦺🎩
A rebobinar las cintas de video BETA 🤭
SONY SUPER!!!
Entrevistarlos y verlos a en directo un placer; como la tropa que viene, y a otras muchas más decenas de ellos 😎gran suerte y buenos recuerdos...
Tengo hambre🐸🐸🐸🐸🐸🐸🐸
Auténtico Glamour:
Los mejores en directo...
No vendieron tanto como Video ni aparecieron tanto en las revistas de colorines como Betty Troupe; sin embargo Glamour fueron los primeros y seguramente el mejor de los grupos que conformaron lo que se bautizó de forma oportunista como Movida Valenciana. Glamour nace de la fusión de dos grupos: La Banda de Gaal, en la que estaban Luis Badenes (cantante), José Luis Macías (teclados) y Remy Carreres (bajo), y Doble Zero en la que militaban José Payá (batería) y Adolfo Barrera (guitarra). Esa unión tuvo lugar a finales de 1980 y el debut ocurrió en el Planta Baja, en el barrio del Carmen. Enseguida otros locales emblemáticos como El Teléfono, regentado por Manolo Alcalá y Paco Adelantado, comienzan a promocionar el tecno valenciano. En 1981, esta misma pareja de jóvenes empresarios abrirán el Pyjamarama, en la zona de Pelayo, que se convertiría enseguida en la referencia musical de la ciudad del Turia.
Una persona fundamental para Glamour fue su productor, Esteban Leivas, que les ayuda a encontrar una imagen conceptual y visualmente homologable a los nuevos románticos como Ultravox o Duran Duran. No obstante, su música sólo cabe calificarla de tecno-pop con abundante uso de sintetizadores monofónicos, cajas de ritmo, rototoms, secuenciadores y toda la parafernalia electrónica del momento. Tampoco les eran ajenas influencias de Roxy Music o Bowie, auténticos maestros e ídolos de toda la generación musical que eclosionó en España a principios de los 80. La habilidad de Esteban Levias y una maqueta que fue repartida por todos los pubs valencianos que la pincharon hasta la saciedad en el verano de 1981 consiguieron que dos potentes discográficas, CBS y Polydor, se interesaran en ellos, decantándose finalmente por esta última.
En noviembre de 1981 saldría a la venta el LP “Imágenes” (Polydor, 1981), que pondría al grupo en circulación por toda España al año siguiente. La canción que da título al citado disco conoció también ediciones en formato single y maxisingle.
Entre gala y gala, en el verano de 1982, van a grabar su segundo LP, que aún tardaría tiempo en ver la luz. “Guarda tus Lágrimas” (Polydor, 1983), un disco sensiblemente parecido al anterior y que ya no alcanzó las ventas y repercusión que tuvo su primera obra. Por el contrario, el grupo vivía en aquel año 83 su mejor momento con directos cargados de magia y con la maquinaria musical perfectamente engrasada. En esos directos incorporaban siempre el saxo de Ramón Gilabert, aunque éste nunca apareció formalmente como miembro del grupo.
En 1983 ofrecen en las fiestas madrileñas de San Isidro una actuación mano a mano con Soft Cell y en el Pabellón del Joventut, en Badalona, ofrecerán uno de sus más importantes conciertos junto a Stray Cats y otros grupos. Fueron los últimos brillos de unas estrellas a las que se les había corrido el maquillaje y que acusaban la poca capacidad de evolución que el tecno nacional tuvo en aquellos años. Justo en ese momento dulce, Glamour decide dejarlo, cerrando su carrera en enero de 1984, cuando otros grupos de La Movida Valenciana, hasta cierto punto imitadores suyos, triunfaban por toda España.
Adolfo Barrera formaría el grupo after punk Ceremonia, que dejarían un solo maxisingle. José Luis Macías y Remy Carreres montarían otro de los grandes grupos valencianos: Comité Cisne, donde apadrinarían a un jovencito: Carlos Goñi, que se convertiría andando el tiempo en uno de los más influyentes músicos del país. Finalmente, el cantante Luis Badenes grabaría algunos discos como solista en sellos independientes.
Imágenes muchas📼📺📹🎹
Una de salas de conciertos, antes de Asturias, Aragón, País Vasco y Cataluña; más comics, recuerdos y otros retoques🏴☠️💣🚬⚽✊🎚️
Como aquellos tiempos de grupos, estilos y sonidos, patrios y ajenos... del 80 al 95... nunca volverán.
Aún con nuevas salas...remenbers... grupos post- independientes...aquel tiempo de rotura y rebeldía, vivir intensamente lo posible entre el bien y el mal...no te encontraré...
Todo maqueado y bien controlado🏴☠️💣🚬por el momento eso creen🐾⏳
Aragón YE NAZION!🏔️🍊
Después de la ensaimada de Palma a la breva del 86 al 95 de Zaragoza.
Uno detrás de otro.
🍒🍒🍒🍒🍒🍒🍒
🍻🍺
Sanguíneo Rossi Plaza Atarazanas🤭
Una época sonada:
Un restaurante, una ortopedia o hasta un gimnasio 24 horas de “próxima apertura” ocupan hoy los locales que durante años albergaron algunas de los mejores salas de conciertos de la capital aragonesa durante las décadas de los 80 y 90.
Una de las más añoradas es la sala Devizio de Zaragoza, en la zona del Rollo (Doctor Lozano), recién convertida en iglesia evangélica, sede de la Asamblea Apostólica de la Fe en Cristo Jesús. Ahora lo que allí se cantan son misas. En el recuerdo quedan las estrofas de Kase O y los ecos de las canciones de Mano Negra.
Unos años antes, a mediados de los 80, surgieron en Zaragoza dos salas de conciertos de vital importancia para la escena musical de la ciudad. Las dos abrieron en 1986: la M-TRO, el 16 de mayo, en la calle de Casa Jiménez, 8 -en la actualidad es un restaurante italiano-; y la En Bruto, el 4 de septiembre, en Comandante Santa Pau (actual calle de Héroes del Silencio, 1), todavía en activo con el nombre de Snatch Club.
La M-TRO nació como una cooperativa con aspiraciones más allá de ser un mero espacio para conciertos. Tenía dos pisos: en la planta calle disponía de tiendas, entre ellas una peluquería; y en la inferior, la sala de conciertos, con una capacidad para 300 personas.
M-TRO, una sala muy movida.
“El grupo que tuvo el honor de inaugurarla aquel día fue Pécora Jarris -interludio de Distrito 14– con Mariano Chueca a la cabeza. Ese día, la sala estaba de bote en bote, hasta tal punto que hubo que esperar en la puerta parcialmente a que fuese saliendo personal para poder entrar”.
Por su escenario pasaron, entre muchos otros grupos: Héroes del Silencio, Mestizos, Más Birras, IV Reich, Furtivos, La Frontera, Los Nikis, The Meteors, Tijuana in Blue, Desperados, Dogo y los Mercenarios, Coyotes, Ana Curra, Potato, Tahures Zurdos, Los Negativos, Freddy Fingers Lee, Wilko Johnson “o los franceses Hot Pants, el grupo de un entonces jovenzano Manu Chao“, recuerda el programador musical Chema Fernández.
La M-TRO también albergó exposiciones, proyecciones y representaciones teatrales, pero por desgracia su historia se truncó en junio de 1989 cuando comenzaron los problemas con los permisos para organizar conciertos en directo en el local. Ya en los 90, solo quedó la planta de arriba, que durante un tiempo funcionó como cafetería hasta que finalmente cerró sus puertas.
En Bruto, un escenario bestial
La En Bruto, propiedad de Nacho Royo, continuó como referente tras el cierre de la M-TRO. Se había inaugurado con un concierto de Los Desechables y desde entonces, y hasta 1997, por su escenario pasaron numerosos grupos de la escena nacional e internacional: Sonic Youth, Johnny Thunders, Héroes del Silencio, Más Birras, Pedro Botero, Ferrobós, Los Enemigos, Gatos Locos, The Godfathers, EMF, Flesh for Lulu, New Model Army, Radio Futura, Niños del Brasil, The Fuzztones, The Sinners, The Fleshtones, BB sin Sed, La Granja, Mestizos, Proscritos, Lágrimas de Mermelada, John Landis Fans, La Dama se esconde o Días de vino y rosas, entre tantos otros.
En ambas salas se celebraron seis ediciones del concurso Medio Kilo de Rock (1988-1993) -que originalmente premiaba con 500.000 pesetas a los ganadores-. Por el escenario de la M-TRO, en 1988 y 1989, pasaron algunos de los mejores grupos del panorama musical aragonés del momento y, a partir de 1990, siguió celebrándose en la En Bruto. La séptima y última edición de este concurso tocó a su fin en el Centro Cívico Delicias, entre 1994 y 1995.
En este certamen fueron premiados bandas como Los Especialistas, Reo, Los del Trasmuro, Tako, Luxury Beat, Los Malvados, La Residencia, Pasajeros del Viento, Club Eléctrico, Visitantes, El Regalo de Silvia, Duques, INK, United Colors of Funk, The Canfraners, Iguana, La Ley, Flores Venenosas, Facsímil y S. C. R.
Green Day, en el Rollo:
Muy cerca del Devizio, en el bar Piramys ANGELITO (Perpetuo Socorro, 11), actuaba el 1 de mayo de 1993 una banda californiana que por aquel entonces acababa de firmar con Geffen Records y de cuyos componentes se decía que eran “Los Beatles del punk”: Green Day. Tocaron en Zaragoza, con los teloneros locales Trip Inside; y otras dos veces, en la En Bruto y en la discoteca Heaven, dentro de los conciertos de su gira española gracias a Producciones Zambombo, antes de convertirse en un grupo de masas.
Hubo otras salas en los 80 que fueron antecesoras de la gran eclosión en la década siguiente: BV-80, El Plató (acabó siendo la discoteca KWM y, en la actualidad, una ortopedia) y bares míticos como el Caligrama, El Escaparate, BERLÍN- PUNK Paradys, Potoka☠️💣🏴☠️Interferencias, Sacher, Cairo… Algunos continuaron con distintos nombres, otros desaparecieron, aunque perduran en el recuerdo de muchos parroquianos que pasaron allí buena parte de sus años de juventud.
En los 90, salas y locales como la Morrissey –en cuyo local se anuncia la próxima apertura de un gimnasio 24 horas-, King Kong, Angelito Piramys, La Casa del Loco, La Piedra de Blarney, Arrebato, Utopía,✊💣🏴☠️ La Casa de la Paz🏴☠️💣, El Refugio del Crápula, La Campana de los Perdidos, Café del Prior, El MURO, Oasis, Morrison Hotel, La gruta, Punto y Aparte o La Lata de Bombillas, peinando el fin de la década, marcaron el ritmo. Aunque desafortunadamente, muchos de ellos desaparecieron.
Vida para el recuerdo...
Donde antes estuvo el letrero del Café del Prior -abierto hace 25 años-, se colocó después el de The Cavern Club. Pero desde hace tres años luce otro más expresivo: Vivalavida, nombre del proyecto con el que Óscar Vicente, más conocido como Antílope, ha logrado resucitar este espacio.
El local ha albergado diversas actividades culturales durante un cuarto de siglo: presentaciones literarias, actuaciones y conciertos de música. Por ese motivo, Vivalavida acaba de lanzar un llamamiento a través de las redes sociales en el que solicitan fotos, vídeos, recortes, entradas, historias y anécdotas relacionadas con esta establecimiento a lo largo de todos estos años con el fin de recopilarlos y editarlos en un libro. Además, anuncian la preparación de un ciclo de conciertos, un concurso musical y una fiesta para celebrar este aniversario.
Tardes de pantalones anchos y noches de al compás de las horas 🍺🍻🎙️🎚️🎧📻
https://youtu.be/RGyqbgnaga8
Discos de los Jam, noches de ciudad, existencia depresiva...
https://youtu.be/FIiuUSyAx3o
😎🚬🖐️
Siempre supe que nuestro amor no fue más que un gran error
Intentare olvidar algo que no debió pasar
Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya
Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya
En el oeste me esconderé
En el oeste te olvidare
El morado me protegerá
Espero que no me encontraras
El piel roja me enseñara
La mentira y la verdad
La razón para existir
Y como no pensar en ti
Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya (repetir x 2)
Los bisontes los venados
Descubrirán lo que te odiado
Las estrellas me liberaran
Las serpientes los apaches
Sabrán hacer lo que tu no haces
Donde no pise el hombre blanco
Jamás se convertirá en pasado
Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya(repetir x 4)
Segunda pregunta como se llama el cantante de los Niños del Brasil?
Del amor al odio♥️💘💀🦴
Bunburrico SONG🎹🎚️
https://youtu.be/DImiQDm6cHc
Por hoy cerramos la casa de la imperfección, mañana aún queda algo OSCENCE pasa puess...🎤
Asturias, País Vasco, Comics, Retoques, CELESTE sala, Nazario, Azagra, Tijuana in blue, víbora y...
⚽⏳🏔️
Solo falta el colgado de Bauhaus📸📀🖲️🎸
https://youtu.be/sCluiViSnNA
7 de Marzo.
Revolución, cuentas pendientes, castigo y limpieza.
✊💸
Tercera pregunta que unen a estos dos grupos memorables en sus dos canciones.
Vamos CHACALES!!!